La escena alternativa europea recibe una nueva llamarada creativa con el estreno de "Hellfire", el esperado single de Lucy Fair, el proyecto musical de la cantante y compositora berlinesa Valentine Romanski. Con una propuesta que fusiona luz y oscuridad, fuerza y delicadeza, la artista presenta un tema que se siente como un viaje emocional, espacial y cinematográfico a partes iguales.

"Hellfire" es mucho más que una canción: es una experiencia sonora que combina ganchos celestiales y melodías etéreas con grooves contundentes, cuerdas dramáticas y una atmósfera cargada de electricidad. Lucy Fair ha logrado construir un universo propio donde conviven la melancolía y la energía, el pop alternativo y la sensibilidad de una cantautora, envueltos en una producción que recuerda a un encuentro improbable entre David Lynch y Sailor Moon, salvando juntos al planeta de un demonio interestelar.

Conocida desde su adolescencia en la escena musical alemana, Valentine Romanski consiguió su primer contrato discográfico a los 14 años. A lo largo de su carrera ha colaborado con grandes nombres como Bosse y Rea Garvey, y hasta Paul McCartney la elogió tras invitarla a actuar en su gala Adopt A Minefield, declarando: “This girl is amazing”. Ahora, con Lucy Fair, Romanski ofrece una visión renovada del pop, mezclando riffs de rock alternativo con atmósferas envolventes y una narrativa emocional que convierte cada canción en un pequeño largometraje.

"Hellfire" inaugura una nueva etapa en la carrera de la artista, dirigida a quienes buscan en la música algo más que estribillos pegadizos. Aquí cada acorde y cada palabra son parte de una historia mayor, donde cada instante se vuelve épico. Fans de Florence & The Machine, M83, Wolf Alice, Placebo, Kate Bush, Tori Amos o David Bowie encontrarán en Lucy Fair un nombre imprescindible que promete emocionar y sorprender.

El single ya está disponible en plataformas digitales y marca el inicio de lo que se perfila como una serie de lanzamientos llenos de magnetismo y carácter. Para no perderte ninguna de sus novedades y adentrarte en su particular cosmos sonoro, puedes seguir a Lucy Fair en sus redes sociales. La historia de esta artista fantástica, intrigante y bella acaba de comenzar.

La multifacética artista Dove Cameron vuelve a desafiar las reglas del pop convencional con su nuevo single “Romeo”, una pieza cargada de sensualidad, drama y energía cinematográfica que ya está disponible en plataformas digitales. Fiel a su estilo, Dove combina letras atrevidas con una producción envolvente, consolidando su lugar como una de las voces más singulares del pop actual.

Tras el éxito de Boyfriend, convertido en himno queer y celebrada carta de presentación de su faceta más personal, la artista continúa explorando sonidos que mezclan lo confesional con lo provocador. En “Romeo”, Dove Cameron presenta una historia de amor obsesivo y peligroso, donde la pasión se convierte en una religión propia, y el deseo roza lo destructivo. “Give you that love you’d kill yourself for, I bleed red so Valentino”, canta en uno de los versos más intensos, dejando claro que este tema no se anda con sutilezas.

Musicalmente, Romeo es una explosión de pop noir, con ritmos contundentes, cuerdas cinematográficas y una estética que recuerda al glamour oscuro del Hollywood clásico fusionado con la cultura pop de los 2000. Dove se mueve entre referencias de moda —Calvin Klein, Celine, Valentino— y guiños cinematográficos, como su mención a Tarantino, creando un universo visual y sonoro propio.

La canción viene acompañada de una letra descarada y directa, donde la artista presume de ese magnetismo oscuro que la ha hecho destacar en la escena alternativa pop. Desde su duffel bag en el callejón hasta su negativa a ir al cielo sin su Romeo, todo en este tema es intensidad, pulsión y seducción.

Actualmente, Dove Cameron compagina su carrera musical con su participación en la serie musical de Apple TV+ Schmigadoon!, y continúa preparando nuevos lanzamientos que prometen seguir expandiendo su universo sonoro, siempre con una mezcla de confesión, irreverencia y sofisticación emocional.

“Romeo” ya está disponible en plataformas digitales. Para más información sobre Dove Cameron y sus próximos proyectos, síguela en sus redes sociales.

La escena indie-pop española suma una colaboración poderosa con la llegada de “No soy como tú”, el nuevo single que une a la malagueña Luzía y la valenciana Moni Motes, dos de las voces jóvenes más prometedoras del panorama actual. La canción, disponible ya en plataformas digitales, es un relato emocional y valiente sobre esas relaciones que dejan huella y la dificultad de hacerse pasar por indiferente cuando el corazón sigue cargado de preguntas sin responder.

Para Luzía, de 21 años y originaria de Málaga, este tema supone un paso importante dentro de un año de trabajo intenso junto a nombres destacados de la nueva escena nacional como Hey Kid, Yarea, Daniel Sabater o St Woods. Tras estrenar su primer single “Toda la vida”, la joven artista continúa moldeando su identidad sonora a base de letras directas y melodías pop con vocación confesional. “No soy como tú” consolida su propósito de ponerle melodía a todo eso que a veces cuesta decir en voz alta.

A su lado, Moni Motes, una cantautora valenciana de apenas 20 años que en los últimos meses ha conquistado las redes y los escenarios, desde sus inicios compartiendo versiones en Instagram y TikTok hasta su aplaudido debut en el festival Starlite de Marbella en 2023. Moni acumula millones de reproducciones en Spotify con temas como “Tan Desconocidos” y “la canción de los 2”, y su conexión emocional con el público se mantiene intacta en este nuevo tema, donde vuelve a mostrar su sensibilidad y su honestidad brutal en cada verso.

La letra de “No soy como tú” funciona como un diálogo interior y una despedida emocional a la vez. Frases como “Me quedaría callada, haría como si nada… sería tan fácil, pero no soy como tú” resumen el espíritu de una canción que se niega a disfrazar el dolor y, en cambio, lo abraza con lucidez. Una melodía pop delicada envuelve este mensaje sincero que conecta con cualquiera que haya tenido que aprender a fingir que todo está bien cuando no lo está.

Con este lanzamiento, Luzía y Moni Motes confirman que el pop íntimo y honesto tiene una nueva generación de voces femeninas decididas a ocupar su espacio. Ambas artistas han anunciado que este tema es solo el comienzo de una etapa cargada de nuevos proyectos, colaboraciones y canciones que seguirán explorando los claroscuros de las emociones humanas.

“No soy como tú” ya se puede escuchar en plataformas digitales. Para no perderse sus próximos estrenos y conocer más sobre Luzía y Moni Motes, puedes seguirlas en sus redes sociales.

El músico y compositor Jere, una de las voces más personales y reconocibles del indie estatal, presenta su nueva versión de Algo Contigo, el emblemático tema del argentino Chico Novarro que alcanzó gran popularidad en los años 90 gracias a la interpretación de Rosario Flores. Lejos de limitarse a una revisión fiel al original, Jere decide llevar la canción a su terreno, transformándola en una pieza de indie rock melódico que respeta la emoción de su letra, pero actualiza su lenguaje sonoro y su actitud.

Algo Contigo conserva intacta su esencia lírica —esa confesión valiente y directa de deseo, de ganas de compartir la vida junto a alguien—, pero cambia de atmósfera por completo. Las guitarras acústicas y los aires flamencos se sustituyen aquí por un envolvente arreglo eléctrico de corte alternativo, donde conviven guitarras limpias y distorsionadas, una base rítmica dinámica y un estribillo expansivo, pensado para ser coreado en festivales, salas y escenarios al aire libre. La voz de Jere aporta el equilibrio justo entre intimidad y desgarro, convirtiendo la canción en una nueva experiencia emocional que habla tanto al público que conoce el clásico como a las generaciones que lo descubrirán a través de esta versión.

Tras su último álbum Cafeína y un año intenso sobre los escenarios, con presencia en festivales como Polifonik (Huesca), Vid Festival (Ciudad Real), CanviRock (Barcelona) o Fortaleza (Lorca), Jere sigue demostrando su capacidad para reinventarse y para tender puentes entre el pop alternativo y las canciones de siempre. Con Algo Contigo, el artista reafirma su lugar en la escena indie en castellano, alineándose con esa nueva generación de músicos que entienden que un clásico no solo se versiona: también se transforma y se hace propio.

Este lanzamiento confirma además la versatilidad de un artista con más de 18 años de trayectoria, conocido por su energía en directo y su habilidad para conectar con el público a través de letras sinceras, melodías adictivas y una actitud honesta sobre el escenario.

Algo Contigo ya está disponible en plataformas digitales, y promete convertirse en uno de los momentos más especiales de sus próximos conciertos. Para descubrir más sobre Jere y no perderse sus futuros lanzamientos, se puede seguir al artista en sus redes sociales.

Tres años después de su último lanzamiento, el artista franco-libanés Lukas Abdul vuelve a la escena musical con Mi Amor, un single que reafirma su capacidad para tender puentes entre culturas y géneros. Descubierto por el gran público en The Voice, Lukas Abdul se ha consolidado como un artista completo: autor, compositor, intérprete y actor, con una sensibilidad artística que viaja entre las sonoridades urbanas y orientales.

Fichado recientemente por el sello Blackstar —hogar de artistas como Gims y Linh—, el joven cantante ha enriquecido su propuesta tras una intensa experiencia recorriendo escenarios en Francia, España y el mundo árabe, con paradas memorables en Líbano, Marruecos y Dubái. Mi Amor nace precisamente de ese recorrido vital y musical, combinando Urban Pop, matices de música Latin-Andalusí y el espíritu emotivo de la chanson française. El resultado es una canción que invita a bailar, a sentir y a dejarse llevar por un ritmo que late a medio camino entre el Mediterráneo y las grandes capitales del pop urbano.

Impulsado por títulos como Les Maux Bleus y Beyrouth, Lukas Abdul trabaja actualmente en su primer EP, L'inkipit, un proyecto con sello propio que él define como ElectrOriental Pop. Con una pluma sensible y una voz que navega entre la nostalgia y la celebración, Abdul ofrece en Mi Amor un adelanto de ese universo emocional y sonoro que caracteriza su propuesta.

El single ya está disponible en plataformas digitales, y promete convertirse en una pieza esencial para quienes buscan música que cruce fronteras y emocione. Para conocer más sobre Lukas Abdul y sus próximos proyectos, se puede seguir al artista en sus redes sociales.

El grupo asturiano Los Ruidos lanza hoy "Procrastinación", su nuevo álbum de estudio que recopila los singles digitales que han ido publicando en los últimos tiempos. Probablemente, se trata del trabajo más completo y ambicioso de su carrera, pues mantienen su espíritu libérrimo y reivindicativo, manteniendo su forma de crear sin prisa, ajenos a los ritmos impuestos por la industria, guiándose por el más que legítimo deseo de hacer música cuando llega la inspiración y apetece de verdad, no cuando la mercadotecnia lo exige.

"Procrastinación" es, en ese sentido, una declaración de intenciones. En las letras, la banda sigue atreviéndose a pisar charcos que otros grupos suelen esquivar. Así es como este disco aborda asuntos sociales y políticos candentes, mostrando una implicación que nace del compromiso más auténtico, sin caer en lo panfletario.

Por lo que se refiere a lo musical, el disco combina la energía del punk y el rock más seminal, como buen power trío, pero admitiendo arreglos más complejos, que reflejan la evolución sonora de la banda, que en algunos casos admite instrumentaciones adicionales, incorporando colaboraciones de músicos que elevan este trabajo a un nuevo nivel, aunque sin perder la honestidad que es marca de la casa.

Estas colaboraciones son uno de los puntos fuertes del álbum. Por un lado, la presencia de Ramoncín, leyenda viva del rock español, canta junto a Juan Martínez en "El Retrovisor" (canción construida como un homenaje a aquella primera época de Ramoncín, cuando ambos coincidieron en un concierto en Gijón en 1978). Según palabras del propio Ramón:
"Participar en la creación de otros siempre es un reto. Juan ha confiado en mí para este tema y espero sinceramente haberme acercado a lo que él pensaba. Para mí ha sido un honor y un placer."

La otra gran colaboración llega desde Estados Unidos, de la mano de Dean Chamberlain, guitarrista y cantante de Code Blue, grupo de culto que Juan considera su favorito. El encuentro se dio tras un concierto en Gijón en 2022, y un año después surgió la propuesta de colaborar. Dean quedó impresionado por el enfoque ecléctico de la banda, que mezcla riffs de hard rock, jazz, rockabilly y otros estilos incluso dentro de una misma canción.
"Fue un gran desafío, pero también un placer. A pesar del idioma, hablamos a través de la música. Idiomas universales, afirma el guitarrista."

El resultado es un disco que mezcla potencia, libertad creativa y madurez. Canciones que van del golpe directo al desarrollo más elaborado, manteniendo siempre la frescura que caracteriza a Los Ruidos desde sus inicios. Las letras hablan de rutina, deseo, cansancio, amor y desafección, siempre con una mirada ácida y un fondo muy humano.

Llevábamos años esperándolo, y al fin ha llegado: ya está disponible El Retorno, el álbum debut de Santiago Motorizado en solitario. El líder de la banda argentina El Mató a un Policía Motorizado presenta su primer disco como solista: una obra profundamente singular y una joya para los admiradores del estilo tan personal del compositor argentino. 

Cada canción de El Retorno refleja las pasiones de Santiago Motorizado: el cine, los héroes que lo han inspirado, el fútbol y las sutilezas del amor, entre encuentros y desencuentros. A través de diez temas, el músico nos lleva en un viaje hacia sus inquietudes más personales. Siguiendo ese ritmo soft rock asimilado a El Mató a un Policía Motorizado pero en una clave más acústica, Santiago consigue un sonido clásico y directo que penetra al oyente con cada acorde. Y su excelente lírica, que salta entre emociones sin dificultad, refuerza la esencia tan especial de su música.

Los primeros adelantos de El Retorno marcaron el camino que seguiría el disco: una riqueza melódica e instrumental sublime como en Google Maps y la poderosa cadencia maquinal del pop edificada sobre cimientos rock de La Revolución. El resto de temas le siguen. La apertura al son de Camino de piedras nos recuerda esa temática recurrente a lo largo de su obra, la verdad y la culpa, la lucha entre el bien y el mal. Y para cerrar, la infatuación instantánea convertida en canción a través de modulaciones y cambios de tonalidad, Dana. 

Ese estilo tan personal y mágico de Santiago Motorizado se muestra en todo el disco: la tristeza y ternura de El Gomoso, los sueños imposibles en Amor en el cine, el rock épico en la balada No me trates mal... E incluso hay espacio para una versión muy especial de Jazmín Chino, original de 107 Faunos e imprescindible en los directos de Santiago.

El Retorno marca un nuevo comienzo para el músico, que hasta ahora sólo había trabajado en solitario para publicar bandas sonoras como La muerte no existe y el amor tampoco o Canciones sobre una casa, cuatro amigos y un perro. Uno que aplaudimos con emoción.

La artista chilena Canel@ Pop Music lanza su nuevo single Y Comprendí, una composición íntima y honesta que refleja su forma de vivir la música: como un vehículo para contar historias reales y compartir emociones profundas. Compositora, cantante y productora, Canel@ Pop Music crea y graba sus canciones desde su propio estudio casero, donde da forma a un universo sonoro marcado por su experiencia personal y su sensibilidad artística.

Y Comprendí es una canción que habla de procesos internos, de aceptar las lecciones que dejan las relaciones y de la valentía que implica entender cuándo es momento de soltar. Con una producción delicada y una interpretación cargada de emoción, la artista consigue conectar con quienes han transitado por situaciones similares, invitando al oyente a identificarse y dejarse llevar por sus letras sinceras y melodías envolventes.

Para Canel@ Pop Music, la música no solo es su pasión, sino también una herramienta para llegar a nuevos públicos y compartir su arte de forma independiente. Apostando por plataformas digitales y sus redes sociales como canales principales de difusión, busca expandir su comunidad de oyentes y seguidores, ofreciendo canciones que nacen desde su propia experiencia y que buscan resonar en quienes las escuchan.

Y Comprendí ya se encuentra disponible en plataformas digitales, marcando un nuevo paso en la trayectoria de una artista que sigue apostando por la autenticidad y la libertad creativa. Para descubrir más sobre Canel@ Pop Music y sus futuros lanzamientos, se puede seguir de cerca su actividad en sus redes sociales.

El reconocido tenor venezolano Eleazar Mora presenta su emotiva versión de La roca fría del calvario, una de las piezas más significativas de la zarzuela La Dolorosa, y un clásico del repertorio sacro y lírico en el mundo hispanohablante. Esta nueva interpretación no solo destaca por su impecable técnica vocal, sino por la profunda espiritualidad que el artista ha sabido imprimir en cada nota, convirtiendo la obra en una experiencia íntima y trascendente.

Con una trayectoria internacional consolidada y múltiples reconocimientos —entre ellos los Global Music Awards, Telly Awards y Communicator Awards—, Eleazar Mora ha hecho de este lanzamiento un testimonio personal de fe y arte. “Quise grabar esta pieza no solo como cantante, sino como creyente, como ser humano”, comparte el tenor. “En un mundo saturado de ruido, esta música nos devuelve al silencio, a la compasión y al encuentro con lo divino.”

La versión, acompañada de una cuidada orquestación grabada entre Miami y Caracas, realza la fuerza emocional de la melodía sin perder el respeto por sus raíces litúrgicas. La producción dota a la pieza de un aire cinematográfico que envuelve al oyente y lo invita a detenerse, respirar y conectar con lo esencial. Complementando este lanzamiento, se ha estrenado un emotivo videoclip oficial filmado en el interior de una iglesia, con imágenes simbólicas y reverentes que acentúan el carácter espiritual de la obra.

Este sencillo forma parte del recorrido artístico de Eleazar Mora a través de los géneros sacro, romántico y teatral, una travesía en la que el tenor ha sabido fusionar belleza, tradición y emoción, ofreciendo al público interpretaciones que elevan el espíritu y honran la riqueza musical de la cultura hispana.

La roca fría del calvario ya está disponible en plataformas digitales, reafirmando a Eleazar Mora como una de las voces más sensibles y versátiles del panorama lírico actual. Para descubrir más sobre su trayectoria y próximos proyectos, se puede seguir al artista en sus redes sociales.

La cantante y compositora sonorense Ingrid Contreras vuelve a conquistar corazones con “No quiero que seas feliz”, su nuevo sencillo, una balada de mariachi-pop donde el desamor y la honestidad brutal se convierten en protagonistas. Con su voz poderosa y su inconfundible estilo interpretativo, Ingrid entrega una canción que pone palabras a ese sentimiento que muchos han sentido, pero pocos se atreven a confesar.

Lejos de las despedidas resignadas o los mensajes políticamente correctos, “No quiero que seas feliz” habla desde la herida abierta. Es la confesión sin filtros de quien no ha logrado soltar y desea, aunque sea en secreto, que al otro tampoco le vaya tan bien sin uno. Ingrid lo canta con una mezcla de vulnerabilidad y carácter que eriza la piel, demostrando una vez más por qué es una de las voces más interesantes de la nueva generación de balada-pop y mariachi-pop.

Desde que su carrera profesional arrancó como por destino, tal como ella misma lo describe —“pensaba que si era para mí, de alguna manera se iba a atravesar en mi camino, y así sucedió”—, Ingrid Contreras ha sabido ganarse su lugar combinando tradición, frescura y una interpretación que siempre prioriza la emoción. A sus 28 años, y tras éxitos como “A quién quiero engañar” (tema de la telenovela Quererlo Todo) y “Pobre Corazón”, que la llevó a ser nominada en Premios Juventud 2021, la artista de Ciudad Obregón sigue consolidando una carrera marcada por su autenticidad.

“No quiero que seas feliz” mantiene ese sello característico de Ingrid: una letra cercana, un arreglo que mezcla la nostalgia de los metales de mariachi con la suavidad del pop contemporáneo, y una interpretación que conecta con cualquiera que haya amado y perdido. Una canción para cantar con el alma rota y los ojos cerrados.

El tema ya está disponible en plataformas digitales. Para conocer más sobre Ingrid Contreras y sus próximos proyectos, puedes seguirla en sus redes sociales.

JC Gómez, reconocido cantautor y compositor con una trayectoria de más de 20 años en la música, presenta su más reciente sencillo, “Alunizaje”. Escrita en el turbulento año 2021, durante la pandemia, la canción se erige como el reflejo de una íntima historia de amor real: ese amor secreto, velado y no proclamado, que deja una huella profunda en el alma. Con una narrativa honesta y conmovedora, “Alunizaje” se distingue por su sobriedad y autenticidad, llevando al oyente a sumergirse en un universo de emociones genuinas y memorias compartidas.

El resultado es fruto de un meticuloso trabajo colaborativo en el que JC Gómez contó con la experiencia de grandes profesionales. Raniero Palm, productor del tema, fue quien impulsó a que la composición se convirtiera en el pilar central de la obra, marcando el camino para un enfoque que prioriza la esencia lírica sobre todo artificio.

Asimismo, Arturo Antequera, guitarrista tachirense, fue responsable de transformar la poesía en una melodía cautivadora, mientras que Pablo Governatori se encargó de la mezcla y Eduardo Martínez, de dBmix Studios, pulió el máster final. Cada intervención destacó un compromiso inquebrantable con la calidad y la veracidad del mensaje musical.

Adicionalmente, el videoclip de “Alunizaje” constituye una extensión visual de la emotividad y la autenticidad del sencillo. Dirigido por Jimmy Rivero para CINEMATH STUDIOS y con producción ejecutiva de Alberto Barrios y Juan Carlos Gómez, este proyecto audiovisual destaca por una cuidada dirección de fotografía a cargo de Pedro Futrille y una inspiradora idea original junto con la dirección de arte de Analí Camargo. La producción de campo, liderada por Gabriela Gómez, y el aporte en A&R por parte de César Eduardo Bracho, con la valiosa asistencia de Francisco López de VAO Records, consolidan una experiencia visual que potencia el mensaje íntimo del tema.

En esta nueva etapa, JC Gómez reafirma su identidad como artista. El cantautor muestra orgullo por su letra y su propuesta auténtica, resistiéndose a las tendencias pasajeras y apostando por un estilo personal con sólidos fundamentos en la composición clásica—donde su órgano vocal es el protagonista, sin recurrir a efectos digitales excesivos. Este retorno a lo esencial no solo es un desafío interpretativo, sino también una declaración de principios ante un panorama musical en constante cambio, en el que la honestidad y la coherencia se convierten en la fuerza motriz para conectar con el oyente.

Paralelamente, JC Gómez continúa expandiendo su labor detrás de escenas, colaborando en la composición y producción para otros proyectos. A finales de mayo se destacó por haber participado en más de 20 lanzamientos musicales, en un momento clave para la postulación a los Latin Grammy, en proyectos tan diversos como el álbum de Cesared, el proyecto de Emily Galaviz y sencillos de Ina Peralta y Palmera Beat. Anteriores colaboraciones con artistas como Cabas y Luis Silva consolidaron su reputación dentro de la industria, demostrando que su expertise es sinónimo de compromiso y excelencia en el arte musical.

Mirando hacia el futuro, el artista anuncia el inicio de una nueva alianza con Vao International, una entidad que valora su propuesta musical y que se vislumbra como el motor para mantenerlo vigente en el competitivo mercado actual. Esta asociación no solo potenciará el lanzamiento constante de nueva música, sino que también contribuirá a la construcción de una comunidad sólida de oyentes, afines a su visión artística. Además, JC Gómez ha adoptado un enfoque integral para su evolución, reflejado en cambios personales significativos, que se traducen en una madurez y asertividad renovadas en cada composición.

En resumen, “Alunizaje” representa mucho más que un sencillo musical; simboliza el renacer de un artista comprometido con su esencia y su legado. JC Gómez demuestra, una vez más, que la autenticidad y la pasión son los ingredientes imprescindibles para vivir y hacer vibrar el arte, reafirmando que cada experiencia vivida a lo largo de dos décadas se ha transformado en la cumbre de una carrera que promete seguir inspirando a nuevas generaciones.

Muñeca Rusa lanza su nuevo single y videoclip "Viernes sin ti", una balada indie-punk de alto voltaje emocional que explora el desgaste afectivo, la dependencia emocional y la espiral de culpa y adicción que muchas veces se esconde bajo la superficie de una relación. Tras el impacto de su anterior adelanto, "SHOCK", la banda asturiana vuelve con una propuesta más oscura y visceral, en la que el dolor se traduce en distorsión, melodía y letras afiladas.

La canción, compuesta por Andrey Fomchenko, ha sido producida por Igor Paskual (guitarrista y compositor de Loquillo), junto al propio Fomchenko y Sergio “Firu” Díaz, quien también ha estado a cargo de la grabación, mezcla y masterización en OVNI Studio.

"Viernes sin ti" fue grabada un viernes con toda la banda tocando al mismo tiempo en el estudio, en una sesión cargada de intensidad que quedó capturada en cada pista. La mezcla, realizada en un domingo de resaca, refleja la montaña rusa emocional que atraviesa la canción: es un tema que sangra, que duele, que late con fuerza.

La letra retrata con crudeza el bucle emocional de una relación tóxica: la espera, la ansiedad, la soledad del fin de semana sin la persona deseada. Frases como, como un yonki mirando tu foto en mi móvil o Nos matamos a movidas, sin ganas de follar, no dejan espacio para la ambigüedad. Es un grito de desesperación envuelto en guitarras saturadas y un dueto vocal entre Fomchenko y Olaya, bajista del grupo, que recuerda a un universo paralelo donde los Foo Fighters jamás se hicieron millonarios y el rock sigue siendo una cuestión de vida o muerte.

El videoclip que acompaña el lanzamiento ha sido dirigido por Pablo Rionda y rodado en el mítico local Bola 8 de Gijón. En él, dos personajes interpretados por Elisa Sánchez y Guillermo Barrio protagonizan una coreografía cargada de gestos extremos y silencios densos, reflejando ese tira y afloja afectivo que no lleva a ningún sitio. Es también la primera vez que los cuatro miembros de Muñeca Rusa aparecen como banda en pantalla, reforzando su identidad como bloque creativo. La fotografía del videoclip corre a cargo de Rionda y Alejandro Viña; el estilismo ha sido obra de Malena López y del propio Fomchenko; y el diseño gráfico ha sido realizado por Sergio Juan.

La talentosa cantante y compositora Gerina, galardonada con un BMI Award por su destacada trayectoria como autora, continúa consolidando su faceta como artista con el lanzamiento de su nuevo single “Lo Que No Tienes”. Este tema, que llega tras el éxito de “Arrepentido”, estrenado en marzo de 2025 con gran acogida en medios y plataformas, vuelve a demostrar el sello personal de la artista: una mezcla vibrante de pop latino contemporáneo con una narrativa honesta y cargada de emociones.

Criada entre Venezuela y Estados Unidos, y con dominio fluido del español, inglés e italiano, Gerina imprime en cada canción la riqueza de sus raíces multiculturales, convirtiendo sus composiciones en auténticas historias que conectan con el público de distintas latitudes. “Lo Que No Tienes” no es la excepción; se trata de una pieza poderosa, con tintes occidentales, que habla de reconocer el valor propio frente a quienes no supieron apreciarlo, con una letra que empodera y una producción moderna que resalta su inconfundible voz.

El lanzamiento viene acompañado de un innovador videoclip animado que no ha dejado indiferente a nadie. A través de imágenes simbólicas y una narrativa visual cautivadora, el video refuerza el mensaje de la canción: que lo verdaderamente valioso está en lo que uno es, no en lo que otros no supieron ver. Una historia que, más que un complemento audiovisual, se convierte en una experiencia que invita a la reflexión y al autoafirmación.

El 2025 está siendo un año decisivo para Gerina. Además de continuar escribiendo y publicando su propia música, la artista se prepara para llevar sus canciones a escenarios internacionales. Este verano recorrerá Europa con una esperada gira que permitirá al público disfrutar en vivo de su propuesta, mientras sus temas ya empiezan a sonar con fuerza en radios y medios especializados.

“Lo Que No Tienes” ya está disponible en plataformas digitales, y para quienes deseen seguir de cerca sus próximos lanzamientos, fechas de gira y contenido exclusivo, pueden hacerlo a través de sus redes sociales. Gerina consolida así su voz como una de las más interesantes y auténticas de la nueva escena pop latina.

La sensación internacional Cris MJ, el artista chileno que está redefiniendo la escena de la música urbana latina, presenta su esperado nuevo álbum APOCALIPSIS, una declaración musical audaz que marca un antes y un después en su carrera.

Con APOCALIPSIS, Cris MJ abre nuevos caminos al combinar el reggaetón tradicional con el pop futurista y una propuesta global vanguardista. El álbum de 18 temas ofrece una experiencia sonora inmersiva que muestra su evolución como artista y su compromiso con romper barreras musicales. Es un proyecto que trasciende géneros, fronteras y expectativas, y que consolida su lugar como una de las voces más influyentes de la música latina actual.

Canciones como Maybach, Braile y Tercer Cielo, reflejan la versatilidad artística de Cris MJ, mientras que el tema central, Vamo a Bailotear, se perfila como un éxito global inmediato. Con sintetizadores oscuros, una base sólida de reggaetón y una lírica intensa, encarna el espíritu y la visión de un artista que no teme liderar.

Para Cris MJ, este álbum no es solo un proyecto musical, sino una declaración artística: “Apocalipsis es lo más personal y ambicioso que he hecho hasta ahora, representa una etapa nueva en mi vida y en mi carrera, más madura, donde me atreví a experimentar con nuevos sonidos sin perder mi esencia. Quiero que mi gente sienta la evolución, pero también la energía con la que empecé. Quiero que el mundo sepa que desde Chile también se hace historia y de la grande”, expresó el artista, destacando el carácter personal y visionario de su nuevo trabajo.

Con APOCALIPSIS, Cris MJ presenta su proyecto más ambicioso hasta la fecha, un álbum conceptual que simboliza un punto de inflexión en su carrera artística. Inspirado en una estética de época, la obra se sitúa en una París medieval, una ciudad envuelta en tensiones, misterios y transformaciones profundas, que sirve como metáfora del propio proceso de evolución personal y musical del artista.

La ciudad de París fue su fuente principal de inspiración del artista para crear esta obra de reggaetón, pop y modernidad global. Su historia, su arquitectura majestuosa y su energía atemporal alimentaron la visión de un álbum que rompe fronteras y estilos, fusionando lo urbano con lo clásico, y lo íntimo con lo universal.

El término APOCALIPSIS no solo remite al fin de una era, sino también al nacimiento de una nueva. A través de esta narrativa, Cris MJ explora emociones intensas, cada tema del álbum representa un capítulo en esta travesía emocional, donde el artista se reencuentra consigo mismo en medio del caos, el deseo, la ambición y la redención. APOCALIPSIS es más que un disco: es una declaración artística de madurez, una obra conceptual que marca un antes y un después en la trayectoria de Cris MJ, proyectándolo hacia una nueva etapa con identidad, fuerza y visión.

El ascenso de Cris MJ ha sido meteórico. Ha encabezado los rankings más influyentes, incluyendo Billboard Hot Latin Songs, Global 200, Global Excl. US y el Billboard Hot 100. También hizo historia al ganar el premio Global 200 Latin Song of the Year en los Premios Billboard de la Música Latina 2024, y Top Latin Song of the Year en los Billboard Music Awards (anglo).

Recientemente, se convirtió en el primer artista chileno en ingresar al exclusivo “Billions Club” de Spotify, superando los mil millones de streams con su icónico hit Una Noche en Medellín, un logro reservado solo para los grandes de la industria.

Con solo 23 años, Cris MJ ya supera los 30 millones de oyentes mensuales en Spotify, ha colaborado con estrellas internacionales de primer nivel y ha llevado su gira mundial a América Latina, Europa y Estados Unidos. Su voz está definiendo una nueva generación del urbano latino y reescribiendo la narrativa global desde el sur del continente.

El proyecto musical Commotion, conocido por su capacidad para romper etiquetas y fusionar géneros, presenta su nuevo single “booty calls (rewind remix)”, una reinvención atrevida y cargada de matices de una de sus canciones más emblemáticas. Este lanzamiento marca un paso más en la evolución de un artista que, desde sus inicios con una guitarra a los 12 años y tras años girando con bandas de metal por Estados Unidos y Canadá, ha sabido transformar sus vivencias en una propuesta musical auténtica y emocionalmente honesta.

“booty calls (rewind remix)” toma como base la versión original del tema, caracterizada por su energía rockera con tintes electrónicos, y la reimagina bajo una atmósfera dominada por texturas hip-hop y R&B. Sin perder la esencia de las guitarras punteadas y los sintetizadores etéreos que distinguen a Commotion, esta nueva entrega ofrece una lectura más íntima y envolvente, perfecta para quienes buscan una experiencia sonora que combine nostalgia noventera con una sensibilidad moderna.

Commotion, proyecto que lleva años colaborando con productores de renombre como David Bendeth y Bobby Huff, mantiene en esta canción su enfoque en hablarle a quienes han experimentado la pérdida, el desarraigo o la desilusión, pero siguen buscando alegría, conexión y momentos de luz. Este remix, más que una simple versión alternativa, funciona como un viaje emocional que refleja esa lucha interna entre recuerdos que pesan y el deseo de volver a sentir.

El sonido del rewind remix conserva los acordes melancólicos de guitarra y los sintetizadores que flotan en la mezcla, pero les añade beats urbanos y líneas vocales más suaves y confesionales, creando una atmósfera que sorprende sin traicionar la identidad de Commotion. Es una demostración más del carácter flexible y visceral de un proyecto que bebe del rock de los 90 y 2000, pero que se expresa desde un presente sonoro sin prejuicios.

“booty calls (rewind remix)” ya está disponible en plataformas digitales, listo para quienes deseen descubrir una nueva dimensión de Commotion y sumergirse en su particular universo sonoro. Para no perder detalle de sus próximos lanzamientos, giras y novedades, puedes seguirlo en sus redes sociales. Una muestra más de que, cuando la música nace desde lo más profundo, siempre encuentra nuevas formas de conmover.