Barcelona se prepara para vivir una de las citas culturales más esperadas del año con la llegada del Alma Occident Festival, un evento que une música, arte, gastronomía y sostenibilidad en un entorno único: el Poble Espanyol. Del 26 de junio al 21 de julio, el festival se convertirá en el punto de encuentro entre tradición mediterránea y vanguardia artística.

Este año, el cartel no podría ser más potente. Artistas de la talla de Guitarricadelafuente —que ha colgado el cartel de "entradas agotadas" en dos noches consecutivas— encabezan una programación diversa que también incluye la fusión de talentos como Zahara y Natalia Lacunza, la energía única de Fangoria, el soul desgarrador de Rag'n Bone Man, la poesía urbana de Residente, el estilo inconfundible de Wilco, y el arte mestizo de Raule, entre otros.

Un festival que va más allá de la música

El Alma Occident no es solo una serie de conciertos: es una experiencia multisensorial. El público también disfrutará de una zona gastronómica de autor. Todo ello envuelto en una atmósfera mágica que invita a pasear, descubrir y sentir.

Compromiso con el entorno

El festival apuesta fuerte por la sostenibilidad. Desde su política de cero plásticos hasta un riguroso plan de gestión de residuos y movilidad responsable, cada detalle está pensado para minimizar el impacto ambiental sin renunciar a la excelencia.

Una experiencia para todos los sentidos

El Alma Occident se ha convertido en sinónimo de calidad, cuidado y diversidad cultural. Tanto si eres amante del indie, del pop alternativo, del rap latino o de la canción de autor, aquí encontrarás algo que conecte con tu esencia. Es, en definitiva, una cita con el alma musical de nuestro tiempo, bajo las estrellas de Barcelona.

Entradas en tiempo récord

Con varias fechas ya agotadas —como las dos noches de Guitarricadelafuente—, se recomienda no esperar demasiado para conseguir entradas. Este festival, más que un evento, es una vivencia que deja huella.

El alma del verano está en marcha. ¿Te lo vas a perder?

Más información y entradas: www.almafestival.com

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

El cantautor argentino-canadiense Tomás Jensen, una de las voces más originales y versátiles de la escena francófona contemporánea, regresa con “Boum Boum Boum”, un sencillo lleno de calidez, humor y cadencia brasileña, en colaboración con la reconocida artista Bïa. Este tema es el primer adelanto de su próximo álbum de composiciones originales titulado À l’humain ! À la vertu!, previsto para otoño de 2025.

Con más de 25 años de carrera, doce discos editados y una trayectoria que ha unido Argentina, Brasil, Francia y Quebec, Tomás Jensen vuelve a demostrar su capacidad para fusionar géneros y culturas. En “Boum Boum Boum”, Jensen y Bïa celebran la magia del ritmo, el poder vital de la samba y la manera en que la música puede convertirse en el verdadero eje de una relación. “El ritmo de la samba es natural como el agua que bebemos, viene de la tierra y del cielo al mismo tiempo”, canta el dúo en esta bossa nova que, más que una canción, es un manifiesto alegre y romántico a favor de dejarse llevar por la música.

El sencillo, con sus guitarras suaves, percusiones discretas y una complicidad vocal entrañable, anticipa el espíritu de À l’humain ! À la vertu! (traducible como “A la humanidad, a la virtud”), un álbum que, según palabras del propio Tomás, busca transmitir optimismo, belleza y reflexión en tiempos convulsos. La letra de su próximo segundo sencillo, Big Bro, da precisamente título al álbum, que marcará su primer lanzamiento bajo su propio sello discográfico.

A lo largo de su carrera, Tomás Jensen se ha consolidado como un artista singular, desde su etapa con Les Faux-Monnayeurs, con quienes giró por Canadá y Europa, hasta sus galardonados proyectos en solitario, como Quelqu’un d’autre, premiado en los Canadian Folk Music Awards. En 2015, regresó a Argentina después de dos décadas para grabar Retour, experiencia que quedó plasmada en un documental dirigido por Martin Bourgault y proyectado en festivales internacionales.

Ahora, con Boum Boum Boum, Tomás Jensen inaugura una nueva etapa, en la que reafirma su compromiso con la diversidad sonora y su búsqueda de canciones que abracen lo humano y lo cotidiano con delicadeza y sentido del humor.

El tema ya está disponible en plataformas digitales, y promete convertirse en un himno discreto para quienes encuentran en la música una forma de vivir mejor. Para conocer más sobre Tomás Jensen, sus futuros lanzamientos y giras, puedes seguirlo a través de sus redes sociales.

El productor suizo Boris Métraux presenta “Nena”, su nuevo sencillo, una intensa y espiritual mezcla de Afro house, percusiones orgánicas y poesía sonora que celebra la resiliencia, la energía femenina y el poder sanador de la naturaleza. Nacida en el corazón de la selva panameña, esta canción es mucho más que un tema de pista de baile: es un viaje introspectivo y ceremonial que conecta la música electrónica con los ritmos ancestrales y la fuerza mística de la tierra.

Compuesta y producida en Playa Venao, Panamá —su actual hogar y epicentro creativo— “Nena” entrelaza percusión ritual, líneas de bajo profundas y un mantra vocal que resuena como un canto de resistencia: “Nenita no llores, y levántate ya… encontrarás tu norte, como el río entre las piedras.” La canción, nacida del silencio, los ríos y la reflexión, invita a quienes la escuchan a reconectar con su fuerza interior, evocando la capacidad de renacer incluso en los momentos de mayor oscuridad.

Desde sus inicios, Boris Métraux ha construido un lenguaje sonoro único, donde la electrónica se funde con la naturaleza. Su propuesta artística se inspira en frecuencias de plantas, paisajes tropicales y ritmos tribales, creando una experiencia que transita entre el misticismo y la cultura de club, donde la selva se convierte en pista de baile.

En 2023, Métraux inició una fascinante exploración del sonido de las plantas a través de estudios de ondas de frecuencia vegetal, una búsqueda que añadió una dimensión etérea y cósmica a sus composiciones. Este enfoque experimental y sensorial ha consolidado su identidad musical como un productor que no solo crea canciones, sino rituales sonoros.

Con “Nena”, Boris ofrece un anticipo del universo que continúa explorando: una electrónica orgánica, espiritual y profundamente conectada con los elementos. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, y promete convertirse en un himno para quienes buscan en la música un espacio de sanación, ritmo y autoconocimiento.

Para descubrir más sobre la trayectoria de Boris Métraux y sus próximos lanzamientos, puedes seguirlo en sus redes sociales.

La artista Lola Índigo vuelve a revolucionar la escena del pop urbano con el estreno de su nuevo single “Mojaita”, una canción que mantiene su inconfundible sello de ritmos bailables, letras provocadoras y una producción impecable que promete convertirse en uno de los temas imprescindibles de este verano.

Miriam Doblas Muñoz, conocida artísticamente como Lola Índigo, ha vivido una de las etapas más brillantes de su carrera. Desde sus inicios en programas de televisión como Fama Revolution (2010) y Operación Triunfo (2017), hasta llenar estadios con su primera gran gira “La Bruja, La Niña y El Dragón Tour”, la cantante, bailarina y coreógrafa se ha consolidado como una de las voces femeninas más influyentes del pop urbano en español.

En junio de 2025, la artista ha debutado ante más de 60 000 personas en el Estadio Metropolitano de Madrid, con un espectáculo dividido en tres actos que repasaron sus diferentes etapas musicales y personales. Invitadas de lujo como Tini y Paulo Londra, una reivindicación por la diversidad y la comunidad LGTBI, y una propuesta escénica llena de guiños ochenteros y estética Y2K, terminaron de coronar a Lola Índigo como un ícono de su generación.

Nacida en Huétor Tájar (Granada), la artista lleva desde niña fusionando el flamenco con la danza urbana, una mezcla que ha exportado a escenarios de China, Los Ángeles y junto a artistas de talla mundial como Chris Brown, Enrique Iglesias y Miguel Bosé. Su propuesta artística destaca por conjugar canciones emotivas, coreografías potentes y una estética visual impactante, elementos que vuelven a estar muy presentes en “Mojaita”.

La canción, con una letra que celebra el deseo, la libertad y el placer compartido, invita a vivir sin prejuicios esa Dolce Vita entre dos mujeres que se buscan y se reconocen en la pista de baile y más allá. Con frases como “Pa que tú te pongas así, mojaita, que juntas vivamos la Dolce Vita”, Lola Índigo reafirma su compromiso con una narrativa inclusiva y sin complejos.

Musicalmente, “Mojaita” se mueve entre bases electrónicas, toques de bachata urbana y estribillos pegajosos, creando una combinación que incita al baile inmediato. Como ya es habitual en la artista, la canción llegará acompañada de un videoclip cargado de coreografías sensuales, referencias pop y una estética glam urbana que sigue marcando tendencia.

El nuevo single ya está disponible en plataformas digitales y supone un nuevo adelanto de los próximos proyectos de Lola Índigo, que continúa imparable tras el éxito de su EP GRX y su colaboración con Quevedo en “El Tonto”. Para más información sobre la artista, sus próximos lanzamientos y fechas de conciertos, se puede seguir a Lola Índigo en sus redes sociales.

Dulce María, una de las voces más queridas y emblemáticas de la música pop latina, regresa este mes con “Jaula de Oro”, una balada intensa que refleja los sacrificios, las contradicciones y las renuncias que a veces acompañan el éxito. La artista mexicana, que desde su infancia ha formado parte del imaginario televisivo y musical de varias generaciones, ofrece en esta nueva canción una mirada honesta sobre las luces y sombras de una vida dedicada al espectáculo.

Con una trayectoria que comenzó en comerciales y programas infantiles como Plaza Sésamo y Discovery Kids, y que la llevó a convertirse en estrella juvenil en telenovelas como Clase 406, El Juego de la Vida y, por supuesto, Rebelde, Dulce María ha sabido reinventarse y consolidar su carrera como solista tras el fenómeno mundial de RBD. Desde entonces, ha lanzado álbumes como Extranjera, Sin Frontera y DM, combinando siempre su faceta musical con su carrera como actriz y activista.

En “Jaula de Oro”, Dulce María ofrece una interpretación vulnerable y madura, acompañada de una producción que mezcla pop melódico con arreglos de cuerdas y toques acústicos. La letra habla de la sensación de encierro emocional que a veces provocan los logros profesionales, y de cómo las expectativas externas pueden convertirse en cadenas invisibles. Es, además, un homenaje a todas aquellas personas que, desde fuera, ven la fama como un privilegio absoluto sin imaginar el costo personal que puede tener.

Este nuevo single confirma la evolución artística de Dulce María, quien continúa explorando sonoridades más orgánicas e íntimas, alejándose de las fórmulas fáciles para apostar por canciones con mensaje y profundidad emocional. “Jaula de Oro” llega en un momento clave para la artista, quien este 2025 prepara nuevos proyectos musicales y audiovisuales tras haber formado parte de la esperada gira de reencuentro de RBD.

Disponible ya en plataformas digitales, “Jaula de Oro” invita al público a descubrir una faceta más introspectiva de Dulce María, reafirmando su talento como compositora y su capacidad para conectar desde lo humano. Para conocer más sobre sus próximos lanzamientos y proyectos, puedes seguirla a través de sus redes sociales.

La escena pop francófona recibe este mes una de sus canciones más emotivas y honestas gracias a Carla Dona. La artista francesa lanza “Regarde-moi”, un tema cargado de sensibilidad y autenticidad que se presenta como un canto íntimo a la aceptación personal y la reconciliación con las propias heridas. Con una interpretación delicada y una voz que respira vulnerabilidad, Carla Dona entrega una de las piezas más conmovedoras de su repertorio.

Coescrita y cocompuesta junto a la reconocida artista Louane, “Regarde-moi” ofrece una mirada sin filtros hacia las inseguridades y defectos que muchas veces se esconden por miedo al juicio social. El tema destaca por un estribillo que funciona como un ejercicio de terapia colectiva: “J’aime c’qui va pas chez moi”, frase que invita a abrazar aquello que no encaja en los moldes, reivindicando la belleza de las imperfecciones.

Musicalmente, Carla Dona vuelve a demostrar su capacidad para combinar melodías introspectivas con arreglos pop modernos, generando atmósferas emocionales que conectan de forma inmediata con un público sensible. El resultado es una balada luminosa y honesta que, sin caer en lo predecible, mantiene un estribillo inolvidable y una instrumentación elegante.

La cantante, que desde 2021 viene posicionándose como una de las voces más prometedoras del pop contemporáneo en francés, ya había captado la atención con temas como “Loin de nous” y su álbum À cœur ouvert, editado en mayo de 2024. Con “Regarde-moi”, Carla Dona consolida su identidad artística: una mezcla de pop confesional, producción cuidada y letras que conectan desde la fragilidad.

Disponible ya en plataformas digitales, “Regarde-moi” confirma que Carla Dona es una artista con mucho que decir en el panorama musical francófono actual. Para estar al tanto de sus próximos lanzamientos y novedades, puedes seguirla a través de sus redes sociales.

El proyecto musical Songs 4 Valery, liderado por el compositor ilicitano Pedro Illán, continúa abriéndose paso en la escena del rock melódico con el estreno de su nuevo single Rolling in the Stars, una canción que reafirma su apuesta por las emociones intensas, los estribillos épicos y un sonido que mira sin complejos al panorama internacional. La pieza ya se encuentra disponible en plataformas digitales y promete convertirse en uno de los temas más destacados de su repertorio.

Desde su creación en 2016, Songs 4 Valery se ha forjado una identidad propia dentro del rock contemporáneo, combinando influencias de clásicos como Bon Jovi, Bryan Adams o Aerosmith con una producción moderna y cinematográfica. En Rolling in the Stars, Illán vuelve a demostrar su capacidad para escribir himnos emocionales que conectan desde lo humano, abordando en esta ocasión la fuerza de los sueños imposibles y la perseverancia frente a las adversidades.

La canción mantiene el sello característico del proyecto: guitarras vibrantes, melodías luminosas y una letra que invita a no rendirse, incluso cuando todo parece en contra. Esta mezcla de rock de estadio y sensibilidad íntima ha llevado a Songs 4 Valery a ganarse un espacio en medios especializados como Muzikalia, donde sus anteriores lanzamientos fueron incluidos en playlists emergentes y destacados por su honestidad y solidez sonora.

Pedro Illán, afincado en Murcia, ha construido con Songs 4 Valery mucho más que un proyecto personal. Es una declaración artística de que el rock emocional y con vocación global sigue vivo y tiene cabida en la escena actual. Canciones como The Way to Your Heart, Living off Night y ahora Rolling in the Stars acumulan miles de escuchas en plataformas digitales, consolidando a Illán como una de las voces a seguir dentro del rock melódico hecho en España.

El nuevo single ya está disponible en plataformas digitales, y quienes deseen estar al tanto de sus próximos lanzamientos y novedades pueden hacerlo a través de sus redes sociales, donde se comparten adelantos, contenidos exclusivos y noticias sobre su trayectoria.

El grupo gaditano Ruge Boreal vuelve a poner el corazón al frente con El tiempo que nos quede, un nuevo EP que los confirma como una de las bandas más sensibles y emocionales de la escena independiente andaluza. Cinco canciones que no solo consolidan su identidad sonora, sino que reflejan con nitidez esa mezcla de nostalgia, desgarro y belleza contenida que siempre los ha acompañado.

Este trabajo recoge los sencillos que ya habían ido desgranando en los últimos meses —El tiempo que nos quede, Siempre nos quedará, Esta noche y Noche vayas por favor— y añade como broche final Lirio de Cristal, una pieza inédita que se convierte en el corazón emocional del disco. Grabado y producido por Juan Antonio Mateos en Grabaciones Sumergidas, el EP refleja una evolución natural respecto a su anterior Todo irá bien, prométeme, acercándose a una sonoridad más cuidada, con texturas envolventes, matices rockeros oscuros y una poesía cada vez más afinada.

El protagonismo absoluto se lo lleva Lirio de Cristal, canción que funciona como un viaje introspectivo donde la herida se convierte en belleza. La banda construye aquí una atmósfera etérea y densa al mismo tiempo, que acompaña versos cargados de simbolismo: “Un lirio de cristal protegerá mi duelo”, canta Diego, con una fragilidad que se sostiene firme sobre guitarras contenidas y una percusión que late como un corazón cansado. Es uno de esos temas que no se explican, se sienten.

El resto del EP completa ese viaje emocional con piezas que miran al pasado sin miedo y al presente con la melancolía de quien sabe que todo es efímero. El tiempo que nos quede es una balada con aires emo-rock que abraza el recuerdo como motor de vida. Siempre nos quedará funciona como un canto de resistencia desde la música, mientras Esta noche captura ese instante suspendido donde el deseo y la libertad hacen olvidar las heridas. Por su parte, Noche vayas por favor es un homenaje a las amistades dispersas, a esos nombres que vuelven cuando suena la canción adecuada en el lugar adecuado.

Formado por Diego a la voz principal y guitarra, Juata a la guitarra solista, Martín al bajo y Arturo a la batería, Ruge Boreal muestra en este EP una cohesión absoluta, dejando claro que ya no son una promesa: son presente. Con El tiempo que nos quede, la banda da un paso firme hacia adelante, alejados de etiquetas, fieles a un sonido propio que huye de las fórmulas fáciles y conecta con una generación marcada por la nostalgia y las emociones sin filtro.

Lo de Ruge Boreal no es una pose, es un refugio. Y esta vez, con Lirio de Cristal como joya central, han firmado su trabajo más sincero y devastador hasta la fecha.

La agrupación musical Soul de Vienne, conocida por su enfoque flexible y su pasión por la diversidad creativa, presenta su nuevo single titulado You’ll Be The Light, una pieza cargada de emoción y matices que refleja a la perfección el espíritu innovador del colectivo liderado por Roman Schleischitz. La canción ya se encuentra disponible en plataformas digitales y promete conquistar a oyentes de distintos géneros gracias a su propuesta sonora única.

Desde sus inicios, Soul de Vienne se ha caracterizado por reunir a talentosos músicos en una formación rotativa, seleccionando las voces e instrumentistas ideales para cada proyecto. Este enfoque permite al grupo explorar territorios musicales diversos y crear atmósferas sonoras que combinan elementos de soul, pop, jazz y música contemporánea, siempre bajo la dirección creativa de Schleischitz, compositor y productor de la agrupación.

You’ll Be The Light es una muestra de esa filosofía artística. Con arreglos cuidados, una sección de metales vibrante y una interpretación vocal emotiva, el tema se presenta como un canto de esperanza y luz en tiempos de incertidumbre. La producción destaca por su calidad y la fusión de influencias internacionales que han marcado la trayectoria de Soul de Vienne, recordando las raíces jazzísticas de Schleischitz, quien encontró su vocación musical en las míticas sesiones del Jazz Pub Wiesen y más tarde la consolidó con estudios de órgano y piano en Viena.

Este nuevo lanzamiento se suma a la creciente colección de canciones originales del colectivo, que continúa expandiendo su repertorio y reafirmando su visión de ofrecer música sin etiquetas, abierta a todos los públicos. Con You’ll Be The Light, Soul de Vienne demuestra una vez más su capacidad para emocionar y conectar a través de sonidos que trascienden géneros y fronteras.

La canción ya está disponible en plataformas digitales, y quienes deseen conocer más sobre los próximos proyectos y presentaciones de Soul de Vienne pueden visitar su sitio oficial y las plataformas digitales, donde se comparten novedades, lanzamientos y material exclusivo del colectivo musical.

Tras sacudir cabezas con el punk desbocado de Cerebros destruidos, Proyecto Punik regresa este 13 de junio con Mi burbuja, una nueva descarga sonora que cambia de forma, pero no de fondo. Bajo el sello Fep Producciones y disponible en plataformas digitales, el misterioso proyecto navarro ofrece ahora una bomba de electropop tan pegajosa como incisiva, que es capaz de hacerte mover los pies mientras apunta directo al centro de esta sociedad teledirigida.

Detrás del ritmo veraniego, los sintetizadores brillantes y un bajo juguetón, Mi burbuja esconde un dardo lírico que no se corta en señalar a políticos de corbata barata, algoritmos que deciden qué debes pensar y a una sociedad que ha cambiado el espíritu crítico por la comodidad de un pensamiento en bucle. Proyecto Punik dibuja con ironía un paisaje cotidiano tan absurdo como reconocible, mientras la pista de baile se convierte en un campo de resistencia silenciosa.

Como en todo lo que firma este proyecto, el contraste es intencionado: la luz de la música contra el filo de las palabras. En esta ocasión, la canción cuenta con la voz de Beatríz Catalán, vocalista con pasado en bandas como Ribbons, Gildas y Sable Starr, que aporta carácter y presencia a una letra que incomoda sin necesidad de alzar la voz. La producción corre a cargo de Guillermo Mutiloa, con una trayectoria sólida en grupos como Exnovios y Wilhelm & The Dancing Animals, y que aporta al tema una claridad y contundencia sonora que refuerzan su mensaje.

Proyecto Punik no busca que desconectes, sino todo lo contrario. Desde Navarra, este proyecto de electrónica combativa convierte el synthpunk, el EBM y el electro-industrial en un vehículo para la crítica social, la disidencia y la reflexión colectiva. Sus temas no pretenden camuflarse ni sonar amables: aquí se baila con rabia y con conciencia.

Con Mi burbuja, Proyecto Punik consolida su identidad sonora como una de las propuestas más estimulantes y necesarias de la escena alternativa actual. Un proyecto que, sin dar la chapa ni buscar moralinas, incomoda, golpea y deja el eco de sus letras flotando entre sintetizadores sucios y ritmos industriales.

El single ya está disponible en plataformas digitales, y para seguir de cerca sus próximos lanzamientos y novedades, se le puede encontrar en sus redes sociales.

La artista malagueña Mara Vélez acaba de estrenar Sigo sola, su primer single en solitario y carta de presentación de lo que será su próximo álbum. Para esta pieza, cuenta con la colaboración especial de Álvaro Sanz y la producción del vanguardista ATK Epop, conocido por su capacidad para equilibrar minimalismo melódico y texturas electrónicas contemporáneas. El resultado es una balada pop moderna, con bases electrónicas, matices de trap y una carga emocional tan densa como sincera.

Sigo sola es mucho más que una canción sobre soledad. Es un ejercicio de vulnerabilidad y a la vez de determinación, donde Mara Vélez desgrana con voz directa y sin artificios los restos de un vínculo roto y la confusión que provoca el regreso inesperado de alguien del pasado. La letra, afilada y luminosa en su dolor, juega con imágenes cotidianas y otras más insólitas, como ese "te quiero desde la II Guerra Mundial", que resume a la perfección la mezcla de nostalgia irónica y entrega emocional que recorre todo el tema.

Sobre una base de sintetizadores envolventes y percusión trap precisa, la voz de Mara Vélez se mueve entre el desgarro íntimo y la claridad emocional. La producción de ATK Epop dota al tema de una atmósfera densa, casi cinematográfica, en la que cada silencio y cada nota están milimétricamente colocados para potenciar el mensaje.

Este primer adelanto no solo marca el inicio de una nueva etapa para la artista, sino que la posiciona como una de las voces más singulares y prometedoras del pop urbano emocional en español. Lejos de seguir fórmulas previsibles, Mara Vélez apuesta por una propuesta en la que fondo y forma dialogan con honestidad, convirtiendo su música en un refugio para quienes viven esas historias de afectos rotos, regresos inoportunos y despedidas a medias.

El single ya está disponible en plataformas digitales y, según ha adelantado la artista, es solo el primero de varios lanzamientos previstos para este año. Para no perderse ninguna novedad de este nuevo proyecto y conocer más detalles sobre su próximo álbum, se puede seguir a Mara Vélez en sus redes sociales.

Tras el éxito de “Postea”, el bachatero dominicano vuelve con un nuevo himno al corazón, de la mano de EQS Música.

El joven talento dominicano Johandy, una de las voces emergentes más prometedoras de la bachata actual, lanza su nuevo sencillo “Pasan Las Horas”, en colaboración con el reconocido productor y artista DerekVinci, bajo el sello EQS Música.

El tema llega tras el éxito viral de “Postea”, consolidando la propuesta artística de Johandy con una bachata fresca, auténtica y profundamente emocional. “Pasan Las Horas” habla de amor, deseo y esa espera infinita que muchas veces define los sentimientos verdaderos.

“Esta canción es para quienes alguna vez han contado los minutos por alguien que aman”, comenta Johandy. “Tiene la esencia de la bachata tradicional, pero con un sonido actual que conecta con esta generación”, añade DerekVinci.

“Pasan Las Horas” se destaca por una producción cuidada, con guitarras que evocan la nostalgia del género, combinadas con arreglos modernos que la hacen vibrar en plataformas digitales y radios urbanas. La letra, íntima y honesta, refuerza el sello romántico de Johandy, mientras DerekVinci aporta el toque innovador que lo caracteriza.

La discográfica EQS Música, conocida por impulsar artistas con identidad y proyección, respalda este lanzamiento con una estrategia que apunta a posicionar “Pasan Las Horas” como uno de los temas de bachata más sonados de la temporada. Con este sencillo, el sello reafirma su compromiso con la música latina de calidad y emocionalmente conectada.

Daviles de Novelda presenta “Si me faltaras”, el cuarto single de su próximo álbum El camino que elegí, una canción que destaca por su intensidad vocal y carga emocional. Sobre una base urbana, el artista despliega un cante flamenco profundamente melódico, reafirmando su conexión con las raíces y su habilidad para fusionar lo clásico con lo contemporáneo.

Producido por Daviles y Kabasaki —colaborador habitual y uno de los nombres más influyentes de la escena urbana española—, el tema eleva la propuesta sonora del álbum, anticipando uno de los trabajos más sólidos en la carrera del alicantino. Kabasaki ha trabajado con artistas como Quevedo, Saiko, Israel B, La Zowi o Pepe y Vizio.

En palabras de Daviles: “Esta canción nace de un sentimiento muy real. De esas veces que piensas: si me faltaras, no sé qué haría. Tiene mucho de mí y de lo que he vivido, y por eso es de las más sinceras que he escrito.”

La composición cuenta con la participación de Daniyel a la guitarra, añadiendo una capa instrumental que enriquece el tejido emocional del tema.

Andy CM presenta su nuevo sencillo Como la Flor, una poderosa mezcla de raíces cubanas y ritmos urbanos que reimagina el clásico de Selena Quintanilla desde una perspectiva fresca y vibrante. Esta canción no solo rinde homenaje a la reina del Tex-Mex y conecta generaciones, sino que arranca con la esencia del reparto cubano, con herencia directa del guaguancó y el son, y se fusiona con el pulso vibrante del reggaetón urbano actual, creando un sonido moderno y enérgico. 

El artista cubano consolida su lugar como uno de los artistas más completos del género, dominando tanto la interpretación como la producción, lo que le ha llevado a ser conocido como “Quien te produce y te canta” y “El más versátil”. Con una carrera en la que destacan sus colaboraciones con grandes artistas, Andy CM sigue demostrando su capacidad para reinventar la música latina.

En esta ocasión se une a El Ruzzo MC, exintegrante del legendario grupo Orishas y pionero en llevar el hip hop cubano al mundo. Su inconfundible flow aporta fuerza y autenticidad a una canción que une pasado y presente, respetando la esencia de la música cubana y proyectándola hacia el futuro.

Como la Flor no es solo una versión: es una declaración de amor a la música latina y un tributo sincero a Selena Quintanilla. Andy CM reconoce la gran admiración que siente por la artista y explica que con esta canción busca rendir homenaje a su legado y compartirlo con las nuevas generaciones.

Andy CM, cuyo nombre real es Andrys Cuza Milhet, nació en Guantánamo, Cuba, el 20 de abril de 1995. Desde temprana edad mostró una inclinación natural por la música, componiendo y produciendo sus propias canciones desde los 11 años. A pesar de no contar con el apoyo inicial de su familia, su pasión lo llevó a desarrollar un estilo único que fusiona la esencia del reparto cubano con guaguancó y reguetón, creando un sonido fresco y original.

A los 17 años, Andy CM se trasladó a Castellón, España, donde comenzó trabajando en un bar familiar, sin perder de vista su gran sueño musical. Su talento pronto lo llevó a fundar su propio estudio a los 19 años, colaborando con artistas de renombre como Omar Montes, Mayel Jiménez, Chimbala, Bandaga, Keen Levy, Sami Duke, JRei, Ñengo Flow, Nyno Vargas, Moncho Chavea y Siskuflow, entre otros. Además, con su tema Ronea junto Omar Montes, Moncho Chavea y Mayel Jimenez recibió un Disco de Oro.

La Original Banda El Limón está de estreno con “Enamorado”, su más reciente sencillo, interpretado por el nuevo integrante y vocalista de la agrupación: Manuel Ávila. Con este tema, la banda reafirma su capacidad de innovar sin perder su esencia, apostando por una cumbia romántica con un ritmo contagioso y letras que celebran lo bello de estar enamorado.

Con un sonido fresco y una energía contagiosa, “Enamorado” apuesta por una cumbia romántica que celebra la emoción y la alegría de estar enamorado. Además, la banda rompe esquemas al grabar por primera vez sin un puente musical, una decisión que imprime dinamismo al tema y lo convierte en una experiencia continua que atrapa al oyente desde el primer compás.

El videoclip oficial acompaña perfectamente el espíritu del tema: una colorida y dinámica pool party, que refleja la frescura y energía de la canción. Con escenas que se mueven entre la fiesta y los protagonistas de la historia, el video logra transmitir visualmente ese estado de ánimo alegre y vibrante que inspira el estar enamorado.

Con este lanzamiento, La Original Banda El Limón no solo da la bienvenida a una nueva voz, sino que también reafirma su vigencia dentro del regional mexicano con propuestas frescas, atrevidas y pensadas para conectar con nuevas generaciones.

Este lanzamiento llega después del éxito de su anterior sencillo “Traguitos de Licor”, una colaboración especial con Julio Preciado, quien fue el primer cantante en grabar una producción discográfica con La Original Banda El Limón. Este reencuentro musical tuvo un significado muy especial, ya que se dio en el marco de la celebración por los 60 años de trayectoria de la agrupación. La participación de Julio Preciado no solo fue un homenaje a los orígenes de la banda, sino también una muestra del cariño y la conexión que La Original mantiene con su historia y con quienes han sido parte fundamental de ella.