Alba LaMerced representa a una nueva generación de cantautoras que combinan folk, pop y canción de autor con una sensibilidad poética y social. Seleccionada entre 61 proyectos para protagonizar Interautor Música 2025, la artista cruzará por primera vez el Atlántico para presentarse en Uruguay, donde actuará en la gala de los Premios Graffiti y ofrecerá varios conciertos. Con un proyecto que reivindica la identidad, la emoción y la palabra, Alba vive este viaje como un impulso vital y artístico.

¿Qué fue lo primero que sentiste cuando te confirmaron que habías sido seleccionada para Interautor Música 2025? Cuéntanos cómo viviste ese instante a nivel emocional.

Fue una gran noticia tanto a nivel personal como profesional, ya que el hecho de cruzar el charco con tu música y de la mano de una entidad como SGAE hace que te sientas una privilegiada. Me dio mucha alegría y satisfacción ver que se estaba valorando lo que estoy creando como artista.

Dijiste que llamaste a tus padres en cuanto recibiste la noticia. ¿Qué significa para ti compartir este logro con tu familia?

Sí, para mí su apoyo es fundamental y lo primero que hago cada vez que logro algo del estilo es comunicárselo a ellos. Son una parte muy importante en mi proyecto y trabajamos mano a mano para construir todo este universo que me rodea como artista.

Ser elegida entre 61 proyectos no es poca cosa. ¿Sientes que esta selección reafirma tu identidad artística y la dirección que estás tomando?

Sí, creo que es un privilegio, como decía antes, hay mucho arte en mi país y haber sido seleccionada es algo de lo que aún no soy consciente. Creo que siempre nos estamos transformando como artistas, por lo menos en mi caso, y esta oportunidad me hace darme cuenta del valor que tiene el universo artístico en el que estoy trabajando.

Viajas por primera vez a Uruguay. ¿Qué expectativas tienes respecto al país y a su escena musical?

Es un país muy rico culturalmente, creo que me ha aportado muchas cosas bonitas. Me hubiera gustado disfrutarlo más, pero el tiempo que estuve lo aproveché bien y pude empaparme de las raíces culturales y la emoción de los uruguayos.

Actuarás en una gala tan simbólica como los Premios Graffiti. ¿Cómo te preparas mentalmente para un escenario tan significativo?

Ha sido una gala preciosa llena de compañeros maravillosos con los que tuve la suerte de compartir escenario. La sala Zitarrosa es un lugar emblemático en Montevideo y para mí fue una suerte compartir mi música allí. Pude interpretar dos canciones, Nana del caballo grande y El café (que aún no ha salido). Fue todo un regalo.

¿Qué te gustaría que el público uruguayo descubriera de ti en estos conciertos?

El público uruguayo fue realmente maravilloso. La acogida fue muy bonita e incluso algunas de las personas que vinieron a los conciertos se sabía mis canciones. Creo que esto es algo a destacar sobre todo para una artista emergente como yo que aún no contempla tales escenarios.

En tus canciones confluyen lo íntimo y lo social. ¿Cómo equilibras esas dos dimensiones cuando compones?

Equilibrar lo íntimo y lo social es algo muy natural en mi proceso creativo. Para mí, lo personal siempre acaba siendo político: las historias de mi familia, mis raíces, mis emociones —esas son las que me permiten conectar con realidades más amplias. Cuando compongo, parto de una emoción muy concreta, algo vivido, algo que me duele, que me ilusiona o que me inquieta, y a partir de ahí intento proyectarlo hacia algo universal. No escribo para dramatizar, sino para que lo que me pasa resuene más allá de mí misma: que otras personas puedan reconocerse en lo que cuento. Al mismo tiempo, me importa que el mensaje social tenga elegancia, poesía y verdad, no un panfleto. Ese es el equilibrio: honestidad emocional + reflexión colectiva.

Tu tema La Ciudad aborda la pérdida de identidad cultural por el sobre turismo. ¿Crees que este tipo de mensajes conecta también con otras ciudades del mundo?

Totalmente. Aunque la canción nazca de mi experiencia en Málaga —mi ciudad, la plaza de La Merced, mi historia personal—, la problemática de la identidad urbana, la turistificación y la gentrificación no es exclusiva de aquí. Muchas ciudades del mundo están perdiendo su “alma local” bajo presiones similares: la vivienda, la cultura tradicional, los barrios de siempre… Creo que “La Ciudad” puede hablar a gente de muchas urbes porque esas transformaciones se están dando casi en todas partes. La nostalgia, la memoria del barrio, el miedo a que lo auténtico desaparezca —es algo casi universal en contextos urbanos actuales.

¿Qué aprendizajes esperas llevarte de esta estancia en Montevideo, tanto musicales como personales?

Este viaje a Montevideo a través del programa Interautor Música es para mí una oportunidad enorme de crecimiento. Musicalmente, espero empaparme de la escena uruguaya: no solo escuchar, sino también compartir, componer, ver cómo otros autores viven su día a día creativo, cómo interpretan sus raíces, su cultura y su identidad en su música. Personalmente, creo que me va a abrir la cabeza: convivir con otro país, con otra sensibilidad, con nuevas formas de entender el arte, la comunidad y la colaboración. También es una forma de reforzar mis propias raíces, de preguntarme qué parte de mi identidad quiero llevar conmigo, qué puedo aportar y qué puedo aprender.

Mencionas que te gustaría nutrirte de nuevas sonoridades. ¿Hay ritmos latinoamericanos que ya te inspiran especialmente?

Sí. En mi música ya hay guiños a ritmos latinoamericanos en parte porque mi curiosidad musical es muy amplia. Por ejemplo, en Ciudad Matriz combino folk, pop, canción de autor, e incluso tiene matices de tango, chacarera y bachata. Esos ritmos me inspiran por su historia, por cómo cuentan el dolor, la comunidad, el desarraigo y el arraigo. Me interesa mucho también trabajar con ritmos de América Latina que me sean nuevos, mezclarlos con lo que ya sé hacer, y ver qué surge de esa fusión.

¿Cómo definirías el momento artístico en el que te encuentras justo antes de dar este salto internacional?

Creo que estoy en un momento de transición y expansión. Con Ciudad Matriz se cierra un ciclo íntimo, muy de raíces, muy personal, y al mismo tiempo se abre uno nuevo: el de llevar mi música más allá de lo local, al intercambio, al diálogo con otras culturas. Es un punto de inflexión donde ya no solo pienso en mi ciudad o en mi historia, sino en cómo esa historia puede dialogar con otras, cómo mi música puede ser puente. Es un momento de valentía, de aprendizaje y de mucha ilusión.

Además de tocar junto a Gonzalo Brancciari, ¿te gustaría aprovechar el viaje para crear nuevas canciones o colaboraciones?

Sí, eso es algo que me encantaría. No solo ver a Gonzalo como un compañero de escenario, sino también como un colaborador creativo: componer juntos, intercambiar melodías, escribir a dúo, experimentar con nuestras voces y mundos. Creo que estoy aprovechando el programa para que no sea solo un intercambio de conciertos, sino un verdadero cruce artístico. Además, he podido conocer a otros músicos locales, productores, cantautores uruguayos.

¿Qué representa para ti formar parte de un proyecto que conecta culturalmente España y Uruguay?

Formar parte de Interautor Música es para mí algo muy significativo. Es, en esencia, un puente entre dos mundos con mucha tradición literaria y poética, con una cultura de canción de autor que en España y Uruguay siempre ha tenido fuerza. Representa la posibilidad de internacionalizar mi voz, sí, pero también de ser parte de un diálogo más profundo: compartir historias, sensibilidades, memoria cultural. Es también un honor participar en algo que va más allá de un concierto: es un intercambio humano, artístico, social.

¿Cómo te imaginas que esta experiencia puede influir en tu próximo trabajo discográfico?

Mi siguiente disco probablemente va a estar marcado por este cruce transatlántico. Imagino canciones que nazcan en Montevideo, o después de eso, con influencias nuevas, con ritmos latinoamericanos filtrados, con colaboraciones uruguayas o más latinoamericanas. También imagino un disco con más amplitud: hablando no solo de mis raíces malagueñas, sino de lo que supone ser una artista viajera, de cómo la ciudad cambia cuando la observas desde lejos y de cómo conecta con otras ciudades. Este intercambio puede ser la chispa para un proyecto más global, más híbrido, más diverso.

Y mirando más allá de noviembre, ¿qué metas te gustaría alcanzar después de este intercambio?

Consolidar una base en Latinoamérica: que mi música no solo suene aquí, sino que también tenga presencia, que el público uruguayo y de otros países latinoamericanos me conozca más. Crear un disco nuevo inspirado por esta experiencia, como te decía, con colaboraciones y ritmos latinos. Seguir participando en ciclos de intercambio o convocatorias similares para tejer redes artísticas internacionales. Aprovechar lo vivido para crecer personalmente y como creadora: llegar a tener mayor madurez, más confianza para tomar riesgos creativos. Seguir tocando en festivales importantes y giras, tanto en España como en Latinoamérica, para que este puente no sea un momento aislado, sino un paso hacia una carrera más internacional.

Safari Club es el proyecto musical formado por Marina Dorochenko y Paco Navarrete, un dúo valenciano que desde 2009 ha sabido hacerse un hueco en la escena independiente con su inconfundible estilo de pop urbano tropical. Con millones de visualizaciones en YouTube y una sólida comunidad de seguidores, su música se caracteriza por la frescura, el carisma y la capacidad de conectar con el público.

Tras éxitos como La Playlist de Mi Corazón, Porfa Quédate o el reciente reconocimiento de No Hay Nadie Como Tú como canción oficial de las Fallas de Valencia, Safari Club regresa con Un Amor De Verano. Un single que mezcla ritmo, emoción y nostalgia, pensado para convertirse en la banda sonora de quienes creen que “los amores eternos no tienen fecha de caducidad”.

“Un Amor De Verano” es vuestro nuevo single, un tema fresco y lleno de energía. ¿Cómo nació la idea de la canción y qué os inspiró a hablar de esos amores estivales que marcan para siempre?

Un Amor de Verano” habla de lo que somos y de lo que nos pasa. Al final todas nuestras canciones son autobiográficas, y esta no es la excepción: esta canción habla de nosotros, de cómo vivimos la vida y de lo que sentimos el uno por el otro…Una historia de verano que te marca para siempre.

El videoclip transmite mar, sol, risas y esa sensación de libertad. ¿Qué buscasteis reflejar visualmente y cómo fue el proceso de rodaje?

Con el videoclip queríamos reflejar lo más cotidiano de un verano: el mar, el sol, las risas y esos instantes que parecen sencillos, pero se quedan grabados. La idea es que, al verlo, la gente se transporte directamente a esa sensación de pausa que trae el verano, donde todo se vive de otra manera. Y claro, si además estás enamorado, esos momentos se vuelven mucho más intensos y explosivos. Queríamos capturar justo esa chispa.

Vuestra música se caracteriza por ese “pop tropical” tan reconocible. ¿De qué manera este género se ha convertido en vuestra marca personal y cómo lo habéis trabajado en este nuevo lanzamiento?  

Llevamos años trabajando en este sonido y, poco a poco, nuestras vivencias nos han ido llevando a encontrar un equilibrio que ya sentimos como propio. El pop tropical se ha convertido en nuestra marca personal porque refleja lo que somos ahora mismo y la forma en la que nos apetece expresarnos. Queremos seguir haciendo música alegre, con esa energía que te levanta el ánimo, pero también que detrás de cada canción haya una historia inolvidable que la haga única.

Decís que “los amores eternos no tienen fecha de caducidad”. ¿Sentís que esta frase también describe la relación que tenéis con vuestra música y con vuestro público?

Por supuesto. Somos un grupo pequeño que siempre ha salido adelante a base de mucho esfuerzo y sin rendirnos en este camino tan complicado que es la música. La gente que nos sigue y nos apoya nos da una motivación insustituible. Siempre vamos a hacer música, aunque sea solo para nosotros, porque es nuestro estilo de vida. Pero el cariño del público, que nos ha acompañado durante tantos años, es lo que nos anima a compartirla, a mantener viva la ilusión y a seguir creciendo en cada proyecto.

“Un Amor De Verano” llega después de temas como “La Playlist De Mi Corazón” y “Porfa Quédate”. ¿Qué papel juega este single dentro de vuestro nuevo proyecto y cómo lo conecta con los anteriores?

Todas nuestras canciones de esta etapa tienen algo en común: te llevan al mar. Para nosotros, el mar ha sido un refugio en los últimos años, un lugar para desconectar de la ciudad y volver a lo esencial. Ese es el espíritu de este nuevo proyecto: canciones que te hagan sentir, que te permitan evadirte un poco de la rutina y centrarte en lo que de verdad importa, los momentos que compartes con la gente que quieres. En nuestro caso, al ser de Valencia, muchos de esos recuerdos siempre pasan cerca del mar, y por eso se ha convertido en el hilo que conecta todas estas canciones.

Desde vuestro inicio como Luna Llena en 2009 hasta hoy como Safari Club, ha habido una evolución clara. ¿En qué punto de madurez artística os encontráis ahora con este nuevo lanzamiento?

Fueron muchos años siendo Luna Llena y aprendimos muchísimo, tanto en España como en México. Esa experiencia nos marcó y nos ha servido para llegar hasta aquí. Con Safari Club hemos rescatado la parte más alegre, divertida y bailable, pero también hemos querido mantener esas historias más íntimas que ya contábamos en la etapa de Luna Llena. Al final seguimos siendo los mismos, solo que con más madurez y teniendo más claro qué es lo que queremos contar. Y eso es justo lo que refleja este nuevo proyecto.

Habéis conseguido cifras muy relevantes siendo un grupo independiente, con millones de visualizaciones y miles de seguidores. ¿Qué creéis que es lo que más conecta a la gente con vuestra propuesta?

Creemos que lo que conecta con la gente es nuestra forma de ser y la originalidad con la que hacemos las canciones. Lo que contamos en ellas, el esfuerzo, la positividad y el no rendirnos son cosas que mucha gente valora. Poco a poco el público ha ido creciendo, y sentimos que cada vez llegamos a más personas. Somos un grupo muy particular: o te gustamos mucho o no te gustamos nada, pero lo que sí tenemos claro es que nuestra música no se parece a la de nadie, y esa autenticidad es la que nos mantiene conectados con quienes nos siguen.

Vuestra canción “No Hay Nadie Como Tú” fue seleccionada como himno oficial de las Fallas de Valencia 2024. ¿Qué significó para vosotros ese reconocimiento y cómo os influyó en vuestro camino?

Que ‘No Hay Nadie Como Tú’ fuera el himno oficial de las Fallas de Valencia 2024 marcó un antes y un después para nosotros. Mucha más gente de nuestra tierra empezó a conocernos y, además, el mundo de las Fallas es inmenso, así que desde entonces nos tienen muy presentes. Ha sido un reconocimiento a nuestro esfuerzo, poder poner banda sonora a unas fiestas. que hemos vivido desde críos y que, encima, han recibido con tanto cariño. Al principio nos parecía surrealista, ¡y aún nos paran por la calle preguntando si somos los del videoclip de la playa! Jajaja, eso nos hace una ilusión imposible de explicar.

En vuestro último álbum “Natural” mostrasteis una faceta más diversa, combinando alegría, crítica social y emoción. ¿Dónde se sitúa “Un Amor De Verano” dentro de esa evolución sonora?

“Un Amor de Verano” se sitúa dentro de ese grupo de canciones que sabemos que en directo van a ser un hit y que probablemente la gente cantará con nosotros, por su energía y rollo veraniego. Estamos preparando un repertorio muy chulo para la próxima gira, queríamos crear canciones diferentes en el estilo, pero siempre manteniendo nuestra esencia. Encajarán perfectamente con el concepto del directo, pero sin quitar el lugar que merecen otras canciones que ya se han ganado el corazón de nuestro público.

El verano siempre ha sido un tema recurrente en la música. ¿Qué creéis que hace que esta estación sea tan inspiradora para crear canciones universales como esta?

El verano siempre ha sido nuestra estación favorita, porque hay más fiesta, más planes y más ganas de disfrutar. Es como una época de desconexión: mucha gente trabaja todo el año pensando en lo que hará en verano. Para nosotros es la estación del escape, en la que podemos ser un poco más libres, dejarnos llevar y dejar la rutina a un lado. Por eso inspira canciones que conectan con todos, con esa sensación de vivir al máximo cada momento y experimentar cosas diferentes.

Habéis llevado vuestra música a escenarios de España y Latinoamérica. ¿Cómo reacciona el público de cada lugar y qué os aportan esas experiencias en vuestra forma de componer?

La forma de vivir la música es diferente según el país o la ciudad donde toques, pero siempre hemos visto que, a pesar de las diferencias culturales, el cariño y la conexión con la gente es igual en todas partes. Vivir en México durante dos años fue un aprendizaje de vida increíble, que nos cambió y nos enseñó mucho a la hora de expresarnos en nuestras canciones. Esas experiencias nos ayudan a componer desde otra perspectiva, a contar las cosas teniendo mucho más claro lo que queremos expresar y de la forma en la queremos hacerlo.

Además de artistas, sois productores en vuestro estudio La Habitación Azul. ¿Qué ventajas os da tener el control creativo de vuestra música y de la de otros artistas?

Tener nuestro propio estudio nos da muchísimas ventajas. Nos permite experimentar, divertirnos y encontrar exactamente el sonido que queremos sin prisas. Además, trabajar con otros artistas y estilos que no son los nuestros nos enseña un montón y nos hace crecer. En otros estudios, muchas veces estás limitado por el tiempo, aquí podemos dedicar todo el necesario para que cada detalle quede como imaginamos.

Con “Vuelve a Brillar” os involucrasteis en campañas contra el bullying. ¿Creéis que la música puede ser una herramienta de cambio social además de entretenimiento?

Por supuesto, la música puede ser mucho más que entretenimiento. Cuando creamos ‘Vuelve a Brillar’ no imaginábamos el impacto que tendría ni cómo podría transmitir un mensaje que realmente cambie la forma de verlo, tanto al que lo hace como al que lo recibe. Lo hemos visto de cerca en un montón de colegios a los que hemos ido a hacer sesiones de concienciación, y eso nos demuestra que la música puede ser una herramienta de cambio real.

El pop urbano tropical suele estar asociado a la fiesta y la alegría, pero también lo habéis sabido mezclar con emoción y nostalgia. ¿Cómo lográis ese equilibrio en canciones como “Un Amor De Verano”?

En eso hemos estado trabajando mucho: en fusionar letras y melodías emocionales con producciones potentes. Siempre pensamos en la coherencia de todas las partes y en cómo sonarán los conciertos, tanto en acústico como con banda. Para nosotros es fundamental que la canción funcione y emocione en todas sus versiones. Por eso ha sido tan especial esta búsqueda: crear canciones completas, que brillen en la letra, en la música y en la producción.

De cara al futuro, este single es un adelanto de un proyecto mayor. ¿Qué pueden esperar vuestros seguidores en los próximos meses y cómo imagináis el sonido de Safari Club en esta nueva etapa?

Nuestros seguidores pueden esperar nueva música con mucha fusión, pero siempre manteniendo nuestra esencia. Llevamos tiempo preparando este proyecto que desembocará en un nuevo disco y en una nueva gira, que esperamos poder anunciar pronto cuando esté todo más cerrado. Lo que sí es seguro es que habrá mucho rollo, energía y letras que harán sentir todo tipo de emociones.

Anna es una artista que ha encontrado en la música no solo una forma de expresión, sino también un camino para conectar con su esencia más profunda y con quienes la escuchan. Desde niña, rodeada de partituras, piano y canciones, fue descubriendo un universo creativo que con el paso de los años se transformó en un proyecto sólido donde la pasión, el amor y la vibración musical marcan cada compás. Ahora, con su nuevo álbum Heart&Brain, se sumerge en la eterna dualidad entre razón y corazón, proponiendo un viaje sonoro que invita a perseguir sueños, superar obstáculos y bailar con la vida. Su primer single, Dreamer, encierra esa fuerza positiva que mueve montañas y despierta la energía de la juventud y la pasión por vivir intensamente. Con ella hablamos sobre su trayectoria, sus fuentes de inspiración, su visión de la música y, sobre todo, sobre este momento tan especial en su carrera.

Anna, para comenzar, ¿qué significa para ti mirar atrás y recordar a aquella niña que jugaba con el piano, escribía partituras y cantaba sin imaginar todo lo que vendría después?
La veo con ojos de amor. La aprecio y la admiro por su valentía para ser diferente y ser quien es. Significa perseverar y creer que, incluso con los desafíos de la vida adulta, aún es posible soñar y ser creativo.

Has mencionado que tu amor por la música creció escuchando a bandas legendarias como Queen, Bon Jovi, Guns N’ Roses o The Beatles. ¿Qué huella han dejado en tu forma de componer y de entender el escenario?
La huella trata sobre vivir y luchar por lo que creemos... también basada en la historia de los mismos artistas. Ese sonido de guitarra que despierta el deseo de soltarse, abrazando cada nota como vida y capturando esa misma vibración de fuerza. Sigo también a Lana Del Rey y a otros del género por sus historias de amor.

Aunque la música siempre estuvo presente en tu vida, también trabajas como profesional de la salud. ¿Cómo ha influido esa otra faceta en tu manera de interpretar emociones y transmitirlas en tus canciones?
Para ser un profesional de la salud, es necesario ser más racional y gestionar bien las emociones, pero también es necesario aprender a abrir el corazón a uno mismo y a los demás.

Tu álbum se titula Heart&Brain, una metáfora poderosa. ¿Cómo describirías la relación entre razón y corazón en tu vida personal y en tu arte?
Es una lucha constante... racionalidad para dar los pasos correctos y materializarlos. Corazón para dejarme guiar por los instintos.

Dreamer es el primer adelanto del disco, una canción que habla de luchar por los sueños con energía y positividad. ¿Qué mensaje concreto quieres que la gente se lleve después de escucharla?
Valor... para empezar un nuevo día, un nuevo proyecto, un nuevo sueño... un nuevo amor... una nueva confianza al comenzar. Confianza, valor, corazón.

Has dicho que la felicidad siempre está en el corazón. ¿Crees que la música es una vía para recordarle a la gente que, a pesar de la racionalidad, es importante dejarse guiar por las emociones?
Sí, claro, es lo que nos mantiene vivos. La energía... es algo fenomenal, espectacular. Somos energía, cada nota se siente en cada célula... una vibración más alta nos transforma, y algo diferente también... como mezclar ópera con rock... (risas).

¿Cómo fue el proceso creativo de Dreamer? ¿Partiste de una idea musical clara o nació más bien de un impulso emocional que luego fuiste puliendo?
Dreamer fue un impulso... Normalmente la letra y la melodía aparecen espontáneamente... un pasaje... tomo la pluma, luego unos versos... y así sigo puliendo... como un diamante.

En tus palabras hay mucha referencia a la vibración, a la energía que transmite la música. ¿Qué importancia tienen para ti los sonidos, los tonos y las sensaciones más allá de la letra?
Cada nota... alta o baja o juntas... crea una sensación... si vibran juntas... sienten cada sentimiento... Y con ello alegría y entusiasmo, eso es específicamente lo que quiero.

En un mundo musical tan competitivo, ¿cómo logras mantenerte fiel a ti misma y a ese espíritu soñador que te define?
Adaptándome... al mundo, a las situaciones, a la gente, al crecimiento... y sé con certeza que soy capaz. El mundo está en constante evolución... Los grandes músicos, como las referencias que mencioné, no han perdido su identidad con el tiempo; se han adaptado sin perder su esencia. Por ejemplo, Bohemian Rhapsody también fue "atípica" al principio... y luego tuvo un gran éxito.

La canción transmite movimiento, juventud y vitalidad, casi como una carrera contra el tiempo. ¿Refleja tu propia experiencia de sentir que hay que aprovechar cada instante?
Exacto, tengo prisa por vivir. A veces es inevitable. Dicen que soy muy intensa…

Tu propuesta combina pasión con racionalidad, emoción con reflexión. ¿Crees que esa dualidad es lo que hace que tus canciones lleguen a públicos tan diversos?
Cualquier cosa hecha con dedicación y pasión probablemente creará grandes movimientos…

¿Cómo imaginas el directo de Dreamer? ¿Será una canción que te acompañe como un himno en los conciertos?
Lo imagino cada día, si es posible imaginarlo... definitivamente será posible crearlo... animando a las multitudes a vibrar lo más fuerte posible…

Además de Dreamer, ¿qué otros matices nos vamos a encontrar en el álbum Heart&Brain? ¿Habrá sorpresas en cuanto a estilos o colaboraciones?
Muchos otros... hablando de varias fases. Como la luna, metafóricamente. De amor, de celebración, de días en los que creemos haber perdido la batalla... pero todo será una sorpresa.

Si tuvieras que definir tu música en una sola palabra que resuma lo que quieres transmitir al mundo, ¿cuál sería y por qué?
Creación... para que se hagan maravillas.

Has dicho que tu inspiración nace de sentimientos, expresión y arte. ¿Cómo logras mantener esa chispa creativa encendida en tu día a día?
De hecho… es una mirada ya incluida que tengo, la de mirar la “belleza de la vida” y crear algo nuevo.

Mirando hacia el futuro, ¿qué sueños musicales te quedan por cumplir y hacia dónde te gustaría que te llevara este nuevo proyecto?
A lo lejos... ¿Hay música en el universo? (risas).

Para terminar, ¿qué opinión tienes de elfiesta.es como medio que apoya y da visibilidad a artistas emergentes y consolidados?
Un buen concepto y proyecto para mostrar mentes y voces extraordinarias que merecen compartir su mensaje. Artistas, apoyen a los artistas.

Rocío Reverte es una artista española que, a sus 22 años, se ha consolidado como una de las voces emergentes más prometedoras del panorama musical actual. Cantante y compositora, ha conquistado a miles de seguidores en Instagram, YouTube y otras redes sociales gracias a su potente voz y a la autenticidad de sus letras, en las que transmite vivencias y emociones con una sensibilidad única.

En su trayectoria ya ha dado vida a varios singles que han conectado con el público, entre ellos Pincha y fuera, Reír sin palabras, Repetirnos, Mía Mía y Desvanecer. Cada una de estas canciones refleja una parte de su universo artístico, combinando frescura, sentimiento y una versatilidad que le permite moverse con soltura entre distintos géneros.

Más allá de su faceta como solista, Rocío también ofrece espectáculos musicales para eventos, donde destaca con propuestas que van desde el chill out hasta la música flamenca, siempre con un sello personal que la distingue y la acerca al público.

Hoy damos un paso más para conocerla a través de la mirada de quienes la siguen de cerca: sus fans. Ellos, que han visto crecer su carrera y sienten una conexión especial con su música, comparten en esta entrevista lo que significa Rocío Reverte para ellos.

María

¿Cómo conociste a Rocío Reverte?

En un concierto de Tini en Madrid. Ella estaba con su hermana cantando en la cola de entrada. La escuché y, al día siguiente, me apareció en redes un directo suyo. ¡Increíble! Pura casualidad.
A partir de entonces la he seguido a diario.

¿Qué significa Rocío Reverte para ti?

Para mí, Rocío es una amiga muy especial.
Siempre que la escucho cantar consigue alegrarme el día. Su voz logra animarme incluso cuando estoy un poco triste.

Si tuvieras la oportunidad de sugerir algo a Rocío Reverte sobre su carrera, ¿qué sería?

Que siga trabajando así de bien todos los días. Estoy convencida de que va a llegar muy lejos.

Del trabajo de Rocío Reverte, ¿qué destacarías?

Destacaría su constancia. Es una luchadora nata. Además, su sonrisa y sus ganas de agradar a todos los que la escuchan. Créeme cuando te digo que lo consigue a diario.

¿Qué es lo que más te gusta de Rocío Reverte?

Me gusta lo simpática y cariñosa que es. Es muy cercana: con muy poco que hables con ella, sientes que la conoces de toda la vida. Es una persona sencilla y amable con todo el mundo.

¿Qué tiene Rocío Reverte que no tengan los demás artistas, para ti?

Que Rocío es genial. En sus “lives” nos escucha y nos habla a cada uno. Se preocupa de que quien se acerque a ella se sienta a gusto. Como ya la describí antes, es una artista muy cercana.

¿Qué dirías al público para que siga a Rocío Reverte?

Pues que es una mujer maravillosa con una voz increíble. Creo que quien la conoce termina enamorándose de su voz, de su carisma y de su fuerza.
Animaría a todo el mundo a dejarse contagiar por su alegría.

¿Dónde te gustaría ver actuar a Rocío Reverte?

Me gustaría verla cantar en Madrid. Me haría mucha ilusión verla llenar cualquier sala de la capital. Estoy convencida de que un día llegará a compartir escenario con más estrellas en el estadio Santiago Bernabéu o en el Riyadh Air Metropolitano.

Si pudieras pedir un deseo que se hiciera realidad para ella, ¿cuál sería?

Mi deseo lo tengo muy claro: que se cumpla el suyo y que llegue a ser una gran estrella de la música.

Sergio

¿Cómo conociste a Rocío Reverte?
A través de TikTok, me apareció en “Para ti”.

¿Qué significa Rocío Reverte para ti?
Una gran amiga y una persona muy importante en mi vida.

Si tuvieras la oportunidad de sugerir algo a Rocío Reverte sobre su carrera, ¿qué sería?
Que siga siendo ella misma y que no cambie nunca.

Del trabajo de Rocío Reverte, ¿qué destacarías?
Su personalidad, su manera de hacer las cosas, su perseverancia y la lucha constante que tiene.

¿Qué es lo que más te gusta de Rocío Reverte?
Todo.

¿Qué tiene Rocío Reverte que no tengan los demás artistas para ti?
Que es muy verdadera, sincera y que no tiene dos caras.

¿Qué dirías al público para que siga a Rocío Reverte?
Que la sigan apoyando, que sean buenas personas con ella y que no le hagan daño.

¿Dónde te gustaría ver actuar a Rocío Reverte?
En todo el mundo y en el Movistar Arena de Madrid, España.

Si pudieras pedir un deseo que se hiciera realidad para ella, ¿cuál sería?
Que se vuelva muy famosa, que todo el mundo la conozca y cante todas sus canciones, que saque disco y que haga firmas de discos en Madrid y en otras partes de España y del mundo.

Raúl

¿Cómo conociste a Rocío Reverte?
Siempre recordaré ese día. Fue a través de TikTok, un domingo, pasando vídeos sin hacer caso a ninguno, hasta que apareció ella cantando “Como te imaginé”. Recuerdo que fue un frenazo en seco y me quedé asombrado de su voz. En ese momento le di a seguir y al día siguiente hizo un directo en esta plataforma. Fue entonces cuando dije “guau”… y hasta hoy.

¿Qué significa Rocío Reverte para ti?
Es una pregunta muy interesante y te diría que, a día de hoy, es como mi hermana pequeña. Como es normal, al principio de conocerla, para mí Rocío era simplemente una artista con un talento brutal a la que seguía y apoyaba. Pero a día de hoy Rocío para mí ya no solo es una artista: es parte de mi vida, es una persona a la que quiero, admiro, respeto y sé que puedo contar con ella para todo, al igual que ella sabe que puede contar conmigo, a pesar de la distancia.

Si tuvieras la oportunidad de sugerir algo a Rocío Reverte sobre su carrera, ¿qué sería?
Creo que no tengo nada que sugerir porque ella es una artista con mucha personalidad y con las ideas muy claras. Si llegado el momento me pide opinión sobre algo, estoy para aportar mi punto de vista. Pero, como te digo, tiene una personalidad muy fuerte y, por mucho que le digas, ella, como es lógico, va a hacer lo que quiera. Si le tengo que decir algo es que siga como lo está haciendo, que poco a poco van llegando los resultados del esfuerzo y la dedicación que pone en cada trabajo.

Del trabajo de Rocío Reverte, ¿qué destacarías?
Como he dicho en la pregunta anterior, destaco su dedicación, su fuerza mental —porque no es fácil para una mujer tan joven enfrentarse a un mundo como es el artístico—, su tesón y valentía para luchar por su sueño.

¿Qué es lo que más te gusta de Rocío Reverte?
Aparte de su voz —que es indiscutible, porque con solo abrir la boca es capaz de erizarte la piel y tocarte el alma—, de Rocío me gusta su cercanía, amabilidad y dulzura con todos.

¿Qué tiene Rocío Reverte que no tengan los demás artistas para ti?
Para mí, Rocío tiene algo que me parece muy importante en un artista: la capacidad de adaptarse e interpretar de forma espectacular casi todos los géneros.

¿Qué dirías al público para que siga a Rocío Reverte?
A alguien que no haya escuchado a Rocío simplemente le diría que está dejando escapar la oportunidad de conocer a una artista de verdad, con una voz increíble que transmite muchísimo.

¿Dónde te gustaría ver actuar a Rocío Reverte?
Hombre, si nos ponemos a soñar a lo grande, en un estadio enorme con 40.000 personas coreando sus canciones. Pero paso a paso: sé que todo le va a llegar, y no hay que ser impacientes. Todo llegará en su momento, cuando tenga que llegar, estoy seguro.

Si pudieras pedir un deseo que se hiciera realidad para ella, ¿cuál sería?
Que Rocío triunfe y cumpla su sueño, pero sobre todo, y algo que creo que es más importante, que pase lo que pase ella sea feliz.

Dani

¿Cómo conociste a Rocío Reverte?
La conocí por TikTok, en un live que hacía con su abuela.

¿Qué significa Rocío Reverte para ti?
Para mí es una persona muy especial, es una amiga porque sé que siempre tiene un minuto para responder y está dispuesta a ayudar.

Si tuvieras la oportunidad de sugerir algo a Rocío Reverte sobre su carrera, ¿qué sería?
Ella es muy polifacética, pero sí me gustaría verla cantar en colaboraciones con artistas reconocidos.

Del trabajo de Rocío Reverte, ¿qué destacarías?
Su capacidad para saber manejar distintos tipos de temas.

¿Qué es lo que más te gusta de Rocío Reverte?
Su humildad.

¿Qué tiene Rocío Reverte que no tengan los demás artistas para ti?
Su humildad también, su simpatía y su cercanía.

¿Qué dirías al público para que siga a Rocío Reverte?
Van a ver a una artista de los pies a la cabeza y a una chica que desde niña está cumpliendo su sueño.

¿Dónde te gustaría ver actuar a Rocío Reverte?
Aunque en el WiZink Center ya ha estado, me gustaría que volviera, pero también en el Metropolitano o en el Palau Sant Jordi.

Si pudieras pedir un deseo que se hiciera realidad para ella, ¿cuál sería?
Que saque un disco y que sea disco de oro.

José Antonio

¿Cómo conociste a Rocío Reverte?
A través de mi amigo Tony de ElFiesta.es.

¿Qué significa Rocío Reverte para ti?
Es una persona muy importante en mi vida, es la alegría de mi vida.

Si tuvieras la oportunidad de sugerir algo a Rocío Reverte sobre su carrera, ¿qué sería?
Que nunca cambie.

Del trabajo de Rocío Reverte, ¿qué destacarías?
Su forma de ser, su simpatía, porque tanto a mí como a mucha gente, cuando la vemos, nos alegra el corazón y nos hace olvidarnos de nuestros problemas y tristezas, y por unos segundos somos felices viéndola.

¿Qué es lo que más te gusta de Rocío Reverte?
Todo.

¿Qué tiene Rocío Reverte que no tengan los demás artistas para ti?
Es honesta y sincera, si te tiene que decir algo, te lo dice de frente.

¿Qué dirías al público para que siga a Rocío Reverte?
Que sus canciones son una locura y que ella es atrevida porque hace todo tipo de música. De esa forma puede llegar a todo tipo de público.

¿Dónde te gustaría ver actuar a Rocío Reverte?
En todos los sitios posibles, pero sobre todo en Sevilla y Cádiz.

Si pudieras pedir un deseo que se hiciera realidad para ella, ¿cuál sería?
Que se haga famosa, que pueda sacar muchos discos con grandes éxitos y que estuviera nominada a los Latin Grammy.

Hoy tenemos el placer de charlar con Thalía Garrido, una artista completa: cantante, compositora, actriz y soprano ligera, que se dio a conocer en Operación Triunfo 2017 y desde entonces ha construido una carrera fiel a sí misma. Thalía, con una formación musical impecable y un rango vocal de vértigo, ha pisado escenarios como el Estadio Santiago Bernabéu, Palau Sant Jordi, Teatro de la Zarzuela o el Auditorio Nacional. Ahora, tras una etapa centrada en su crecimiento artístico y personal, regresa con "Amor Veneno", su nuevo single. Hablamos con ella sobre esta nueva etapa, su música, sus fans y su visión de la industria.

Thalía, arrancamos con tu nuevo single "Amor Veneno". ¿Cómo nace esta canción y qué te inspiró para escribirla?

Esta canción nace de un mes muy intenso de composición continua para encontrar mi estilo en un género un poco más comercial. Quise jugar con un sonido más fresco. Recuerdo estar en mi cuarto pensando: ¿Por dónde tiro? Y uno de esos días junto a mi piano nació Amor Veneno.

El título es muy potente, suena a amor tóxico y a emociones intensas. ¿De qué habla exactamente "Amor Veneno"? ¿Es una historia personal, una ficción o mezcla de ambas?

Amor Veneno habla de una relación tóxica, una relación que solamente perdura por pura atracción física. La protagonista de esta historia intenta muchas veces dejarlo, pero es un bucle del que no puede salir, siente que no puede escapar de ese juego y una parte de ella piensa que las cosas pueden cambiar y que quizás algún día puedan tener una relación sana.

Esta historia es una ficción, compongo muchas canciones y claramente no todas pueden salir de vivencias propias. Pero tengo la gran suerte de ser actriz y de poder vivir la vida de otras personas. De cada trabajo que hago me llevo conmigo esa vivencia de esa persona y a veces me gusta contarla. No he vivido de primera mano una relación tóxica, pero sí he interpretado a una mujer que estaba en esta misma situación y he podido vivir perfectamente cómo se siente.

¿Cómo fue el proceso de composición? ¿Partiste de una idea concreta, de una melodía, de un texto...?

Cuando me pongo a componer unas veces empiezo por crear la música y luego la letra y otras veces al revés. En este caso fue así, primero la historia y después la música. La idea la tenía bastante clara, lo que más tuve que buscar fue el estilo de cómo quería que fuera musicalmente.

En cuanto al sonido, ¿qué estilo predomina en "Amor Veneno"? ¿Cómo definirías su atmósfera musical y qué buscabas transmitir con la producción?

Amor Veneno es un "afrobeat", aunque originalmente era a piano como todo lo que compongo porque es la manera más personal que tengo para componer, estar en mi cuarto con mi piano.

He querido jugar en esta canción con el contraste. Una historia intensa no tiene por qué siempre llevar una armonía intensa. Ese contraste para mí era muy importante para romper un poco con lo que se esperaba de una historia así.

¿Con quién has trabajado en la producción y arreglos de "Amor Veneno"? ¿Cómo ha sido colaborar con ese equipo?

La producción de Amor Veneno la ha hecho Marco Dettoni y el arreglista ha sido Pablo Manresa. Tengo mucha suerte de trabajar con ellos, hacen magia cada vez que les mando una nueva canción a piano. Se suman a todo y me proponen cosas para ayudarme a mejorar y a conseguir mis objetivos. Tengo mucha suerte, los tres somos un gran equipo.

El single muestra una faceta tuya muy emocional, casi visceral. ¿Qué momento vital atraviesas ahora que te ha llevado a sacar una canción así?

Pues esta canción sale en un momento en el cual me encuentro terminando el superior de canto, con un montón de exámenes y mucho trabajo. Muy feliz de estar terminando la carrera después de 14 años dedicados completamente mi formación musical.

Justo el viernes 10 que iba a salir la canción a las doce de la noche estábamos mis amigos y yo por la mañana entre examen y examen diciendo: "que esta noche sale amor veneno!!!!".

Me siento muy privilegiada de haber podido estudiar lo que más amo y Amor Veneno acompaña este cierre de ciclo en mi vida.

¿Hay alguna frase o verso de la letra que para ti sea especialmente importante o con la que te sientas más identificada?

"En este laberinto yo perdí mi corazón" creo que define muy bien ese bucle del que te hablaba antes.

¿Qué esperas que el público sienta o entienda al escuchar "Amor Veneno"? ¿Qué mensaje te gustaría que se llevasen?

Creo que en esta canción no hay una conclusión como tal, siento que se cuenta la relación tóxica desde el punto de vista de la protagonista de la historia. Quizás haya personas que estén pasando por una situación parecida y que se sientan identificadas con esta canción u otras a las que les dé buena vibra la música y les apetezca bailarla. Quiero que mi público disfrute de este tema y que se lo pasen bien escuchándola.

¿Este single es un tema suelto o forma parte de un proyecto más amplio, como un EP o álbum en camino?

Me encantaría poder sacar mi primer álbum y estoy trabajando al máximo para ello, pero antes del disco quedan muchos singles por lanzar.

A nivel vocal, "Amor Veneno" tiene una interpretación muy intensa. ¿Ha supuesto algún reto técnico para ti?

La verdad es que estoy muy cómoda en este género. Como muchos sabéis soy una baladista nata pero también me encanta bailar y encontrar el equilibrio en mi música era muy importante para mí. Darle al público todo lo que yo soy es lo que quiero conseguir y siento que voy por buen camino. Quiero sorprenderles porque hay mucha Thalía que descubrir todavía.

En redes sociales se nota que mantienes un contacto cercano y agradecido con tu público. ¿Cómo valoras ese cariño constante a lo largo de los años?

Lo digo siempre en las entrevistas, es un regalo enorme que mis fans sigan conmigo después de tantos años. Les estoy inmensamente agradecida y siempre estoy en contacto con ellos porque me parece muy importante.

Con apenas 20 años, Clara Lema se está abriendo camino en la escena emergente nacional con una propuesta honesta y directa. Desde Madrid, esta joven artista ha pasado de tocar el violín con 5 años a publicar sus primeros singles en menos de un año. Tras SATURNO y Mírame, su nuevo tema Me confunde(s) la consolida como una de las voces más prometedoras del pop emocional de nueva generación. Hablamos con Clara sobre su recorrido, su proceso creativo y lo que está por venir.

Clara, gracias por acompañarnos. Vamos con las preguntas:

Desde los cinco años has estado en contacto con la música, pero ¿en qué momento decides que quieres convertirla en tu profesión?

Desde pequeña he estado súper conectada con la música. Siempre me ha encantado cantar, bailar, subirme a un escenario… nunca me ha dado vergüenza, era como mi forma de expresarme. Pero el momento en el que de verdad decidí que quería dedicarme a esto fue el año pasado.

Llevo años componiendo, pero todo lo tenía guardado para mí. Me daba cosa enseñarlo, supongo que, por inseguridades, por el miedo al “qué dirán”, al “¿y si no gusta?”. Me frenaba mucho eso, aunque por dentro sabía que era lo que más quería hacer.

Lo que me hizo espabilar fue que, con unas amigas, el verano pasado, hicimos un trend en TikTok para intentar conocer a una artista que llevaba años siguiendo y para mí fue, y es hoy en día, alguien a quien admiro y quiero mucho, y conseguimos conocerla. Justo ella también acababa de empezar en la música, y para mí fue como ver una versión un pelín más mayor de mí misma. Me vi super reflejada, de hecho, me sorprendió lo mucho que nos podíamos llegar a parecer sin realmente habernos conocido antes, ella siendo tan conocida en redes y todo, y yo siendo nadie realmente. Pensé: “Si ella lo está haciendo, ¿por qué yo no?”. No la veía como alguien lejanísimo o inalcanzable, y siento que también es algo que me ha ayudado y motivado mucho.

Ahí fue cuando me dije: “Venga tía, deja de comerte la cabeza y hazlo ya”. Y desde entonces empecé a moverme, a compartir mis cosas y a tomármelo en serio de verdad.

Has pasado del violín y el piano al pop más actual, ¿cómo ha sido esa transición a nivel personal y artístico?

Pues… una movida, la verdad, jajaja. Para empezar, no sé tocar la guitarra, y claro, ahora que estoy haciendo pop y componiendo mis propios temas, me está tocando aprender poquito a poco. Pero está siendo muy guay, me lo estoy tomando como parte del proceso, y me lo estoy pasando muy bien.

Yo vengo de una formación más clásica, entonces meterme en el pop ha sido un cambio bastante heavy, pero también súper natural, porque al final es la música que más escucho desde siempre. Me sale sola, no tengo que forzar nada, simplemente me siento, empiezo a escribir y fluye.

Y aunque parezcan mundos diferentes, tener esa base más clásica me ayuda muchísimo. Hay muchas canciones de pop que tienen piano o incluso violín, y cuando se trata de sacar melodías, armonías o estructurar ideas, me viene genial. Me da herramientas que ahora valoro muchísimo más.

Pero lo más fuerte de todo es que meterme en un género que es tan distinto y parecido a la vez, me está enseñando cosas que, a pesar de llevar años en la música y haber hecho teoría, lenguaje, todo eso… no sabía. Como cuadrar una batería, entender bien la estructura de un beat, aprender a medio producir mis maquetas… Son cosas que no se aprenden en clase y que ahora estoy pillando sobre la marcha. Y me flipa, porque estoy creciendo un montón como artista y también como persona.

Defiendes que te sientes novata en lo profesional, pero con muchas ganas de aprender, ¿qué ha sido lo más desafiante de este primer año de carrera?

Sí, totalmente. Me siento novata todavía en lo profesional, pero con muchas ganas de aprender y de seguir creciendo. Este primer año ha sido un reto constante. Uno de los mayores desafíos ha sido hacerme ver como artista emergente, destacar entre tanta gente que también está intentando lo mismo.

Hoy en día cualquiera puede hacer música desde su habitación, subirla y empezar un proyecto, lo cual está genial, pero también significa que hay muchísima oferta, y diferenciarse cuesta. No basta con que la música sea buena: también tienes que saber promocionarte, moverte, hacer contactos, y sobre todo tener contenido constante para redes. Al final, ahora un artista emergente también tiene que ser un poco influencer, entender cómo funcionan TikTok, Instagram… y casi que ganarle al algoritmo. Todo eso es parte del trabajo, aunque muchas veces no se vea.

Al principio pensaba que era cuestión de esperar a que alguien te descubriera o te diera una oportunidad. Pero este año he aprendido que sí, a veces las puertas se abren... pero si no, yo las veo y las abro de una patada, jajajajaj. Hay que ir a por ello sin miedo, porque nadie va a apostar por ti más que tú misma.

Tu nuevo single Me confunde(s) ha sido, según tú, el que más has disfrutado creando. ¿Qué tiene de especial este tema para ti?

Me confunde(s) ha sido, sin duda, la canción que más he disfrutado haciendo hasta ahora. No solo porque me representa mucho, sino porque siento que marca un cambio real en mi forma de hacer música. Desde cómo la compuse hasta cómo sonó al final, todo tuvo más intención, más claridad. Ya no era “a ver qué sale”, sino “esto quiero decir y así quiero que suene”. Y la verdad, acabé muy contenta con el resultado.

Con Saturno, que hice junto a ARENAS, fue otra historia. Más que una canción, fue un momento. Nos sirvió para conectar de verdad como amigos y darnos cuenta de lo fuerte que era nuestra amistad, que a veces podíamos llegar a dar por sentada. Muy especial, pero compartido. Luego vino Mírame, que fue mi primer tema sola-sola… y bueno, fue un experimento total, jajajaja. Estaba probando, aprendiendo sobre la marcha, en plan: “esto es lo que hay, espero que os guste”. Y oye, no salió del todo mal.

Pero Me confunde(s) ya es otra cosa. Es el primer tema donde sentí que estaba tomando decisiones más seguras, más pensadas. Desde la letra hasta el sonido, todo tiene más sentido. Y también lo he notado en cómo lo ha recibido la gente. Es como si ahora sí empezara a encontrar mi voz, y eso me motiva muchísimo. Estoy en esa etapa de ir aprendiendo, creciendo… pero ya sin tanto miedo a equivocarme.

¿De qué habla exactamente Me confunde(s) y qué esperas que la gente sienta al escucharlo?

Me confunde(s) habla de los “casi algo” … jajajajaj. De esa situación en la que no sois nada, pero sois todo. Hay tensión, hay conexión, hay historia, pero nunca pasa nada claro. Va, vuelve, aparece, desaparece, y tú ahí, intentando entender algo que no tiene sentido. No te coge, pero tampoco te suelta. Y mientras tanto tú, pilladísima.

Es esa relación que no es relación, donde todo es ambiguo. Y aunque sabes que no va a ningún sitio, sigues ahí porque algo te engancha. Cuando desaparece dices “ya está, se acabó”, pero en cuanto aparece otra vez con un “¿qué tal?” a las 2AM… pues vuelves. 

Y lo que espero con la canción es justo eso: que alguien la escuche y diga “uff, me está pasando lo mismo” y que se rían un poco de su propio drama o, al menos, lo canten bien fuerte y se quiten un peso de encima.

Eso sí, aviso: Me confunde(s) no es para volver a caer, ¿eh? Es para desahogarse, cantar con rabia si hace falta, pero no para volver al ciclo. Que nos conocemos, jajaja.

Tus letras son muy de tú a tú, directas, sin disfraz. ¿Por qué has elegido esa forma de escribir y qué crees que aporta a tu música?

Sí, la verdad es que escribo tal cual hablo —sin muchas vueltas—. No me sale eso de adornarlo todo con mil metáforas, aunque me encanta cuando otras personas lo hacen y me flipa analizarlas. Pero a mí me sale ser directa, como si estuviera mandando una nota de voz a una amiga. Creo que esa forma de escribir conecta más, sobre todo con la gente joven, que al final es la que más me escucha (y que ojalá se convierta poco a poco en una comunidad más grande). Para mí, son como colegas. 

No intento sonar más profunda de lo que soy, simplemente escribo desde lo que siento, y me gusta que eso se note. Prefiero que alguien escuche una letra mía y diga “buah, esto me ha pasado” antes que se queden pensando qué quise decir con una frase que ni yo misma entiendo. Al final, la música para mí es eso: una forma de desahogarme, pero también de crear vínculos reales con quien me escucha. Y si consigo que alguien se sienta acompañadx o se ría un poco con algo que pensaba que solo le pasaba a ella o él… ya con eso, yo estoy feliz.

¿Cómo te enfrentas a la parte de producción y montaje de tus temas? ¿Te involucras en todo o prefieres delegar algunas cosas?

Me involucro bastante. Lo que más me engancha de hacer música es justamente la producción, porque al final es realmente el montaje entero del tema. Me gusta escribir y cantar, sí, pero donde más disfruto es en todo el trabajo que hay detrás: probar sonidos, montar estructuras, decidir cómo debe sonar cada parte. Me interesa entender cómo se construye una canción desde dentro, no simplemente grabar y ya.

Producir no es fácil. No es solo elegir un beat, hay decisiones todo el rato: cómo entra una voz, si dejar un silencio, si meter un efecto, el reverb… Todo influye. A veces no está claro qué funciona y qué no. Hay que probar, equivocarse, frustrarse un poco, volver a intentar. Estoy aprendiendo a escuchar con más detalle y a entender por qué algo suena bien o por qué no termina de encajar. Es un proceso constante (y sí, a veces una pelea con el programa también, jajaja).

Trabajo con Viko, mi productor, y muchas veces siento que hace magia. Le suelto ideas súper abstractas —tipo “quiero que suene como si viniera de un teléfono, pero más como radio antigua”— y él las entiende y las convierte en algo real. Al principio me costaba explicarme (llegué a decir cosas como “esto tiene que sonar ñiñiñi”), pero con el tiempo he aprendido a comunicarme mejor, incluso con términos más técnicos. Me gusta entender lo que está pasando en cada parte del proceso, además que como artista me parece esencial tener una base de producción.

Últimamente también estoy trabajando con más productores, y eso me está ayudando mucho. Cada persona tiene su forma de construir y su manera de escuchar. Me obliga a adaptarme y a salir de mi zona de confort y me está ayudando a ver y componer mis temas desde perspectivas que jamás me hubiese imaginado, la verdad. Así que sí, todavía tengo mucho que aprender, pero intento estar en todo lo que pueda y absorber lo máximo. 

Dices que te sientes más cómoda en el pop, pero que estás abierta a otros estilos. ¿Qué géneros te gustaría explorar en un futuro cercano?

Sí, estoy bastante abierta a probar estilos nuevos como el reggaetón o el rap, porque son géneros que me llaman mucho la atención y que, poco a poco, estoy empezando a explorar. Me gusta la idea de no cerrarme a nada. Al final, creo que cada estilo tiene algo que enseñarte, y si te limitas a uno solo, te pierdes un montón de oportunidades para crecer, además, nunca sabes dónde puede salir una idea buena, a veces escucho algo totalmente distinto a lo que suelo hacer y me digo: ‘buah, esto me encantaría probarlo’.

El reggaetón tropical, por ejemplo, me parece que tiene una energía super especial. Es alegre, tiene ritmo, pero sin llegar a ser demasiado, y las vibras caribeñas son lo más, como si te transportara a otro sitio. Me flipa ese tipo de sonido, que te hace moverte sin ser demasiado agresivo. Y el rap melódico me atrapa por otro lado: letras que dicen cosas, que te hacen pensar o sentir, pero con una base muy simple, a veces nada más que un piano y algo de beat. Artistas como Kadec o Decomdz hacen cosas muy interesantes en ese sentido.

Aun así, por mucho que me guste experimentar, siento que el pop es donde realmente encajo. Es el estilo que más me representa, donde más cómoda me siento componiendo y cantando. Me da libertad para probar sonidos nuevos sin dejar de sonar a mí. Así que, aunque me apetece seguir jugando con otros géneros, creo que el pop va a seguir siendo mi punto de partida. Es donde más natural me sale todo y donde quiero seguir creciendo como artista.

Has mencionado que tienes temas de reggaetón y trap guardados bajo la manga. ¿Te ves publicándolos pronto o prefieres esperar?

Sí, tengo varios temas de reggaetón y trap listos, o casi listos, y la mayoría son colaboraciones. Eso hace que todo dependa de más cosas que solo mis ganas de sacarlos jajaja. Hay que cuadrar agendas, grabar videoclips, alinear los planes de cada artista... y a veces eso lleva más tiempo que hacer la canción. Pero ya está todo bastante encaminado y van a salir este año, eso seguro.

La idea es que empiecen a salir en verano, porque los temas tienen esa vibra perfecta para la temporada: son intensos, bailables, callejeros. Hay uno de trap en particular que me tiene loquísima. Es de esos que entran con fuerza, una energía muy cruda, muy real… digamos que intenso jajaja.

Todavía no me he atrevido a sacar uno de trap o reggaetón completamente sola, y es algo que tengo ahí, dándome vueltas. Me da un poco de vértigo, la verdad, porque es un terreno con mucha personalidad, y quiero hacerlo bien, no por impulso. Pero está en mis planes, y cada vez lo veo más cerca. 

Lo importante es que estoy súper emocionada con lo que viene. Son temas que me representan, que tienen mucha energía, y que espero que la gente los disfrute tanto como yo disfruté haciéndolos.

"Laura West, conocida artísticamente como WESTIE, es una artista multifacética que ha sabido fusionar el pop con sonidos electrónicos y urbanos, creando una identidad única en la escena musical. Su último EP, 'QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA', es un viaje introspectivo que oscila entre la luz y la sombra, explorando temas profundos como el autoconocimiento y las relaciones interpersonales. Con colaboraciones destacadas y una propuesta escénica enérgica, Laura se consolida como una voz fresca y auténtica. En esta entrevista, nos adentramos en su proceso creativo, sus influencias y los mensajes detrás de su música."

 "QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA" es un EP muy personal. ¿Qué momento o experiencia detonó la creación de este proyecto?

Sinceramente, el año pasado atravesé un momento muy difícil, tanto a nivel personal como creativo. Pero fue precisamente esa crisis la que me impulsó a dar vida a este proyecto desde cero. Me apetecía crear un álbum en el que pudiera mostrar mi vulnerabilidad al mundo y, al mismo tiempo, hacer un ejercicio de introspección mientras lo creaba.

El EP comienza en un mundo idílico y luego desciende a sonidos más oscuros. ¿Cómo decidiste esta estructura narrativa?

Quería plasmar con total honestidad cómo me sentía en ese momento. Siempre me he sentido rodeada por una sociedad muy superficial, y fue justo hace un año, durante una temporada en la que pasaba muchos días sola en casa, sin ganas de socializar, cuando empezaron a aflorar mis sombras. Empecé a cuestionarme cosas que nunca antes me había planteado. Por eso me gustó la idea de que el proyecto empezara en un lugar idílico —como si fuera el cielo— y, acto seguido, cayera a la tierra, donde empezaría a afrontar todos los problemas más “terrenales”.

Colaboraste con artistas como Carmen Lillo y Laura Gibert, y productores como KFE y Scotty DK. ¿Cómo influyeron en el sonido final del proyecto?

 En este proyecto he tenido el privilegio de colaborar con amigas y con algunos de los productores más talentosos de la industria. Todos ellos son personas increíblemente creativas que han aportado una riqueza inmensa al proyecto. Compartimos el mismo impulso por experimentar y jugar con los sonidos, y creo que juntos hemos conseguido una mezcla muy bien equilibrada.

Normalmente me cuesta colaborar con otros artistas, especialmente en un proyecto tan personal en el que hablo abiertamente de mis propios traumas. Pero tanto Carmen como Laura han sabido entender el concepto a la perfección, y para mí es un verdadero regalo que hayan querido aportar su voz y sensibilidad a algo tan especial para mi.

"Caramelo" habla de la dualidad entre la imagen perfecta y las inseguridades. ¿Cómo fue el proceso de escribir una canción tan honesta?

 Todo empezó un día en terapia, cuando mi psicólogo me preguntó: ¿Tienes autoestima? Yo le respondí que sí, que al mirarme al espejo me gustaba lo que veía. Entonces me dijo que no hablaba de mi exterior, sino de mi interior. Y fue en ese momento cuando me di cuenta de que mi autoestima era mucho más frágil de lo que pensaba. Siempre he intentado alcanzar una cierta perfección externa, pero al mismo tiempo he buscado constantemente la validación de los demás, sintiéndome insegura en muchas ocasiones. Esta canción nace de esa reflexión, y plantea una pregunta esencial: ¿Nos estamos dando valor, solo por como nos vemos por fuera?

Tu música mezcla pop, electrónica y urbano. ¿Cómo defines tu evolución sonora desde tus inicios hasta ahora?

Siempre me ha atraído la música experimental y he intentado integrarla en mis canciones. Aun así, siento que con el tiempo mi sonido se ha ido definiendo cada vez más, encontrando así una identidad más madura y equilibrada. Tengo la suerte de escuchar música en distintos estilos y en varios idiomas, lo que me permite descubrir constantemente nuevos recursos que luego incorporo a mi propio proyecto.

¿Qué representa para ti el nombre WESTIE, tanto en tu música como en tu identidad?

En realidad, este nombre no lo creé de forma consciente, fue surgiendo poco a poco… y hoy en día me encanta. Siempre me he considerado una persona vergonzosa, algo antisocial y bastante insegura. Pero cuando aparece este alter ego, siento que me transformo. Es como si el hecho de tener un nombre artístico me permitiera salir de mí misma y actuar sin tanto juicio. Me da libertad para expresarme sin las barreras que a veces me impone mi parte más tímida.

Tus shows son conocidos por su alta energía y coreografías con las Westies. ¿Cómo surgió la idea de integrar el baile como parte esencial de tu arte?

Me encanta el arte en todas sus formas, y poder expresar lo que dicen mis canciones a través del baile es algo muy especial para mí. Me ayuda a conectar aún más con lo que estoy cantando, especialmente en los directos. En estos nuevos shows estoy incorporando acting y atrezzo, con la intención de que el público pueda sumergirse en mi universo creativo. Además, tengo que confesar que subirme al escenario con mis bailarinas —que también son mis amigas— me da una seguridad enorme. Me ayuda a estar más tranquila. Compartir esto con ellas lo hace aún más significativo: son recuerdos que nos van a acompañar siempre.

Has sido telonera de artistas como Bad Gyal y RVFV. ¿Qué aprendiste de esas experiencias y cómo influyen en tu propio escenario?

 He tenido la oportunidad de cantar en lugares espectaculares, pero justo has mencionado los dos conciertos que más he disfrutado hasta ahora. La energía del público fue increíble y me sentí conectada a tope. Vengo de actuar en espacios muy pequeños, y todas esas experiencias me han servido como preparación para escenarios más grandes. Además, he aprendido muchísimo observando otros directos, siempre estoy dándole vueltas a cómo puedo seguir mejorando el mío.

Cantar en este tipo de eventos te forma de verdad: aprendes a sonorizarte bien, hablar con los técnicos de sonido,  manejar lo que ocurre en el backstage y a adaptarte a cualquier imprevisto.

¿Cómo fue actuar en festivales como el Negrita Music Festival o el Holika? ¿Qué diferencia hay entre un festival y un concierto en sala?

Acabas de mencionar el mejor año de mi vida. Poder actuar en escenarios con tanta repercusión ha sido una auténtica locura. He tenido la oportunidad de viajar, de descubrir rincones y culturas únicas de este país, reírme a carcajadas con mi equipo y, sobre todo, crecer muchísimo como artista.

Los festivales te dan una visibilidad enorme, mucho mayor que un concierto en una sala privada, pero también conllevan el riesgo de enfrentarte a un público que quizá no conecte con tu música. Además, el tiempo de actuación suele ser más limitado, y no siempre puedes mostrar todas las capas de tu proyecto. En cambio, los conciertos en sala son mucho más íntimos y personales, pero el poder formar parte de un festival tan grande  y de todo lo que conlleva, es una experiencia espectacular. Quien viene, lo hace porque realmente quiere escucharte, y esa conexión es muy especial.

Si tuviera que elegir… sinceramente, no sabría con cuál quedarme. Cada formato tiene su magia y también sus retos.

Además de cantar, eres compositora, productora y ghostwriter. ¿Cómo equilibras todos estos roles?

Al final todo es música y lo acabo incorporando en mi proyecto. Ahora mismo, estoy co-produciendo la mayoría de temas que voy a sacar después del álbum y estoy muy orgullosa de mi avance con la producción, ya que a veces estoy por la calle y me viene una idea y me voy directa a casa con el Ableton, no me hace falta pedir hora de estudio con un productor!!

¿Hay algún artista o género que te haya inspirado especialmente en este último EP?

Hay demasiados artistas… ya que he sacado recursos de muchísimos sitios distintos, pero si que a nivel sonoro te diría Rosalía, Fred Again…, Judeline, Artemas, emtre otros.

¿Qué mensaje quieres que lleven tus fans después de escuchar "QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA"?

Sé que para ellas soy una persona muy cercana, pero también reconozco que me cuesta abrirme del todo y dejarme conocer en profundidad. Con este álbum quiero regalarles una parte de mí, una que quizá nunca había mostrado del todo. A través de estas canciones podrán entender todo lo que viví y sentí el año pasado.

También quiero que sepan que ellas son una de las razones por las que sigo haciendo música. Me encantaría que este proyecto lo hagan suyo, que lo sientan cercano, y que pueda acompañarlas —como banda sonora— en muchas de sus propias historias.

El título del EP sugiere una exploración de la identidad. ¿Crees que la música te ha ayudado a entenderte mejor a ti misma?

Sin duda, he dedicado muchísimo tiempo a la música; ahora mismo es donde enfoco toda mi energía. Ese tiempo lo he aprovechado para hacer introspección y reconectar con las ganas y la ilusión que me impulsaron a empezar en este camino.

Siempre digo que, al escuchar la música de un artista, puedes intuir su personalidad y su forma de ver la vida en el momento en que creó ese trabajo.

Finalmente, ¿qué viene para Laura West? ¿Hay algún sueño musical o colaboración que te gustaría cumplir próximamente?

Mucha música. No quiero adelantar demasiado, pero tengo casi otro álbum terminado y, sinceramente, creo que es de lo mejor que he hecho hasta ahora.

Me encantaría seguir creciendo, darme a conocer aún más y poder ir a tocar con mi equipo por todo España. A nivel de Catalunya, uno de mis sueños sería colaborar con Julieta, y a nivel estatal, con artistas como Oddliquor, Judeline, Belén Aguilera o Soge Culebra.

SORAYA ARNELAS: “Quiero que la gente me recuerde como una luchadora y una currante".

Ya han pasado dos décadas desde que conocimos a Soraya Arnelas, y parece que fue ayer cuando irrumpió en el escenario de Operación Triunfo cantando el ya mítico “Run to you” de Whitney Houston. Tras 7 discos de estudio e inmersa en la preparación del octavo, Soraya sigue siendo una auténtica todoterreno, dispuesta a afrontar cada uno de los retos que están por llegar este 2025, año que además viene cargado de proyectos musicales muy ilusionantes.

Por lo pronto, el 11 de abril lanzaste “El juego de la vida” junto a Pastora Soler.

Hemos podido grabar el tema juntas y ha sido un gran regalo. Nuestras voces empastan muy bien y ha quedado un temazo, la verdad. No hemos podido grabar un videoclip conjunto, pero aprovechando el día de grabación, también guardamos recursos visuales muy bonitos para que podáis haceros una idea de todo lo que vivimos en el estudio. 

Después de esto, vuelve la música de baile. Sé que mi imagen está muy asociada a la música de baile. Y no porque me lo pida el público vuelvo a ello, sino por una decisión propia, porque a mí me apetece, y porque me siento preparada.

Es verdad que, coincidiendo con el 20 aniversario, lanzar un álbum con música de baile, que es además lo que el público desea… Esto puede ser una bomba.

DANCE OR DIE. Es un álbum puramente de baile, en el que además va a haber sorpresas, porque va a haber producciones que no esperáis, va a haber incluso maneras de cantar que no esperáis, va a haber nuevas propuestas de sonido que son muy internacionales… lo cual va a ser un álbum de tendencia, similar a lo que pasó con Universe in me. Es un álbum muy bien hecho, con mucho corazón, pero sobre todo con mucha cabeza.

¿La gira la tienes preparada ya?

Tenemos cerradas más de 20 fechas, y otras que están por venir. De momento, estaré girando hasta octubre. Hay fechas que todavía no puedo anunciar hasta que lo hagan los Ayuntamientos, pero ahora mismo estamos preparando un buen cartel e iré anunciando a medida que se pueda. Este verano me estaré moviendo mucho, y estoy muy contenta por ello.

¿El setlist lo tienes cerrado? ¿Habrá algún tema del nuevo álbum en él?

Sí, ya está terminado. A ver… habrá dos que ya conocéis, que son Earthquake y Heaven Knows. Hay canciones de mi discografía que yo no he cantado nunca, hay sorpresas como siempre… pero el setlist está hecho. Ahora estamos ya con los visuales finales y con el vestuario.

La escenografía ya está pensada, tengo mucha ilusión y creo que la gente lo nota. Muchos me dicen que me brillan los ojos, y tienen toda la razón. Tengo tantas cosas creativas en mano, que esa es la parte bonita de mi trabajo. Hay muchas ilusiones puestas detrás de los 90 minutos de concierto.

La selección de temas ha sido muy difícil y he intentado pensar en todos los públicos. Los que recién se han incorporado, los que llevan desde el principio a mi lado... entonces he intentado equilibrarlo todo y creo que os va a gustar y emocionar.

La gente tiene muchas ganas.

Yo creo que esto no tiene que ser solo ilusionante para mí, sino también para vosotros. Al final vosotros también habéis envejecido con mi música, ya no somos tan jóvenes, todos tenemos familia, trabajo… y volvernos a juntar 20 años después es volver a esos inicios. Me siento orgullosa. Ha sido mutuo. Nos hemos cuidado y las relaciones permanecen en el tiempo cuando se cuidan por ambas partes.

Estos días de promoción te habrán hecho conectar con tus inicios, con momentos muy importantes en estos 20 años de carrera, como por ejemplo Eurovisión, la final de Operación Triunfo…

Yo viví todo tan concentrado que tengo como lagunas. No recuerdo todo de aquella época. De hecho, si tú me dices que estuve en la green room, yo te diría que nunca estuve allí. De muchos momentos de mi carrera, por tanta presión y nervios, he olvidado. Lo recuerdo por personas, porque veo imágenes…

De hecho, la actuación final de Eurovisión, yo no la he visto voluntariamente más de 5 veces. Y te podría decir que menos de 3. Yo no voy a buscar esas imágenes. Lo que está hecho, hecho está. Están en el recuerdo y ya. También te digo que hay cosas de las que prefiero no acordarme.

Si tu me dijeras si cambiaría algo de aquella época, yo no cambiaría nada. Aprendí tanto…

Soy muy trabajadora, soy muy perfeccionista y me siento orgullosa de ello.

He hecho las cosas siempre desde el esfuerzo absoluto.

¿Es el legado que te gustaría dejar? ¿Cómo te gustaría que la gente te recordara?

Sí. Como una luchadora, una currante. En casa me enseñaron que las cosas no te caían del cielo, que había que trabajarlas. Yo creo que todo lo que he conseguido ha sido el resultado de mis acciones, de mi trabajo. Cómo no me voy a sentir orgullosa. ¿Que podría haberme ido mejor en mi carrera? Probablemente. ¿Qué podría haber desaparecido? También. Entonces, si el éxito conlleva que me quiten tiempo de estar con mi familia, eso ya no es éxito, sino una tristeza de vida.

Ahora mismo, virgencita que me quede como estoy.

¿Qué otros proyectos están por llegar este 2025?

Va a ser un año de mucha música. Vienen remixes nuevos de “Soy esa mujer” y “Alas”, ambos por Julián Póker. “Mi mundo sin ti” tiene una nueva producción para el directo… Va a haber un giro en muchas cosas.

Hay otros proyectos que todavía no puedo desvelar, pero estoy muy ilusionada.

Entrevista de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

Caluu C., la voz ígnea del urban español, vuelve a encender los escenarios con su nuevo single, 'Si Quisieras', una canción que ya está haciendo arder las redes sociales desde su anuncio. Con un estilo que fusiona sensualidad, ritmos urbanos y una conexión única con su audiencia (quienes incluso eligieron el título del tema), la artista canaria demuestra una vez más por qué su música es sinónimo de pasión y fuego. Tras éxitos como 'PEÓN' (con Dani J) y 'MEXXX' (con NineTeen Elevenn), y su incursión en el trance con 'LUNA', Caluu C. sigue rompiendo moldes. Hoy nos adentramos en su universo creativo para hablar de este nuevo lanzamiento, su evolución artística y sus planes en 2025. ¡Bienvenida, Caluu!

"Si Quisieras" es un tema ardiente y sensual. ¿Qué historia hay detrás de esta canción y qué querías transmitir con ella?

Wow! Recuerdo que cuando Thor me mandó la idea quedé loca. Como que tuve una muy fuerte conexión con lo que oía, y ya las melodías y la instrumental me estaban incitando hacia un lado más erotico-sensual. Partimos de la base de que el estribillo, ya denota esa intención de cercanía sexual hacia esa persona. Y fue básicamente a lo que me aferré jaja. El concepto era claro: conexión única entre dos personas, que aún no han sincerado sus sentimientos y que están dispuestos a explorar íntimamente sobre esa conexión mutua tan especial. 

Lo más especial es que tu público eligió el título. ¿Cómo surgió la idea de involucrarlos y qué significa para ti esta conexión con tus fans?

Pues esta idea surge básicamente porque nunca me gustó una comunicación unidireccional, donde yo doy la info y ya está a quien le guste bien y si no también jaja. Además, cuando tú involucras a tu público en tu proyecto acabas consiguiendo que se sientan parte de él. Y creo que el resultado es más bonito aún.

La producción suena impecable. ¿Cómo fue el proceso de creación? ¿Trabajaste con algún productor o equipo en especial?

¡Por supuestisimo! En todo el proceso creativo involucró a todo mi equipo. En este caso en la producción, mi mano derecha siempre es Thor. Confío plenamente en su creatividad y visión en mi proyecto. Thor en un principio, me mandó la idea, y yo en mi casa terminé de componerla, grabarla y se la mandé para que terminara la producción con las voces. Y luego para el “visualizer” se me ocurría algo que tuviera que ver con el mar. Así que me cogí un tren a Málaga y junto a mi novio y mi coreógrafo, hicimos un visual precioso y sencillo en el mar.

El sonido es urbano, pero con tu sello característico. ¿Cómo definirías la esencia de "Si Quisieras" dentro de tu discografía?

Creo que “Si Quisieras” es muy especial e íntima. La verdad, todas las canciones que tengo se diferencian unas de otras, a pesar de ser todas de género urbano. Sin embargo, esta última, entra en una etapa de mi vida totalmente diferente ya que estamos haciendo énfasis en un estilo más afro-rnb. Creo que la esencia de “Si Quisieras” son sus melodías pegadizas y, a la vez sensuales. Que es literalmente algo que caracteriza mucho a mi música en general.

Vienes de lanzar "CORA BLINDAO" y el EP "BOXXXITO" con THORLONDON. ¿Cómo ha influido esta colaboración en tu música?

Ha sido una antes y un después en mi carrera, sin ninguna duda. Sobretodo con BOXXXITO, que es un Ep donde muestro muchas inseguridades y limitaciones que me han pesado durante toda la vida. El hecho de haber planteado un proyecto así, me ha hecho meditar mucho sobre todo lo que me rodea y analizar todo lo que sucede, tanto positivo como negativo, desde otro punto de vista un poco más maduro. Como decía en el punto anterior, Thor me acompaña en mi proyecto desde el principio y este Ep consolidó nuestro proyecto en la industria, sobretodo en Canarias. Y en cuanto a CORA BLINDAO, el simple hecho de haber podido colaborar junto a Juanjo Monserrat, productor de Sebastián Yatra en “Tacones Rojos”, ya es un triunfo. Es una persona de gran reconocimiento en la industria musical y eso hace que tu música de alguna manera tenga “más importancia” y, por ende, que Caluu C., se consolide como un artista con un enfoque internacional fuerte.

Has fusionado reggaetón, bachata, mambo e incluso trance ("LUNA"). ¿Cómo decides explorar nuevos géneros sin perder tu esencia?

Algo que tengo claro dentro de mi carrera musical es que no pienso encasillarme en algo. Quiero ser libre dentro de mi arte y mi trabajo. Quiero volverme loca y experimentar. Quiero dejarme fluir por lo que siento en el momento. En este caso, “LUNA” se hizo en un momento de mi vida que realmente necesitaba. Justo estaba saliendo de la discográfica en la que empecé y eso me generó mucha ansiedad y estrés. Y creo que “LUNA” me hizo de alguna desfogar, me hace sentirme libre, empoderada y grande... Además, es un género que me apasiona y que amo disfrutar de fiesta. Fue todo un honor haber podido crear con BENGRO esta increíble canción.

Colaboraste con Juanjo Monserrat (productor de Sebastián Yatra). ¿Qué aprendiste de trabajar con figuras tan influyentes?

Algo que aprendí de él es la importancia de darle vueltas a una buena melodía. Es lo que hace que la canción se diferencia del resto. Es lo que hace que al oyente le resulte fácil de recordar. 

Tu tema "PEÓN" superó el millón de streams. ¿Qué significó ese hito para ti y cómo ha cambiado tu carrera desde entonces?

Para empezar, el hecho de que te lleguen todos los días diez reels diferentes con personas de todo el mundo bailando tu canción. Esa canción que tú has compuesto. Que aparezca en campeonatos mundiales de baile, que la gente le haga covers, que la analicen. Incluso ser número uno en Italia o Canadá cuando salió. Yo no me lo podía creer cuando ocurrió. No me creía lo que estaba ocurriendo. A nivel personal te motiva, te hace pensar que verdaderamente estás en el camino adecuado. Y a nivel personal te abre muchísimas puertas, más lo muchísimo que aprendes de todo el proceso sobretodo junto a Dani J, que es un profesional súper detallista y trabajador.

Creciste en Fuerteventura con padres amantes de la música. ¿Cómo influyó tu infancia en tu estilo actual?

Yo creo que, para empezar, el crecer con música latina. Esas verbenas enormes donde se escuchaba reguetón, merengue, bachata, que además amo bailar todos estos estilos, han sido un factor clave a la hora de seguir ese género urbano. Y luego, de parte de mis padres, heredé esas ganas de escenario. Yo me imaginaba con estar en escenarios gigantescos cantando y bailando.

Tienes una voz muy distintiva. ¿Cómo la trabajas para adaptarla a géneros tan diversos?

Creo que mi versatilidad en cuanto a lo vocal, parte por mi admiración en grandísimas artistas como son Beyoncé, Mariah Carey o Christina Aguilera. Mi padre siempre me dijo que ellas serían las mejores profesoras de canto. Y fue lo que hice, me aprendí todas sus canciones y trataba de imitar todos los giros que hacían. Y cuando empecé como proyecto, me ayudó mucho a adaptarme a cualquier estilo.

Letras como las de "Si Quisieras" despiertan emociones intensas. ¿Cómo es tu proceso para escribir? ¿Buscas provocar algo en específico?

Me encanta todo lo que tenga que ver con la sexualidad y el erotismo. Creo que es algo que me identifica mucho en las canciones y siempre trato de llevar mis letras en esa dirección. Cuando empiezo a componer siempre empiezo por la instrumental, la escucho la interiorizo y empiezo a pensar en conceptos. Hay veces que me pongo a grabar en loop, soltando melodías. Otra veces escribo encima de lo que escucho.

Participaste en la serie Urban de Prime Video. ¿Te interesa seguir explorando el mundo audiovisual?

Amo todo lo que tiene que ver con lo audiovisual. Creo que es un camino que me puede venir muy bien a la hora de interpretar tanto en lives como en videoclips o en grabaciones vocales incluso, además que es un mundo que me apasiona y sé que me lo pasaría genial.

En 2025 ya llevas un single y un EP. ¿Qué más nos puedes adelantar? ¿Habrá álbum o giras?

De momento no nos estamos centrando en un álbum, pero si puedo decirte que se viene la Caluu por toda España. Y que traemos un show muy fuerte con un equipo de bailarines dirigido por Carlos Hernández que vamos a dejar a todo el mundo en shock!! Además es posible que nos vean por ciudades Francesas, concretamente por el mes de Agosto, pero esto es un secreto jeje.

Con más de 30 canciones, 1M+ en Spotify y una comunidad fiel, ¿qué mensaje le mandas a quienes te siguen en esta nueva etapa?

Darles las gracias a todas las personas que me siguen cada día, que me mandan mensajes de apoyo preciosos. Se que tengo a personas maravillosas alrededor y que están haciendo que todo esto funcione y es un verdadero sueño para mí. A todos mis seguidores y oyentes, prometo darles siempre la mejor música que pueda hacer desde el corazón, y a mi equipo, prometo que vamos a conseguir todos nuestros sueños y lo conseguiremos juntos!

Caluu, tu conexión con los fans es evidente, pero ¿Cómo te gusta llamarlos y qué representan para ti? ¿Qué es lo más bonito que ha hecho un fan por ti?

Los llamo “FAMILIA”. Siempre verás en mis post haciéndoles referencia con este nombre. Y representan el apoyo más grande que tengo. Y no es solo un honor para mí, es que es el sueño con el que todo artista sueña. Que te sigan por tu arte, que te escuchen por lo que escribes. Esto es éxito para mí.

Desde el Equipo de ElFiesta.es queremos darte las gracias por este tiempo que nos dedicas.

Y gracias a ustedes por apoyar todo lo que hacemos y por hacérselo llegar a más gente. Vamos a hacer que esta familia crezca!

Marina Dorochenko y Paco Navarrete, el dúo valenciano que forma Safari Club, son sinónimo de energía, alegría y un estilo único que fusiona pop, rock y electrónica con un toque tropical. Con más de una década de carrera, este dúo ha conquistado al público no solo por su música pegajosa, sino también por su carisma y su capacidad para conectar con la audiencia. Su último sencillo, Porfa Quédate, es un himno fresco y lleno de vida que captura la magia de un amor espontáneo, con referencias a Estopa, Guantanamera y tardes de playa. Además, recientemente han sido protagonistas de las Fallas de Valencia 2024 con su canción No Hay Nadie Como Tú, que se convirtió en la banda sonora oficial de las fiestas. Hoy nos adentramos en el mundo de Safari Club para conocer más sobre su música, su inspiración y sus planes futuros. Bienvenidos, Marina y Paco.

"Porfa Quédate" es una canción que desborda energía y captura la magia de un amor espontáneo. ¿Cómo surgió la idea de este tema y qué queríais transmitir con él?

La idea de este tema realmente está inspirada en cómo nos conocimos. De una manera muy espontánea y sin tener casi nada en común en ese momento. 

Y lo que queremos transmitir con el, es lo bonito que es la inocencia de cuando conoces a alguien y te lanzas a la aventura, a quererlo sin miedo a nada.

La canción fusiona pop, rock y electrónica con un toque tropical. ¿Cómo definís vuestro sonido y qué os inspiró a mezclar estos géneros en "Porfa Quédate"?

Nos gusta mucho jugar con los distintos géneros musicales, pero siempre añadiendo un toque Tropical que es nuestra pura esencia. 

Vivir cerca del mar, es algo que nos inspira mucho. Y siendo productores nos encanta experimentar cosas nuevas.

En "Porfa Quédate" hay referencias a Estopa, Guantanamera y tardes de playa. ¿Cómo influyen estas referencias en vuestra música y en la creación de este tema?

Bueno, las tardes de playa es fácil porque vivimos en ellas, jajaja

Estopa fue el primer grupo del que tuve un CD. Y además siempre me gustaron sus valores, su forma de ser con la gente y por supuesto su música, que es leyenda de nuestro país.

Y Guantanamera es una canción mítica que con solo escucharla te transporta a un chiringuito con ambiente tropical.

El estribillo de "Porfa Quédate" es muy pegajoso. ¿Cómo trabajáis para crear hooks que conecten tan bien con el público?

Detrás de todas las canciones siempre hay mucho trabajo. Intentamos que tanto el estribillo, las estrofas, las melodías y las letras, expresen la historia que queremos contar. Muchas canciones se quedan por el camino porque no hay una fórmula mágica para componer. Realmente se trata de ser sincero y honesto con lo que escribes. 

Y nos encanta que la gente se sienta identificada con nuestra vibra y nuestras historias. Al final las canciones acaban siendo suyas. 

Comenzasteis como Luna Llena en 2009 y ahora sois Safari Club. ¿Cómo ha sido la evolución de vuestro proyecto musical a lo largo de estos años?

Lo definiría como Precioso y Duro, Jejeje... Como ya sabrás la música no es solo hacer canciones, hay una enorme industria detrás y mucho trabajo que no tiene nada que ver con crear, y que tampoco se ve y que poco se valora.

Sois un grupo independiente, pero habéis logrado más de 2 millones de views en YouTube y más de 50.000 seguidores en redes. ¿Cómo habéis conseguido este éxito y qué significa para vosotros?

Trabajo, trabajo y más trabajo...

Al final intentamos no guiarnos por los números y no basar el éxito en las views, (aunque obvio es importante).

Tratamos sobre todo hacer lo que nos gusta y disfrutar del proceso. 

Y nos sentimos muy afortunados. Que pese a ser un grupo independiente recibimos muchísimo cariño de nuestro público. Y eso no tiene precio.

Vuestra música ha sonado en importantes medios de España y Latinoamérica. ¿Cómo ha sido la experiencia de llegar a audiencias tan diversas?

La experiencia ha sido increíble y creo que al final lo que busca un artista es que su música se escuche todo lo posible. 

Y que te den la oportunidad de tener esa exposición es genial.

"No Hay Nadie Como Tú" fue la canción oficial de las Fallas de Valencia 2024. ¿Cómo surgió esta colaboración y qué significó para vosotros ser parte de esta fiesta tan emblemática?

La canción surgió a través de la propuesta de la agrupación del Marítimo (todas las fallas que forman parte de la zona de la playa)

De esa idea creamos la canción y al final gustó tanto que se convirtió en la oficial de todas las Fallas.

Siendo Valencianos, era un sueño que jamás pensamos lograr. 

El videoclip de "No Hay Nadie Como Tú" es muy divertido y colorido, con más de 80 personas participando. ¿Cómo fue el proceso de grabación y qué queríais transmitir con este vídeo?

El proceso de la grabación fue largo pero muy divertido. Es complicado mover tanta gente de un lugar a otro y grabar en tantos sitios emblemáticos con la producción que eso requiere. Pero la gente nos lo puso muy fácil porque vino a divertirse y eso era justo lo queríamos reflejar en el videoclip.

Queríamos transmitir la esencia de nuestra tierra, nuestras raíces, nuestras tradiciones y como lo sentimos desde dentro.

¿Cómo fue la experiencia de presentar "No Hay Nadie Como Tú" en el Palau de Música junto a Bombai?

La experiencia fue increíble, porque el Palau estaba abarrotado de gente que ya se sabía la canción y la cantaba con nosotros. Fue genial!!

Y Bombai son un grupazo con los que hemos compartido escenario varias veces y fue muy especial compartir ese momento con ellos. 

Vuestro estilo se define como Pop Urbano Tropical. ¿Cómo habéis llegado a este sonido y qué os inspira a seguir explorando nuevos géneros?

Las canciones siempre son la base de todo, nos tienen que representar y sonar bien en acústico. Luego en el estudio nos encanta experimentar y ver cuál es el mejor sonido para la canción. 

Y por supuesto nos encanta que nadie se imagine como va sonar. Jejeje 

Habéis sido parte de varias campañas publicitarias. ¿Cómo ha sido la experiencia de ver vuestra música convertida en la banda sonora de marcas reconocidas?

La experiencia siempre ha sido positiva y es un premio que haya marcas tan reconocidas que se sientan identificadas con los valores de nuestras canciones. 

¿Qué objetivos os habéis marcado para los próximos años, tanto a nivel musical como personal?

En lo musical:

Lo primero es mantener y no perder la ilusión.

Seguir creciendo, mejorando y llegar cada vez a más público.

Y a nivel personal: 

Solo pedimos salud y ser felices.

Sois conocidos por vuestro carisma y vuestra forma de conectar con el público. ¿Qué creéis que hace que vuestra música y vuestras actuaciones sean tan especiales?

Creemos que a la gente le gusta como somos, nuestros valores, y como nos expresamos en nuestras canciones y en directo. 

Siempre somos nosotros mismos para lo bueno y para lo malo y creemos que eso es lo que más le llega a nuestro público.

¿Qué mensaje os gustaría que el público se lleve al escuchar vuestra música y conocer vuestra historia?

El mensaje que nos gustaría transmitir es que todos tenemos problemas y complicaciones, pero al final hay que quedarse con lo positivo e intentar disfrutar del momento.

"El tiempo es lo más valioso que tenemos y hay que disfrutar cada minuto que podamos"

Desde el Equipo de ElFiesta.es queremos darte las gracias por este tiempo que nos dedicais.

Curro García, cantante, guitarrista y multiinstrumentista madrileño, es uno de esos artistas que no solo crea música, sino que la vive. Con una trayectoria marcada por la autenticidad y la pasión por el rock, el pop y el punk rock, Curro ha logrado conectar con su audiencia a través de letras emotivas y melodías que resuenan en el alma. Su nuevo EP, Oblivio, es un viaje sonoro que combina la energía cruda del rock con la profundidad de historias personales, como el emotivo homenaje a su abuela en la canción que da título al trabajo. Hoy tenemos la oportunidad de adentrarnos en su mundo creativo, explorar sus inspiraciones y descubrir qué hay detrás de este nuevo capítulo en su carrera. Curro, bienvenido y gracias por compartir tu tiempo con nosotros.

 "Oblivio" es un homenaje a las personas desconectadas de su realidad. ¿Cómo surgió la idea de abordar este tema tan emotivo y personal en tu música?

La idea nace de un contraste de emociones. Como decías, quién me inspiró fue mi abuela, quién padeció Alzheimer durante más de una década. La última vez que nos vimos, tras visitarla, di un paseo por Madrid con mi chica, y pensaba en como todos vivimos situaciones así con seres queridos y, otros por desgracia lo sufren personalmente, mientras tanto el mundo continúa. Quería lanzar un mensaje por las personas que puedan estar así y no pueden contarlo.

La canción "Oblivio" fue escrita en minutos tras un momento emotivo con tu abuela. ¿Cómo fue ese proceso creativo tan rápido y visceral?

Nada más llegar a casa ese día, cogí mi guitarra acústica y el riff inicial salió de mi desde el primer momento. Solo me dejé llevar y al cabo de un rato me di cuenta de que tenía algo que merecía la pena que la gente escuchara.

En "Nadie quiere hacerlo", reivindicas el rock and roll en estado puro. ¿Qué significa para ti el rock hoy en día y por qué decidiste rescatarlo en esta canción?

Para mi es una de las bases sobre como sonar y como tocar, siempre ha estado en mis canciones.

El EP combina dos caras muy distintas: la emotividad de "Oblivio" y la energía de "Nadie quiere hacerlo". ¿Cómo lograste equilibrar estos dos mundos en un mismo trabajo?

De todas las canciones que tenía compuestas me pareció la mejor idea, representan muy bien dos caras que tengo a la hora de componer.

Eres productor, multiinstrumentista y compositor. ¿Cómo fue el proceso de grabar y producir "Oblivio" casi en su totalidad por ti mismo?

He estado siempre acostumbrado a grabar solo. Siempre hay un instrumento que manda en el tema, el resto de piezas las voy construyendo sobre eso. “Oblivio” tiene la peculiaridad de ser la primera canción donde he grabado una sección de trompeta, ha sido muy divertido y gratificante.

Pablo Salmerón colaboró en las baterías. ¿Cómo fue trabajar con él y qué aportó a las canciones?

Llevamos muchos años tocando juntos, es un batería extraordinario y mi amigo, siempre cuento con él para trabajar en el estudio.

El diseño artístico de Natalia Navarro acompaña el EP. ¿Cómo surgió la idea visual para "Oblivio" y qué relación tiene con la música?

Quería visualizar la perdida de contacto con la realidad, tapando ojos, oídos y boca, representando la pérdida de sentidos. Natalia captó la idea perfectamente y aportó su talento a la portada.

¿Cómo fue trabajar con Iker Arranz en la mezcla y el máster? ¿Qué buscabas lograr en términos de sonido para este EP?

Él es mi persona de confianza, siempre busco mi sonido y él trabaja mis ideas perfectamente.

Desde "Poesía Barata" en 2017 hasta "Oblivio", ¿cómo dirías que ha evolucionado tu música y tu enfoque como artista?

Desde hace 5 años produzco todas mis canciones, creo que cada vez tengo un sonido más definido.

Tus influencias americanas se notan en trabajos como "Quémalo". ¿Qué artistas o bandas han marcado tu sonido y por qué?

Una de las bandas que te diría es Tom Petty y Bruce Springsteen, me apasionan sus letras y el concepto de hacer sonar una banda tienen, me siento identificado.

Eres autodidacta y tocas múltiples instrumentos. ¿Cómo ha sido tu proceso de aprendizaje y cómo influye esto en tu forma de componer?

Siempre tuve acceso a la música, a los 11 años empecé con la guitarra, después el bajo y así sucesivamente. Tocar varios instrumentos me facilita ver las canciones desde diferentes perspectivas. A la hora de componer los tengo todos en la cabeza mientras repaso lo que escribo.

"Oblivio" es un adelanto de tu próximo álbum. ¿Qué podemos esperar de este nuevo trabajo en términos de sonido y temáticas?

Este Ep lo representa muy bien, por un lado la potencia y velocidad que me caracteriza y por otro, canciones con más recarga melódica e instrumental, creo que además son canciones con las que el público empatiza, hablan de la vida, nuestras situaciones y aspiraciones.

¿Cómo ha sido el proceso de crear un álbum después de años enfocado en sencillos? ¿Qué diferencias has encontrado?

Siempre he tratado de seguir mis pasos según lo que me dice el corazón, estando seguro y disfrutando del proceso, de un tiempo a esta parte me he encontrado con varias canciones que creo que encajan a la perfección en un álbum juntas.

Canciones como "Quédate mi parte", "Invierno" o "Solo" han conectado mucho con el público. ¿Qué crees que hace que tus letras y melodías sean tan cercanas para la gente?

Siempre intento hacer melodías que calen en el corazón de la gente, que gusten y que cuenten algo, creo que por eso gustan; así como las letras, siempre las escribo conectadas a las emociones que lleva la progresión melódica de la canción.

¿Qué mensaje te gustaría que el público se lleve después de escuchar "Oblivio" y conocer tu historia detrás de estas canciones?

Por un lado, me gustaría que sean canciones que disfruten con gusto escucharlas, que la música les haya calado y, por otro que se sientan representados con las letras y puedan darle su significado personal.

Desde el Equipo de ElFiesta.es queremos darte las gracias por este tiempo que nos dedicas.

A vosotros, ha sido un placer.

Simón, comenzaste tu carrera musical a los 14 años. ¿Cómo recuerdas esos inicios y qué te impulsó a dedicarte a la música desde tan joven? 

 La música siempre estuvo dentro de mí, aunque no crecí en un ambiente estrictamente musical. Recuerdo mis inicios con mucha emoción y también con nervios, porque sabía que era un camino difícil, pero no podía imaginarme haciendo otra cosa. Desde la primera vez que subí a un escenario, supe que esto era lo mío.

Con dos discos de oro en tu trayectoria, ¿cómo ha sido el proceso de consolidarte como artista en un mercado tan competitivo como el mexicano? 

Ha sido un camino de mucho esfuerzo y constancia. México es un país con un talento impresionante, y destacarse requiere trabajo, disciplina y conectar con el público. Los discos de oro son un gran reconocimiento, pero lo más importante para mí siempre ha sido la conexión que logro con la gente a través de mi música.

Tu música siempre ha destacado por conectar emociones. ¿Cómo defines tu estilo y qué te inspira a la hora de componer? 

Mi estilo es una mezcla de lo tradicional con lo moderno. Me gusta fusionar lo mejor del regional mexicano con sonidos más contemporáneos. A la hora de componer, me inspiran las historias reales, las emociones intensas y las experiencias propias y ajenas.

“¿Cómo carajos te olvido?” es tu nuevo single. ¿Qué historia hay detrás de esta canción y por qué decidiste abordar el tema del amor y el desamor en esta ocasión? 

Es una canción que habla del duelo después de una ruptura, de esa lucha interna entre querer olvidar a alguien y no poder hacerlo. Todos hemos pasado por un amor difícil de soltar, y quería reflejar ese sentimiento de una manera honesta y directa.

En esta canción colaboraste con el reconocido productor Jules Ramllano. ¿Cómo fue trabajar con él y qué crees que aportó a este proyecto? 

Trabajar con Jules fue increíble. Es un productor con una visión muy clara y supo darle a la canción el sonido que necesitaba. Su experiencia y su capacidad para entender la esencia de un artista hacen que trabajar con él sea un proceso muy enriquecedor.

La letra de “¿Cómo carajos te olvido?” es muy sincera y emotiva. ¿Cómo fue el proceso de escribirla y qué querías transmitir a tus oyentes? 

Fue un proceso muy natural. Quería escribir algo real, sin filtros, algo que cualquiera que haya pasado por una ruptura pudiera sentir como suyo. La música tiene esa magia de hacerte sentir acompañado en los momentos difíciles, y eso es lo que busqué con esta canción.

¿Cómo describirías la evolución de tu música desde tus primeros trabajos hasta este nuevo single? ¿Qué has aprendido en el camino? 

Mi música ha crecido conmigo. Antes, quizá me enfocaba más en ciertos géneros, pero con el tiempo me he permitido explorar y evolucionar sin perder mi esencia. He aprendido a confiar más en mi instinto y a no tener miedo de probar cosas nuevas.

El single refleja una faceta renovada de tu talento. ¿Qué diferencias encuentras entre este proyecto y tus trabajos anteriores? 

La diferencia principal es la madurez, tanto en la interpretación como en la producción. Me he permitido arriesgar más, jugar con sonidos distintos y expresar mis emociones de una forma más cruda y real.

En octubre lanzaste “Volver a empezar”, el primer sencillo de tu próximo álbum. ¿Qué nos puedes adelantar sobre este disco y cómo se conecta con “¿Cómo carajos te olvido?”? 

Este álbum es un viaje por distintas emociones y etapas de la vida. "Volver a empezar" habla de cerrar ciclos y renacer, mientras que "¿Cómo carajos te olvido?" se centra en el proceso de soltar. Son dos caras de la misma moneda.

¿Cómo fue el proceso de producción de “¿Cómo carajos te olvido?”? ¿Hubo algún momento o anécdota que destaque durante la creación de la canción? 

Fue un proceso muy orgánico. Hubo momentos en los que nos deteníamos porque la canción nos emocionaba demasiado. Recuerdo que cuando grabamos la voz principal, el ambiente en el estudio era de absoluta concentración y emoción.

Tu música siempre ha sido muy cercana a tus seguidores. ¿Qué esperas que sientan o experimenten al escuchar este nuevo single? 

Quiero que sientan que no están solos, que las emociones que viven son compartidas. La música es un reflejo de la vida, y si esta canción ayuda a alguien a sanar o a entender mejor su propia historia, ya cumplió su propósito.

Además de cantar, eres un compositor nato. ¿Qué significa para ti escribir tus propias canciones y cómo te ayuda a expresar tu visión del mundo? 

Escribir es mi forma de sacar todo lo que llevo dentro. Es una manera de comunicarme con el mundo y con mi público de la forma más sincera posible. Cada canción es una parte de mi historia.

Has trabajado con grandes artistas y productores. ¿Con quién te gustaría colaborar en el futuro y por qué? 

Me encantaría colaborar con artistas como Alejandro Sanz o Carlos Rivera. Son artistas con una gran sensibilidad y con un estilo que encajaría muy bien con el mío.

¿Cómo ha influido tu experiencia como músico en tu vida personal? ¿Qué te ha enseñado la música sobre ti mismo y sobre las relaciones humanas?  

La música me ha enseñado a ser paciente, a confiar en el proceso y a entender que todo lleva su tiempo. También me ha permitido conectar con personas de todo el mundo y darme cuenta de que, al final, todos compartimos las mismas emociones.

Finalmente, ¿qué mensaje le enviarías a tus seguidores que han estado contigo desde el principio y a aquellos que acaban de descubrir tu música con “¿Cómo carajos te olvido?”? 

Gracias por acompañarme en este viaje. Sin ustedes, mi música no tendría sentido. A los que han estado desde el inicio, les agradezco la lealtad y el apoyo incondicional. Y a los que recién llegan, bienvenidos, esta historia apenas comienza.

El artista peruano ha vuelto a España para presentar su nuevo tema, Sevilla, junto a Carlos Baute, y nos ha contado un poco más sobre su futuro.

¿Cómo estás? ¿Qué tal tu vuelta a España?

Muy bien. Estoy muy contento, muy agradecido por lo que está empezando a pasar. Considero que los pasos que estoy empezando a dar en mi carrera aquí en España empiezan a ser cada vez más claros y más sólidos. Igualmente considero que aún me falta mucho por aprender, pero definitivamente una canción con Carlos Baute me abre puertas que claramente antes no se me hubieran abierto.

Nos presentas tu nuevo single, Sevilla, una colaboración junto a Carlos Baute. ¿Cómo ha sido colaborar con él?

No todos los días tienes la gran suerte de poder colaborar con un artista que tenga una canción mundial como "Colgando En Tus Manos" con Marta Sánchez. Todos los que nos dedicamos a esto podemos tener buenas canciones, canciones súper conocidas en nuestros países. Pero tener una canción mundial es otra cosa, y muchas veces ni siquiera llega a pasar. Entonces, primero, es todo un placer. Y en segundo lugar, el hecho de que le haya gustado tanto una canción que compuse junto a Jonathan y Neva, que son dos grandes amigos con los que compongo siempre, también habla mucho de que lo que estoy proponiendo a nivel musical va por un camino muy interesante, que hasta a los más grandes les está empezando a interesar. Me siento muy agradecido y muy afortunado, y siento que estoy en una etapa donde estoy como una esponja absorbiendo y aprendiendo todo. El hecho de hacer esta canción con un artista latino hace que, de alguna manera, me sienta un poco más identificado, porque Carlos pasó por el mismo pasado que yo.

La canción habla sobre una historia de amor que transcurrió en la capital andaluza. ¿Cómo fue el proceso de composición? ¿La escribiste junto a Carlos, o se unió después?

Algo muy interesante de esta canción, que nunca pensé que iba a pasar, era que yo siempre tuve este concepto equivocado de que, si yo no escribía algo que había vivido, sentido o una experiencia personal, no iba a ser lo mismo. Pero, nunca hay que decir nunca, porque en este caso la historia no es mía. Esta historia es de uno de mis mejores amigos, que es peruano, y que casualmente conoció a su esposa en Sevilla. La historia va de que los dos estaban caminando por la calle, cada uno por su lado, y de repente se cruzan. Él la mira, y ella a él, como cualquier persona. Pero en este caso fue un poco más allá, porque mi amigo llegó horas más tarde a un bar y se la encontró. Obviamente se quedaron conversando, y desde ese día no se volvieron a separar. Ella se mudó a Perú, y hoy por hoy tienen una familia preciosa. Entonces, yo siempre pensé que jamás iba a poder crear algo en base a una historia de un tercero, y esta vez fue el caso. Por eso se llama Sevilla, porque es una historia que se dio en esa ciudad. Cuando entró Carlos, al tener la canción completa, me dijo: “Todo bien con la canción, pero en ningún momento dices Sevilla”, y fue ahí cuando él también le agregó unas cuantas palabras. Fue un proceso muy lindo, un nivel de generosidad muy importante el de Carlos porque está dándome una mano que cualquiera que está empezando de cero en un lugar nuevo necesita. Yo estoy empezando de cero en España, y él es un artista muy querido aquí. Entonces, esa mano que me está dando es lo que yo valoro más.

El single viene acompañado de un videoclip. ¿Cuál fue tu momento favorito del rodaje?

Todo el plan del video era grabarlo en Sevilla, pero lamentablemente justo en esos días de grabación pasó todo lo terrible de la DANA, que aprovecho para mandarles un beso enorme a toda la gente de Valencia y Málaga. Esos días el clima se puso muy movido, empezaron a haber lluvias, se tapó el cielo y mi equipo de producción dijo que no se podría realizar. Tuvimos que improvisar muchísimo, buscar localizaciones de un día para otro y quedarnos en Madrid. Me hubiese encantado que fuera en Sevilla, pero Madrid también es una ciudad preciosa.

¿Cómo estás viviendo la acogida del single por parte del público español?

Estoy feliz. Me han dicho que está sonando en las radios, en todo el país. Me mandan los vídeos, en Spotify veo que cada día va subiendo más. Igualmente, yo a estas alturas de mi aventura en la música, trato de disfrutar al máximo el día a día. Considero y lo he dicho siempre que esto no es un negocio ni es una carrera de números, sino una carrera de tratar de conectar con la gente, y eso es lo que quiero. Me muero de ganas de subirme a un escenario pronto. Pero, como todo, es un proceso de maduración. Más que estar muy concentrado en cómo le va a la canción, lo estoy en seguir construyendo y seguir haciendo que mi catálogo de canciones en España sea cada vez más grande, y que finalmente la gente decida lo que vaya a pasar.

De cara al futuro, ¿nos esperan canciones como ésta? ¿Hay alguna otra colaboración ya hecha o que tengas en mente?

El tema de las colaboraciones suena muy fácil, pero es lo más complicado de este negocio. Lograr que un artista salga de su agenda por un rato para interesarse por tu trabajo es algo muy difícil. Obviamente tengo conversaciones y cosas planeadas, pero nada que pueda decir. La de Carlos fue un reto muy complicado, pero lo logramos. Ahora en lo que estoy es con las ganas de escribir. He decidido que voy a empezar a escribir muchísimo para buscar el siguiente single. Los próximos días tengo sesiones de composición en Madrid.

Tu última gira por España fue todo un éxito. ¿Tienes ganas de volver a cantar para el público español? ¿Cuándo volverás?

Una noticia que salió en los últimos días es que tengo mi primera sala WiZink Center el 28 de Febrero. Quiero añadir que es un viernes, que es algo muy difícil de lograr, porque de primeras, si eres un artista menos conocido, suelen darte un lunes o martes, que está bien igual. Pero, que sea en viernes me da más pie a que venga más gente. Esa es la gran noticia. Va a ser una noche muy importante para mí y para toda la gente que me sigue de aquí. Van a haber muchas sorpresas, probablemente invitados. Es mi primera sala WiZink, y creo que es un paso muy importante para la industria de España.

Volviendo al single, ¿tienes alguna frase preferida dentro de la canción? ¿Cuál es y por qué?

Si. “Hay cien maneras de decírtelo, pero no alcanzan las palabras”. Esto de que hay cien maneras de decirte como te amo pero no me alcanzan las palabras es una frase espectacular y que engloba el concepto perfectamente. Es tanto el amor que te tengo que no me cabe.

En 3 palabras, define lo que significa para ti Sevilla.

Un gran paso para mí en España. Significa seguir defendiendo el pop, que es algo que me he propuesto. Y es haber cumplido el sueño de haberme vuelto amigo de alguien del que yo era muy fan y soy muy fan. Y que hoy, después de muchos años de trabajo, haya conseguido tener una canción con Carlos, es algo muy importante para mí.

¿Quieres añadir algo más?

Gracias y estoy muy feliz, de verdad.

Entrevista de Júlia Negrillo para elfiesta.es

PIGNOISE: "No nos guiamos por lo que está de moda. Siempre hemos hecho lo que nos ha apetecido de la forma más natural y honesta"

 Pignoise continúa celebrando sus 20 años de éxitos en la música y lo hace reencontrándose con su público frente a frente. Álvaro Benito, Pablo Alonso y Héctor Polo toman la carretera en una gira que los llevará a más de 20 ciudades y que tendrá el colofón perfecto para la banda y sus seguidores con su primer Wizink Center de Madrid.

Tras la gran acogida del disco recopilatorio con duetos (Andrés Calamaro, Los Secretos, Hombres G, Loquillo e Igor Paskual, La La Love You, Taburete, entre otros) es el momento de tocar los clásicos en directo con la madurez y la personalidad que el grupo ha desarrollado en todos estos años. Canciones como “Nada que perder”, “Te entiendo”, “Por verte” o “Todo me da igual” volverán a cobrar vida con la misma intensidad que las convirtieron en número 1.

Han pasado 20 años desde que arrancasteis con Pignoise. ¿Qué es lo primero que os viene a la cabeza de esos primeros días? ¿Alguna anécdota que os haga reír o pensar “vaya locura”?

Álvaro: Pues mira, meternos en un lugar donde no teníamos ni idea de dónde nos metíamos, realmente sin tener ningún conocimiento de nada, con mucha ilusión, pero con un desconocimiento absoluto de la profesión, de lo que requiere. Porque, al final, no es lo típico que conoces a alguien o que llevas tiempo, que más o menos te puede decir estos son los primeros pasos que debes dar... Nosotros fuimos dando palos de ciego y ahora, echando la vista atrás, pues seguramente el hecho de que como nadie nos grababa un disco... montar nuestra propia compañía para sacar los primeros discos, pues fue una auténtica locura. La verdad es que ahora lo pienso y digo, madre mía, que osadía. ¡Qué osadía y que valentía!

Polo: Yo me acuerdo mucho de cuando íbamos a la caravana de Miguelo, que íbamos a tocar. Realmente no sé por qué íbamos a tocar a esos sitios, que tocábamos delante de 8 o 10 personas, y yo volvía a la furgoneta pensando: ¿qué estoy haciendo? Porque yo en esa época todavía jugaba un poco al fútbol, y mi padre me quería matar por haber dejado el fútbol por la música, y me decía a mí mismo: creo que la estoy liando, pero fíjate que luego es como el camino al aprendizaje hacia algo mejor, pero en ese momento decía: madre mía, dónde me estoy metiendo. Es que es muy complicado.

¿Cuáles eran las metas o los propósitos principales cuando empezasteis? ¿Siguen siendo las mismas o han cambiado mucho desde entonces?

Álvaro: Yo creo que no, es que no había metas. Yo creo que cuando empiezas no tienes muy claro dónde puedes llegar. Ya el hecho de grabar un disco era un éxito, dar algún concierto era un éxito. No tienes esa percepción todavía tangible de la profesión, y ahora obviamente los objetivos son más de la profesión, es decir, que las giras sean mejores, que cada vez podamos tener más público que compre tu entrada, que los siguientes discos tengan la repercusión que quieres, que suenen muy guay, que tengan un buen repertorio... Y que el show también sea más espectacular. Cosas diferentes que piensas ya como un grupo profesional con seguidores. Lo otro no, es incertidumbre absoluta.

¿En qué sentís que más ha cambiado Pignoise a lo largo de estos años?

Pablo: Como músicos.

Polo: hemos mejorado todos como músicos, y ahora como compositores, yo solo dije a Pablo, que en realidad nos llamamos y dijimos oye las canciones que ha pasado Álvaro al grupo están muy chulas, y siento que hemos dado un paso más.

Álvaro: Luego me critican por las canciones...

Polo: Este ya está con la misma mierda de siempre. (risas)

Pablo: A nivel de melodías, yo creo que siempre has sido una persona muy creativa, pero yo creo que ahora lo que ha mejorado especialmente es el tema de las letras. A mí las letras de este disco me parecen las mejores letras que ha escrito hasta ahora. De verdad, me parecen las mejores. 

¿Y qué es lo que nunca cambió ni va a cambiar?

Álvaro: Pues la esencia. Al final creo que un grupo debe mantener su esencia, dentro de que haya una evolución, que es lógica porque te evolucionas como músico, como ser humano, intentas no repetirte dentro de tu esencia, que eso es lo más difícil. Un grupo tiene que bailar alrededor de lo que le define, pero sin dar los mismos pasos, entonces es difícil, cada disco es más difícil e intentamos que no cambie. Nosotros nunca nos hemos guiado por las modas, no nos guiaremos por lo que está de moda, entonces digamos que siempre hemos hecho lo que nos ha salido de una forma natural y honesta.

Y afortunadamente, ni cuando hemos estado en discográficas, nunca nadie ha metido mano en lo que debíamos o no debíamos hacer, y ahora obviamente que no tenemos discográfica pues ya ni te cuento.

¿Cómo es la relación entre vosotros después de tantos años juntos? ¿Discutís más o menos que antes?

Polo: Sí, sigue siendo buena. No discutimos, de hecho, nunca hemos sido de discutir.

Pablo: A lo mejor en 20 años tendremos alguna discusión, pero nunca hemos sido de discutir. Siempre hemos sido de opiniones diferentes, hay cosas en las que opinamos igual, en otras no, y siempre lo hemos debatido con respeto, sobre todo con respeto hacia el otro.

Álvaro: Sí, quizás antes éramos más vehementes en ciertos temas. Ahora somos más tranquilos en todo. En temas de logística de grupo siempre hay dificultades: a la hora de la promoción, de la gira, diseño del logo o cualquier otra cosa. Bueno, cualquier cosa, y digamos que ahora antes era como... yo no quiero ser así... y ahora es como que... flying free.

Polo: Pero sobre todo yo pienso que nos llevamos mejor, porque somos más mayores y sabemos respetar mejor nuestros espacios. Entonces yo pienso que como toda persona, cuando crece, aprende más.

En este disco de aniversario habéis contado con colaboraciones de auténtico lujo. ¿Cómo elegisteis a los artistas que os acompañan? ¿Hubo alguien con quien siempre habíais querido colaborar?

Álvaro: Pues fue apuntar a lo más alto y que de repente nos empezaron a decir que sí. O sea, realmente el 90% más o menos de la gente que hemos llamado nos ha dicho que sí. Y bueno, pues están algunos de los artistas con los que ha sido realmente un sueño colaborar, como Loquillo, Calamaro o Los Secretos. Y David Summers también, porque con David ya habíamos colaborado, es amigo nuestro, entonces más o menos ya lo teníamos más cercano.

Polo: David era un fijo.

Pablo: La verdad que el resultado del disco ha sido muy satisfactorio.

Siempre es complicado echar la vista atrás y ponerte a regrabar cosas que ya están hechas, porque “Te entiendo”, por ejemplo, significó algo en su momento cuando tenías 15 años, 22, 25..., yo qué sé. Y la música te lleva a ese momento de tu vida, y ya tienes el sonido muy identificado. Si te hacen una regrabación, por mucho que ahora esté mejor tocado, mejor cantado, no es la de antes. Entonces la gente va a decir, para qué me cambian a mí el sonido de esto.

Y bueno, era delicado, pero claro, el hecho de incorporar artistas, yo creo que le ha dado un toque, sin perder la esencia porque sigue sonando a lo que fue. Pero con la incorporación de los artistas, yo creo que ha funcionado impresionante. En digital y en físico. A la gente le está encantando.

Habéis arrancado esta gira 20º aniversario hace apenas una semana en Don Benito. ¿Qué sentís cuando subís al escenario y escucháis al público corear vuestras canciones después de tantos años? ¿Ha cambiado esa sensación con el tiempo?

Polo: Yo en mi caso he cambiado mucho. Antes me ponía muy nervioso, siempre, siempre, siempre antes de tocar. Y ahora la verdad que no. Ahora me lo tomo todo con mucha más calma, no sé, y eso que parece como que tenemos más responsabilidad, porque ahora vamos a empezar la gira, los dos primeros conciertos de la gira, todo agotado, los siguientes conciertos que, aunque todavía faltan cuatro y cinco meses y ya está todo agotado... Y sin embargo estoy como con más tranquilidad, no sé.

Pablo: Ellos la verdad que no han sido mucho de ponerse nerviosos antes de empezar. Estamos incluso hablando de otras cosas, a nada de salir al escenario podemos estar hablando de lo que sea, de fútbol o cualquier otra cosa.

Álvaro: Sí, sí, yo creo que me sorprenden otros artistas cuando estamos en festival con colegas, y les veo antes de salir al escenario y están como en protocolo, con sus ritmos… Nosotros estamos de risas, salimos a disfrutar y realmente la experiencia también te da eso, el hecho de decir, bueno, sé que, aunque no me escuche perfecto, la experiencia te da que lo sacas adelante con solvencia, entonces estás tranquilo.

Antes es cierto que estabas más intranquilo, decir: Uf, es un sitio donde la acústica no es buena… como no me escuche bien, a ver si puedo cantar bien y tal… entonces, bueno, ahora mismo esa tranquilidad existe.

¿Hay alguna canción en particular que os haga vivir un momento especial en cada concierto? ¿Algún tema que os emocione más interpretar en directo?

Polo: Bueno, es que hay algunas que son las más conocidas, ¿no? Entonces, por ejemplo, Te entiendo, nada que perder, estoy enfermo, todo me da igual, que son las que la gente se sabe de pe a pa, pues... Siempre te gusta más, ¿no? Porque sabes que la gente va a reaccionar, ¿no? Pero vamos, que a mí me gusta tocar todas- La verdad que, personalmente, me gusta tocar percusión.

¿Qué significa para vosotros tocar en un sitio tan especial como el Sant Jordi Club de Barcelona o el Wizink Center de Madrid? ¿Os preparáis de una manera diferente para un concierto tan importante?

Álvaro: Sí, va a haber una preparación especial, porque... Lo requiere.

Primero a nivel de montaje. Creo que tocar en recintos así requiere llevar algo más que simplemente salir y tocar, ¿no? La gente paga una entrada por ver un espectáculo completo. Obviamente buena ejecución, buen sonido, por supuesto, vamos a invertir mucho en que haya un sonido espectacular, y luego que haya un montaje también a la altura de lo que significa el recinto y el concierto que es. Así que, bueno, sí, claro, aparte del repertorio, al ser gira entera de aniversario, vamos a recuperar temas que están cogiendo polvo en el cajón, y para gente que sea muy muy fan va a haber sorpresas, porque... Joder, yo de Los Rucos soy muy muy fan, que soy de los que se saben hasta las comas, pues si de repente me recuperan alguna canción que digo, hostia, esta solamente la sé yo y cuatro más, ¿sabes? Así que sí, va a ser gira especial, y esos dos conciertos en particular más especiales todavía.

Por último, ¿qué nuevos proyectos vamos a ver próximamente?

Pablo: Bueno, estamos grabando disco nuevo ya, justo mañana hemos quedado Polo y yo para grabar dos canciones más de batería, ya tenemos seis terminadas, y la idea es que para justo después del Wizink, ya esté el disco fuera.

Queremos que para finales de enero o principios de febrero esté sonando el single ya nuevo del siguiente disco. Intentaremos presentarlo también en el Wizink si el timing va como lo tenemos planeado, y para un mes después del concierto sacar disco nuevo, girarlo en verano y en invierno volver a hacer giras de salas.

Entrevista de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

Hace unos meses, concretamente el pasado 25 de septiembre, salió a la luz el cuarto single titulado "Muérete ya", perteneciente al quinto disco de estudio de Ainhoa Cantalapiedra. 

Hemos tenido la gran suerte de charlar con ella para que nos explique un poco más sobre este nuevo single, además de hacer un repaso a todos estos años de carrera.

Tu nuevo single "Muérete Ya" es impactante tanto en título como en mensaje. ¿De dónde surge la idea para esta canción y qué significa para ti?

Surge el amor propio, de la ruptura de una relación hace años tras la que entendí lo que valgo y lo que vale mi tiempo y amor; por ello sé que puedo decir a esa persona “La única manera de poder olvidarme es morirte”. Falta amor propio en esta sociedad enferma de victimismo y autodestrucción, de miedo a quererse y responsabilizarse.

Este single pertenece a tu quinto disco de estudio. ¿Qué puedes contarnos sobre la dirección musical y conceptual de este álbum? ¿Cómo se diferencia de tus trabajos anteriores?

Yo he sido la directora musical y conceptual por ser mías las composiciones y letras al 100%. Tengo muy claro en mi cabeza como quiero que suene mi música cuando ya la estoy componiendo.

Es un disco totalmente diferente tratándose de un trabajo que refleja humildemente mi experiencia de vivir entre dos mundos tan diferentes y parecidos a la vez, España y México. 7 años de vida aprendiendo de su música y forma de vida.

Hablando de la composición, ¿cómo fue el proceso creativo de "Muérete Ya"? ¿Fue una canción que nació de manera espontánea o fue fruto de un largo proceso de reflexión?

Cómo te mencionaba en la 1º pregunta, fue fruto de una relación tóxica que acabé y me hizo aprender muchas cosas nuevas que hoy en día me hacen ser una mejor versión de mi misma. Agradecida a ese maestro del que tanto puede aprender por todo lo malo que me hizo ver.  

En el videoclip, la estética y las imágenes son muy poderosas. ¿Qué elementos quisiste resaltar visualmente y cómo fue la colaboración con el equipo de producción del vídeo?

Comenzaré hablando del cámara y director de imagen que es mi gran amigo Abel Solá con quien ya he trabajado en varias y felices ocasiones. Nos entendemos a las mil maravillas y trabajamos con mucha fluidez, de ahí el resultado.

Los estilismos son de mi cosecha queriendo traer mi pasión por las Catrinas Mexicanas a las increíbles localizaciones en Girona (en concreto la Puebla Vieja y la catedral de Girona).

La letra parece tocar temas de cierre de ciclos o de liberación de emociones negativas. ¿En qué medida esta canción refleja tu estado actual a nivel personal o profesional?

Refleja mi crecimiento personal y emocional hacia el amor propio. Poner límites, respetarse, escuchar y entender que tu pareja siempre será un reflejo de los traumas de tu niñez, de ahí que son los mejores maestros.

Como alguien que lleva años en la industria musical, ¿cómo ha evolucionado tu proceso de composición? ¿Sientes que este disco marca un antes y un después en tu carrera?

Este disco ya lleva 4 años compuesto y son 2 años ya sacando y trabajando varios de sus temas como singles con sus videoclips y promoción. Es un arduo trabajo que, como artista autoproducida, supone más tiempo de lo normal. Me considero TODOLOGA ya que me encargo de casi todo en mi trabajo y eso también desgasta a la par que nutre.

Este 5º disco (“ARRASTRANDO UN CADÁVER”) representa mi vida en México y un trabajo musical en honor a mi amor por dicho país. Me siento muy orgullosa por aún siento española, haber captado sus raíces y su pasión en mi música. En los boleros, en los huapangos, en el pop….

Volviendo al inicio de tu carrera, ¿cómo recuerdas tu paso por Operación Triunfo y qué impacto sientes que ha tenido ese momento en tu evolución como artista?

Fue el comienzo de mi fama pública así que lo fue todo.  Fue muy duro y un cambio brutal en mi vida en todos los sentidos, pero estoy agradecida por la experiencia y la posibilidad que me dieron.

Obviamente el después ha dependido en gran parte de mi esfuerzo y aprendizaje.

Desde entonces hasta ahora, has recorrido un camino lleno de cambios y momentos clave. ¿Cuáles han sido las lecciones más importantes que has aprendido en esta trayectoria? 

Que lo más importante en la vida, así como en el trabajo, siempre es LA ACTITUD.

En tus cinco discos, ¿cuáles crees que son los temas recurrentes o los aspectos de tu identidad artística que permanecen, a pesar de las transformaciones y el paso del tiempo?

Mi voz es la marca de la casa jajaja. Me gusta mucho cantarle al amor y al desamor, pero también trato temas más reivindicativos como el maltrato, la presión pública, el cuidado de la salud mental, el empoderamiento…

El mundo de la música ha cambiado mucho en los últimos años, especialmente en términos de plataformas digitales y redes sociales. ¿Cómo ha influido esta transformación en tu forma de conectar con los fans?

Tengo que estar muchas horas pegada al teléfono y contestar a los seguidores que dedican su tiempo a mi música o a escribirme, así que es una relación mucho más directa con el fan para lo bueno y para lo malo.

Como artista que se ha mantenido en la escena musical con autenticidad y sin miedo a evolucionar, ¿qué consejo le darías a los jóvenes que hoy inician en la música, especialmente en un contexto tan competitivo?

Que sean honestos consigo mismos y con su música que el público no es tonto y sabe reconocer lo auténtico y lo agradecen.

Finalmente, ¿qué te gustaría que tus seguidores experimenten o sientan al escuchar "Muérete Ya" y el resto de las canciones de este nuevo álbum?

EMPODERAMIENTO. Que se crezcan, que cambie su modo de ver las relaciones y piensen por un rato que es mejor el dolor temporal de la ruptura elegida bajo el amor propio, que una vida perdida por el continuo sufrimiento estando con alguien que no te ama en realidad.

Entrevista de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

Con una sólida base de fans y un creciente reconocimiento internacional, J Francis ha demostrado que su talento trasciende fronteras. Cantante, músico, compositor y productor este joven talento llegado de Chile no ha parado de trabajar en una carrera que en muy poco tiempo está dando frutos increíbles. Temas como “Imagínate”, “Hoy Sale Flow Miami”, “Utopía” o “Vicio Duro” se han colado en destacadas playlist y suman miles de reproducciones. También ha colaborado con artistas de la talla de De LaIglesia y Jay More, y este verano ha girado por toda España compartiendo escenario con Abraham Mateo, Vicco, Nil Moliner, Pol Granch o Soge Culebra, entre otros.

Hoy tenemos el placer de charlar con él para que nos cuente un poco más sobre su nuevo single "My Lady" y haga un pequeño repaso a su carrera artística.

¿Qué historia o mensaje has querido transmitir con “My Lady”, y qué te inspiró a escribir esta canción?

My Lady habla sobre la vida de un artista en la que está contando que, ya no tiene tiempo casi ni para él porque tiene muchos viajes, está constantemente creando canciones, haciendo entrevistas, shows, creando contenido…

Son muchas las cosas en las que tiene que estar enfocado y, para poder dedicarle tiempo a la relación, le es muy difícil poder llevarlo a cabo. De alguna forma él quiere enfocarse y cumplir su sueño, entonces cuenta que, a pesar de todas estas dificultades, quiere estar con ella y la invita a viajar juntos a que caminen de la mano. Es una canción de una historia de amor real, en la cual él está enamorado y no la quiere perder. Aparte de esto es una relación a distancia donde el poder verse es muy dificultoso, pero aun así siempre están las ganas de “pelear por el amor”.

Este viernes estrenas el videoclip de “My Lady”, y sabemos que será un cortometraje en dos partes. ¿Por qué elegiste esta narrativa y qué pueden esperar los fans de esta producción audiovisual?

La narrativa de alguna manera la escogemos entre todo el equipo. Cuando uno escucha una canción te puede llevar a distintos escenarios... así que, con Pablo, el director del videoclip, lo hablamos y de alguna forma el tema quiso llevarlo por una narrativa muy ochentera, pero con un hilo conductor muy claro, que era jugar con el tema de las horas espejo 11:11 1:11. De hecho, en la misma canción, hay un fraseo donde menciono esto.

En tu carrera, has lanzado temas como Imagínate, Hoy Sale Flow Miami o Utopía. ¿Qué crees que tiene My Lady que la diferencia de tus canciones anteriores?

Yo creo que, en primer lugar, el estilo de la canción. El género es algo más pop urbano, y también aparte del género, la letra de esta canción está enfocada al amor. En las canciones anteriores las letras son más explícitas. En este caso, esta canción quise que fuera un poco más romántica y he buscado hacer algo distinto.

Has tenido la oportunidad de colaborar con artistas como De LaIglesia y Jay More, además de compartir escenario con Abraham Mateo o Nil Moliner, entre otros. ¿Ǫué te han aportado estas colaboraciones y experiencias?

En las colaboraciones siempre se rescata algo de otro artista porque cada uno tiene su forma de ejecutar, de trabajar, de fluir en la música, y siempre se aprende algo nuevo. Cada colaboración que he hecho o que haga en un futuro va a ser porque me gusta el arte del otro, y compartir escenario con grandes artistas de alguna forma es motivante, es una señal del universo de que voy por buen camino. Poder conocer a artistas grandes es inspirador. Estar al lado de alguien que ya ha logrado el sueño, te hace pensar que todo es posible, sobre todo cuando confías en ti.

¿Sientes que tu estilo ha evolucionado desde tu primera composición? ¿De qué manera?

Obviamente. Creo que un artista está en constante evolución y yo siento que cada día que pasa, soy mejor. Cada día aprendo cosas nuevas. De hecho, uno nunca termina de aprender y, a lo largo de los años, me he esforzado en mejorar en todos los ámbitos: en composición, en buscar mi color de voz… y siento que estoy mucho más cerca de esto.

Algunos de tus éxitos se han posicionado en varias playlists de éxito mundial y suman miles de reproducciones. ¿Qué significa para ti tener este reconocimiento en la era del streaming?

La verdad que el ser reconocido por alguna playlist me hace sentir que mi música es buena y que, para los creadores de la playlist, también lo es. Eso me hace decir que voy por un buen camino, me motiva a seguir creando y no detenerme en esto. Aun así, siento que es el reflejo del esfuerzo, pero aún queda un largo camino y hay que seguir trabajando.

El género pop urbano es muy competitivo hoy en día. ¿Ǫué crees que diferencia a JFrancis de otros artistas dentro de este estilo?

Yo creo que todos los géneros son competitivos, pero cada artista tiene algo distinto que aportar. En mi caso tengo expectativas altas y siempre he dicho que quiero ser una estrella mundial: un Justin Bieber en español, o similar a The Weeknd o Chris Brown, incluso un Michael Jackson.

Quizás yo no baile o quizás sí, pero en el estilo musical donde quiero ser un referente de la música en español, siento que no está tan explotado este campo y tengo que demostrarlo con mi música. Aunque me gusta mucho el reggaetón, no quiero centrarme solamente en ello. Quiero demostrar a la gente que hago otros estilos, por eso lo llamo pop urbano.

¿Tienes algún ritual o proceso creativo especial cuando compones o produces un nuevo tema?

 No tengo ningún ritual, lo que sí trato de estar con una mente positiva y lo más cómodo posible, que no me haga falta nada y que pueda fluir en el estudio. Últimamente no escribo las letras, voy grabando en el micrófono de forma Freestyle por partes. Siento que, de esta forma, voy más rápido y puedo expresarme mejor.

¿Qué desafíos has enfrentado a lo largo de tu carrera hasta ahora y cómo los has superado para llegar al momento en el que te encuentras?

Creo que los desafíos más grandes han sido económicos, ya que es difícil llegar al 100 % con esto. Para poder cubrir mis gastos he tenido que producir a otros artistas.

Por otra parte, el hecho de estar lejos de mi familia y principalmente de mi madre, es un desafío mental que a veces quiero poder asimilar, pero me cuesta y es una realidad.

Ella está lejos y todo esto al final lo hago por ella y por mí, por querer alcanzar la meta y hacer lo que me llena en esta vida. De alguna forma esto me da la energía para seguir y no detenerme.

Mirando hacia el futuro, ¿qué próximos proyectos tienes en mente? ¿Hay alguna colaboración o género que te gustaría explorar?

Tengo muchas canciones todavía por salir y mi creatividad no va a parar, así que queda J Francis para rato. Me gustaría colaborar con artistas españoles como Quevedo, Soge Culebra, Ptazeta y con Pol Granch. Siento que podríamos hacer varios hits.

¡Muchos éxitos, J Francis! Y muchas gracias por tu tiempo y tus respuestas tan sinceras. ElFiesta siempre será tu casa.

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El artista uruguayo nos ha presentado su último single, 26 de Marzo, y nos ha adelantado un poco sobre cómo va a ser su primer disco

 Para empezar, ¿cómo estás?

Muy bien. Estoy contento. Todo está tomando forma y está mucho más encaminado. Ahora ha bajado la incertidumbre de cómo sigue, y ahora que está todo más acomodado estoy muy bien, la verdad.

Nos presentas tu último single, 26 de Marzo, una balada nostálgica que habla sobre una ruptura.

¿Cómo fue el proceso de composición? ¿Es una canción que surgió rápido, o tardaste mucho en escribirla?

El proceso de composición tiene dos tiempos. Empieza un 26 de Marzo. Abrí el móvil, vi la fecha y lo primero que anoté fue “26 de Marzo, dos días después del adiós”, que es como arranca la canción. Ahí fui soltando todas las emociones que tenía dentro en ese momento, y un poco lo que quería contar. Y ya después con Maxi terminamos de darle forma. Fue una canción que en realidad no me costó escribirla porque tenía mucho para decir. Pero sí que en el momento de grabarla e irla haciendo, en el momento estudio, sobre todo cuando era maqueta y todo estaba más a flor de piel, me emocioné varias veces. Con Maxi hemos vivido momentos brutales en el estudio, y 26 de Marzo creo que, hasta ahora, fue uno de los que más me ha chocado mientras lo estaba grabando.

La producción de tu single corre a cargo de Maximiliano Calvo, con quien ya trabajaste en Fuiste pa’ mí. ¿Cómo es trabajar con él? ¿Qué decisiones tomaste tú en la producción?

Trabajar con él es increíble, porque es un aprendizaje constante. La verdad que, de ese lado, siento que gracias a Maxi me he ido puliendo un montón y también he ido encontrándome. Entonces, trabajar con él, tanto por la producción musical, la interpretación, las letras, la forma de decir las cosas, de contar, de no tener miedo a decir las cosas tal cual…, somos todos humanos y todos hemos vivido alguna ruptura o alguna situación en particular, y que al final sí que es algo personal, pero que creo que todos, en algún momento, hemos pasado. Trabajar con Maxi es un aprendizaje constante. Y, dentro de la producción, el tema de los violines fue algo que, en realidad, fue en conjunto, pero yo ya lo tenía en la cabeza. Yo quería que en esta balada hubiese violines. Después, como ya trabajé con él en el resto del disco, el tema del canto y la interpretación, el tema de la voz rasgada para transmitir el dolor desde esa parte. Pero en general tenemos muchas decisiones en conjunto porque nos entendemos, pero yo también me dejo fluir mucho y aconsejar mucho.

26 de Marzo tiene videoclip. ¿Cómo fue la experiencia en el rodaje?

Fue muy guay. Era algo también que quería transmitir desde el lado sincero. No queríamos un videoclip de mucha producción ni con actriz, sino realmente estar solo en casa, que fue la situación real, lo que verdaderamente pasó. Entonces, durante el rodaje intenté conectar con el sentimiento de ese momento, de cómo me sentía, y terminó siendo muy guay.

¿Qué representa esta canción para ti, tanto a nivel artístico como emocional?

A nivel artístico si que es, junto con Fuiste pa’ mí, por donde quiero ir. Estoy más seguro que nunca, y eso es algo que me tiene muy contento. He podido encontrar al 100% lo que quiero hacer y el estilo de música que quiero hacer también. De ese lado, en cuanto a lo musical, 26 de marzo es de las canciones que más feliz me tiene. Y estoy muy feliz de que ya esté fuera y de que la estén escuchando. A nivel personal, es una parte muy dura de mi vida. Me costó mucho. Es un cierre de relación de años, una relación muy bonita y muy larga, y que me agarra en un cambio de vida brutal. Me costó mucho el duelo, porque fue un poco raro, con muchos estímulos y con poco tiempo para estar solo y poder procesarlo y vivirlo. Entonces, fue un duelo que se me ha ido alargando bastante, y 26 de Marzo tiene mucho peso emocional.

Las tres canciones que sacaste posteriores a Operación Triunfo han sido Corazones Rotos, Fuiste pa’ mí y 26 de Marzo. Para ti, ¿cuál es la más especial? ¿Por qué?

Fuiste pa’ mí y 26 de Marzo están al mismo nivel. Yo creo que 26 de Marzo le ha pasado un poquito a Fuiste pa’ mí, porque a nivel personal estoy muy contento de cómo terminó saliendo y porque es una canción que la escucho y siento que es lo que quiero hacer llegar a la gente. Con Fuiste pa’ mí también, pero creo que al ser la parte de dolor me toca un poco más. En Fuiste pa’ mí sí que hay un poco de dolor, pero es una canción desde el agradecimiento y desde el amor de una ruptura sana. Corazones Rotos es una canción que le tengo mucho cariño, pero que era de aquél Lucas que recién salía de OT, que todavía estaba perdido, buscando rumbo y por donde arrancar. Ya no forma parte del repertorio de hoy en día, ni me identifica, pero le voy a tener cariño siempre porque es la primera y es la que me hizo aprender mucho. Entonces, gracias a Corazones Rotos yo también hice cambios, y la tendré siempre en el corazón.

¿Qué podemos esperar de tu primer disco? ¿Habrá alguna sorpresa?

El primer disco va a ser un sube y baja de emociones, con muchas historias reales de mi vida. Al principio me daba un poco más de miedo, pero Maxi desde ese lado me animó a contar lo vivido. Musicalmente, tiene de todo, y en cuanto a letras también. Hay baladas rock, como 26 de Marzo; hay temas más de concierto, de saltar; hay canciones countries… Hay un sube y baja de todo, y estoy contentísimo con eso. Osea que el que escuche el disco, se va a entretener.

¿Tienes ganas de volver a la carretera? ¿Cómo estás planeando tu primera gira en solitario?

¿Ganas? Muchas. Es lo que más he estado extrañando. Es lo que más bajón me pegó, aparte de extrañar el programa. ¿El ritmo que teníamos? Yo era feliz. Eso de cada fin de semana tocar, no solo por los sitios, sino tener ese rodaje de “los fines de semana eran de shows”. Y no había más felicidad que esa. Una vez que terminó la gira me dió un bajón porque lo extrañaba, y es lo que más me gusta. Lo que más disfruto de la música es estar encima del escenario. Para la gira, queda menos. 2025, el año que viene. Me parece una locura hacer una gira de temas propios, de temas de Lucas. Pero también hay mucha ansiedad y muchos nervios por no saber lo que pasará y cómo será. Pero estoy muy feliz de volver a los escenarios y de cantarle a mi público mis canciones.

¿Cuál sería tu colaboración soñada?

Sin duda sería cualquiera de One Direction. También me encantaría con artistas que llevan mucha trayectoria, y que también han influido mucho en el disco. Permitiendo soñar, The Rolling Stones, Bruce Springsteen… Fuera de ese ámbito, me encantaría colaborar con Marina Reche, y muchos más del ámbito nacional que también me gustan mucho, y que desde que salí de la academia, que he estado en un proceso de exploración porque siempre he escuchado mucha música en inglés. Y, desde que salí de OT he estado investigando a muchos artistas y Dani Fernandez, Álvaro de Luna, Leo Rizzi… me encantaría. Algún compi de OT también me gustaría mucho.

¿Quieres añadir algo más?

Stream 26 de Marzo, y ¡queda menos para todo!

Entrevista de Júlia Negrillo para ElFiesta.es

Hoy quiero presentaros a Éxtasis, una banda formada en Viladecavalls que va a dar mucho que hablar por su espíritu luchador, por esa vitalidad a la hora de vivir la música, por la energía vibrante que desprenden y por dejarse la piel en conseguir un sueño que llevan persiguiendo hace años.

Están de estreno, pues hoy mismo ha salido al mercado su primer disco. Como título, “No sé PK”, un proyecto sin prejuicios ni etiquetas.

También están preparando con mucha ilusión el concierto de este próximo sábado en Razzmatazz 2 (Barcelona) donde presentarán, en vivo, los temas que componen este esperado trabajo discográfico. Juegan en casa y estarán acompañados de muchos familiares y amigos, pero también de su séquito de fans que les siguen apoyando desde el minuto uno.

El equipo de ElFiesta ha podido hablar con ellos para que nos cuenten un poco más sobre todas estas aventuras que están viviendo, además de hacer un pequeño repaso a su trayectoria, tanto personal como musical.

¿Cómo os sentís ahora que el primer disco está a punto de salir, después de 4 años de cocinarse a fuego lento? ¿Hay nervios?

Contentos y un poco nerviosos también, no lo vamos a negar. Con ganas de que salga ya y que las canciones lleguen a cuando más sitios y gente mejor.

¿Qué ha significado para vosotros el proceso de creación del álbum? ¿Ha habido algún momento clave que definiera el sonido o la dirección del disco?

Como bien has dicho antes hemos estado cuatro años preparando este disco, pero no os imaginéis que hemos estado encerrados en una habitación todo este tiempo ni nada por el estilo. Ha sido un disco que ha salido de manera muy genuina, íbamos haciendo canciones y las queríamos enseñar a nuestro público, así que las sacábamos en modo de single. Hasta que llegó un momento en el que nos dimos cuenta que, casi sin quererlo, lo que teníamos entre manos podía y debía -así lo sentimos- ser un disco.

Creemos que el momento clave en todo esto vino con la canción Tiburón. En este tema encontramos el sonido que andábamos buscando y nos indicó un poco cual era el camino a seguir.

Si tuvierais que quedaros con una canción del disco cada uno de vosotros, ¿cuál sería y por qué?

-          Guero: ‘La Escalera Azul’, por el momento en que se compuso significó un punto de inflexión de la banda y marcó un camino para nosotros.

-          Geri: ‘No sé cuánto tiempo’.

-          Putxi: ‘Ojitos marrones’ ahora mismo, por todas las alegrías que nos ha dado y que nos sigue dando.

Este sábado tocáis en Razzmatazz2. ¿Qué significa para vosotros esta fecha marcada en el calendario?

Es sin duda nuestro concierto más importante hasta la fecha. Estamos muy muy cerca de colgar el sold out. Tocar en casa, delante de tanta gente… imagínate.

¿Cómo ha sido la evolución de la banda desde que empezasteis como grupo, hasta este primer lanzamiento? Conoceros desde tan pequeños puede que tenga sus ventajas… ¿O no?

Mira, sabes esto que se dice siempre de muchas bandas, que son una banda de amigos. Pues en nuestro caso es 100% real. Somos amigos des de los dos años, nos conocimos en la guardería. Y des de entonces hemos ido creciendo juntos. Ahora compartimos piso aquí en Barcelona des de hace cinco años y ha sido allí dónde el proyecto ha ido tomando forma. Nosotros siempre decimos que si no hubiera sido la música habría sido otra cosa. Lo que hemos tenido siempre claro es que queríamos hacer algo los tres juntos y que este algo nos permitiera vivir una vida poco convencional. Y que mejor que una banda, ¿no?

¿Cuáles son las principales influencias musicales que han marcado este álbum?

Des de Sebastián Yatra a Bleachers. No es una manera de hablar, sino la realidad. En este disco hay influencias muy variadas y creemos que esto lo hace distinto y personal.

¿Alguna anécdota divertida que podáis compartir sobre la preparación del disco?

Hay una anécdota que no es demasiado divertida, pero que define muy bien lo que es a veces grabar un disco. El verano pasado decidimos darnos el lujo de ir a grabar las voces de una parte del disco en uno de los mejores estudios que tenemos en el país, la Casa Murada. Reservamos dos días solo para las voces, ya con todos los temas grabados. Pues llegamos ahí (después de dos semanas previas de grabación) y Geri perdió la voz. 100% afónico. Imposible grabar. Decidimos ir igualmente y, como el estudio es increíble, pasamos dos días ahí de vacaciones, de piscina y barbacoa, pero no grabamos ni una sola toma.

¿Cómo veis el panorama actual de la música? ¿Dónde creéis que encajáis como banda dentro de ese contexto?

Creemos que el panorama musical está en un gran momento, hay muchísimas bandas y artistas con propuestas super variadas e interesantes. Un público dispuesto a pagar para ver música en directo en salas y que tiene mucho y bueno donde elegir. A veces tendimos un poco a la queja de que lo que se hacía antes era mejor, pero no creemos que sea así.

Pues tiene que ser el propio público el que nos coloque en un sitio o en otro. Nosotros tenemos claro que somos una banda que puede encajar en cualquiera de los festivales que hay en el país y que a la vez podemos sonar en la radio. Nos movemos entre estos dos mundos y estamos muy cómodos ahí.

Si pudierais colaborar con algún artista o banda en el futuro, ¿con quién os gustaría hacerlo y por qué?

Con Leiva. Es un artista que nos encanta a los tres y que nos influyó mucho sobre todo en los inicios. Sería una bonita manera de cerrar un círculo.

¿Cómo habéis sentido el apoyo de los fans hasta ahora? ¿Alguna experiencia emocionante que hayáis vivido con ellos?

Pues es un momento muy bonito porqué tenemos la sensación de que cada vez somos más y que tenemos más gente que nos sigue y viene a los conciertos. Además, a día de hoy estamos en este momento en el que después de los conciertos podemos estar con los fans, hablar con ellos y que te cuenten que les gusta de la banda, lo que significan las canciones… esto llega un momento en el que a medida que creces y tocas en sitios más grandes este contacto de tu a tu con los fans inevitablemente se pierde. Es por eso que ahora estamos disfrutando de ello en cada concierto que damos.

Si pudierais decir una cualidad de cada uno de vosotros, ¿cuál sería?

Geri la ambición y exigencia, Guero la calma y el optimismo, y Putxi la constancia y organización. Esto es lo que cada uno aportamos a Éxtasis y que sumado nos hace un buen equipo.

Por último… ¿Cómo y dónde os gustaría veros dentro de 10 años?

Pues siguiendo en esta locura que es la música. Grabando un disco y girando. Esperemos que en 10 años nuestras canciones hayan llegado a mucha gente y que por lo tanto estas giras sean en salas cada vez más grandes, en muchos festivales y que nuestros discos los espere la más gente posible.

Muchas gracias por vuestro tiempo, muchos éxitos y… ¡a por todas!

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Entrevista de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

Sofía, cuéntanos cómo te sientes con el lanzamiento de tu primer álbum "SUERTE".

Estoy muy feliz de poder compartir estas canciones y verlas finalmente en el mundo. Es gratificante ver cómo algo que comenzó en la intimidad y en el estudio al escribir las canciones se ha materializado y se ha convertido en realidad.

¿Cómo describirías la experiencia de trabajar en "SUERTE"?

Hacer música es lo que más disfruto y algo que he estado haciendo durante años. Es una experiencia muy satisfactoria porque me permite hacer lo que realmente me apasiona.

Tus colaboraciones con Abraham Mateo, VIZE y le Shuuk fueron muy exitosas. ¿Cómo han influido estas experiencias en tu primer álbum?

Estas colaboraciones han tenido un impacto significativo en mi álbum porque son artistas de quienes he aprendido mucho. Cada experiencia colaborativa ha enriquecido mi camino y estoy profundamente agradecida por ellas. Además, los productores de VIZE trabajan conmigo desde hace años, lo cual ha sido fundamental para la producción de este álbum.

El álbum mezcla pop y dance con influencias de hyperpop, techno, y más. ¿Qué te inspiró a combinar tantos estilos diferentes?

Para mí, todo esto forma parte del universo del pop. Me gusta mezclar y fusionar varios géneros porque me representa bien y me permite explorar un sonido que quiero hacer. Además, viví siete años en Berlín, donde estudié y trabajé como compositora, escribiendo música dance en inglés. Sentí que podía llenar un vacío en la escena musical española al combinar letras en español con un sonido más "europeo", fusionando pop español con eurodance.

¿Podrías hablarnos de alguna canción en particular del álbum que tenga un significado especial para ti?

"SUERTE" tiene un significado especial para mí. Refleja mi visión de la vida, persiguiendo sueños, amando vivir y buscando y encontrando la SUERTE en cada momento.

"QUE LA DETENGAN" ya se ha convertido en un éxito viral en TikTok. ¿Qué opinas del impacto de las redes sociales en la música hoy en día?

Lo veo como una oportunidad invaluable para que los artistas se conecten y compartan su música con personas de todo el mundo.

¿Cómo fue tu experiencia en el Benidorm Fest y qué impacto crees que tuvo en tu carrera?

Fue una experiencia enriquecedora en todos los sentidos, tanto profesional como personalmente. Aprendí mucho y me abrió muchas puertas.

En "SUERTE" también hay dos throwbacks nostálgicos a los 2000. ¿Por qué decidiste incluir estas referencias en tu álbum?

Porque disfruto mucho de esa época. Los años 2000 fueron muy influyentes para mí y la música de esa década me marcó profundamente. Incluir estas referencias es una forma de rendir homenaje a esa época que me formó como artista y como persona. Además, reconectar con mi audiencia a través de esa nostalgia es una manera de mostrar respeto y admiración por los referentes que me inspiraron.

La canción "CRIMINAL" cuenta con la colaboración de NEVA. ¿Cómo surgió esta colaboración y cómo fue trabajar juntos?

La colaboración con NEVA surgió de manera orgánica. Hemos compuesto muchas canciones juntas para mi álbum y me encanta hacer música con ella. No solo la admiro como músico, sino que también como persona. "CRIMINAL" surgió el año pasado y en principio era para su proyecto, pero me encantó tanto que decidimos trabajar juntas en ella.

El álbum tiene un mensaje empoderador. ¿Qué deseas que los oyentes se lleven después de escucharlo?

Espero que los oyentes se lleven una sensación de positividad y gratificación. Quiero que sientan la energía y el amor que puse en cada canción y que deseen volver a escucharlo una y otra vez.

¿Cómo fue el proceso de composición de las canciones de "SUERTE"? ¿Hubo algún desafío?

El proceso de composición de "SUERTE" fue bastante fluido y divertido. Al final, solo somos unos amigos en el estudio disfrutando de lo que hacemos y jugando con diferentes sonidos y melodías sin la presión de que „tenemos que hacer un temazo“. Pero a a veces el desafío es superar mi propia impaciencia.

¿Tienes alguna rutina o ritual que sigues antes de comenzar a escribir o grabar música?

No tengo una rutina específica, pero me gusta empezar el día con café junto a mis compañeros de composición y productores, y escuchar música para inspirarme antes de comenzar a trabajar.

¿Cuál es tu canción favorita del álbum y por qué?

Es difícil elegir una sola canción porque cada una tiene un significado especial para mí. Depende del momento y el estado de ánimo. Disfruto mucho de canciones como "Rompe", "CRIMINAL", "Berlín", y "Me Enamoré", cada una por razones diferentes.

¿Quiénes son tus mayores influencias musicales y cómo se reflejan en tu trabajo?

Mis mayores influencias musicales abarcan diversos géneros y artistas como Daft Punk, Britney Spears, Shakira, y muchos más. Se reflejan en mi trabajo a través de la diversidad de estilos que exploro y la energía que intento transmitir en mis canciones y encima del escenario.

¿Cómo describirías tu evolución como artista desde tus primeras colaboraciones hasta ahora con tu propio álbum?

Ha sido un viaje de autodescubrimiento y crecimiento. He fusionado influencias diversas para crear un sonido auténtico y personal en mi propio álbum, algo que no podría haber logrado sin el apoyo y la inspiración de todos quienes me rodean.

El apoyo inicial puede marcar una gran diferencia en la carrera de un artista. ¿Puedes contarnos quién fue la primera persona que realmente creyó en ti y en tu talento como artista? ¿Cómo te apoyó esa persona y qué impacto tuvo en tu decisión de seguir una carrera en la música?

Una de las primeras personas que realmente creyó en mí fue mi productor Vitali Zestovskih. Desde el principio, vio algo especial en mi música y siempre me ha apoyado incondicionalmente. Su guía y motivación han sido fundamentales para mi desarrollo como artista y me han dado la confianza para seguir adelante.

El camino hacia el éxito está lleno de desafíos y es fundamental contar con el apoyo de seres queridos. ¿A quién darías las gracias por apoyarte en tu carrera?

Agradezco a mis padres por su apoyo constante, a mi productor Vitali por su dedicación y fe en mí, y a mis amigos por estar siempre a mi lado. Sin ellos, no estaría donde estoy hoy.

Los fans tienen un papel crucial en la carrera de cualquier artista. Sofía, ¿Qué representan para ti tus fans? ¿Cómo describirías la conexión que tienes con ellos y qué es lo que más valoras de su apoyo y dedicación?

Mis fans significan todo para mí. La conexión que tengo con ellos es increíblemente especial. Valoro el amor y el apoyo que me regalan, así como la energía positiva que me transmiten en cada concierto y en cada interacción.

Los fans suelen hacer gestos increíbles para mostrar su amor y apoyo. ¿Podrías compartir alguna historia sobre algo especialmente bonito o significativo que haya hecho un fan por ti? ¿Cómo te hizo sentir ese gesto y qué impacto tuvo en tu relación con tus seguidores?

Recuerdo con cariño cuando un grupo de fans me regaló un video recopilando los mejores momentos de conciertos y entrevistas y lo mezclaron con mensajes personales de ellos.

Tras todo este esfuerzo y dedicación puesto en tu nuevo álbum, ¿Tienes algún plan o proyecto futuro que nos puedas adelantar?

Claro :) Confío en que se viene el segundo álbum, no?

Por último, ¿Qué consejo le darías a los jóvenes artistas que sueñan con seguir una carrera en la música?

Les aconsejaría que confíen en sí mismos y en su talento. Que actúen desde el corazón, que se rodeen de personas que los apoyen y que mantengan claros sus valores. Cada paso que den, por pequeño que sea, forma parte del camino hacia sus sueños.

Desde el Equipo de ElFiesta.es queremos darte las gracias por este tiempo que nos dedicas.

Gracias a vosotros por la oportunidad de compartir mi musica y historia. :)

Totalmente inmerso en la promoción de su nuevo single “Siberia” y en la gira de conciertos que va a dar este 2024, Pablo Pedraza vuelve a concedernos una entrevista y yo no puedo estar más contenta por poder charlar sobre este proyecto tan personal y especial que está a punto de ver la luz.

¿Qué tal, Pablo? ¿Cómo va este inicio de 2024?

Muy bien. Muy contento con todo lo que estoy haciendo. Está siendo un inicio de año muy bonito y de mucho trabajo.

Te lanzas a la piscina con “Siberia”, tu nuevo single. ¿Cómo surgió la composición y qué la hace tan especial para ti?

La canción está compuesta por mi novio. Esta canción lleva metida en un cajón 2 años. Durante estos dos años se ha ido modificando la letra y se ha ido dándole cuerpo a la canción. Es muy especial porque para mí es como un punto de partida en mi carrera. Comienza una nueva etapa de Pablo Pedraza.

Por lo que tengo entendido, tiene un sonido más electrónico y ochentero, algo distinto a lo que has hecho hasta ahora. ¿Es algo puntual, o quieres dar un nuevo enfoque a lo que venga a partir de ahora?

Es el camino que quiero llevar ahora. Como bien te dije en la anterior pregunta, este es un punto partida con un sonido renovado. A partir de ahora este será el sonido que escuchareis en Pablo Pedraza.

¿Cómo ha evolucionado tu estilo musical desde tus primeros trabajos hasta esta nueva canción?

Bajo mi punto de vista ha evolucionado mucho. Sobre todo, he ido cogiendo muchas tablas en estos años. Muchos escenarios y mucho trabajo. Al final eso te hace evolucionar.

¿Qué aspecto de tu identidad como artista crees que se refleja mejor en esta nueva canción?

Evolución. Creo que sobre todo la gente va a notar una evolución. Llevo 5 años sin sacar single por cuestión de tiempo. No he parado de trabajar en la música estos años. “Siberia” es una canción más madura.

Como artista independiente, ¿cómo abordas la promoción y distribución de tu música en un mercado tan saturado?

Estoy muy contento con toda la promoción que está saliendo. Estamos llegando a medios más potentes y eso es bueno porque significa que estoy trabajando bien. Al final esto es currar y tener mucha paciencia y perseverancia.

Actualmente son más de 40 fechas confirmadas en este inicio de año, y seguro que serán muchas, muchas más. ¿Cómo haces para mantener este ritmo tan frenético?

Estoy muy feliz. Al final trabajo y hago lo que me gusta. No es fácil dedicarse a la profesión que uno quiere y yo lo he conseguido. Estoy feliz porque me encanta el directo y tener tantas fechas cerradas para mi es un logro. No te voy a decir que muchas veces me causa un poco de estrés, pero luego lo pienso y digo: “Estoy dedicándome a lo que me gusta. Que suerte tengo”. Y se me olvida.

¿Cuál es tu parte favorita del proceso de creación de una canción: ¿la composición, la grabación o la presentación en vivo?

Soy muy de directo, pero si es verdad que me gusta mucho disfrutar de todo el proceso. El proceso entero es muy bonito y lo disfruto desde el minuto uno. Si me tuviese que quedar con una parte favorita, sería la presentación en vivo.

¿Cuál ha sido el momento más memorable o significativo de tu carrera musical hasta ahora?

Hay muchos. Para mi uno de los más importantes fue el año pasado en el Orgullo Gay. Poder subirme a ese escenario que tanto impone para mí fue un sueño. Pude cantar delante de 12.000 personas y compartir escenario con artistas de la talla de Pastora Soler o Lorena Gómez.

¿Cómo te gustaría que evolucione tu carrera musical en los próximos cinco años?

Solo pido seguir trabajando. Seguir dedicándome a lo que me gusta y que me sigan dando las oportunidades que me están dando. Seguir sacando música nueva y seguir teniendo a mi público.

¿Qué otros proyectos tienes en mente para el futuro cercano?

“Siberia” es la primera canción. Sacaremos música nueva a finales de año e iremos sacando single a single. Tenemos una gira larga y seguimos cerrando conciertos. Nos espera un año cargado de mucha música.

¡A por todas, Pablo! Gracias por tus palabras. ¡Muchos éxitos con Siberia y todo lo que está por venir!

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Entrevista de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es