La artista francesa independiente Julie Rosali presenta “Libre”, un proyecto de 11 canciones que consolida su identidad como autora, compositora e intérprete en la encrucijada entre la chanson française, la pop emocional y las influencias latinas. Con una propuesta honesta y profundamente encarnada, la artista reafirma su compromiso con una música donde la voz y el texto ocupan un lugar central, sin renunciar a la riqueza de los matices sonoros y a los contrastes emocionales.

Julie Rosali construye su universo artístico desde la intimidad. Sus canciones, cargadas de sensibilidad, exploran la vulnerabilidad, la duda y la memoria afectiva, pero también el deseo, la afirmación y el renacer. “Libre” no es solo un conjunto de temas, sino un recorrido conceptual dividido en dos universos claramente definidos, tanto en lo visual como en lo emocional y musical.

El primero de ellos, el universo íntimo, se sumerge en una atmósfera introspectiva, melancólica y depurada. Aquí predominan las baladas y los tempos lentos o medios, con una clara raíz en la canción francesa. La instrumentación apuesta por arreglos sobrios donde el piano y la guitarra acústica acompañan una voz que se sitúa en primer plano, desnuda y expresiva. Este espacio representa el repliegue hacia el interior, los momentos de fragilidad, la ruptura y la soledad. Es el lugar donde la artista se muestra sin artificios, permitiendo que la palabra y la emoción respiren con libertad.

En contraste, el universo solar abre la puerta a la luz, al movimiento y a la vitalidad. Con una energía vibrante y encarnada, esta faceta del álbum se adentra en una pop con influencias latinas marcadas, interpretada tanto en francés como en español. Los ritmos se vuelven más presentes, el groove cobra protagonismo y la calidez melódica invita al cuerpo a acompañar lo que la voz expresa. Inspiraciones de bachata y reggaetón se integran de forma sutil y personal en el universo pop de Julie Rosali, aportando frescura sin perder coherencia artística.

Este segundo universo simboliza la danza, la libertad y la ligereza después de la tormenta emocional. Es la afirmación de una mujer que transforma la herida en impulso creativo y que encuentra en la mezcla cultural una forma de expansión. La dualidad entre lo íntimo y lo solar no se plantea como una oposición, sino como dos caras complementarias de una misma identidad artística.

Con “Libre”, Julie Rosali reafirma su lugar dentro de una nueva generación de artistas independientes que apuestan por propuestas auténticas y transversales, capaces de dialogar con la tradición de la canción francesa mientras se abren a sonidos contemporáneos y a influencias internacionales. El resultado es un trabajo coherente, sensible y luminoso que invita al oyente a atravesar la vulnerabilidad para alcanzar la libertad.

“Libre” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Julie Rosali, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La joven artista jerezana Pilu, afincada en Sevilla, presenta “Oxígeno falso”, un trabajo que marca un antes y un después en su trayectoria y que se erige como el retrato honesto de un proceso vital. Más que un simple conjunto de canciones, este primer EP se construye como una declaración generacional sobre la necesidad de desvincularse de lo impuesto, aprender a poner límites y encontrar un lugar propio desde el que crecer.

Desde niña, la música fue para Pilu una forma de entender el mundo. La creación se convirtió en refugio e impulso, aunque durante mucho tiempo permaneció en silencio, casi como un secreto que debía ocultar porque no era lo que se esperaba de ella. Ese conflicto interno atraviesa el concepto de “Oxígeno falso”, un título que simboliza ese aire que se respira por inercia, por presión o por miedo, hasta que se toma la decisión de dejar de hacerlo.

La evolución define su camino artístico, pero no como una transformación hacia lo novedoso o lo impuesto, sino como un regreso consciente hacia su esencia más pura. Pilu abraza su acento, los ritmos y compases de su tierra, el desparpajo y la naturalidad andaluza, todo ello sin recurrir al flamenco como etiqueta. Su propuesta se nutre de la identidad del sur sin caer en clichés, integrando ese pulso en una estructura contemporánea.

El EP, compuesto por seis canciones, no funciona como una simple recopilación de singles, sino como un relato cohesionado. Cada tema forma parte de un proceso: el momento en el que una joven artista decide frenar, escucharse y dejar de respirar un aire que ya no le pertenece. En sus letras hay claridad, sensibilidad y una mirada generacional que conecta con quienes también sienten la presión de encajar en moldes ajenos.

Musicalmente, “Oxígeno falso” mezcla canción de autora contemporánea con guitarras acústicas, españolas y eléctricas, bajos distorsionados, sintetizadores y beats que mantienen un sutil pero firme pulso andaluz. Esa combinación crea una atmósfera donde tradición e intimidad dialogan con texturas modernas, abriendo una grieta por la que comienza a emerger una identidad sonora propia dentro de la música española.

“Para mí innovar es volver a eso que siempre he sido y no he sabido ver”, afirma Pilu, dejando claro que su concepto de innovación no pasa por seguir tendencias, sino por reconocerse y mostrarse sin filtros. Esa filosofía atraviesa todo el proyecto y convierte el EP en una obra coherente y valiente.

Con “Oxígeno falso”, Pilu no solo presenta su carta de presentación discográfica, sino que inaugura una etapa en la que la autenticidad es el eje central. Un trabajo que respira verdad y que invita a quienes la escuchan a preguntarse qué aire están respirando y si realmente les pertenece.

“Oxígeno falso” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Pilu, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista y productor independiente CARRØ.m lanza su nuevo single “The Monsters Are My Friends”, una explosión de energía dance-pop que transforma la clásica narrativa de Halloween en un mensaje positivo de conexión, confianza y celebración de lo diferente. Con una propuesta electrónica vibrante y accesible, el tema ya se perfila como una apuesta ideal tanto para playlists temáticas como para sonar durante todo el año.

Lejos de recurrir al miedo como elemento central, la canción le da la vuelta al imaginario tradicional de Halloween. En lugar de presentar fantasmas, alienígenas o esqueletos como amenazas, los convierte en compañeros amigables, cómplices de diversión y símbolos de aceptación. “The Monsters Are My Friends” plantea una idea simple pero universal: aquello que nos hace distintos no nos separa, sino que puede convertirse en el puente que nos conecta con los demás.

Musicalmente, el single se apoya en un groove contagioso, sintetizadores brillantes y un ritmo constante diseñado para mantener la energía en lo más alto de principio a fin. Desde los primeros segundos, la producción invita a moverse, sonreír y dejarse llevar por una atmósfera festiva que combina espíritu lúdico y mensaje empoderador. La estructura dinámica y el pulso electrónico refuerzan su carácter pegadizo, convirtiéndolo en un tema pensado para la pista de baile y para liberar tensiones.

El concepto detrás de la canción también tiene una lectura más profunda. Al abrazar la figura del “monstruo” como algo positivo, CARRØ.m sugiere que las inseguridades, rarezas o particularidades personales pueden ser fuente de orgullo y fortaleza. En este sentido, el single no solo funciona como una pieza festiva, sino como una invitación a aceptar la propia identidad sin miedo ni prejuicios.

Aunque su estética encaja perfectamente en listas de reproducción de Halloween, su tono optimista y su energía luminosa le otorgan una vida más allá de la temporada. “The Monsters Are My Friends” se presenta como un recordatorio atemporal de que sentirse diferente no significa estar solo, y que la autenticidad puede ser motivo de celebración.

CARRØ.m, activo en la música desde principios de los años 2000, ha construido su trayectoria como artista y productor independiente apostando por temáticas universales, accesibilidad emocional y producciones electrónicas bailables. Su enfoque creativo busca conectar de forma directa con el oyente, priorizando melodías memorables y una energía que invite al movimiento.

Con este nuevo lanzamiento, el artista reafirma su capacidad para combinar entretenimiento y mensaje en una fórmula fresca y efectiva, demostrando que incluso los “monstruos” pueden convertirse en los mejores aliados cuando se trata de celebrar quiénes somos.

“The Monsters Are My Friends” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

El artista independiente Edward69Bomb presenta su nuevo single “Neo Christian”, una propuesta intensa y provocadora que ya se encuentra disponible en plataformas como SoundCloud, YouTube y otros servicios de streaming. Con este lanzamiento, el creador afincado en Nueva Orleans da un paso firme dentro de su evolución artística, consolidando una identidad que combina emoción cruda, producción de alta energía y una visión creativa sin concesiones.

“Neo Christian” se posiciona como una de las entregas más contundentes de su catálogo. El tema mezcla letras introspectivas con una producción vibrante para abordar cuestiones como la transformación espiritual, la fe en la era moderna y el renacimiento personal en un mundo marcado por el caos y la velocidad del cambio. La canción no se limita a una reflexión religiosa tradicional, sino que propone una reinterpretación contemporánea del concepto de fe.

“‘Neo Christian’ trata de redefinir lo que significa la fe en el caos actual”, explica Edward69Bomb. “No se trata de viejos dogmas, sino de una conexión renovada y personal con algo superior, despojada de pretensiones y reconstruida desde cero. Esta canción se siente diferente”. Con estas palabras, el artista subraya la intención profunda detrás del single: ofrecer una mirada honesta y directa sobre la espiritualidad desde la experiencia individual.

El lanzamiento llega tras una etapa especialmente prolífica para el músico, quien ha mantenido un ritmo constante de publicaciones en los últimos meses. Canciones como All Rise, Respect My Boundaries y Hands On Me, junto con el álbum Transformation 13, han ido configurando una discografía que se caracteriza por su resiliencia narrativa y su voluntad de romper moldes dentro del pop experimental y las sonoridades de alta energía.

En “Neo Christian”, esa esencia vuelve a estar presente. La producción apuesta por un sonido contemporáneo y dinámico que potencia la intensidad del mensaje, mientras la interpretación vocal mantiene el sello distintivo del artista: vulnerable, directa y cargada de autenticidad. La combinación entre reflexión espiritual y fuerza sonora convierte el tema en una experiencia que conecta tanto a nivel emocional como sensorial.

Edward69Bomb, artista independiente con base en Nueva Orleans, continúa construyendo un espacio propio dentro de la escena alternativa a través de Moon69child Publishing & Records. Su creciente discografía, que abarca singles, álbumes y contenidos visuales de carácter audaz, demuestra una trayectoria marcada por la perseverancia y una ambición creativa constante.

Con “Neo Christian”, el artista no solo entrega una nueva canción, sino que reafirma su compromiso con una música que desafía límites y plantea preguntas incómodas. En un panorama donde las etiquetas suelen encasillar, Edward69Bomb apuesta por la transformación, la introspección y la libertad creativa como motores de su propuesta.

“Neo Christian” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Edward69Bomb, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El panorama musical arranca el año con una de las colaboraciones más inesperadas y emocionantes hasta la fecha. Pablo Alborán y Antony Z han unido fuerzas en “Besos Dorados”, un single que se ha estrenado hoy, 11 de febrero de 2026, y que ya está generando un enorme revuelo por la potente mezcla de universos que representa. El encuentro entre el rey del pop melódico en español y una de las grandes promesas del urbano alternativo nacional ha dado como resultado una canción que respira Andalucía por los cuatro costados, pero con una visión contemporánea y arriesgada.

Para Pablo Alborán, este lanzamiento llega en un momento clave de su carrera. El artista malagueño se prepara para iniciar en apenas unas semanas su esperada gira “Global Tour KM0”, que arrancará en Chile y que lo llevará por distintos escenarios internacionales. Aunque sigue siendo una referencia indiscutible del pop romántico en español, Alborán ha demostrado en los últimos años una apertura creciente hacia nuevos sonidos y colaboraciones que amplían su registro artístico. “Besos Dorados” es una muestra clara de esa evolución.

Por su parte, Antony Z continúa consolidándose como una de las voces más interesantes del panorama urbano y alternativo español. Originario del barrio de La Caleta, en Granada, el artista ha construido una identidad propia mezclando soul, R&B y rap con un quejío andaluz muy característico. Para él, colaborar con Pablo Alborán ha sido “un sueño cumplido”, y este tema se presenta además como el último adelanto de su próximo disco, reforzando su proyección nacional.

“Besos Dorados” funciona como un homenaje a la Andalucía más auténtica. Aunque parte de la grabación tuvo lugar en una taberna castiza de Madrid, la esencia del sur impregna cada acorde y cada verso. El tema arranca con una guitarra española clásica que sitúa al oyente en el terreno más reconocible de Alborán, íntimo y melódico, para después romper con un estribillo de reguetón lento y elegante donde Antony Z despliega su naturalidad y estilo urbano con total fluidez. La fusión es orgánica, sin forzar territorios, y demuestra que ambos artistas han sabido encontrar un punto común.

La letra es una declaración de amor real y sin artificios. Frases como “Dime la verdad que yo lo dejo todo” o “Dime la verdad que yo lo vendo todo” resumen la intensidad de un sentimiento que no necesita lujos ni filtros para brillar. El estribillo, con ese recurrente “Besos Dorados, rayos de luz”, funciona como una metáfora de los pequeños momentos que iluminan la vida. La canción habla de intimidad, de conexión genuina y de ese amor que cura heridas pasadas: “Todo el daño que te han hecho deja de tener efecto / porque lo que tú me has dado ha enterrado el resto”. Es una oda a lo sencillo, a lo cotidiano, a lo que verdaderamente importa.

El videoclip, concebido casi como un cortometraje, acompaña esta narrativa con una estética muy cuidada y coherente con el universo visual de Antony Z. La pieza combina esencia de barrio con una elegancia sobria, reforzando el contraste entre lo urbano y lo romántico que define la canción. La dirección apuesta por imágenes cálidas, cercanas y simbólicas que subrayan ese concepto de amor auténtico y sin exhibicionismos, en sintonía con versos como “No se sube nada por el Instagram”.

El lanzamiento de “Besos Dorados” no solo marca un hito artístico, sino que también abre la puerta a posibles reencuentros en directo. Pablo Alborán iniciará su gira por España a partir de mayo de 2026, con fechas destacadas como el 8 de mayo en el Palau Sant Jordi de Barcelona, el 21 y 22 de mayo en el Movistar Arena de Madrid y el 12 de junio en el Icónica Santalucía Sevilla Fest. Además, el 6 de junio actuará en Málaga y el 26 de junio en Granada, ciudad natal de Antony Z, donde no se descarta que el artista urbano pueda aparecer como invitado especial, especialmente en estas citas andaluzas.

Con “Besos Dorados”, Pablo Alborán y Antony Z demuestran que la música no entiende de etiquetas rígidas. La unión entre pop melódico y urbano alternativo ha dado lugar a una canción luminosa, honesta y profundamente arraigada en el sur, que ya se perfila como una de las colaboraciones más comentadas y celebradas de este 2026.

El dúo venezolano Mau y Ricky ha encendido la escena musical con “Te Quiero”, su reciente colaboración junto al artista urbano/pop Kapo, un sencillo que no solo ha demostrado ser una canción pegadiza, sino que marca el inicio de una etapa totalmente nueva y más libre para los hermanos Montaner.

Después de cerrar el ciclo de su proyecto Hotel Caracas, Mau y Ricky decidieron regresar a sus raíces con un enfoque creativo renovado. Esta nueva fase, caracterizada por una mayor libertad artística, se ve reflejada en el lanzamiento de “Te Quiero”, estrenado en diciembre de 2025 bajo su propio sello Why Club Records, en alianza con Sony Music. Con este movimiento, los artistas buscan un sonido más orgánico y menos prefabricado, recuperando esa esencia musical que siempre los ha definido.

El tema “Te Quiero” destaca por su estilo de pop latino cálido y ligero, una mezcla de frescura y melodía que se aleja del reguetón más pesado para centrarse en una expresión emocional honesta del amor. La letra celebra un sentimiento sincero y sencillo, con frases que han conectado rápidamente con el público gracias a su honestidad y ligereza, como parte de una narrativa íntima y emocional.

La participación de Kapo ha aportado un toque fresco y vibrante al single, complementando a la perfección el estilo de Mau y Ricky y contribuyendo a que la canción se sienta ligera, moderna y emocionalmente resonante. La colaboración ha servido como carta de presentación del sonido que los hermanos quieren explorar en su próximo álbum, todavía sin título oficial, aprovechando esta etapa para rodearse de amigos y colaboradores cercanos.

Impulsado por su acogida en redes, “Te Quiero” vivió un fenómeno viral en TikTok, lo que llevó a Mau y Ricky a publicar oficialmente una versión acústica el 15 de enero de 2026. Esta versión más íntima ha reforzado la conexión con sus fans y ha demostrado la versatilidad emocional de la canción, mostrando otro rostro de una propuesta musical que busca tocar el corazón de quienes la escuchan.

El impacto de “Te Quiero” también se ha visto reflejado en el reconocimiento de la industria musical: el dúo ha recibido nominaciones en los Premio Lo Nuestro 2026 en categorías como Grupo o Dúo del Año (Pop/Rock) y Colaboración del Año (Pop/Urbano). Además, Mau y Ricky formarán parte del espectáculo de los premios, donde interpretarán el tema por primera vez en televisión.

Como parte de esta nueva etapa, los hermanos también han anunciado una serie de conciertos íntimos en España durante marzo de 2026, donde presentarán su nuevo material antes del lanzamiento oficial del álbum. Las fechas confirmadas incluyen Barcelona (5 de marzo), Valencia (7 de marzo) y Madrid (8 de marzo), ofreciendo a sus fans una experiencia más cercana y personal con su música.

Con “Te Quiero”, Mau y Ricky no solo han lanzado un hit que está resonando con fuerza tanto en plataformas digitales como en redes sociales, sino que también han abierto un capítulo vibrante y auténtico en su carrera, reafirmando su talento y su conexión con el público alrededor del mundo.

La superestrella colombiana y ganador de cuatro Latin Grammy, Silvestre Dangond, confirma su esperado regreso a España con su nueva gira “El Baile de Todos”, un recorrido que tendrá lugar en julio de 2026 y que promete convertirse en uno de los grandes acontecimientos musicales del próximo verano. El artista, considerado una de las figuras más influyentes de la música latina actual, continúa consolidando su proyección internacional tras años de éxitos, reconocimientos y giras multitudinarias.

Dangond se ha posicionado como una de las mayores estrellas globales gracias a su capacidad para fusionar la música folclórica colombiana con sonidos y tendencias contemporáneas, siendo además una de las figuras clave en la expansión mundial del vallenato. Su propuesta artística, que combina tradición, innovación y una poderosa presencia escénica, le ha permitido conectar con audiencias de distintas generaciones y territorios.

El regreso a España incluirá una cita muy especial el próximo 18 de julio en el Movistar Arena de Madrid, un concierto de gran formato que marcará su vuelta a la capital tras haber logrado un rotundo sold out en su última visita en 2025. Aquel lleno absoluto consolidó a Madrid como una plaza estratégica dentro de su trayectoria internacional y reafirmó la fuerte conexión que mantiene con el público español.

La gira, organizada por L.A. Rock Entertainment, recorrerá varias de las principales ciudades del país durante el mes de julio, ampliando así su presencia en uno de los mercados europeos donde su música ha experimentado un crecimiento notable en los últimos años. Tras el éxito de sus anteriores visitas, Dangond regresa con un espectáculo renovado que acompañará su más reciente trabajo discográfico, “El Último Baile”, uno de los proyectos más exitosos de su carrera.

El artista llega a esta nueva etapa tras obtener recientemente un Latin GRAMMY 2025 y sumar cuatro nominaciones a Premio Lo Nuestro 2026, reafirmando su vigencia y liderazgo dentro de la industria musical latina. A lo largo de su trayectoria ha alcanzado múltiples certificaciones de cuádruple platino, ha ganado tres Latin Grammy al Mejor Álbum de Cumbia/Vallenato, un Premio Lo Nuestro y un ASCAP, consolidando un palmarés que respalda su impacto artístico y comercial.

Entre sus mayores éxitos destaca “Cásate Conmigo” junto a Nicky Jam, tema que alcanzó el número uno en las principales emisoras de radio de Estados Unidos. Asimismo, sus colaboraciones con artistas como Sebastián Yatra, Emilia, Maluma y Carlos Vives se mantuvieron en lo más alto de las listas internacionales, demostrando su versatilidad y su capacidad para adaptarse a distintos estilos sin perder su esencia.

Tras el histórico éxito de su gira de estadios en Colombia —la más importante en la historia del país— y su actual recorrido por Estados Unidos, España se prepara para recibir uno de los tours más esperados del verano de 2026. “El Baile de Todos” llegará con las siguientes fechas confirmadas: 18 de julio en Madrid (Movistar Arena), 23 de julio en Málaga (Plaza de Toros La Malagueta), 24 de julio en Barcelona (BARTS Festival – Poble Espanyol), 25 de julio en Valencia (Conciertos de Viveros) y 26 de julio en Palma de Mallorca (Son Fusteret).

Las entradas para el concierto de Madrid estarán disponibles a partir del 10 de febrero a las 12:00 horas a través de Entradas.com, en lo que se anticipa como una de las ventas más destacadas de la temporada estival. Con una carrera que no deja de crecer y un espectáculo que promete ritmo, emoción y celebración colectiva, Silvestre Dangond se reafirma como uno de los grandes nombres de la música latina a nivel mundial.

DDKael irrumpe en la escena con “Tú me regalaste el mar”, una urban bachata de alcance universal que reafirma la sólida identidad artística del proyecto liderado por Filippo Fabbi. Concebida para superar fronteras lingüísticas y culturales, la canción se presenta como una propuesta contemporánea que combina tradición melódica e innovación sonora, consolidando el posicionamiento internacional de la banda.

DDKael es una formación fundada y dirigida por Filippo Fabbi, cantante, guitarrista, compositor y autor único de toda la música y las letras del proyecto. Junto a Fabio Rosina, Fabbi ha construido una propuesta autoral completa, con una visión clara y coherente pensada para un desarrollo artístico y discográfico a medio y largo plazo. La esencia del proyecto radica en la integración profunda entre palabra, composición y una voz altamente reconocible, elementos que definen una identidad sonora propia dentro del panorama actual.

En “Tú me regalaste el mar”, esa identidad se despliega a través de una sonoridad basada en ritmos de raíz latina, utilizados como un lenguaje accesible e inmediato, pero reinterpretados desde un enfoque compositivo personal. La canción se articula en torno a una melodía fuerte y fácilmente reconocible, núcleo central de su impacto emocional y de su capacidad para permanecer en la memoria del oyente.

El tema destaca por una escritura refinada pero accesible, con estribillos innovadores que introducen aperturas en tonalidades menores, generando un contraste emocional eficaz y poco convencional. Esta elección armónica aporta profundidad, sorpresa y una marcada personalidad, alejándose de los esquemas más previsibles del género y reforzando su singularidad dentro del pop latino contemporáneo. La guitarra, lejos de limitarse al acompañamiento, actúa como elemento estructural dentro de la composición, sosteniendo el desarrollo melódico y aportando cohesión narrativa.

Las letras, escritas íntegramente por Filippo Fabbi, representan uno de los pilares fundamentales del proyecto. En esta canción, la poética narrativa se construye a partir de imágenes intensas y emocionales que conectan de manera directa con el público. Versos como “Una lágrima que cae sobre el corazón / quema el alma otra vez” o “No puedo imaginar el mundo sin ti / un desierto sin final / un sol que no da luz” reflejan una sensibilidad que explora el amor desde la vulnerabilidad y la conciencia.

En el plano temático, “Tú me regalaste el mar” narra un camino de liberación personal y de amor plenamente asumido. La canción habla del cuidado hacia la persona amada, de la presencia constante, de la protección emocional y de la confianza en la vida. El amor no aparece idealizado, sino entendido como una fuerza real que acompaña, sostiene y permite crecer. La letra también evoca la necesidad de liberarse del peso de los secretos del pasado, dejando atrás aquello que limita e impide vivir con plenitud. En esa apertura se encuentra el núcleo más profundo del tema: la posibilidad de renacer y comenzar de nuevo con un amor auténtico, libre de culpas y ataduras.

Con este lanzamiento, DDKael consolida una propuesta que equilibra intimidad emocional y proyección internacional, coherencia artística y ambición sonora. “Tú me regalaste el mar” se posiciona como una canción sólida, transversal y perfectamente adaptable al mercado global, reafirmando el potencial de un proyecto que apuesta por la profundidad lírica, la originalidad armónica y una visión creativa clara y sostenida en el tiempo.

El artista independiente Welter Rasmussen presenta este 10 de febrero de 2026 su nuevo sencillo titulado “Aldeia”, una canción profundamente reflexiva que combina narrativa emocional con una producción moderna influenciada por la tradición del bolero. Desde Hudson, Massachusetts, Rasmussen continúa consolidando una propuesta artística basada en la autenticidad, la sensibilidad y la conexión con las raíces.

Interpretada en portugués, “Aldeia” explora temas universales como la memoria, la distancia y la fuerza silenciosa que ejercen nuestros orígenes a lo largo de la vida. La canción retrata la experiencia de dejar atrás algo significativo en la búsqueda de un propósito mayor, capturando esa dualidad entre avanzar y, al mismo tiempo, mantener intacto el vínculo con el pasado. A través de una interpretación vocal expresiva y una línea melódica atemporal, el tema logra transmitir nostalgia sin perder actualidad.

“‘Aldeia’ trata sobre de dónde venimos”, afirma Rasmussen. “Habla de los lugares, las personas y las emociones que permanecen con nosotros sin importar cuán lejos nos lleve la vida”. Esta declaración resume la esencia del sencillo, que convierte la experiencia personal en un relato con el que cualquier oyente puede identificarse.

En el plano sonoro, la canción se mueve entre el bolero, la música latina y el pop, logrando un equilibrio entre tradición y contemporaneidad. La producción, a cargo del propio Welter Rasmussen, destaca por su capacidad para preservar la emoción clásica del bolero mientras incorpora matices actuales que aportan frescura y profundidad. El resultado es un tema íntimo, nostálgico y al mismo tiempo vigente, que refleja la evolución artística del músico.

Como artista independiente, Rasmussen asume no solo la interpretación y la composición, sino también la producción del proyecto, reforzando su compromiso con una visión creativa coherente y honesta. “Aldeia” representa un nuevo paso en su desarrollo artístico, consolidando un estilo que apuesta por la emoción genuina y la calidad musical por encima de tendencias pasajeras.

El sencillo “Aldeia”, perteneciente al género Bolero / Latin / Pop y publicado bajo sello independiente, ya se encuentra disponible desde el 10 de febrero de 2026 en Spotify, Apple Music, Amazon Music, YouTube Music y en todas las principales plataformas de streaming, invitando al público a reconectar con sus raíces a través de una propuesta musical cargada de sensibilidad y profundidad.

DJ Mikkka vuelve a demostrar su capacidad para convertir cualquier época del año en una auténtica celebración con el lanzamiento de “Bam Bam”, un potente tema house que llega en pleno invierno para romper con el frío y llenar de energía las pistas de baile. Mientras afuera predominan los días grises y las bajas temperaturas, el productor alemán propone una descarga de ritmo caliente que invita a moverse desde el primer compás.

“Bam Bam” es, sin rodeos, un auténtico party banger. O como el propio concepto sugiere con guiño divertido, un verdadero “party bammer”. La canción está diseñada para funcionar en clubes, fiestas privadas y playlists dedicadas a levantar el ánimo, con una base house vibrante, dinámica y directa al cuerpo. Su estructura rítmica contundente y su carácter festivo convierten el tema en una apuesta clara por la evasión y la celebración en la temporada invernal.

La composición y la letra llevan la firma del propio DJ Mikkka, quien también asumió la producción y la mezcla del track en 2026. Esta implicación total en el proceso creativo refuerza la identidad sonora del proyecto y garantiza coherencia entre idea, ejecución y resultado final. El sonido destaca por su energía inmediata, bajos sólidos y una producción pulida que combina frescura contemporánea con una sutil esencia retro.

DJ Mikkka es un compositor, autor y productor alemán con una trayectoria que se remonta a la década de 1980, cuando comenzó como teclista en directo. Aquella experiencia sobre los escenarios marcó su sensibilidad musical y su comprensión del pulso del público, elementos que siguen presentes en sus producciones actuales. Con el paso del tiempo, su estilo evolucionó hacia el House y el EDM, territorios en los que ha consolidado una identidad sonora fresca, positiva y altamente reconocible.

Uno de los rasgos distintivos de su música es el gusto por las hooklines potentes, siempre con un ligero toque vintage que aporta personalidad y carácter a sus lanzamientos. Además, DJ Mikkka mantiene una dinámica constante de trabajo, publicando varios temas cada año y colaborando con frecuencia con otros músicos, lo que le permite ampliar su universo creativo y mantenerse activo dentro de la escena electrónica.

Con “Bam Bam”, el productor reafirma su capacidad para crear canciones pensadas para el disfrute colectivo, demostrando que no importa la estación del año: siempre hay espacio para una pista que invite a bailar. Este nuevo lanzamiento consolida su perfil como creador versátil y constante, y confirma que el invierno también puede sonar cálido, vibrante y absolutamente festivo.

Luis Salido da un nuevo paso firme en su trayectoria con el lanzamiento de “Las Vegas”, su sexto sencillo discográfico, una canción creada durante su estancia en la ciudad más grande del estado de Nevada, en Estados Unidos, coincidiendo con la celebración de los Latin Grammy 2025. Aquella experiencia internacional no solo marcó un hito en su carrera, sino que dejó una huella directa en la narrativa, el sonido y la actitud que definen este nuevo trabajo.

“Las Vegas” nace impregnada de la energía vibrante de una ciudad que respira espectáculo, ambición y luces infinitas. Esa atmósfera se traduce en una propuesta sonora que equilibra frescura y carácter, reflejando el impacto personal y profesional que vivió el cantautor durante esos días. La canción captura esa sensación de movimiento constante, de riesgo y de magnetismo que caracteriza a la icónica ciudad estadounidense, convirtiendo la vivencia en materia artística.

Desde su lanzamiento el pasado viernes, el sencillo ha comenzado a generar una notable repercusión internacional. Medios de comunicación tanto en Estados Unidos como en Latinoamérica han mostrado interés por la propuesta, mientras que el público ha reaccionado de forma especialmente positiva en plataformas digitales. En TikTok, “Las Vegas” ya acumula múltiples reacciones orgánicas, confirmando la conexión inmediata del tema con nuevas audiencias y consolidando el alcance global del artista.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip oficial grabado íntegramente en distintas localizaciones emblemáticas de Las Vegas. La pieza audiovisual refuerza el imaginario visual de la canción y potencia su concepto a través de una narrativa directa y cinematográfica, en sintonía con la estética y la intensidad del single. El videoclip fue producido por Alterna Records, aportando una cuidada factura visual que complementa la identidad sonora del proyecto.

En el apartado creativo, “Las Vegas” cuenta con una producción internacional desarrollada entre Estados Unidos, España y Colombia, subrayando el carácter global del lanzamiento. La composición estuvo a cargo de Luis Salido junto a Pando Secret Society, quienes además participaron como productores, y Mateo Ruiz. Esta alianza consolida un equipo creativo que define con claridad la identidad artística del proyecto, aportando coherencia, frescura y una visión compartida.

El propio Luis Salido ha destacado que se trata de la canción que más disfruta interpretar hasta la fecha y la que considera su favorita hasta el momento. El artista subraya especialmente el arreglo musical, que logra un equilibrio preciso entre sencillez y estructura sonora, permitiendo que la emoción y la energía fluyan con naturalidad sin perder solidez técnica.

La producción ejecutiva estuvo liderada por los puertorriqueños María Luna y Josué Ricardo Rivas, quienes aportaron su experiencia y visión estratégica para dar forma final al lanzamiento y potenciar su proyección internacional.

Con “Las Vegas”, Luis Salido continúa ampliando su catálogo musical, fortaleciendo su presencia fuera de sus fronteras y consolidándose dentro de la escena musical actual. Este nuevo sencillo no solo representa una evolución artística, sino también la confirmación de un proyecto que apuesta por la internacionalización, la autenticidad y la conexión directa con el público.

Bely Basarte se ha consolidado en los últimos años como una de las voces más reconocibles y queridas del pop melódico español. Su carrera es un claro ejemplo de cómo el talento surgido en la era digital puede evolucionar hacia una propuesta artística sólida, coherente y profundamente personal. Desde sus inicios en YouTube hasta su presente creativo, la artista ha construido un camino marcado por la honestidad, la sensibilidad y una conexión muy directa con su público.

Su trayectoria comenzó compartiendo versiones y canciones propias en plataformas digitales, donde su voz dulce y su forma íntima de escribir le permitieron crear una comunidad fiel que la acompañó desde el primer momento. Ese vínculo fue clave para dar el salto a proyectos de mayor envergadura, como cuando en 2017 Disney la eligió para poner voz a Bella en la versión en castellano de La Bella y la Bestia, un hito que amplió su reconocimiento más allá del ámbito musical independiente.

A lo largo de los años, Bely Basarte ha demostrado una evolución constante con discos como Desde mi otro cuarto, El camino que no me llevó a Roma y, más recientemente, Amor Letal, publicado en noviembre de 2025. En paralelo, también ha explorado otros registros formando parte del proyecto 30s40s50s junto a David Otero y Tato Latorre, donde se acerca a un sonido más rockero y experimental, mostrando una faceta distinta de su identidad artística.

Dentro de su último álbum, Amor Letal, destaca especialmente el tema “No pido tanto”, una canción que resume a la perfección el momento vital y creativo que atraviesa la artista. El single aborda de forma directa el amor propio, la dignidad emocional y la necesidad de poner límites en las relaciones. Lejos de idealizar el sacrificio extremo, la canción lanza un mensaje claro: perderse a uno mismo por otra persona no es una prueba de amor. Frases como “Si me pierdes, perderás a quien te quiso de verdad” funcionan como un mantra de autoafirmación y cierre de ciclo.

En lo sonoro, “No pido tanto” se mantiene fiel al pop que caracteriza a Bely Basarte, pero con una producción fresca y contenida que da todo el protagonismo a su voz y a una letra que se siente casi como una página de diario. La canción cierra el disco Amor Letal, un proyecto que la propia artista ha definido como un regreso a su esencia tras un proceso de búsqueda personal y profesional, en el que ha aprendido a escucharse y a priorizarse.

En declaraciones recientes, realizadas en febrero de 2026, Bely ha compartido que este último trabajo ha sido una especie de terapia personal. Las canciones nacen desde la sanación, el aprendizaje y la reconstrucción tras etapas de desamor, lo que explica la carga emocional y la honestidad que atraviesan tanto el álbum como “No pido tanto”.

Con este lanzamiento, Bely Basarte reafirma su lugar como una artista capaz de transformar experiencias personales en canciones que acompañan, reconfortan y ayudan a poner palabras a emociones compartidas por toda una generación.

“No pido tanto” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Bely Basarte, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Hablar hoy de Jorge González es referirse a uno de los artistas más polifacéticos, carismáticos y trabajados del pop español contemporáneo. Tras una larga trayectoria en la que ha sabido reinventarse con inteligencia, el cantante ha conseguido dejar atrás definitivamente la etiqueta de “concursante de reality” para consolidarse como un intérprete con una identidad sonora y visual muy marcada, reconocible y coherente con su evolución personal y artística.

Jorge saltó a la fama siendo muy joven en Operación Triunfo 2006, pero ha sido con el paso de los años cuando su carrera ha alcanzado una madurez sólida. Su versatilidad lo ha llevado a destacar en formatos como La Voz y, especialmente, a proclamarse ganador de Tu Cara Me Suena 8, donde dejó claro su talento camaleónico, su dominio del escenario y su capacidad para unir voz, interpretación y baile con naturalidad. A esto se suma su constante presencia en el imaginario eurofan, convirtiéndose en uno de los favoritos recurrentes para representar a España en Eurovisión. En 2024, su participación en el Benidorm Fest con “Caliente” lo situó como uno de los grandes protagonistas del certamen, logrando una posición muy destacada y un fuerte impacto mediático.

Tras ese impulso, Jorge González lanza “Lento”, un single que no solo mantiene el nivel de expectación, sino que reafirma su lugar dentro del pop urbano con tintes mediterráneos. A pesar de lo que su título pueda sugerir, la canción no es una balada pausada, sino un mid-tempo sensual y envolvente, pensado para el baile cercano, el contacto y la seducción. El ritmo cadencioso se convierte en el vehículo perfecto para una propuesta que invita a disfrutar del momento sin prisas, en contraste con la velocidad constante del día a día.

La temática de “Lento” gira en torno a la tensión sexual, el deseo y la conexión física, apostando por una narrativa directa pero elegante, donde el cuerpo y el tiempo compartido son los protagonistas. Este enfoque encaja a la perfección con la imagen que Jorge ha ido construyendo en los últimos años: la de un “latin lover” contemporáneo que combina magnetismo, herencia cultural y una disciplina artística poco habitual en el género urbano actual.

Como ya es habitual en su carrera, el apartado visual juega un papel clave. El videoclip y las presentaciones en directo de “Lento” refuerzan el mensaje de la canción a través de una estética cuidada, una coreografía potente y una puesta en escena donde la piel, el movimiento y la presencia escénica se convierten en parte esencial del relato. Jorge no deja nada al azar y demuestra, una vez más, que su proyecto se construye desde una visión integral del espectáculo.

La recepción de “Lento” ha servido también para confirmar que Jorge González va más allá del circuito de festivales y galas televisivas. El tema funciona con solvencia en plataformas de streaming y en pistas de baile, evidenciando su capacidad para generar canciones comerciales sin renunciar a su personalidad artística. Para muchos, este single representa la evolución natural de su sonido tras el Benidorm Fest, alejándose del dramatismo eurovisivo para acercarse a un registro más radiofónico, accesible y duradero.

Con “Lento”, Jorge González reafirma su momento actual como uno de los artistas más completos del pop español, combinando físico, talento vocal, baile y una clara visión de marca, en una etapa donde todo parece alinearse a su favor.

“Lento” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jorge González, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El dúo Deyavú, formado por Ismael Fábregas y Jesús Guijo, continúa afianzando su recorrido musical con el anuncio de su nuevo single “Hilos”, que verá la luz el próximo 6 de febrero y estará disponible en todas las plataformas digitales y en el canal oficial de YouTube del grupo. Tras el buen recibimiento de sus anteriores lanzamientos, la formación vuelve a conectar con su público desde un registro más íntimo y emocional.

Con “Hilos”, Deyavú mantiene su identidad sonora, caracterizada por una cuidada fusión de flamenco con matices nostálgicos que evocan los años 2000, aunque en esta ocasión apuestan por el formato de balada. El tema supone un nuevo paso en la evolución artística del dúo, mostrando una faceta más reposada y sensible sin perder la esencia que los ha ido definiendo dentro del panorama musical actual.

La canción está firmada por Ismael Fábregas en la autoría y composición, mientras que la producción corre a cargo de Jesús Guijo, quien también se ha encargado de la edición del videoclip. La pieza audiovisual fue grabada en el Teatro Municipal Ciudad de Las Cabezas, en Las Cabezas de San Juan, Sevilla, un espacio que aporta una atmósfera elegante y emotiva acorde con el tono del tema.

Este nuevo lanzamiento llega después del notable impacto de su anterior single “Loca”, con el que Deyavú logró entrar en el TOP 50 de Canal Fiesta Radio, donde permanece desde hace cinco semanas. Actualmente, el tema ocupa el puesto 28 de la lista, situándose por delante de artistas consolidados como Manuel Carrasco o Laura Pausini, un respaldo significativo por parte de una de las radios musicales más influyentes de Andalucía.

Vecinos de Lebrija y Las Cabezas de San Juan, el dúo ha ido construyendo una trayectoria sólida en los últimos años con canciones como “Dile”, “La Palmera”, dedicada al Real Betis Balompié, “Fuego” y “El Mapa”. Cabe destacar que “Fuego”, grabado en Antracita Studio, consiguió entrar directamente en la playlist Novedades Flamenco de Spotify, un logro que también alcanzó “El Mapa”, confirmando así la buena acogida de su propuesta en el ámbito digital y reforzando su proyección dentro del género.

Con “Hilos”, Deyavú vuelve a demostrar su capacidad para reinventarse sin perder autenticidad, apostando por una narrativa emocional que conecta desde la honestidad y la cercanía, y consolidando su lugar como uno de los proyectos emergentes más interesantes del flamenco-pop actual.

“Hilos” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

El artista global de pop contemporáneo Ari Fraser lanza su nuevo single “Please Let Me In”, una canción profundamente emocional que funciona como carta de presentación de Please, su esperado próximo álbum. Lejos de la grandilocuencia habitual del pop moderno, el tema se sumerge en un espacio vulnerable y honesto, donde una sola palabra basta para sostenerlo todo: please.

“Please Let Me In” captura ese instante en el que el lenguaje se quiebra y la súplica se convierte en rendición, oración o simple necesidad de ser escuchado. A través de una producción de pop cinematográfico, voces cargadas de alma y sutiles capas electrónicas, Ari Fraser construye una atmósfera contenida pero intensa, donde cada silencio pesa tanto como cada nota. Es una canción que no irrumpe, sino que pide entrar, reflejando con precisión el espíritu del proyecto que la envuelve.

El single forma parte de Please, un álbum que traza un recorrido emocional desde la desesperación hasta la resiliencia, inspirado en la experiencia vital del propio Fraser. Criado en un hogar ortodoxo en Jerusalén, marcado por la fe, el servicio y la introspección, el artista ha sabido trasladar ese trasfondo espiritual a una propuesta de pop contemporáneo basada en la contención, la honestidad emocional y la profundidad, en lugar del espectáculo vacío. En este contexto, “Please Let Me In” se presenta como un punto clave del relato, una puerta abierta al diálogo interno y a la confianza silenciosa.

Según el propio Ari Fraser, este nuevo trabajo vive en el espacio que existe entre pedir y confiar, recordando que la fe no siempre se manifiesta de forma estruendosa, sino que a veces acompaña de manera discreta hasta el otro lado. Esa idea se percibe claramente en el single, donde la vulnerabilidad no se muestra como debilidad, sino como una forma de fuerza serena y consciente.

En los últimos tres años, Ari Fraser ha logrado construir una audiencia global sólida y comprometida, superando los 13 millones de reproducciones y acumulando millones de visualizaciones sin renunciar a la intimidad artística que define su obra. Su sonido, situado entre la interpretación vocal cruda y la atmósfera cinematográfica, resulta a la vez atemporal y urgentemente actual, consolidándolo como una de las voces más sensibles del panorama pop actual.

Radicado en Hollywood, Florida, Fraser continúa dando forma a un estilo que define el futurismo nostálgico de la nueva era musical, mezclando pop, soul y R&B con una producción deliberadamente texturizada y orgánica. Tras el impacto de su álbum Shadows of Tomorrow en 2024, “Please Let Me In” confirma una evolución artística clara y coherente, invitando al oyente a un espacio de reflexión, conexión y humanidad compartida.

“Please Let Me In” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ari Fraser, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista internacional de pop Allana Bee presenta su nuevo single “One Game One Heart”, una canción vibrante y enérgica que celebra la emoción universal del deporte y el poder del fútbol como lenguaje común capaz de unir culturas, países y generaciones. Radicada en Orlando, Florida, la cantante continúa consolidando su proyección global con un lanzamiento que refuerza su identidad artística y su conexión con audiencias de todo el mundo.

Con un sonido moderno, positivo y altamente bailable, “One Game One Heart” combina influencias globales y ritmos contemporáneos para crear una experiencia musical pensada tanto para el disfrute artístico como para espacios colectivos. El tema ha sido concebido con una vocación atemporal, funcionando como banda sonora ideal para campañas deportivas, contenidos audiovisuales, transmisiones, activaciones de marca y experiencias ligadas al universo del deporte, donde la emoción compartida es protagonista.

Este nuevo single se suma a una trayectoria internacional en constante crecimiento. Allana Bee inició su recorrido global con “Don’t Let Me Go”, un lanzamiento que marcó el comienzo de su posicionamiento en la escena pop internacional. Posteriormente, “Love On The Rise” consolidó su presencia fuera de Estados Unidos, logrando un impacto notable tanto en plataformas digitales como en medios de comunicación. El videoclip oficial de este tema se acerca a los dos millones de visualizaciones en apenas dos meses, reflejando un fuerte engagement y un crecimiento orgánico sostenido.

El alcance de “Love On The Rise” también se vio respaldado por la atención de la prensa internacional, con artículos publicados en países como Argentina, México y Estados Unidos, donde Allana Bee fue destacada como una de las nuevas promesas del pop y dance global. Actualmente, la artista supera los 20.000 oyentes mensuales en Spotify, una cifra que continúa en aumento y que evidencia la expansión real y constante de su base de seguidores, especialmente en territorios como Argentina, Filipinas y Brasil, sin dejar de abrir camino en nuevos mercados.

“One Game One Heart” refuerza los pilares que definen el proyecto de Allana Bee: una propuesta pop/dance de estilo global, cargada de energía, emoción y optimismo, que mezcla ritmos y culturas con el objetivo de levantar el ánimo, generar movimiento y construir una conexión auténtica con el público. A través de la música y el baile, la artista apuesta por crear espacios de unión colectiva, donde la emoción compartida se convierte en el verdadero motor de la experiencia.

Con este lanzamiento, Allana Bee reafirma su posicionamiento como artista pop internacional, enfocada en la expansión global y en el desarrollo de proyectos con impacto mediático y capacidad de conectar con grandes audiencias. “One Game One Heart” no solo celebra el deporte, sino también la idea de que, al final, todos jugamos el mismo juego y latimos con un solo corazón.

“One Game One Heart” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Allana Bee, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista de Latin Pop y Reggaetón Kris Cari presenta su nuevo single “Puertorro”, una explosiva canción cargada de energía, actitud y orgullo puertorriqueño que en pocos días se ha convertido en un fenómeno viral en plataformas como TikTok e Instagram. Con un sonido directo, contagioso y pensado para corearse en grupo, el tema se perfila como un auténtico grito de identidad para la comunidad boricua alrededor del mundo.

Construida sobre ritmos contundentes, estructuras de llamada y respuesta y un pulso festivo imparable, “Puertorro” captura la esencia de Puerto Rico trasladada a la vida urbana de Nueva York. La canción retrata su cultura, su gente y su carácter inconfundible, haciendo referencia a la comida, la familia, el orgullo de barrio y la mezcla profunda de herencias taínas, africanas y españolas que definen la identidad puertorriqueña. Todo ello se presenta con una seguridad y una alegría que convierten el tema en una celebración colectiva.

Uno de los elementos clave del éxito de la canción es su ya famoso cántico “Pa que tú lo sepa, yo soy de Puertorro”, que ha desatado miles de videos creados por fans mostrando banderas, vecindarios y muestras de orgullo desde la isla hasta el Bronx y muchos otros rincones del mundo. Lejos de pedir permiso, “Puertorro” impone su energía y transforma cualquier espacio en una fiesta, reafirmando el sentido de pertenencia y comunidad.

Para Kris Cari, el mensaje detrás del tema es claro y profundamente personal. Según explica el propio artista, la canción habla de quiénes son y de dónde vienen, recordando que Puerto Rico vive en cada uno de ellos sin importar el lugar en el que se encuentren. Esta declaración conecta con una diáspora que se reconoce en la música como un punto de encuentro emocional y cultural.

Con una vibra perfecta para festivales, un mensaje cultural fuerte y un crecimiento orgánico impulsado por las redes sociales, “Puertorro” se consolida tanto como un potencial hit del verano como una declaración de identidad. Es música pensada para gritarse, bailarse y compartirse, reafirmando el orgullo boricua con cada reproducción.

“Puertorro” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Kris Cari, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Rock in Rio Lisboa continúa desvelando los grandes nombres de su 11.ª edición y confirma una nueva tanda de artistas nacionales e internacionales que refuerzan la diversidad, el alcance global y el carácter intergeneracional del festival. Shaggy, Charlie Puth, Alok, Audrey Nuna, Nena y Maninho se incorporan al line-up de 2026, prometiendo actuaciones memorables en la Ciudad del Rock los días 20, 21, 27 y 28 de junio.

Una de las confirmaciones más celebradas es la de Shaggy, icono mundial del reggae y ganador de múltiples premios Grammy, que actuará en el World Stage el próximo 27 de junio durante el esperado Legends Day. El artista jamaicano-estadounidense, conocido universalmente como Mr. Lova Lova, compartirá jornada con leyendas como Rod Stewart, Cyndi Lauper y 4 Non Blondes, en un día concebido para homenajear a artistas que han marcado décadas enteras, siguen plenamente vigentes en la cultura popular y conectan generaciones a través de su música.

Con más de 40 millones de discos vendidos en todo el mundo, Shaggy es una de las figuras más influyentes de la historia del reggae y el dancehall. Criado entre Jamaica y Nueva York, su carrera comenzó como MC en la escena dancehall neoyorquina antes de alcanzar el éxito global con “Oh Carolina” y una larga lista de hits que definieron a varias generaciones. Es el único artista de dancehall que ha alcanzado el estatus de disco de diamante, ha colocado ocho sencillos en el Billboard Hot 100 y siete álbumes en el Billboard 200, además de situarse entre los tres artistas de reggae más escuchados de todos los tiempos en Spotify, junto a Bob Marley y Sean Paul. Su regreso a Rock in Rio Lisboa promete un espectáculo cargado de carisma, energía y clásicos atemporales.

El festival también ha confirmado cinco nuevos artistas para el primer día de esta edición, el 20 de junio, una jornada que se perfila como la más pop del evento. Charlie Puth, uno de los hitmakers más importantes de la música actual, regresará al World Stage diez años después de su debut en Portugal y en Rock in Rio Lisboa. El cantante, compositor y productor estadounidense alcanzó la fama mundial en 2015 con “See You Again”, junto a Wiz Khalifa, y desde entonces ha construido una trayectoria sólida con álbumes como Voicenotes y una colección de singles multiplatino como “Attention”, “We Don’t Talk Anymore”, “One Call Away” y “Light Switch”. Con más de 35 mil millones de reproducciones acumuladas, múltiples premios y nominaciones internacionales, su concierto marcará además el inicio de una nueva gira europea.

Ese mismo día, el Escenario Music Valley recibirá a Alok como cabeza de cartel. Diez años después de su debut en Portugal y en el festival, el DJ y productor brasileño regresa como una de las mayores estrellas de la música electrónica global para presentar su proyecto Keep Art Human. Más que un show, se trata de un manifiesto artístico que reflexiona sobre la relación entre tecnología, arte y presencia humana en la era digital. Con millones de seguidores en redes sociales y oyentes mensuales en plataformas de streaming, Alok promete cerrar la noche con una propuesta potente y conceptual.

También el 20 de junio, el Music Valley acogerá el debut en Portugal de Audrey Nuna, considerada una de las voces del futuro. Conocida por dar vida a Mira en la animación K-Pop Demon Hunters y por su trabajo con la banda HUNTR/X, la artista ha logrado hitos como el número uno global con “Golden”, una de las canciones más escuchadas de 2025 y ganadora del Globo de Oro a Mejor Canción Original. Con una carrera solista en plena expansión, más de 47 millones de oyentes mensuales y un sonido que transita entre el hip hop alternativo, el r&b experimental, el pop futurista y la electrónica, su actuación será una de las más esperadas del festival.

La representación de la música cantada en portugués llegará de la mano de Nena y Maninho, dos de los nombres más prometedores del panorama actual. Nena, reconocida por su voz inconfundible y su conexión genuina con el público, subirá por primera vez al Escenario Music Valley tras una trayectoria marcada por canciones como “Portas do Sol” y “Do Meu ao Teu Correio”, su participación en el Festival da Canção 2024 y el lanzamiento de su álbum Um Brinde ao Agora, mas e agora?. Su concierto celebrará el crecimiento artístico de una creadora en pleno ascenso.

Maninho, por su parte, también debutará en Rock in Rio Lisboa tras consolidarse como una figura habitual en las radios portuguesas. De origen brasileño, encontró en Portugal el espacio ideal para desarrollar su carrera, primero como guitarrista y colaborador de distintos artistas, y más tarde como cantante con éxitos certificados en platino como “Pode Tentar”, “Vem Prá Cá”, “Até ao Fim” y “Garota”. Con su álbum Sem Limites, lanzado en 2025, Maninho se prepara para ofrecer una actuación cercana y emocional, centrada en el amor, la vulnerabilidad y las vivencias cotidianas.

Con estas nuevas confirmaciones, Rock in Rio Lisboa refuerza su identidad como punto de encuentro entre géneros, culturas y generaciones, reuniendo en un mismo cartel a leyendas de la música, superestrellas globales y nuevas voces del presente y el futuro. El festival regresará a la Ciudad del Rock los días 20, 21, 27 y 28 de junio de 2026, y las entradas para los días 20, 21 y 27 ya se encuentran a la venta en los puntos habituales.

Blas Cantó acaba de inaugurar una de las etapas más especiales y significativas de su carrera. Tras un tiempo algo más alejado del foco mediático después de su paso por Eurovisión, el artista murciano reaparece en un momento de claro renacimiento artístico y madurez emocional, demostrando que su evolución personal y musical va de la mano. Su nuevo single, “Nuestra canción”, lanzado el pasado 6 de febrero de 2026, confirma este cambio de rumbo y marca un punto de inflexión en su trayectoria.

Después de “No me conoces”, Blas continúa explorando un sonido más orgánico, cercano y personal. En “Nuestra canción” se aleja de las grandes baladas dramáticas que marcaron etapas anteriores para apostar por una despedida serena, sin reproches ni rencor. La canción retrata ese instante preciso en el que decides dejar de luchar por una relación que ya no existe, no desde el dolor, sino desde la necesidad de recuperar tu propio espacio, tu calma y tu libertad.

La letra destaca por su honestidad directa y emocional, con frases como “Quédate con nuestra canción… con todas esas rosas que cortaste”, que funcionan como un cierre simbólico y elegante de una historia compartida. En lugar de alimentar el conflicto, Blas opta por la aceptación, por asumir el final como parte del crecimiento personal. Es un ejercicio de madurez emocional poco habitual en el pop más mainstream, que conecta desde la verdad y la sencillez.

A nivel musical, “Nuestra canción” supone también un paso firme hacia una identidad más desnuda y auténtica. Blas deja atrás la producción electrónica densa para abrazar un pop-folk con alma, cálido y orgánico, donde su voz —una de las más reconocibles y sólidas del pop español— se convierte en la absoluta protagonista. Sin artificios ni excesos, la interpretación vocal sostiene la emoción del tema y refuerza su carácter íntimo y cercano.

Para entender este momento vital y creativo, es inevitable repasar la trayectoria de Blas Cantó, una de las más consistentes de su generación. Desde sus inicios como ganador de Veo Veo y finalista de Eurojunior en 2004, pasando por su papel fundamental como pilar vocal de Auryn, la boyband más exitosa de la historia en España, hasta su consolidación en solitario tras ganar Tu cara me suena y arrasar con éxitos como “Él no soy yo”. Su participación en Eurovisión 2021 con “Voy a quedarme”, una emotiva canción dedicada a su abuela, marcó uno de los momentos más personales de su carrera.

Hoy, Blas Cantó vive una etapa diferente. Tras dejar su anterior discográfica, trabaja bajo su propio sello, DIEZYCUATRO, lo que le otorga una libertad creativa total y le permite tomar decisiones artísticas alineadas con quién es ahora. “Nuestra canción” no es solo un nuevo single, sino la confirmación de un artista que ya no necesita demostrar nada, solo contar su verdad con calma, sensibilidad y coherencia.

“Blas Cantó” se reafirma así como una figura clave del pop español contemporáneo, capaz de reinventarse sin perder su esencia y de conectar con el público desde un lugar más humano, real y profundo.

“Nuestra canción” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Blas Cantó, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Lydia Sanchezz, conocida artísticamente como Chezz, presenta el videoclip oficial de “Un Descuido”, una pieza audiovisual que no solo acompaña a su último single, sino que amplifica y refuerza el profundo cambio artístico que la cantante está viviendo. Este estreno visual supone la confirmación de una nueva era creativa, en la que la artista deja atrás una etapa más urbana con la que nunca terminó de sentirse plenamente identificada para reconectar con sus raíces musicales y personales desde un lugar mucho más honesto.

El videoclip de “Un Descuido” se convierte en una declaración de intenciones. A través de una propuesta conceptual potente y cargada de simbolismo, Chezz construye un imaginario visual que dialoga directamente con el discurso del álbum que está por venir. Escenas como montar a caballo portando un datáfono, pagar de forma metafórica el precio impuesto por la industria o una trenza de ocho metros ardiendo funcionan como metáforas claras sobre el valor artístico, la libertad creativa y los sacrificios que conlleva encontrar una voz propia. Lejos de buscar lo literal, el vídeo invita a la interpretación y sitúa a la artista en un espacio de control y conciencia sobre su propio relato.

Este universo visual acompaña a una canción que ya marcaba un punto de inflexión a nivel sonoro. “Un Descuido” se adentra con decisión en el pop-country contemporáneo en español, un terreno todavía poco transitado dentro de la escena nacional, adaptando sus códigos a un lenguaje actual y cercano. La combinación de instrumentación orgánica, producción moderna y un tempo bailable de 102 BPM da lugar a una canción íntima y luminosa, nostálgica pero vital, que respira emoción sin perder frescura.

El tema está compuesto por la propia Lydia Sanchezz junto a Manuel Navarro, compositor vinculado a artistas como Marlena, Belén Aguilera o Miki Núñez, y cuenta con la producción de Wavey, uno de los nombres clave de la nueva ola del pop nacional. En este contexto, la voz de Chezz adquiere un protagonismo absoluto, con una interpretación cruda y poderosa, graves marcados y giros heredados del soul, alejados de cualquier artificio innecesario y centrados en la emoción real.

A nivel lírico, “Un Descuido” plantea una visión abierta del amor y del crecimiento personal. La canción puede leerse tanto como una historia compartida como un proceso íntimo de amor propio, aceptación y avance. Habla de soltar sin dramatismo, de equivocarse sin culpa y de entender los errores como aprendizajes inevitables que acompañan cada transformación vital.

El estreno del videoclip forma parte de una estrategia de largo recorrido que sitúa este lanzamiento como el inicio narrativo del álbum. Con una inversión clara en campaña, una fuerte presencia en redes sociales y un foco especial en la interpretación en directo y la autenticidad, Chezz está construyendo un proyecto sólido que prioriza la identidad, la coherencia artística y la conexión real con el público, especialmente a través de plataformas como TikTok y Reels.

Con “Un Descuido”, Chezz no presenta simplemente un single con videoclip, sino el primer capítulo de un proyecto ambicioso con visión de álbum, identidad definida y una clara voluntad de ampliar los límites del pop en español. Una propuesta que conecta con oyentes que buscan verdad, riesgo creativo y nuevas direcciones dentro del Pop con Ñ, el indie pop español y el pop alternativo contemporáneo.

“Un Descuido” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Chezz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.