La artista independiente mexicana Lizi Lay presenta “No Es Un Goodbye (Adiós)”, su nuevo sencillo y el primer adelanto de lo que será su próximo material discográfico. Se trata de una pieza que explora desde la calma y la textura sonora la complejidad de las despedidas que no son definitivas, de esos adioses que duelen pero se aceptan con gratitud porque transforman el vínculo en algo distinto sin llegar a romperlo del todo. Con este lanzamiento, producido a principios de febrero de 2026, Lizi Lay refuerza su posición como una de las voces más personales dentro del dream pop y el pop alternativo en México, una artista que ha hecho de la coherencia estética y la profundidad emocional su sello distintivo.

Originaria de México, Lizi Lay lleva años construyendo una carrera independiente basada en el control total de su proceso creativo. No solo compone e interpreta sus canciones, sino que también las produce, lo que le permite mantener una visión unitaria de su obra y un sonido reconocible que la diferencia dentro del panorama actual. Su música se caracteriza por atmósferas envolventes, sintetizadores suaves y una voz que transmite una calma casi hipnótica, incluso cuando las letras abordan los territorios más dolorosos del desamor o la pérdida. Esa capacidad para sostener la emoción desde la serenidad, para construir paisajes sonoros que invitan a flotar mientras se reflexiona sobre heridas profundas, es precisamente lo que ha creado a su alrededor una base de seguidores muy fiel, que encuentra en sus canciones un refugio para esos momentos en los que las palabras solas no alcanzan.

“No Es Un Goodbye (Adiós)” responde fielmente a esa identidad y al mismo tiempo la expande. El título juega con esa contradicción tan humana de las despedidas que no terminan de serlo, de los adioses que se pronuncian pero dejan una puerta entreabierta al recuerdo, al aprendizaje, a la posibilidad de que el amor se transforme en otra cosa sin desaparecer por completo. La canción aborda ese momento en el que alguien se marcha sin hacer ruido, sin un cierre explícito, dejando únicamente la evidencia de su ausencia y la necesidad de recomponer lo que queda. Frases como “ni siquiera dices que esto se termina y dejas encendida la luz” o “de suerte me enterado que te has marchado, pesa menos la ciudad” retratan con precisión esa mezcla de alivio y desconcierto que sigue a las despedidas silenciosas.

Musicalmente, el tema es un ejercicio de construcción atmosférica que confirma el talento de Lizi Lay para el detalle y la textura. Comienza de forma íntima, casi susurrada, con esa voz que parece acariciar cada palabra, y desde ahí va creciendo en capas, incorporando sintetizadores que envuelven al oyente y lo transportan a un espacio donde el tiempo parece transcurrir más despacio. Es una canción para flotar, para dejarse llevar, para esos momentos de introspección en los que se necesita compañía sonora pero no estridencia. La repetición del estribillo —ese “No es un goodbye” que se instala como un mantra— refuerza la idea de que lo que se dice no es tanto una negación de la realidad como una aceptación de sus matices, una manera de nombrar lo inefable sin pretender atraparlo del todo.

Dentro del panorama pop independiente mexicano de 2026, Lizi Lay ocupa un lugar muy concreto y valioso. Mientras otras propuestas buscan el hit inmediato, la canción diseñada para discotecas y listas virales, ella apuesta por la conexión emocional profunda, por construir vínculos con quienes escuchan desde la honestidad y la vulnerabilidad compartida. Su estética visual, inspirada en lo onírico y lo retro-futurista, acompaña a la perfección sus composiciones y completa un universo artístico que se percibe cuidado hasta el último detalle. No hay nada dejado al azar en Lizi Lay, y eso se nota en cada lanzamiento.

“No Es Un Goodbye (Adiós)” funciona además como carta de presentación de lo que está por venir. La artista ha anunciado que este sencillo es el primer adelanto de su próximo trabajo discográfico, un proyecto en el que promete explorar territorios más electrónicos sin renunciar a la base acústica que ha sostenido su música hasta ahora. Una evolución que suena natural, coherente con una trayectoria construida desde la independencia y la mirada larga.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de calma y despedida que Lizi Lay ha sabido crear. Porque, como ella misma canta, no se trata siempre de finales rotundos; a veces, lo más sanador es reconocer que una despedida no es un goodbye, sino solo un cambio de lugar desde el que seguir queriendo de otra manera.

El artista CARRØ.m presenta “El lunes te perseguí”, su nuevo sencillo y una propuesta vibrante que fusiona el pop latino con ritmos urbanos y una energía nocturna irresistible. Se trata de una canción que narra una historia intensa y fugaz desplegada a lo largo de los siete días de la semana: desde la chispa del encuentro un lunes hasta un desenlace inesperado el domingo. Con este lanzamiento, CARRØ.m refuerza su identidad artística dentro del panorama pop-electrónico, apostando por sonidos contemporáneos, melodías memorables y una producción cuidada diseñada para cruzar fronteras.

La canción captura ese momento universal en el que la atracción surge sin avisar y se convierte en el centro de todo durante unos días. Lo que empieza como un juego, como una persecución llena de deseo, va transformándose a medida que avanzan las horas y los sentimientos se intensifican. El estribillo, pegadizo y pensado para ser coreado, sintetiza esa mezcla de seducción, nostalgia y pasión que recorre todo el tema. No es solo una canción sobre el deseo físico; es también una reflexión sobre lo que ocurre cuando las emociones se desbordan y la noche se convierte en el escenario de algo que, quizá, no estaba destinado a durar.

Musicalmente, “El lunes te perseguí” se asienta sobre una base rítmica contagiosa que invita al movimiento sin renunciar a la profundidad melódica. La producción, pulida y actual, equilibra los elementos electrónicos con la calidez de los ritmos latinos, logrando un sonido que funciona tanto en la pista de baile como en las listas de reproducción más curadas del pop urbano contemporáneo. Cada elemento está pensado para atrapar al oyente desde el primer compás y no soltarlo hasta que la canción termina, dejando con ganas de volver a empezar.

El estribillo, con su declaración directa y su estructura diseñada para el chant, se instala en la memoria con facilidad, demostrando el oficio de CARRØ.m para construir ganchos que perduran. Pero más allá de la superficie bailable, la letra esconde capas de significado que hablan de la intensidad de los encuentros fugaces, de esa sensación de perseguir algo que quizá no se deja atrapar del todo, de la nostalgia anticipada por lo que aún está ocurriendo. Esa dualidad, la de la fiesta y la emoción contenida, la del deseo y la melancolía, es precisamente lo que hace que la canción conecte con quien la escucha.

Con “El lunes te perseguí”, CARRØ.m da un paso adelante en la consolidación de su propuesta artística. Su sonido, ubicado en la intersección del pop latino y la electrónica más accesible, demuestra una madurez creciente y una visión clara de hacia dónde quiere dirigir su carrera. La canción está llamada a ocupar un lugar destacado en las playlist más relevantes del género, pero también a construir ese vínculo directo con un público que busca en la música un reflejo de sus propias experiencias nocturnas, de esas historias que duran una semana pero se recuerdan toda la vida.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, esperando a convertirse en la banda sonora de los lunes que marcan el inicio de algo nuevo y de los domingos en los que todo llega a su fin. Porque, como demuestra CARRØ.m, a veces una semana basta para vivirlo todo.

El compositor, productor y performer alemán Stefan Schulzki presenta “The Song We Never Played”, su nuevo sencillo y una pieza que transita por los territorios del indie pop con una sensibilidad cinematográfica muy marcada. Se trata de una canción que explora el final de una relación desde una perspectiva sonora rica en matices, construida en torno a la voz expresiva de Caro Stechl y un entramado instrumental que combina la calidez de los elementos orgánicos con arreglos de cuerda en directo, interpretados por miembros de la Filarmónica de Augsburgo. Con este lanzamiento, Schulzki reafirma su mirada del pop como una forma de cine sonoro, donde la emoción narrativa y la sofisticación armónica caminan de la mano.

La canción se despliega como una pequeña película musical. Desde los primeros compases, se instala una atmósfera íntima que va creciendo en capas, incorporando sutiles elementos de groove y una instrumentación cuidada al detalle. La voz de Caro Stechl, protagonista absoluta del tema, transmite con precisión esa mezcla de resignación y ternura que acompaña a los finales no deseados, a esas despedidas que nunca llegan a materializarse en palabras pero que se sienten en cada silencio compartido. Las cuerdas, lejos de ser un mero adorno, dialogan con la melodía principal y aportan una hondura emocional que envuelve al oyente y lo transporta al corazón mismo de la historia.

Schulzki, que ha compuesto, arreglado y producido el tema, demuestra una vez más su capacidad para moverse con naturalidad entre dos mundos aparentemente opuestos: el de la composición clásica, con su atención al detalle armónico y su respeto por la tradición orquestal, y el del pop más grooveado, con influencias del funk y el soul que aportan calidez y ritmo a sus producciones. Esa dualidad, esa mezcla de lo académico y lo popular, de lo escrito y lo sentido, es precisamente lo que define su sello personal y lo que convierte “The Song We Never Played” en una pieza única dentro del panorama actual.

El equipo de músicos que acompaña a Schulzki en esta aventura sonora está formado por Silvan Lackerschmid a la guitarra, Florian Hartz al bajo y Robin Tóth a la batería, una sección rítmica que sostiene con solidez la arquitectura de la canción. A las cuerdas, Alvar Ceamanos, Adriana Gabrian, Aleksandra Manic y Mariko Umae aportan ese color sinfónico que eleva el tema a otra dimensión. En las voces de fondo, Theresa Sittenauer y Vanessa Spanier complementan la interpretación de Caro Stechl con arreglos vocales que añaden calidez y textura. La mezcla ha corrido a cargo de René Jesser y la masterización de Ludwig Maier Mastering S.L., garantizando un acabado sonoro de primer nivel. El arte de portada, obra del propio Schulzki a través de Midjourney con retoques de Vita Kond, completa un proyecto cuidado hasta el último detalle.

“The Song We Never Played” no es solo una canción sobre el final de una relación; es también una reflexión sobre aquello que queda sin decir, sobre las conversaciones que nunca llegan a mantenerse y las canciones que nunca llegan a interpretarse. Ese título, cargado de significado, apunta a la imposibilidad de cerrar del todo ciertas historias, a la persistencia de lo no expresado y a la manera en que la música puede, quizá, nombrar aquello que las palabras no alcanzan a decir.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese universo sonoro que Stefan Schulzki ha construido con paciencia de orfebre. Una propuesta que confirma su lugar dentro del pop de vocación cinematográfica y que promete seguir dando que hablar en los próximos meses.

El músico, compositor y productor alicantino Frank Suz regresa a la escena con un nuevo proyecto y un disco que promete remover los cimientos del rhythm & blues estatal. Bajo el nombre de Frank Suz & The Crazzy 88's, el artista nacido en Ibi presenta Callos de Wagyu, su cuarto trabajo de estudio y el primero en el que se aventura en solitario con el saxo tenor como protagonista tras haber dedicado los dos últimos años a dominar su técnica. Se trata de un álbum puramente instrumental, grabado en directo en tan solo tres días en el estudio Guitar Town de Cantabria, y producido por Hendrik Röver, uno de los guitarristas más respetados del país.

El resultado son doce cortes que destilan clase y ritmo por cada uno de sus surcos, piezas concebidas desde la honestidad del directo y la complicidad de unos músicos que se conocen y se entienden sin necesidad de palabras. Porque si algo define Callos de Wagyu es precisamente eso: la conversación que establecen entre ellos el saxo tenor, que atruena con personalidad arrolladora; el órgano, que ruge en los momentos justos; la guitarra, que desgarra cuando tiene que hacerlo; el bajo, que empuja sin descanso; y una batería y percusión que se cuelan dentro y remueven desde lo más profundo. Un equilibrio sonoro que permite al disco funcionar tanto en la fiesta más desenfrenada como en ese momento de calma en el que solo se quiere una copa de vino y música que acompañe sin estridencias.

La banda que acompaña a Frank Suz en esta nueva aventura está formada por Teto Adán a la guitarra, Nando Insidius al bajo y Héctor Gómez en la batería y las percusiones. Todos ellos, junto al propio Frank al saxo tenor y los teclados, construyen un sonido colectivo que respira y se mueve como un solo organismo. La producción ejecutiva y moral corre a cargo de Fat Finger Productions, sello que respalda un proyecto que huele a carretera, a concierto de madrugada y a esa energía que solo se encuentra cuando los músicos se dejan llevar y confían en lo que hacen.

Callos de Wagyu no es solo un disco; es también el pistoletazo de salida de una gira de presentación que llevará a Frank Suz & The Crazzy 88's a recorrer buena parte de la geografía española. Alicante, Madrid, Zaragoza, Granada y Málaga serán las primeras paradas de un recorrido que promete crecer y consolidar en directo lo que el álbum ya anuncia: una propuesta firme, con personalidad propia y con mucho que decir dentro del panorama del rhythm & blues y el rock instrumental.

Para entender la dimensión de este lanzamiento conviene repasar la trayectoria de quien lo firma. Frank Suz comenzó su andadura musical a los siete años con el clarinete y el piano, formándose inicialmente en la música clásica antes de virar progresivamente hacia el rock and roll. En 2001 creó su primera banda, Gang Bang 66, una formación de hard rock con la que ganó varios concursos y grabó sus primeros dos discos. El salto a Valencia le llevaría a integrarse en Babylon Rockets, proyecto con el que sumaría otros dos álbumes a su haber y giraría por toda la península. Desde entonces, su actividad no ha cesado, colaborando con bandas y músicos de primer nivel hasta que en 2019 decidió tomar las riendas de su propio destino musical y crear la banda que llevaría su nombre: Frank Suz.

Bajo ese sello publicó tres discos en solitario —Inferno, Mambo Voodoo y Reza todo lo que sepas— y giró sin descanso por todo el país. Dos años después, y tras ese periodo de aprendizaje intensivo del saxo tenor que ahora luce como seña de identidad, llega este nuevo proyecto: Frank Suz & The Crazzy 88's. Un nombre que evoca la locura controlada, la energía contenida a punto de estallar y esa mezcla de sofisticación y desgarro que define a la perfección lo que Callos de Wagyu ofrece.

El título del disco, por cierto, no es casual. Habla de esa mezcla entre lo popular y lo exclusivo, entre el plato de cuchara de toda la vida y el manjar reservado para unos pocos. Exactamente igual que esta música: accesible para quien quiera disfrutarla, pero cocinada con unos ingredientes y un saber hacer que solo están al alcance de quienes llevan toda una vida dedicados a esto.

Callos de Wagyu ya está disponible en las principales plataformas digitales y, muy pronto, en los escenarios de medio país. Una invitación a dejarse llevar por doce canciones que hablan sin palabras y que demuestran, una vez más, que la música instrumental puede ser tan expresiva y conmovedora como la que más.

La creadora de contenido y artista mexicana Domelipa, una de las figuras más mediáticas y seguidas de Latinoamérica con más de 70 millones de seguidores en TikTok, presenta “CORONAS PAL DESPECHO”, su nuevo sencillo y una declaración de intenciones dentro de su creciente carrera musical. Se trata de una canción que aborda el desamor desde la perspectiva del empoderamiento y la fiesta, convirtiendo el dolor de una ruptura en excusa para bailar, beber y recordarse a una misma que merece mucho más de lo que le han dado. Con este lanzamiento, estrenado hoy mismo, 13 de febrero de 2026, Domelipa refuerza su apuesta por la música como un proyecto sólido y no como un mero pasatiempo de influencer.

Dominik Elizabeth Reséndez Robledo, nacida en Monterrey, Nuevo León, ha construido durante los últimos años un imperio digital que trasciende las fronteras de las redes sociales. Su salto oficial a la música se produjo a mediados de 2024, cuando firmó con Sony Music Latin y comenzó a colaborar con algunos de los nombres más importantes de la escena urbana y regional mexicana. Temas como “Ese Vato” junto a Ozuna o “Dolido” con Gabito Ballesteros la situaron rápidamente en el mapa musical, demostrando que su proyecto no dependía únicamente de su popularidad previa, sino que contaba con el respaldo de productores y artistas de primer nivel, como Ovy On The Drums, habitual colaborador de Karol G o Becky G.

“CORONAS PAL DESPECHO” llega en un momento clave de su evolución artística y lo hace con una propuesta clara: convertir el despecho en celebración. La canción, producida por un equipo de lujo encabezado por Orlando Vitto y Renzo Bravo, se asienta sobre una base urbana pegadiza y diseñada expresamente para conquistar TikTok, el territorio natural de Domelipa. Pero más allá de su sonido bailable y su estribillo llamativo, el tema destaca por una letra que juega con inteligencia y desparpajo.

El título juega con un doble sentido muy acertado: las coronas que la artista suele lucir en su estética de redes —como reina indiscutible de su propio universo— y la conocida marca de cerveza, creando así un lema que funciona tanto en la pista de baile como en el plano simbólico. La letra, por su parte, está salpicada de metáforas que retratan con ironía el desastre de una relación fallida. Frases como “nuestro amor fue como un libro de matemáticas, puros problemas sin resolver” reflejan ese tono desenfadado y sin autocompasión que define a la canción. Porque aquí no se trata de llorar por quien no supo valorar, sino de sacarle provecho al dolor, de convertir la herida en combustible para la fiesta y el reencuentro con una misma.

La propuesta musical de Domelipa se sitúa en las antípodas de otras artistas emergentes como Ana Sofi W o Moni Motes. Frente a la intimidad acústica y la exploración emocional de aquellas, Domelipa ofrece energía pura, discoteca, producción ambiciosa y un sonido pensado para arrasar en las listas de reproducción y en los grandes escenarios. No hay aquí vulnerabilidad expuesta ni diarios personales hechos canción; hay himnos colectivos, canciones para corear en grupo, para olvidar los malos ratos rodeada de amigas y con una copa en la mano.

Con “CORONAS PAL DESPECHO”, Domelipa confirma que su proyecto musical no es un capricho pasajero ni una estrategia de marketing sin recorrido. Es una apuesta seria, profesional, respaldada por una industria que la ha acogido como una artista más y no como una intrusa procedente del mundo digital. La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales y promete convertirse en uno de los himnos del desamor festivo de este 2026, demostrando una vez más que, cuando se tiene el carisma y la visión de Domelipa, el salto de las redes a los escenarios puede ser tan natural como arrollador.

La cantante y compositora mexicana Ana Sofi W, una de las figuras más frescas y prometedoras del pop alternativo y pop-rock en México, presenta “lovebombing”, su nuevo sencillo y una pieza clave dentro de su creciente universo narrativo. Se trata de una canción que aborda desde la honestidad y la vulnerabilidad un concepto psicológico muy actual: el bombardeo de amor como táctica de manipulación en las primeras etapas de una relación. Con este lanzamiento, la artista originaria de Monterrey consolida su capacidad para transformar experiencias personales en canciones que conectan de forma directa con una generación que valora la transparencia emocional por encima de las apariencias.

Nacida en diciembre de 2003, Ana Sofi W irrumpió en la escena musical a través de TikTok, plataforma en la que comenzó compartiendo covers y construyendo una conexión genuina con millones de personas gracias a su voz suave pero expresiva y a una honestidad que pronto se convirtió en su sello distintivo. Su estilo, ubicado en la intersección del bedroom pop, el indie y el pop-rock, se caracteriza por letras que exploran la salud mental, las relaciones modernas y el proceso de encontrarse a uno mismo. Una propuesta que, como ella misma define, se siente como leer el diario personal de alguien.

El reciente lanzamiento de su álbum debut, ¿Dónde quedé yo?, publicado a principios de 2025 tras dos años de trabajo introspectivo, ha supuesto un hito en su carrera y el marco perfecto para entender la profundidad de “lovebombing”. El tema toma su título de un concepto psicológico que describe esa fase inicial en la que una persona satura a otra con atenciones, halagos y gestos excesivos para generar dependencia y, finalmente, ejercer control. Lo que parece un romance perfecto, demasiado bueno para ser verdad, se revela poco a poco como una trampa emocional de la que no siempre es fácil escapar.

La canción captura con precisión esa sensación de confusión y vértigo, ese instante en el que la intensidad comienza a pesar más que la alegría y algo en el interior avisa de que no todo es lo que parece. Musicalmente, “lovebombing” mantiene la estética de pop melancólico que caracteriza a la artista, con una producción limpia que permite que la letra ocupe el centro de la escena. Es de esas canciones que invitan a corearlas mientras se reconoce uno en cada verso, porque hablan de experiencias que, por desgraciadamente comunes, resultan universales.

Lo que hace destacar a Ana Sofi W dentro del panorama actual no es únicamente su calidad vocal o su sensibilidad melódica, sino su valentía para abordar temas que durante mucho tiempo permanecieron en los márgenes del pop latino. Hablar de límites personales, de manipulación emocional o de la importancia del autocuidado tras una relación tóxica no era habitual hasta que artistas como ella decidieron ponerlo sobre la mesa con naturalidad y sin filtros. Esa transparencia, esa disposición a mostrarse vulnerable sin caer en el victimismo, es lo que la ha convertido en una voz imprescindible para quienes buscan en la música un espejo donde mirarse y un espacio donde sentirse comprendidos.

“lovebombing” confirma el momento dulce por el que atraviesa Ana Sofi W, una artista que con apenas veintipocos años ha sabido construir un universo propio y conectar con un público que reclama autenticidad. El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, sumándose a un catálogo que promete seguir creciendo y consolidando a la regiomontana como una de las figuras más interesantes del pop alternativo en español. Porque, como demuestra cada una de sus canciones, a veces lo más valioso que puede ofrecer un artista es la certeza de que no estamos solos en lo que sentimos.

La cantante y compositora valenciana Moni Motes, una de las revelaciones más luminosas del pop español actual, presenta “Nuestro Sitio”, su nuevo sencillo y una de esas canciones que definen con claridad su identidad artística. Se trata de una pieza que explora desde la ternura y la cercanía ese momento único en el que encontrar a alguien con quien el mundo desaparece, ese lugar —físico o emocional— donde por fin se siente que se encaja. Con este lanzamiento, la artista afincada en Madrid consolida una propuesta construida sobre la honestidad, la vulnerabilidad compartida y esa capacidad tan suya para hablar de lo que todos sentimos pero pocos se atreven a decir.

Nacida alrededor de 2004 en la Comunidad Valenciana, Moni Motes se mudó a la capital para perseguir su sueño musical mientras continuaba con sus estudios, una decisión que refleja la determinación y la claridad de miras que ya entonces la caracterizaban. Su carrera experimentó un despegue imparable gracias a la conexión auténtica que logró establecer en TikTok, plataforma en la que su primer single, “Tan Desconocidos” (2023), se convirtió en un éxito viral inmediato y la puso en el mapa de la escena emergente. Desde entonces, su evolución no ha hecho más que confirmar las expectativas: ha teloneado a artistas como Álvaro de Luna y Marlon, demostrando sobre los escenarios que su propuesta trasciende el ámbito digital y se sostiene con solidez en el directo.

Su estilo musical se mueve en un pop melódico con tintes indie, muy centrado en la guitarra y en unas letras que se perciben como una conversación íntima con quien escucha. Esa cualidad, la de hacer sentir al oyente que forma parte de algo compartido, es precisamente una de las claves de su éxito. Moni Motes no canta desde una torre inalcanzable; canta desde el mismo suelo que quienes la escuchan, y eso genera una complicidad que pocas artistas de su generación logran con tanta naturalidad.

“Nuestro Sitio” viene a reforzar precisamente esa cualidad. La canción es un himno a la conexión y a la pertenencia, un retrato sonoro de esa paz que se instala cuando se está con alguien que entiende sin necesidad de explicaciones. Frente a otras narrativas que exploran el lado más confuso o doloroso de las relaciones —como el “lovebombing” del que habla su coetánea Ana Sofi W—, Moni Motes propone aquí un refugio. Una canción cálida, envolvente, ideal para esos momentos de introspección compartida o para dedicar a esa persona que hace sentir a salvo en medio del ruido.

La producción del tema muestra una evolución notable respecto a sus primeros trabajos, con un sonido más maduro y cuidado que, sin embargo, no sacrifica la esencia orgánica que la caracteriza. Su voz, dulce pero cada vez más segura, se despliega con una interpretación que transmite justo lo que la letra necesita: ni más ni menos. Esa contención, ese saber estar sin caer en el exceso, es también un signo de madurez artística que apunta hacia dónde se dirige su carrera.

Y es que 2026 está siendo, sin duda, el año de su consolidación definitiva. A principios de año lanzó “Me Va Bien De Momento”, una colaboración muy sonada con DePol que amplió su alcance y la situó en nuevas conversaciones dentro de la escena pop española. Ahora, con “Nuestro Sitio” como nuevo sencillo, prepara el terreno para la llegada de Auroras, su primer EP, un proyecto que promete recoger todo lo aprendido durante estos años y mostrarlo en formato de obra cohesionada.

Paralelamente, Moni se ha convertido en una presencia habitual en los festivales de verano más importantes del país, desde el Starlite hasta el Jardín de las Delicias, demostrando sobre las tablas que no es una simple “artista de redes sociales”, sino una músico de directo sólida, con oficio y con una capacidad innata para conectar con el público más allá de la pantalla.

“Nuestro Sitio” ya está disponible en todas las plataformas digitales, esperando a convertirse en la banda sonora de esos momentos de calma compartida que tanto necesitamos. Con esta canción, Moni Motes no solo afianza su lugar dentro del pop español, sino que recuerda algo esencial: que a veces, lo más importante que podemos encontrar es un lugar —o una persona— donde el mundo, por un rato, deje de existir.

Después del año que cambió su trayectoria para siempre, Daniela Blasco inaugura una nueva etapa artística con el lanzamiento de “Mentira”, un single pop cargado de ironía, sensualidad y personalidad que consolida su evolución tras su paso por el Benidorm Fest 2025. Subcampeona con “UH NANA”, acumulando millones de reproducciones y conquistando los principales escenarios del país, la artista da ahora un paso firme hacia una propuesta más consciente, definida y audaz.

Compuesta por la propia Daniela junto a Vibarco, Zefariah y Felix Joan Muñiz, y producida por Zeferiah y Felix Joan Muñiz, “Mentira” representa una evolución natural dentro de su universo creativo. Se trata de un pop contemporáneo con carácter, actitud y una narrativa fresca que juega con la provocación desde la dulzura, manteniendo ese equilibrio entre inocencia y atrevimiento que ya forma parte de su sello personal.

Para Daniela, la canción nace de una situación muy reconocible: “Para mí ‘Mentira’ interpreta la sensualidad de forma irónica. Habla de ese momento en el que alguien te empieza a gustar más de lo normal y estás ligando, pero intentas disimularlo. Todo el rato estás diciendo que no… pero en realidad es ‘mentira’”. Esa dualidad emocional —entre el deseo y el orgullo, entre querer y fingir indiferencia— se convierte en el eje central del tema.

La letra encapsula ese juego coqueto y atrevido con frases que destilan intención y picardía, reforzando la tensión divertida que atraviesa toda la canción. Musicalmente, Daniela define “Mentira” como un pop con claras referencias a Doja Cat, una de sus grandes inspiraciones por su capacidad de retorcer las estructuras tradicionales del género y añadir un punto de locura, frescura y actitud inesperada. Esa influencia se percibe en la producción dinámica y en la interpretación vocal, que combina dulzura y seguridad con un toque desafiante.

El lanzamiento llega acompañado de un videoclip rodado en Madrid bajo la dirección de JA Moreno y la dirección creativa de Mondays. La pieza potencia el concepto del single a través de una estética rosa muy marcada, color que Daniela asocia directamente con el universo emocional del tema. La propuesta visual mezcla sensualidad, ironía y empoderamiento en una puesta en escena que refuerza el mensaje de la canción.

“Quise enfocar la estética del videoclip dándole ese toque de locura del que hablaba antes. También quería sentirme muy sexy y empoderada con los vestuarios, reflejando esa sensualidad de la que habla la canción. Escogimos el rosa porque para mí transmite inocencia y dulzura, pero dándole la vuelta para hacerlo atrevido. Al final, eso es ‘Mentira’: dulce pero atrevida”, explica la artista. La dirección artística y el styling construyen así una fantasía pop donde la protagonista juega con el deseo y el control desde una posición de fuerza y seguridad.

“Mentira” llega tras lo que Daniela define como “EL AÑO” de su vida. Su paso por el Benidorm Fest no solo impulsó su carrera a nivel mediático, sino que aceleró su crecimiento personal y artístico. “Ha sido el año que más rápido me ha hecho aprender, despegar y descubrirme como artista y también como persona. He vivido muchísimos retos personales y profesionales. Lo recordaré siempre con una sonrisa enorme porque solo me ha regalado momentos bonitos”, afirma.

Ese aprendizaje se traduce ahora en una propuesta más sólida y ambiciosa. Con este lanzamiento, Daniela Blasco reafirma su identidad dentro del nuevo pop español, combinando música, estética, coreografía y narrativa digital con una visión clara y en expansión.

Sobre Daniela Blasco, su ascenso ha sido meteórico. Convertida en una de las voces más influyentes del pop digital y contemporáneo, comenzó compartiendo coreografías y contenido creativo en redes sociales, donde hoy reúne a millones de seguidores gracias a su personalidad, estética y conexión directa con su comunidad. En 2025 dio el salto definitivo a la música con su participación en el Benidorm Fest, donde ganó la primera semifinal y obtuvo la medalla de plata en la final con “UH NANA”, actuación que la posicionó como una de las artistas jóvenes con mayor proyección del país.

A lo largo de este periodo, también ha protagonizado hitos destacados como su actuación en la Final Four de la UEFA junto a Vicco, un sold out en la Sala Apolo de Barcelona y su participación en EVOLVE, el evento privado de TikTok Europa para directivos, siendo la única creadora invitada a actuar. Además, ha colaborado con artistas internacionales creando trends oficiales y ha consolidado su perfil mediático como imagen de marcas como TRESEmmé y Rimmel, entregando premios en los Cosmopolitan Influencer Awards 2025, abriendo la final de la Copa Intercontinental de Futsal en Palma y protagonizando la portada de NEO2 en diciembre de 2025.

Tras cerrar 2025 con “Te Fuiste”, Daniela Blasco encara esta nueva etapa con determinación. “Mentira” no solo es un single, sino el punto de partida de una fase donde la ironía, la sensualidad y el empoderamiento se convierten en pilares creativos de un proyecto que continúa creciendo con paso firme y ambición internacional.

“Mentira” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Daniela Blasco, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La banda murciana Clara Plath presenta Voladera, su nuevo álbum de estudio y el trabajo más ambicioso y cohesionado de toda su trayectoria. Se trata de un disco que funciona como un recorrido emocional completo en el que conviven la memoria, la ternura, el desengaño y la necesidad de reconstrucción personal. Con este lanzamiento, el grupo confirma su posición como una de las propuestas más sólidas y personales del pop alternativo estatal.

Tras más de una década de evolución constante desde Ten Tristes Tracks y pasando por títulos clave como Hi Lola!!, Grand Battement, Yes, I’m Special u Oscura, la formación firma ahora un álbum que mira hacia dentro sin renunciar a la épica sonora que siempre ha caracterizado su identidad. Voladera se mueve entre contrastes cuidadosamente equilibrados: es íntimo y expansivo al mismo tiempo, luminoso y oscuro, delicado y frontal. Cada canción aporta una pieza distinta a un relato que se siente orgánico y profundamente honesto.

El álbum reúne los sencillos ya conocidos —“Días de Playa”, “La mitad rota de dos”, “Tetita” y “El Engaño”— junto a nuevas composiciones que amplían su universo narrativo y emocional. Temas como “Voladera”, “Salida de escena”, “Ulay y Marina”, “Despertar” o “Mensaje final de los Corintios” refuerzan el carácter vital del conjunto. Cada canción respira con personalidad propia, aportando matices a un trabajo que fluye como una historia contada sin artificios, pero con gran intensidad sonora.

La mayoría de los temas han sido grabados y producidos en Mia Estudios por Antonio Illán, mientras que las canciones 1, 5, 8 y 10 fueron registradas en Estudios Second Floor. La masterización corre a cargo de Antonio Navarro en Eriatarka Mastering. La fotografía de portada es obra de Fátima Ruiz y el diseño ha sido realizado por Pepe Reina. En la grabación han intervenido, además de Clara Plath en la voz principal y guitarras, Roberto en guitarras, teclados y coros, Nando Robles al bajo, Javi Vox y Gabriel Batán en guitarras, y en las baterías César Verdú y Sergio Nicolei, aportando una riqueza instrumental que refuerza la dimensión emocional del proyecto.

Dentro del álbum destaca especialmente “Una nueva idea”, el nuevo sencillo recomendado y uno de los corazones conceptuales de Voladera. La canción captura ese instante exacto en el que el amor deja de ser refugio para convertirse en conciencia. Con una letra directa y profundamente honesta, el grupo retrata la fragilidad de los vínculos y el momento en que la emoción da paso a la claridad. Versos como “Tú crees que no, pero me das mil vueltas. Y sin pensar, nace una nueva idea. Un nuevo color” describen la intensidad inicial de un sentimiento que pronto revela sus grietas.

Musicalmente, el tema combina delicadeza melódica y tensión emocional, avanzando hacia un desenlace tan rotundo como inevitable: “Con tu amor me hiciste un agujero / y siento decirte que ya no te quiero”. Sin dramatismos impostados, “Una nueva idea” se convierte en un ejercicio de lucidez que resume el espíritu de Voladera: amar, perder, recordar y, finalmente, aprender a soltar.

Voladera no es solo un nuevo álbum en la carrera de Clara Plath; es una declaración emocional y un punto de inflexión que evidencia su madurez artística. Un trabajo que transforma la experiencia íntima en canciones capaces de conectar de forma directa y sincera con el oyente, consolidando definitivamente a la banda como una voz imprescindible dentro del panorama alternativo nacional.

El rapero cordobés G. Bakano regresa a la escena con “LA PROFEÇÍA”, un adelanto homónimo de lo que será su próximo álbum de estudio, previsto para principios de marzo de 2026. Se trata de una pieza que marca el inicio de un nuevo capítulo en su trayectoria, un recorrido que transita entre la madurez artística y la introspección personal, y que llega tras un periodo de publicaciones más relajadas en forma de sencillos sueltos. Con este lanzamiento, el artista afincado en Córdoba capital recupera la intensidad narrativa que ha caracterizado su obra y sitúa al oyente ante el umbral de un viaje cargado de simbolismo y vivencias reales.

El tema ha sido producido por TKNK, productor mexicano y habitual colaborador del cordobés, una alianza que refuerza los lazos transatlánticos dentro de la escena urbana. La grabación vocal, por su parte, se ha llevado a cabo en el estudio de Nice Music, espacio muy familiar para G. Bakano, bajo la dirección de Nice G, esta vez acompañado por Wildcard Beats. Ambos han asumido también, casi en su totalidad, la mezcla y masterización del álbum completo, lo que garantiza una continuidad sonora y una identidad cohesionada para el proyecto que está por llegar.

La voz que introduce este viaje es la de Onas.Art, alter ego de Carlos Cosano, amigo personal del artista y componente del grupo originario del que surgió G. Bakano: SQU4D. Su intervención, con un tono sincero y casi consejero, actúa como puerta de entrada a un universo donde lo alegórico y lo real se entrelazan. Porque aunque “LA PROFEÇÍA” se sostiene sobre un concepto mayoritariamente simbólico, pueden reconocerse en ella las pinceladas de realidad que siempre han estado presentes en la obra del rapero: dudas existenciales, momentos pasionales, recuerdos profundos y la mirada atrás antes de seguir avanzando.

En el plano visual, el sencillo llega acompañado de un videoclip rodado íntegramente en Córdoba, una pieza dirigida, grabada y montada por JMC Studios, el estudio creativo que dirige Juan Mora en la capital andaluza y que cuenta con un amplio bagaje dentro de la escena urbana local. En la coproducción del vídeo ha participado también Daustria, integrante de la banda The Pressure, amigo y colaborador musical del cantante, que en esta ocasión ha cambiado su habitual función de arreglista por la de ayudante y operador de cámara, sumando así una capa más de cercanía y complicidad al proyecto.

“LA PROFEÇÍA” no es solo un adelanto; es el primer paso de un trayecto que pronto desvelará Bernabé —nombre real del compositor— y que ya desde su título apunta a un significado profundo: El hijo de la profecía. Una declaración de intenciones que invita a estar atentos a lo que está por venir, porque lo que se anuncia no deja indiferente a nadie.

El artista internacional Ironikoss vuelve a la escena musical con el lanzamiento de “Fue”, su nuevo sencillo y la primera muestra tangible de un proceso de transformación personal y creativa que ha mantenido alejado de los focos durante un prolongado período de receso. Se trata de una pieza que no solo marca su regreso, sino que también evidencia una evolución sustancial en su sonido y en su manera de concebir la música, apostando por una narrativa emocional más madura, una producción cuidadosamente trabajada y una conexión más íntima con quienes lo escuchan.

“Fue” se presenta como una canción que nace desde la honestidad más profunda y la autenticidad que solo concede el tiempo vivido. El tema refleja ese viaje interior que el artista ha transitado durante sus meses de ausencia, un periodo dedicado a la introspección, al replanteamiento de prioridades y a la búsqueda de una voz propia que pudiera expresar con claridad aquello que realmente quiere comunicar. La propuesta sonora acompaña ese giro con arreglos que privilegian la atmósfera, la intensidad lírica y una construcción musical que huye de lo superfluo para centrarse en lo esencial. Nos encontramos, en definitiva, ante un Ironikoss más asentado en su identidad, con una visión más nítida de su camino artístico y con la determinación de compartir ese nuevo lugar desde el que ahora crea.

El lanzamiento llega de la mano de EQs Música, sello con el que el artista inicia una nueva etapa estratégica y creativa. Esta alianza apunta a proyectar su música con una mirada puesta en el ámbito internacional, en un año que promete estar cargado de lanzamientos, colaboraciones con otros artistas y presencia en distintos escenarios fuera de nuestras fronteras. La incorporación a este sello no es un detalle menor: representa el respaldo necesario para dar el salto cualitativo que el artista lleva tiempo buscando y la estructura adecuada para que su propuesta pueda llegar más lejos sin renunciar a la esencia que la define.

Con “Fue”, Ironikoss no solo regresa a la escena, sino que deja clara su intención de hacerlo con fuerza, con una propuesta renovada y con la ambición de consolidar un proyecto que mira hacia delante sin perder de vista sus raíces. El sencillo es, en cierto modo, una declaración de principios: la afirmación de que el tiempo de silencio ha merecido la pena, de que la pausa ha sido fértil y de que lo que está por venir se construye sobre cimientos más sólidos que los de cualquier etapa anterior.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a quienes han seguido su trayectoria durante años —y también a quienes se acercan a su música por primera vez— a descubrir esta nueva faceta de un artista que ha sabido convertir el silencio en un espacio de creación y crecimiento. Porque, como demuestra “Fue”, a veces es necesario detenerse para poder avanzar con paso firme.

La cantante, compositora y actriz argentina Canu, nombre artístico de Candelaria Grau, presenta “Alma Vacía”, su nuevo sencillo y una de esas canciones que definen con claridad su capacidad para transitar entre géneros sin perder la esencia que la hace única. Se trata de una pieza que aborda desde la honestidad más profunda el sentimiento de desconexión emocional, ese vacío que persiste incluso cuando todo a nuestro alrededor sigue en movimiento. Con este lanzamiento, la artista nacida en Argentina completa el rompecabezas de un nuevo pop íntimo y versátil que encuentra en ella a una de sus voces más interesantes, con un sabor muy particular que bebe directamente del sur del continente.

Canu lleva más de cinco años construyendo su carrera de forma independiente, un camino trazado con paciencia y convicción en el que su formación como actriz ha jugado un papel determinante. Su paso por la serie O11CE de Disney le otorgó una presencia escénica y una comprensión del lenguaje audiovisual que hoy aplica con inteligencia a sus propios proyectos. Pero es en la música donde ha encontrado su canal más personal, ese espacio íntimo desde el que puede expresar sin filtros lo que lleva dentro. En 2025 alcanzó un hito fundamental en su trayectoria al ser la artista invitada para abrir el concierto de Erreway en el Movistar Arena de Buenos Aires, un escenario masivo que confirmó su potencial y la situó ante una audiencia que desde entonces no ha dejado de crecer.

“Alma Vacía” llega en un momento de evolución sonora para la artista. Aunque Canu se mueve con soltura en los terrenos del pop y el R&B, en este tema —y en su etapa más reciente— ha comenzado a experimentar con la cumbia y los ritmos urbanos, pero desde una óptica fresca y actual que nada tiene que ver con la tradición más ortodoxa del género. Se trata más bien de una fusión elegante, de una mirada contemporánea que toma prestados elementos de distintos mundos para construir algo nuevo. El resultado es una canción que, a pesar de hablar de vacío y de ausencia, invita al movimiento, creando un contraste entre la introspección de la letra y la calidez rítmica de la base musical que la sostiene.

La letra de “Alma Vacía” explora con precisión quirúrgica ese estado de desconexión que se instala después de una pérdida amorosa. Desde los primeros versos —“Tanto recuerdo de un amor que se marchó, si era pa' siempre parece que no se dio”— se instala una narrativa de desencanto y extrañeza ante lo que prometía ser eterno y se desvaneció sin avisar. La canción transita por la dificultad de sacar a alguien de la cabeza, por la impotencia de no poder concentrarse en nada más y por la decisión final de borrar el número de teléfono para no tener excusas para volver a llamar. Pero quizás lo más interesante sea ese reconocimiento de las heridas abiertas sin rencor, esa aceptación de que el interés del otro se perdió por el camino y que, a pesar de todo, lo que queda es un vacío que no termina de llenarse.

El estribillo, con esa declaración tan directa de “Tengo el alma hecha pedazos”, funciona como un ancla emocional que conecta con cualquiera que haya pasado por una experiencia similar. Y sin embargo, la canción no se regodea en el dolor; lo reconoce, lo nombra y lo sitúa en un contexto sonoro que permite habitarlo sin quedar atrapado en él. Esa dualidad, esa capacidad para sostener el peso de la melancolía sobre una base que invita a moverse, es una de las señas de identidad de Canu y lo que la diferencia de otras propuestas dentro del panorama pop actual.

Frente a artistas como Ana Sofi W o Moni Motes, que transitan territorios más acústicos e íntimos, Canu aporta una energía ligeramente más nocturna y urbana, una sensualidad contenida que bebe del R&B y una estética visual muy cuidada que se extiende a sus vídeos y presentaciones. No es casualidad que ella misma defina su sonido como un universo propio, porque efectivamente lo es: un espacio donde la honestidad brutal de las letras convive con arreglos pensados para que el cuerpo también pueda expresar lo que las palabras dicen.

“Alma Vacía” ya está disponible en todas las plataformas digitales, sumándose a un catálogo que no ha dejado de crecer en coherencia y calidad. Con esta canción, Canu no solo amplía su universo sonoro, sino que demuestra una vez más que es posible bailar mientras se reflexiona sobre el vacío, y que a veces, la mejor manera de llenar un alma hecha pedazos es precisamente ponerle música y dejarse llevar.

En medio del auge de nuevas voces dentro del pop urbano nacional, Gynebra continúa consolidándose como una de las artistas emergentes más interesantes de la escena española. Con apenas 21 años, la valenciana María de Paco, natural de Almàssera, ha sabido construir un proyecto artístico que combina carácter, sensibilidad y una narrativa honesta que conecta con su generación.

Su trayectoria comenzó a los 8 años dentro del mundo del arte, formación que complementó con estudios de interpretación y que hoy se refleja en la profundidad emocional de sus canciones. Además, Gynebra mantiene un fuerte compromiso social como presidenta de la Asociación KUKI, desde donde impulsa iniciativas artísticas destinadas a apoyar a niños en situación de vulnerabilidad. Música y propósito caminan de la mano en su carrera.

En lo musical, su propuesta fusiona reggaetón, pop, bachata y electro-latino, siempre desde una mirada femenina que transita entre el empoderamiento y la vulnerabilidad. Esa dualidad ha sido clave en su crecimiento, así como hitos importantes como su candidatura a los Premios Goya 2024 por la canción “Juntos”, incluida en el documental Dolor Impune, y su reconocimiento como artista Newcomer por VEVO.

Tras el impacto de temas como “Margarita”, “Joya” y su álbum debut “8 PEKADOS”, Gynebra sorprende ahora con “SUPERHÉROE”, una de sus canciones más especiales hasta la fecha. Lejos de centrarse en la fiesta o el desamor, la artista se adentra en un terreno mucho más íntimo: una dedicatoria directa y sincera a su padre.

“SUPERHÉROE” nace como un homenaje a esa figura paterna que, sin capa ni poderes mágicos, ha sido su referente, su apoyo incondicional y su guía en los momentos más difíciles. La canción transforma la idea clásica del héroe en algo cotidiano y real: un padre que sostiene, que protege y que enseña con el ejemplo. Gynebra pone voz al agradecimiento, al amor profundo y a la admiración silenciosa que muchas veces cuesta expresar con palabras.

A nivel sonoro, el tema mantiene su esencia urbana, pero se envuelve en una atmósfera más emotiva y delicada. La producción acompaña con sutileza una interpretación vocal especialmente sentida, donde cada frase parece cargada de verdad. La artista demuestra así que se puede bailar y, al mismo tiempo, emocionarse; que la música urbana también puede ser un espacio para el homenaje y la ternura.

La autenticidad de “SUPERHÉROE” ha tocado una fibra muy especial en el público. El tema se ha hecho viral en TikTok, donde miles de usuarios lo utilizan para dedicarlo a sus propios padres, compartir recuerdos familiares o expresar gratitud hacia quienes han sido sus pilares. La canción ha trascendido lo musical para convertirse en banda sonora de historias reales.

Con este lanzamiento, Gynebra no solo reafirma su versatilidad artística, sino que también demuestra valentía al exponer una parte tan personal de su vida. “SUPERHÉROE” no habla de salvar el mundo, sino de algo mucho más poderoso: reconocer a quienes, desde el amor y la constancia, han sido nuestros verdaderos héroes desde siempre.

La emergente sensación del electropop Ann Seeza presenta su nuevo single “Hold Me Tight”, una intensa colaboración con el productor Over Beat que promete conquistar playlists con su atmósfera electrónica sombría y envolvente. El tema, ya disponible en todas las principales plataformas de streaming, marca un nuevo capítulo en la evolución artística de la cantante, consolidando un sonido cada vez más audaz y emocional.

“Hold Me Tight” se sumerge en el deseo, la obsesión y la intensidad de los vínculos que dejan huella. Construida sobre sintetizadores hipnóticos, susurros vocales y ritmos que laten como un pulso nocturno, la canción captura la esencia de esas emociones que se viven al límite, en la intimidad de la noche. La producción, a cargo de FMD (Fuchs/Marquesa/Delgado), potencia la composición de Over Beat con una arquitectura sonora profunda y magnética, logrando una pieza difícil de ignorar y perfecta para quienes buscan música con carácter, profundidad y filo.

La propia Ann Seeza ha descrito el single como una representación de esa fuerza emocional de la que es imposible escapar. “Esta canción habla de ese tirón que te atrapa y no te suelta”, comparte la artista, subrayando la naturaleza absorbente del tema. Su interpretación vocal, contenida pero cargada de tensión, aporta una dimensión íntima que contrasta con la contundencia de la base electrónica, creando un equilibrio entre vulnerabilidad y energía.

Este lanzamiento llega tras el reconocimiento obtenido por su álbum Ghostlight y el potente single “Dancing On Ashes”, trabajos que han ido cimentando su identidad dentro del dark pop contemporáneo. Con cada nuevo proyecto, Ann Seeza amplía su universo sonoro y reafirma su capacidad para transformar emociones intensas en himnos electrónicos con personalidad propia.

Gracias a su presencia magnética y a su habilidad para crear canciones cargadas de emoción, la artista se posiciona rápidamente como una de las voces a seguir dentro del pop electrónico innovador. “Hold Me Tight” no solo confirma su crecimiento artístico, sino que también demuestra su valentía para explorar territorios más oscuros y sofisticados sin perder accesibilidad.

“Hold Me Tight” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ann Seeza, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista motrileño Hezu Romero vuelve a la escena musical con el lanzamiento de su nuevo single “Sin pensarlo”, una propuesta que combina balada pop y reggaetón romántico con una identidad fresca, honesta y emocional. Tras un tiempo alejado del foco musical, el cantante retoma su camino artístico con una visión más madura y profesional, reafirmando que la música siempre ha sido parte esencial de su vida.

“La música formó parte de mí desde mi adolescencia, y por un largo tiempo la dejé de lado; recientemente he vuelto a tomármela de forma más profesional”, comparte el artista, dejando claro que este regreso no es casualidad, sino el resultado de una evolución personal y creativa. “Sin pensarlo” representa precisamente ese impulso: la decisión de amar, de sentir y de lanzarse sin miedo.

El tema arranca con una atmósfera íntima en su intro —“Otra noche más pensando en ti”— que abre paso a un primer verso de corte balada/pop donde la vulnerabilidad toma protagonismo. Con frases como “No soy perfecto, pero soy real, si tú te quedas juro que no te va a faltar na’”, Hezu Romero muestra una faceta sincera y cercana, apostando por la autenticidad frente a la perfección.

A medida que la canción avanza, el pre-coro construye tensión emocional hasta desembocar en un coro de reggaetón romántico que invita a dejarse llevar: “Bésame lento, después sin pensar, pegaditos bailando hasta que salga el sol allá”. La producción evoluciona hacia un ritmo más urbano, manteniendo siempre el equilibrio entre la sensibilidad de la balada y la energía contagiosa del género latino.

El segundo verso refuerza el mensaje de lealtad y conexión real en tiempos dominados por la superficialidad digital: “No necesito likes si te tengo aquí, que hablen lo que quieran, yo te elijo a ti”. Con esta línea, el artista pone en valor el amor auténtico por encima de la validación externa, consolidando el discurso emocional del tema.

El puente recupera el tono íntimo y reflexivo, apelando a la permanencia y al compromiso, antes de cerrar con un coro final más intenso que eleva la pasión y la complicidad entre los protagonistas de la historia. La outro resume la esencia del single con una declaración clara de intenciones: “Tú y yo, sin pensarlo. Romántico, pero calle. Se siente real…”, una frase que define perfectamente el estilo que Hezu Romero quiere proyectar en esta nueva etapa.

Con “Sin pensarlo”, el artista motrileño no solo presenta una canción, sino también el inicio de una etapa renovada en su carrera, donde la experiencia, la emoción y la determinación se unen para construir un sonido propio. La fusión de romanticismo y esencia urbana marca el camino de un proyecto que promete seguir creciendo y conectando con quienes creen en el amor sin filtros y sin miedo.

“Sin pensarlo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Hezu Romero, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista pop Penélope Robin lanza “Ansiedad”, una canción que se adentra en los miedos más profundos que surgen ante la posibilidad de perder aquello que se ama intensamente. Con tan solo 18 años, la cantautora y productora colombiana reafirma su sensibilidad artística en una obra honesta y atemporal donde la vulnerabilidad se transforma en fortaleza.

Inspirada en la atmósfera de la Cuba de los años 50 y guiada por el ritmo del bolero–son cubano, “Ansiedad” marca un giro sonoro dentro de su propuesta pop. La canción envuelve al oyente en una interpretación cargada de nostalgia y emoción, donde cada frase parece susurrada desde el corazón. La elección de esta estética musical no fue inmediata: el tema exploró inicialmente distintas versiones dentro del pop contemporáneo, hasta que la esencia cubana apareció como el lenguaje perfecto para transmitir la intensidad del mensaje.

“‘Ansiedad’ nació del miedo a perder lo que más amas. Para mí, eso es la música. Pero sé que cada persona la va a escuchar desde su propia herida, desde su propia historia”, comparte Penélope Robin. Esta declaración resume la intención universal del tema: aunque parte de una vivencia personal, la canción se convierte en espejo para quien la escucha.

El sencillo fue escrito junto a Andrés Cabas y C-Rod, quien además asumió la producción junto a la propia Penélope. El resultado es una pieza donde tradición y modernidad dialogan con naturalidad, fusionando la fuerza narrativa del bolero con una sensibilidad pop contemporánea. La instrumentación y la interpretación vocal sostienen un clima íntimo que permite que la emoción fluya sin artificios.

“Ansiedad” no se limita a una confesión personal, sino que se presenta como un refugio sonoro. Es una canción que abraza el temor a la pérdida —ya sea de un amor, un sueño o una pasión— y lo convierte en un espacio de reconocimiento colectivo. En esa fragilidad compartida reside su mayor fortaleza.

Sobre Penélope Robin, su proyección confirma que estamos ante una de las promesas más sólidas del pop latino actual. Firmada por Sony Music US Latin, la artista ha desarrollado desde Colombia un sonido propio que combina pop moderno con influencias retro, acompañado de una estética visual cuidadosamente construida. Cada lanzamiento representa un universo distinto, donde música, moda y narrativa audiovisual se entrelazan para contar historias que reflejan emociones y etapas vitales.

Su talento fue reconocido desde temprana edad: a los 11 años fue seleccionada por Phil Collins para su fundación Little Dreamers y, más adelante, compartió escenario con Karol G, participando en giras y festivales tanto en Estados Unidos como en Colombia. Estos hitos no solo consolidaron su experiencia escénica, sino que reforzaron su visión artística integral.

Con “Ansiedad”, Penélope Robin reafirma su capacidad para reinventarse y para conectar desde la honestidad. En una industria que evoluciona constantemente, su propuesta representa una nueva era del pop latino: auténtica, multifacética y emocionalmente valiente.

“Ansiedad” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Penélope Robin, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista español, conocido como "El niño que tú sigues", estrena un tema cargado de nostalgia que explora el poder de una canción como refugio emocional tras una ruptura. "La Bachata" ya está disponible en todas las plataformas digitales.

Hay canciones que se escuchan, y canciones que se viven. "La Bachata" , el nuevo sencillo del artista emergente Freeshboy, pertenece sin duda a la segunda categoría. Con un lanzamiento estratégico el pasado 13 de febrero, el tema llega en el mes del amor para convertirse en la banda sonora de quienes no pueden evitar recordar a ese alguien especial. Pero ojo, no es una celebración del amor correspondido, sino un viaje directo al corazón de la nostalgia y el desamor, contado con una honestidad que atrapa desde el primer acorde.

"La Bachata" narra la historia de un chico que, después de una ruptura, encuentra un extraño consuelo en escuchar una y otra vez la misma canción: esa bachata que, sin querer, se ha convertido en el hilo conductor de su historia de amor. No es simplemente música de fondo; es el vehículo que transporta los recuerdos de momentos compartidos, risas, apoyo en los días difíciles y la huella imborrable de una conexión que marcó su vida.

Freeshboy se mete en la piel de ese protagonista para ofrecer una interpretación cargada de vulnerabilidad. La canción explora cómo una melodía puede transformarse en un refugio emocional, en ese lugar secreto donde los recuerdos se mantienen intactos a pesar del paso del tiempo y la distancia. Es, en esencia, un retrato generacional de cómo la música se convierte en cómplice de las emociones más profundas.

Musicalmente, "La Bachata" logra un equilibrio perfecto entre la esencia melódica y romántica del género que le da nombre y una producción moderna y envolvente, que conecta con las nuevas corrientes urbanas. La instrumentación, lejos de ser un mero acompañamiento, potencia la carga lírica de la canción, creando una atmósfera íntima que invita al oyente a cantar, a recordar y, por qué no, a dedicar ese mensaje que aún espera respuesta.

El resultado es un sonido fresco pero con raíces, que demuestra la versatilidad de un artista que no teme explorar las emociones más complejas para transformarlas en música. La producción actualiza el sentir clásico de la bachata sin perder su esencia, logrando que el tema suene atemporal y contemporáneo a la vez.

Detrás de este lanzamiento se encuentra David Rodríguez, conocido artísticamente como Freeshboy, un artista español en pleno ascenso que se ha labrado un nombre a base de constancia y autenticidad. Desde su primer single, "Poses", lanzado en 2021, Freeshboy no ha parado de construir un catálogo musical que refleja su evolución y su capacidad para moverse entre diferentes estilos sin perder su identidad.

Su talento y conexión con el público ya le han llevado a hitos importantes en su joven carrera, como telonear a Rels B, una experiencia que sin duda marcó un antes y un después en su proyección. Ahora, con "La Bachata", Freeshboy da un paso al frente para demostrar que también sabe conquistar desde la vulnerabilidad y el sentimiento más puro.

"La Bachata" ya está disponible en todas las plataformas digitales, y todo apunta a que se convertirá en uno de esos temas que la gente no puede dejar de repetir. Es la canción perfecta para ese momento en que la memoria decide reproducir una y otra vez los instantes felices, y para quienes buscan en la música un espejo donde mirarse.

Con este lanzamiento, Freeshboy no solo consolida su identidad musical, sino que invita a sus seguidores —y a quienes aún no lo conocen— a sumergirse en una historia real, cantada con el corazón. Porque, como demuestra en "La Bachata", a veces la mejor manera de superar un recuerdo es ponerle música y dejar que suene, una y otra vez, hasta que duela un poco menos.

El cantante y actor latino reafirma su identidad musical con un tema fresco y bailable que aboga por dejar atrás el orgullo para reconquistar el amor. El sencillo ya suena con fuerza en plataformas digitales y emisoras de radio.

El panorama de la música tropical sigue sumando éxitos que invitan a bailar y a sentir. Esta vez, el protagonista es Jay Seratti, el versátil cantante y actor latino que, con una propuesta fresca y contemporánea, ha lanzado su más reciente sencillo: "Eres Mi Debilidad". Se trata de un merengue romántico que no solo pone a mover las caderas, sino que también toca la fibra más sensible del corazón con una letra que habla de segundas oportunidades y de la fuerza imparable del amor verdadero.

"Eres Mi Debilidad" llega en un momento clave para la carrera de Seratti. El tema, de ritmo contagioso y estribillo pegajoso, es mucho más que una canción bailable. Es un llamado a la reconciliación y a la introspección. La letra, cargada de honestidad, aboga por dejar de lado el orgullo y el rencor para mirarse de frente y recuperar lo que nunca debió perderse. Frases como "Es preciso mordernos la lengua y acabar de una vez esta guerra" o "Es urgente restarle importancia al orgullo, al rencor y la rabia" establecen un diálogo íntimo con el oyente, recordándole que el amor, cuando es genuino, siempre encuentra la manera de regresar.

El estribillo, donde Seratti canta con emoción "Y sentir el cosquilleo, suave y dulce de tus besos", culmina con la confesión que da título a la canción: "Y si aún me quieres, deja de llorar, que a pesar de todo, eres mi debilidad". Una mezcla perfecta de vulnerabilidad y pasión que invita tanto al baile como a la reflexión.

El sencillo no ha tardado en demostrar su potencial. Desde su lanzamiento, "Eres Mi Debilidad" ha tenido una excelente acogida en las principales plataformas digitales y ha comenzado a sonar con fuerza en emisoras radiales especializadas en música latina y tropical. Este recibimiento reafirma la conexión de Jay Seratti con un público que valora las letras cercanas y las melodías auténticas.

Para complementar la experiencia auditiva, el tema llegó acompañado de un visualizer oficial, una pieza audiovisual dirigida por Lya Castro y producida por ARYA Films. Este contenido ha sido clave para reforzar el impacto visual de la canción en YouTube, ofreciendo una estética que acompaña a la perfección la calidez y la energía del merengue.

Con "Eres Mi Debilidad", Jay Seratti consolida su posición como uno de los artistas latinos con mayor proyección en la escena tropical. Su carrera, construida a base de constancia y visión artística, demuestra una versatilidad que le permite moverse con soltura entre los ritmos bailables del merengue y las baladas modernas más intimistas, sin perder nunca su esencia.

Cada uno de sus lanzamientos ha sido un escalón para construir una base de seguidores sólida y leal, que conecta con su interpretación honesta y su capacidad para contar historias universales. Su propuesta no solo busca entretener, sino también llevar un pedazo de la cultura latina al mundo entero.

Detrás de la música de Jay Seratti hay una misión clara: llevar buena música bailable por el mundo entero y que sepan que el latino siempre disfruta de su cultura. Con "Eres Mi Debilidad", el artista no solo ofrece un tema para bailar, sino un himno generacional que habla de amor, de orgullo y de la magia de un "cosquilleo" que, cuando es real, es imposible de ignorar.

Con una propuesta sólida y un ritmo que ya está conquistando pistas de baile, Jay Seratti se prepara para dar el salto a escenarios nacionales e internacionales, demostrando que la música tropical romántica tiene un futuro brillante y un nuevo embajador listo para llevar su mensaje.

El colectivo anónimo, que utiliza la música como un faro moral y no como una carrera artística, presenta una nueva versión orquestal del tema que abre su aclamado álbum debut, "Army of Light". Un canto a la resiliencia que busca llegar a un público más amplio sin perder su esencia.

En un panorama musical saturado de egos y narrativas personales, emerge una propuesta contracorriente que pone el foco en lo único que debería importar: el mensaje. Afterlight Voices, un colectivo anónimo y con un propósito definido, ha lanzado "Hold On, Children (Studio Orchestra Version)", una reinterpretación del tema que abre su álbum debut, Army of Light. Esta nueva versión no es un simple remix, sino una declaración de intenciones: adaptar la poderosa arquitectura moral de la música góspel a un lenguaje pop contemporáneo para que su mensaje de resistencia y humanidad resuene en las ondas radiofónicas de todo el mundo.

"Hold On, Children" se presenta como un retrato nítido y conmovedor de la dificultad económica, la indiferencia social y los pequeños actos de misericordia que logran interrumpir la desesperación. La versión original, arraigada en la tradición góspel, encontraba su fuerza en la desnudez de la emoción. La nueva "Studio Orchestra Version" envuelve esa base en un manto sinfónico, construyendo una progresión que comienza en la intimidad de la imagen acústica para luego elevarse en un estribillo colectivo y arrollador: "When the world breaks, we break open" ("Cuando el mundo se rompe, nos rompemos para abrirnos").

Lejos de ser un mero adorno, la orquestación subraya la filosofía del colectivo: la esperanza no es un sentimiento pasivo ni una abstracción, sino una acción compartida que se construye colectivamente. Es, como ellos mismos describen, la traducción de unos cimientos morales sólidos a una forma pop accesible, diseñada para conectar con los oyentes en su propio territorio.

El lanzamiento de este single refuerza la llegada de Army of Light, el primer larga duración de Afterlight Voices, un trabajo que la crítica especializada ya define como un "álbum sobre la resistencia, no sobre la evasión". Lejos de himnos triunfalistas, el disco traza un arco narrativo que explora la persistencia en sus formas más humildes y poderosas.

Desde la lucha interna de "Faint Little Flame", donde la esperanza persiste incluso cuando la fe se desvanece, hasta la determinación de "Won’t Give In", el álbum desgrana la fortaleza en pequeñas dosis: un latido ("One More Heartbeat"), un destello de luz ("This Little Light Was Enough"), un acto de misericordia. Mención especial merece "More of You", una balada pop narrada desde la perspectiva de un guardián invisible que susurra a una joven acosada que no desaparezca, recordándole que el mundo aún necesita lo que solo ella puede aportar.

Para Afterlight Voices, el góspel no es una elección estética nostálgica ni un guiño a la religión institucional. Es una recuperación de su función histórica: una tradición musical forjada para sostener la dignidad, codificar la esperanza y transmitir claridad moral en tiempos de presión sistémica. El colectivo toma esos cimientos y los adapta a estructuras pop modernas, priorizando la accesibilidad para que el mensaje llegue más lejos, sin diluir su potencia ética.

La singularidad de Afterlight Voices reside en su anonimato deliberado. Detrás del proyecto hay músicos profesionales con carreras consolidadas que han elegido ceder el protagonismo a la obra. El colectivo no tiene presencia en redes sociales ni realiza promoción cruzada. "Las canciones están hechas para sobrevivirnos", afirman.

Financiado con fondos de propósito público, el proyecto trata la música como un sistema de transmisión de ideas que refuerzan la resiliencia, la empatía y la responsabilidad colectiva. Todos los beneficios de su música se destinan a iniciativas benéficas.

En un mundo quebrado, Army of Light no es una declaración de victoria. Es, como sus creadores definen, "un disco sobre permanecer". Y con "Hold On, Children (Studio Orchestra Version)", Afterlight Voices nos recuerda que permanecer juntos, y convertir nuestra fragilidad compartida en una fuerza colectiva, es el primer y más importante paso para encender una luz en la oscuridad.

El productor y compositor británico Danny L Harle da hoy un paso decisivo en su carrera con el estreno de “Two Hearts”, su esperada colaboración con Dua Lipa, single principal de su nuevo álbum de estudio Cerulean, que se publica hoy, 13 de febrero de 2026 a través de XL Recordings. Más que una simple colaboración, el tema simboliza la consolidación de una alianza creativa que ha marcado el rumbo del pop contemporáneo en los últimos años.

“Two Hearts” tiene una historia especial. La canción fue escrita originalmente durante las sesiones de Future Nostalgia, pero quedó guardada hasta que Harle decidió recuperarla y завершarla para su propio proyecto. Coescrita por Harle, Dua Lipa y Andrew Wyatt, la pista combina la potencia vocal y el magnetismo de la artista británica con la producción eufórica y las características texturas de “saw wave” que definen el universo sonoro del productor. El resultado es un himno de alta energía con un pulso nostálgico que conecta el pop de estadio con la cultura dance.

La colaboración no es casual. Danny L Harle ha sido una figura clave en la evolución artística de Dua Lipa, participando activamente en la construcción de su sonido reciente y aportando su sensibilidad electrónica y maximalista a su imaginario pop. Con “Two Hearts”, esa complicidad alcanza un nuevo nivel: aquí no se trata solo de producción, sino de un diálogo creativo en igualdad, donde ambas visiones confluyen en una canción que respira química y ambición.

El lanzamiento de “Two Hearts” coincide con la llegada de Cerulean, un álbum que Harle define como su verdadero debut de larga duración, incluso por encima de su proyecto conceptual Harlecore en 2021. “Este es mi álbum debut. De verdad lo es. Es el grande”, ha afirmado el productor, subrayando el carácter fundacional de este trabajo en su trayectoria. El disco explora una belleza que él describe como “alienígena” y familiar al mismo tiempo, moviéndose hacia un sonido más pulido, celestial y emocionalmente expansivo.

Aunque el foco hoy está puesto en Dua Lipa, Cerulean se enriquece con un abanico de colaboraciones que consolidan su carácter coral. Entre ellas destacan Caroline Polachek, PinkPantheress, Clairo, MNEK y Oklou, además de la participación de Julia Michaels en “Raft In The Sea”, una de las piezas más introspectivas del álbum. Sin embargo, es “Two Hearts” la que funciona como puerta de entrada al universo del disco, sintetizando su equilibrio entre euforia y vulnerabilidad.

Musicalmente, Cerulean expande el lenguaje que Harle comenzó a desarrollar en el colectivo PC Music y que más tarde perfeccionó como productor para figuras como Charli XCX y Carly Rae Jepsen. Su formación clásica convive aquí con la energía rave de los noventa y con referencias culturales que van desde la saga Dark Souls hasta la sensibilidad cinematográfica de Andrei Tarkovsky. Todo ello se traduce en un álbum que oscila entre lo monumental y lo íntimo, entre lo digital y lo profundamente humano.

Con “Two Hearts”, Danny L Harle no solo presenta una nueva canción junto a Dua Lipa: reafirma su papel como uno de los arquitectos más influyentes del pop actual. La química entre ambos, forjada en el estudio y ahora expuesta en primer plano, marca un momento clave para 2026 y sitúa a Cerulean como uno de los lanzamientos más ambiciosos y relevantes del año.