Desde Kuver Music, la emoción se desborda con la llegada del primer lanzamiento oficial de Khiara, una artista que ya marca historia al convertirse en la primera artista 360 de Kuver Producciones. Su single debut, titulado "DOWN", aterriza con una propuesta fresca, vibrante y decididamente internacional, que apunta a conquistar tanto a los seguidores de la música urbana como a quienes buscan nuevas tendencias y fusiones sonoras.
"DOWN" es un tema que destaca por su combinación única de ritmos urbanos y matices dance, consiguiendo una mezcla sonora moderna que refleja a la perfección la identidad de Khiara. Con guiños a los sonidos de los años 80, la canción logra transportar al oyente a una experiencia donde la nostalgia y la vanguardia conviven, ofreciendo un tema tan bailable como adictivo. Desde sus primeros acordes, "DOWN" atrapa con su energía y producción impecable.
Este proyecto ha sido concebido con una marcada visión internacional, involucrando a profesionales de distintas ciudades y países en su proceso de creación. Las voces de Khiara fueron grabadas en Cádiz (España) por el reconocido Miguel Sáez, mientras que la producción musical se llevó a cabo en Santiago de Cuba por Expresión Urbana Estudios. Posteriormente, Juanma Leal se encargó de la mezcla en Cádiz, y la postproducción estuvo a cargo de Ricardo del Llano (Rikcha) desde Miami (Florida). Para completar este recorrido global, el mastering final se realizó en The Mastering Palace de Nueva York, bajo la supervisión del prestigioso ingeniero Dave Kutch, garantizando un sonido pulido y de estándar internacional.
En cuanto a la composición, Khiara y Miguel Sáez han sido los responsables de dar vida a la letra y melodía de "DOWN", confirmando el talento que impulsa este ambicioso proyecto. La parte visual no se ha quedado atrás, con la fotografía a cargo de Fran Muñoz y el diseño gráfico en manos de Césare Amgi, quienes han conseguido una imagen atractiva y coherente con la esencia sonora de la canción.
Desde Kuver Music, se reafirma con este lanzamiento el compromiso de apoyar y desarrollar nuevos talentos, apostando por propuestas frescas y producciones de alto nivel. Khiara inicia así una prometedora carrera que promete grandes sorpresas en los próximos meses.
"DOWN" ya se encuentra disponible en plataformas digitales, invitando a todos los oyentes a descubrir esta primera muestra del universo musical de Khiara. Para estar al tanto de sus próximos proyectos y novedades, pueden seguirla en sus redes sociales.
Una artista que llega para quedarse, con un debut que apunta a convertirse en uno de los temas imprescindibles de esta temporada.
El renombrado DJ y productor musical, conocido en la industria como Genio Producer, ha regresado a Caracas para presentar su tan esperado álbum titulado “Feromonas”. El lanzamiento tuvo lugar la tarde del pasado jueves 24 de abril en las instalaciones de la Quinta Bar, en Las Mercedes, donde el artista deleitó a sus asistentes con un adelanto de su nuevo proyecto, que ya está disponible en todas las plataformas digitales.
“Feromonas” es un disco cargado de emociones y energía, que ofrece once pistas diseñadas para llevar al oyente a un viaje musical inolvidable. Son 11 temas en los cuales se encuentran: “Deseos,” “Pocatela”, “Punto G,” y “Afrodisíaco”, “Provocativa”, “Sexting”, “Magdalena”, “Insaciable”, “Clímax”, “Éxtasis” y “Alguna Cosa”. Cada canción refleja la esencia única de este talentoso joven, fusionando ritmos urbanos y electrónicos con letras que abordan los deseos y las emociones más profundas.
El álbum tiene su origen en una experiencia personal significativa. Genio compartió que sufrió un accidente en Cancún, México, lo que le obligó a un tiempo de reposo sin poder presentarse en eventos. “Este tiempo lo aproveché para crear este álbum hace tres años”, comentó. Para él, la familia es fundamental y representa la base de todo, un valor que transmite a través de su música.
En este nuevo trabajo, también colabora con artistas nacionales como Young Laroye, Maky (MX), Francesco Almonte, Edgar Joel, Monserratt & Fame, Andrés Hernández, Yndiana, Sebastián Rivero, y Lil Netto. Además, se une a Studio Bros para rendir un emotivo tributo al fallecido DJ Luis de Rosa.
Por si fuera poco, a este soñador nada lo detiene, y por ello ha lanzado su propio sello discográfico, La Fabrik Music, con el objetivo de apoyar a talentos emergentes y desarrollar grandes proyectos en el ámbito musical. Su compromiso con la industria se complementa con su labor como artista, donde se ha presentado en reconocidos clubes y eventos internacionales.
Este DJ y productor musical contó con el respaldo de un equipo profesional para asegurar el éxito de su álbum. Entre los colaboradores destacados se encuentra Alfredo Tovar, un reconocido fotógrafo nacional. De igual forma, participaron varias modelos de renombre, siendo Fernanda González, Miss Tourism Universe 2022, una de ellas.
El evento de lanzamiento tuvo el apoyo de diversas marcas como Caroreña, Hatillo 360, Stweet, Quesos de Cabra, Chocolis, Tequeños Las Tías, Animaciones A4 y Marys Burger, quienes respaldaron este proyecto que celebra la riqueza cultural y musical.
Mirando hacia el futuro, Genio Producer anunció que en los próximos meses lanzará un nuevo álbum titulado “El Alquimista”, así como un emocionante concierto que llevará el nombre de su actual disco, “Feromonas”. Promete muchas sorpresas para su público, asegurando que estén atentos a sus plataformas digitales en @genioproducer.
Con el lanzamiento de “Feromonas,” el productor musical Genio reafirma su compromiso de ofrecer música de calidad y de crear una conexión genuina con sus seguidores.
El artista que poco a poco ha empezado a dejar huella por su autenticidad y sensibilidad, Sunny Senpai, vuelve a abrir su corazón con “No hace falta”, una canción que nace de una de esas conexiones que llegan sin aviso y te revuelven todo. Inspirada en un encuentro inesperado que lo hizo revivir nervios, adrenalina y esas emociones adolescentes que uno cree tener superadas, este tema se siente como una confesión hecha canción.
“No hace falta” es una fusión hermosa entre el regional mexicano y la nostalgia envolvente del R&B alternativo. Sunny lo define como neo-regional con melancolía cálida, y basta con escuchar los primeros acordes para entender a qué se refiere. La canción suena a carta sin remitente, a abrazo necesario y a recordatorio de que todos llevamos cicatrices, pero también la capacidad de sanar.
“Es como si le hablara a alguien como yo: con heridas e inseguridades, pero con ganas de sanar”, comparte Sunny sobre el proceso que dio vida a esta canción. Lo que comenzó como una idea rápida en las notas del teléfono, terminó transformándose en un tema íntimo y honesto, gracias a la complicidad de amigos y productores como Güero Sarabia (Sonora) y Wine (Chile). Entre guitarras españolas, texturas lo-fi y melodías limpias que parecen abrazarte, “No hace falta” se respira.
Más allá de cifras o tendencias, la canción ha conectado con historias reales. Se ha convertido en banda sonora de declaraciones, aniversarios, despedidas y reencuentros. La frase “Si supieras lo que siento con mirarte, no lo dudarías ni un instante” ya acumula decenas de videos en TikTok, covers caseros y tutoriales de guitarra. Sunny ha recibido mensajes de fans que le cuentan cómo su música les ha devuelto las ganas de tocar un instrumento o les ha ayudado a reconectar con quienes aman.
Aunque aún no hay videoclip oficial, Sunny ya imagina uno con esa mezcla de romanticismo sincero y humor sutil que lo caracteriza. Como él mismo dice, “sería como una vela encendida en una habitación oscura: no ilumina todo, pero basta para no sentirse solo”.
“Yo empecé haciendo música con una guitarra española. Esa es mi raíz. Esta canción me reconcilió conmigo mismo, me hizo dejar atrás inseguridades y encontrar de nuevo mi voz. Ha sido de las cosas más bonitas que me ha pasado”, confiesa.
“No hace falta” será parte del primer álbum de Sunny Senpai, previsto para finales de este año, un disco que promete consolidar su estilo emocional y vulnerable dentro del neo-regional y que busca llegar a más corazones que necesitan canciones que se sientan cercanas y reales.
Disponible ya en plataformas digitales y con una comunidad que crece con cada estreno, Sunny Senpai se prepara para los próximos shows en vivo, soñando con cantar a todo pulmón junto a quienes ya han hecho suyas sus letras.
El artista estadounidense The Real Mack The Knife, uno de los nombres más inquietos y originales de la música electrónica contemporánea, ha estrenado su nuevo single “Mumbai Lights”, una pieza que rinde homenaje a la vibrante y diversa ciudad de Mumbai, India. Disponible ya en plataformas digitales, esta canción promete convertirse en un referente dentro de la electrónica global por su audaz fusión de sonidos y culturas.
“Mumbai Lights” es mucho más que una canción; es una experiencia sonora multicultural que celebra el espíritu de “la ciudad de los sueños”. Con una base electrónica que coquetea con el pop alternativo y los grooves bailables, The Real Mack The Knife mezcla letras en inglés, marathi, hindi y gujarati, logrando capturar la esencia cosmopolita y diversa de Mumbai en cada compás.
Fiel a su estilo innovador, el artista fusiona elementos del Bollywood clásico con bases electrónicas modernas, creando un tema fresco, alegre y lleno de color. “Mumbai Lights” es un ejemplo perfecto de su capacidad para transformar tradiciones musicales en paisajes sonoros contemporáneos, invitando al oyente a un viaje sensorial por las calles iluminadas de una de las ciudades más fascinantes del mundo.
The Real Mack The Knife ha forjado su reputación dentro de la escena electrónica global gracias a su constante búsqueda de nuevas sonoridades y su interés por explorar diferentes culturas musicales. Con influencias que abarcan desde los ritmos mediterráneos hasta la música del sur de Asia, el artista ha creado una propuesta sonora única, capaz de conectar públicos de distintos rincones del planeta.
El lanzamiento de “Mumbai Lights” refuerza la posición de The Real Mack The Knife como uno de los creadores más frescos y cosmopolitas del panorama electrónico actual. Este nuevo single se suma a una discografía que ya cuenta con títulos como “Club Sevilla”, otra muestra de su capacidad para reinterpretar los sonidos del mundo desde una mirada electrónica experimental.
El tema ya está disponible en plataformas digitales. Para descubrir los próximos proyectos de The Real Mack The Knife, acceder a contenido exclusivo y seguir de cerca sus colaboraciones internacionales, puedes seguirlo a través de sus redes sociales.
Con “Mumbai Lights”, The Real Mack The Knife no solo ofrece una canción, sino una experiencia sonora global que confirma su lugar como uno de los artistas más innovadores y culturalmente conectados de la escena electrónica actual.
La cantautora venezolana Sami Tariffi vuelve a emocionar con el lanzamiento de su nuevo sencillo “Fuimos Ardiendo”, una propuesta íntima, nostálgica y a la vez vibrante, que ya se encuentra disponible en plataformas digitales. En esta ocasión, Sami sorprende con su primer featuring oficial al unirse con el artista Gonzo, en una colaboración que equilibra a la perfección melancolía y ritmo.
“Fuimos Ardiendo” cuenta la historia de una relación que, a pesar de conservar aún chispas de cariño, ya no tiene la fuerza suficiente para sostenerse. Con una narrativa honesta y desgarradora, Sami Tariffi plasma ese instante en que el amor persiste pero ha dejado de ser suficiente, dejando cicatrices y memorias difíciles de borrar. Versos como “Y ahora no conozco a la persona que me decía te quiero” resumen el tono emocional del tema, logrando conectar con cualquier oyente que haya sentido la lenta extinción de una historia de amor.
Musicalmente, la canción destaca por su original fusión de Afrobeat y pop latino, creando una atmósfera veraniega, llena de vibras de playa, que contrasta de manera brillante con la carga sentimental de la letra. Ese equilibrio entre ritmo y nostalgia es una de las grandes virtudes del tema, logrando envolver al oyente en una mezcla de emociones mientras el groove invita a dejarse llevar.
La participación de Gonzo aporta una dimensión especial a “Fuimos Ardiendo”, ofreciendo una perspectiva complementaria a la historia desde la otra cara de la relación. La química entre ambos artistas se percibe natural y auténtica, enriqueciendo el relato con matices y voces que dialogan entre sí.
Este lanzamiento marca también un momento clave en la carrera de Sami Tariffi, consolidando una nueva etapa artística en la que la cantante venezolana, actualmente radicada en Estados Unidos, sigue explorando sonidos frescos y colaboraciones que amplían su propuesta sonora sin perder su sello emocional.
“Fuimos Ardiendo” ya está disponible en plataformas digitales. Para estar al tanto de sus próximos lanzamientos, contenidos exclusivos y conocer más sobre la evolución de esta talentosa artista, puedes seguirla en sus redes sociales.
Con este sencillo, Sami Tariffi confirma su capacidad para contar historias universales a través de una propuesta sonora innovadora y emocionalmente honesta, posicionándose como una de las voces emergentes más prometedoras dentro de la escena latina alternativa.
El talentoso artista emergente Cozy acaba de lanzar su más reciente single “Glory”, una canción que promete convertirse en la banda sonora de todos aquellos que luchan por sus sueños y se niegan a rendirse. Disponible ya en plataformas digitales, esta nueva propuesta musical combina la esencia del Afro-fusion con toques de hip-hop contemporáneo y una poderosa carga emocional.
“Glory” es mucho más que una canción. Es un relato sonoro de perseverancia, fe y triunfo personal. Con una interpretación honesta y conmovedora, Cozy nos invita a mirar hacia adelante, a encontrar luz en medio de las batallas diarias y a reconocer que, incluso en los momentos más oscuros, hay una fuerza divina guiando cada paso.
“Esta canción es sobre reconocer la mano de Dios en mi camino”, comparte Cozy. “A pesar de las caídas y las luchas, siempre hay victoria, siempre hay Glory. Quiero que la gente se sienta fortalecida, que recuerde que su historia no ha terminado.”
Producida con una atmósfera cinematográfica, potentes percusiones y letras introspectivas, “Glory” refleja a la perfección el sello artístico de Cozy: auténtico, emocional y con una dimensión épica que trasciende géneros. Esta canción representa un punto de inflexión en su carrera y anticipa un año lleno de nuevas historias y proyectos que prometen sorprender.
El artista, quien se define como un narrador de vivencias y un explorador sonoro de nuevos mundos musicales, continúa llevando su propuesta más allá de las fronteras convencionales, soñando con crear una nueva era y un renacimiento musical. Cozy busca que cada canción sea un viaje, una travesía por universos desconocidos que regresan cargados de verdad.
“Glory” ya se encuentra disponible en plataformas digitales. Para no perderse ninguna de sus próximas aventuras sonoras y descubrir contenido exclusivo, los seguidores pueden mantenerse conectados a través de sus redes sociales.
Con “Glory”, Cozy reafirma su compromiso de ser la voz de los soñadores, los luchadores y los que aún creen en los milagros cotidianos.
La banda emergente Zircon Skyeband ha anunciado con entusiasmo el lanzamiento oficial de su esperado single “Elvis Lives on the Moon”, ya disponible en plataformas digitales. La agrupación, conocida por su estilo etéreo y su habilidad para fusionar géneros con una personalidad sonora inconfundible, presenta esta nueva canción como un homenaje a sus fieles seguidores y como un manifiesto de su incesante búsqueda musical.
Con una trayectoria construida a base de melodías cautivadoras, letras que conectan con lo más profundo del alma y una atmósfera sonora envolvente, Zircon Skyeband se ha consolidado como una propuesta única dentro de la escena indie-alternativa internacional. Y es precisamente ese espíritu soñador el que impregna “Elvis Lives on the Moon”, una pieza que invita al oyente a dejarse llevar por un viaje interestelar, acompañado de guitarras oníricas y un saxo sedoso que evocan la sensación de deslizarse entre constelaciones bajo la luz de una luna lejana.
El tema, producido y grabado por John Brokaw, con la colaboración de Jeff Evans, reúne a un talentoso colectivo de músicos que, bajo el sello Zircon Skye, han sabido plasmar su esencia en cada compás. La canción destaca no solo por su impecable producción, sino también por su capacidad para transmitir imágenes y emociones que trascienden las palabras.
Además, la banda continúa ampliando su universo artístico a través de sus vídeos musicales, con los que han sabido conectar con públicos de diferentes rincones del mundo. Sus producciones audiovisuales en Facebook, Instagram y YouTube capturan la esencia vibrante y mística de Zircon Skyeband, convirtiendo a oyentes ocasionales en auténticos fans.
“Elvis Lives on the Moon” ya está disponible en plataformas digitales como Spotify, Apple Music, Deezer y otras, invitando a todos a sumergirse en esta experiencia sonora que promete ser inolvidable. Para quienes deseen estar al tanto de las próximas novedades, lanzamientos y contenidos exclusivos de la banda, pueden seguirla en sus redes sociales.
Un nuevo capítulo comienza para Zircon Skyeband, y con “Elvis Lives on the Moon”, dejan claro que su música no tiene fronteras… ni siquiera en la luna.
La estrella sueca Zara Larsson vuelve a brillar en la escena musical internacional con “Pretty Ugly”, su nuevo single que ya está disponible en todas las plataformas digitales. La artista, conocida por éxitos globales como Lush Life, Never Forget You y Ruin My Life, entrega esta vez una poderosa canción pop cargada de actitud, ritmo y una letra que celebra las contradicciones humanas, el amor propio y esa mezcla irresistible de fuerza y vulnerabilidad que todos llevamos dentro.
“Pretty Ugly” es una pista vibrante que recupera las influencias dance-pop y R&B que han marcado la carrera de Zara, con guiños sonoros a los himnos de club de los 2010’s y una producción impecable que sabe equilibrar modernidad y nostalgia. En esta canción, la artista explora sin filtros la idea de sentirse a veces “hermosamente rota”, aceptando las imperfecciones y los momentos de duda como parte esencial de la identidad personal.
El lanzamiento de “Pretty Ugly” llega tras un año cargado de éxitos para Larsson, quien en 2024 publicó su aclamado cuarto álbum de estudio Venus, un disco que la consolidó aún más como una de las voces femeninas imprescindibles del pop europeo. Temas como Can’t Tame Her y You Love Who You Love han sonado en todo el mundo, y este nuevo single promete seguir ese camino ascendente.
Lo interesante de “Pretty Ugly” no es solo su pegadizo estribillo o su producción explosiva, sino el mensaje que hay detrás. Zara canta sobre esos días en los que no se siente invencible, sobre las inseguridades que intenta esconder y la belleza de abrazar esas emociones contradictorias. Con su característica seguridad y carisma, invita a sus oyentes a dejar de pretender ser perfectos y a sentirse orgullosos de su complejidad.
Desde que con solo ocho años ganara Talang Sverige, la versión sueca de Got Talent, Zara Larsson ha construido una carrera meteórica llena de éxitos y colaboraciones internacionales. Ha compartido estudio con artistas como David Guetta, Kygo y Clean Bandit, y su capacidad para moverse entre el pop comercial, el R&B y la electrónica la ha convertido en una de las artistas más versátiles de su generación.
Con “Pretty Ugly”, Zara demuestra una vez más que está en su mejor momento, consolidando un discurso musical honesto, divertido y empoderador. La canción ya está disponible en plataformas digitales, y sus fans pueden seguir descubriendo más de su mundo a través de sus redes sociales, donde la cantante no solo comparte novedades musicales, sino también su visión personal sobre la vida, el amor y el arte.
Sin duda, otro acierto de Zara Larsson que confirma por qué sigue siendo una de las artistas más influyentes del pop contemporáneo.
Angy, la cantante y actriz que marcó a toda una generación desde Factor X y Física o Química, vuelve a emocionar con su nuevo single “No nos va tan mal”, una canción que confirma su capacidad para convertir lo cotidiano en poesía sonora. Disponible ya en todas las plataformas digitales, este tema llega como un nuevo capítulo en la vida artística de una intérprete que siempre ha hecho de sus emociones su mejor arma.
Desde que debutó con su primer álbum a los 17 años, Angy ha sido una voz que conecta desde lo íntimo. Tras años entregándose al teatro musical y proyectos tan aplaudidos como Hoy no me puedo levantar, La Llamada o Kinky Boots, y después de una emotiva participación en el Benidorm Fest 2024 con Sé quién soy, la artista vuelve a los estudios para presentar este single que habla de relaciones complejas, de idas y venidas, de esa obstinada costumbre de seguir amando a pesar de los desencuentros.
“No nos va tan mal” es una canción que juega con la melancolía y el desahogo, con un estribillo que se queda grabado en la memoria y una letra que bien podría ser el reflejo de tantas historias que intentan sobrevivir en medio de la rutina y las contradicciones. Con frases como “Cada esquina de esta habitación grita nuestro nombre”, Angy pone voz a esa sensación de querer escapar y, al mismo tiempo, no poder soltar del todo.
Musicalmente, el tema mantiene esa mezcla de pop emocional y toque indie que caracteriza sus últimos trabajos, combinando una base envolvente con una interpretación vocal llena de matices, capaz de transmitir fragilidad, fuerza y desgarro en un mismo verso.
Este lanzamiento llega tras la publicación de su primer libro Bonito Desastre, y se suma a un año cargado de proyectos personales y profesionales donde Angy ha vuelto a recordarse —y recordarnos— quién es. “No nos va tan mal” es, además, un adelanto de lo que podría ser una nueva etapa musical, en la que, como siempre, lo importante será contar las cosas sin filtro, con esa sensibilidad que se cuela entre melodías, escenarios y miradas.
La canción ya está disponible en plataformas digitales y promete convertirse en un refugio sonoro para quienes saben lo que es intentar seguir adelante sin dejar de mirar atrás. Para conocer más sobre Angy y estar al tanto de sus próximos pasos, puedes seguirla en sus redes sociales.
La voz de Nazaret Navarro vuelve a sonar con más fuerza que nunca. La artista cordobesa acaba de estrenar su nuevo single “Te lo Perdiste”, un tema de pop flamenco con carácter que mezcla desamor, arte y superación personal. La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales, y promete convertirse en un himno para quienes alguna vez tuvieron que decirle a alguien: ya es tarde… te lo perdiste.
Producida por Manu Sánchez, con mezcla y mastering también a su cargo, y compuesta por Kiko Carrillo, “Te lo Perdiste” es una historia contada con el alma y desde las entrañas. Una mujer rota tras una relación fallida, que se levanta, se sacude el dolor y se da cuenta de que merece algo mejor. Cuando él intenta volver, ya no hay sitio. Y lo que queda es un estribillo pegadizo, con sabor a flamenquito actual y toda la emoción de las letras que saben decir lo que tantas veces cuesta expresar.
Nazaret Navarro es una artista que ha sabido evolucionar sin perder su raíz. Desde su paso por “Yo Soy Del Sur” en 2017, donde cautivó con su amor por las sevillanas, hasta su transformación en los últimos años, donde ha explorado nuevos sonidos que van desde las sevillanas modernas hasta el pop flamenco. Con éxitos como Martina, Amor de Madre o No Necesito Más, ha demostrado su capacidad para renovar géneros tradicionales y conectar con nuevas generaciones.
En 2024, Nazaret ha iniciado su proyecto más ambicioso hasta la fecha: “Penúltimo Intento”, bajo la producción de Manu Sánchez. Un trabajo en el que explora otros registros y sonoridades, sin dejar de lado su esencia, gracias a la colaboración constante con su productor de siempre, José Mª Fayos. Este proyecto busca mostrar a una Nazaret más madura, libre y valiente, capaz de contar historias personales a través de canciones que emocionan y que invitan a la reflexión.
“Te lo Perdiste” es solo el principio de esta nueva etapa. Una canción pensada para escucharla con el alma abierta, perfecta para los amantes de la música flamenca actual, las canciones de empoderamiento y los temas de desamor con verdad. Nazaret ha conseguido reunir en este tema letra, emoción y ritmo flamenco, creando un sencillo que invita a cantarlo, sentirlo y compartirlo.
Ya puedes escuchar “Te lo Perdiste” en todas las plataformas digitales, y seguir de cerca a Nazaret Navarro a través de sus redes sociales, donde comparte cada paso de este nuevo camino que promete regalar momentos inolvidables a sus seguidores. Porque a veces, cuando alguien se va… es lo mejor que podía pasar. Y si vuelve, ya sabes: te lo perdiste.
Con poderosas guitarras distorsionadas, sintetizadores, efectos vocales de alta calidad y una lírica honesta que funciona como despedida, el tapatío Kike Jiménez ha vuelto a la carga con su nuevo sencillo “Todo Cambió”, una canción escrita desde el coraje y la impotencia de saber que no queda nada por hacer ante una relación que termina.
Banda sonora ideal para quienes están atravesando una ruptura amorosa, “Todo Cambió” se inspira en ese momento cuando la versión de ti + tu media naranja se desvanece, quedando solo la resignación, el soltar y seguir adelante, teniendo como acompañamiento la potente y enérgica voz de Kike para cantar a su lado “no puedo creer que nuestro fuego ya se apagó, ayúdame qué hago con este dolor”.
Producida a distancia de la mano de Ricardo Rivera (“El Rich”), Todo Cambió llegará a todas las plataformas el próximo viernes 2 de mayo, una canción que por seguro resonará en más de uno, pues todos hemos pasado por estos cambios en algún momento de nuestras vidas.
Desde los inicios de su carrera musical en 2011 y 2020 —tras su participación en La Voz México—, Kike Jiménez no ha dejado de sorprende al público, lanzando sencillos como “Aquí y Ahora”, “Al Final” y “Te Esperaba”, al igual que su EP titulado 33, con temas como “El Secreto de Tu Piel”, “Nunca” y “Hey! Nada Es Para Tanto”, en el que plasma su evolución musical y personal a lo largo de más de 10 años de trayectoria como solista.
Kike también ha colaborado con artistas de la escena nacional e internacional, entre ellos como María José, Pressive, Sofi Macchi, Miky Mendoza. Actualmente, Kike Jiménez continúa activo en la escena musical, trabajando en nuevos proyectos y compartiendo su música con el público, por ejemplo con su próxima gira “En Todas Partes Tour”, te dejamos las fechas a continuación:
Dubioza Kolektiv regresa con más fuerza que nunca. Su nuevo single, “Rakija y Ron”, es otra muestra irresistible de su estilo inconfundible: ritmos contagiosos, letras desenfadadas y una fusión cultural llena de color y energía. En esta ocasión, brindan junto a Adrià Salas (La Pegatina), cuya participación aporta un toque mediterráneo que encaja como anillo al dedo. “Rakija y Ron” es un brindis musical a ritmo acelerado que celebra el vínculo entre las culturas balcánica y española, una fiesta de amistad, risas y música sin fronteras.
La voz de Adrià Salas armoniza a la perfección con esta colaboración alegre, uniendo Sarajevo y Barcelona en una canción en la que la rakija y el ron se convierten en símbolos divertidos de dos mundos que, aunque separados por kilómetros, comparten el mismo espíritu festivo. ¿Cómo de importante es la rakija para Dubioza Kolektiv? Tanto, que no solo cantan sobre ella: ¡hace tres años lanzaron su propia marca, Maksuzija!
El lanzamiento viene acompañado de un videoclip que enciende la fiesta desde el primer rayo de sol: una auténtica celebración visual que marca el tono de esta colaboración.
Dubioza Kolektiv sobre “Rakija y Ron”: "La canción es un cóctel de alta graduación, mezcla de ritmos latinos y melodías balcánicas, formulado científicamente para activar de inmediato los centros neuromotores responsables del baile espontáneo. Según estudios preliminares, la euforia inducida por el ritmo se dispara en los primeros 3 segundos, con un notable subidón de serotonina y una caída en picado del estrés. Si los síntomas persisten, recomendamos acompañar con el cóctel del título para lograr una sincronización óptima en la pista. Efectos secundarios: diversión incontrolable, sudor excesivo y quejas vecinales.", bromea la banda.
Hace unas semanas la banda anunciaba su gira 2025. Con su espíritu festivo, el grupo promete ofrecer una experiencia inolvidable a sus fans españoles. La gira incluirá paradas en Madrid y Barcelona los días 12 y 13 de septiembre, respectivamente, donde la banda presentará sus canciones más populares y material nuevo.
Tras el éxito del aclamado sencillo Balkan Boys, los Dubioza decidieron lanzar otra versión de la canción, bautizada como “Live Swing Edition”, acompañados esta vez por los Sarajevo Jazz Guerrilla. Fieles a su estilo, Dubioza Kolektiv utiliza el humor, la sátira y ritmos irresistibles para desafiar las percepciones y celebrar el espíritu único de la región.
El grupo ha declarado que "la canción Balkan Boys cuenta la historia de siete almas de los Balcanes, que juntas forman la banda Dubioza Kolektiv. A menudo nos comparan con siete enanos revoltosos y borrachos, abandonados por una Blancanieves desencantada. Abandonados sin supervisión ni control, los enanos, en una bruma de delirio ebrio, decidieron un día cambiar sus picos por melodías, abandonando las minas para escribir canciones y formar una banda en su lugar".
Ahora, Dubioza Kolektiv anuncia su gira por España y promete no dejar indiferente a nadie con sus actuaciones. Las entradas ya están disponibles en entradas.com.
La artista emergente CARO CAXI irrumpe con “Click”, su primer sencillo como intérprete, junto al artista hispano-ruso Dyce. Después de trabajar como compositora para grandes figuras del panorama musical como J Balvin, Lola Indigo, Yendry y Ptazeta; CARO presenta su proyecto más personal. Una propuesta fresca, explosiva y con un mensaje de éxito, amistad y buena vibra.
Respaldada por la producción de Diztortion, conocido por sus trabajos junto a Sean Paul y Becky G, “Click” arranca con una vocal impactante y una base instrumental elegante de piano y cuerdas, para luego estallar en un estribillo hiperelectro cargado de alegría y fuerza. La canción habla sobre lograr el éxito sin olvidarte de los tuyos, celebrando el camino junto a ese grupo especial de personas que forman tu “click”.
Este merengue electrónico nació en un estudio de Bélgica y se completó en Blanco Studios en Londres, con una producción impecable que realza la voz de CARO y su propuesta artística única.
“Click” es la primera muestra del proyecto musical con el que CARO CAXI nos sorprenderá este 2025.
Caroline Alvares, conocida artísticamente como CARO CAXI, es una artista y compositora con una sólida trayectoria como autora de éxitos para grandes artistas como J Balvin, Lola Indigo, Yendry y Ptazeta. Nacida en el sur de Londres y con ascendencia española e india, CARO creció escuchando a artistas como Shakira, Daddy Yankee y Missy Elliot, influencias que marcaron profundamente su estilo musical.
Con una perspectiva cultural única, nutrida por las raíces de sus padres y un instinto natural para fusionar sonidos, CARO ha desarrollado una identidad sonora que mezcla ritmos latinos, pop urbano y electrónica de manera orgánica y auténtica.
En abril de 2025, da el salto con su primer sencillo “Click”, un tema que refleja su visión artística, su potente voz y su capacidad de conectar emocionalmente con el público. “Click” marca el inicio de una nueva etapa en su carrera, donde su versatilidad y frescura la posicionan como una de las promesas más emocionantes del panorama musical actual.
El polifacético cantante, compositor y productor Jacob Chacko vuelve a sorprender con el lanzamiento de su nuevo EP ‘Give Me The Good Stuff’, una obra que desafía las etiquetas de género y se sumerge en las profundidades de la emoción humana. Con una trayectoria marcada por la autenticidad y una mirada optimista, aunque profundamente sensible, el artista de New Milford, Nueva Jersey, presenta un trabajo cargado de matices sonoros y temáticos que conectan directamente con el corazón del oyente.
Uno de los sencillos más destacados del EP es ‘Come To Me’, una delicada y conmovedora pieza indie que aborda el complejo proceso de despedirse de un ser querido. Con una atmósfera etérea que envuelve la voz de Jacob en ecos lejanos, sobre un paisaje sonoro de atardecer y suaves guitarras de rock alternativo, la canción invita a reflexionar sobre la pérdida, la memoria y la aceptación. Es un tema que, por su honestidad y belleza, marca un punto de inflexión en la carrera del artista.
El EP también incluye ‘Fallen Dreams’, una propuesta que eleva el ánimo a través de melodías pegadizas y un mensaje inspirador. En esta canción, Jacob invita a no abandonar los sueños, a luchar contra las adversidades y a mantener viva la pasión por aquello que nos mueve. Con un sonido que trasciende géneros, fusionando elementos de rock comercial, pop y toques de gospel, este tema reafirma la capacidad del artista para conectar desde lo emocional sin sacrificar el atractivo musical.
Por su parte, ‘Control My Pride’ se presenta como una composición singular, cargada de ritmo, con una fusión de elementos electrónicos y orgánicos, y una interpretación teatral que la convierte en una de las joyas del EP. En ella, Jacob reflexiona sobre el orgullo y la importancia de saber dominarlo, proponiendo una visión esperanzadora y llena de autoconfianza.
Para dar vida a este proyecto, Jacob ha contado con la colaboración de talentosos profesionales como Thomas Monaco en la coproducción vocal, Les Lovell en la ingeniería de sonido, Mike Dawson en la batería y Talya Gelfand como corista, lo que suma riqueza y matices a esta obra imperdible.
‘Give Me The Good Stuff’ ya se encuentra disponible en plataformas digitales, consolidando una nueva etapa en la trayectoria de este artista que continúa desafiando fronteras y conectando desde la emoción más genuina.
Para más información sobre Jacob Chacko, sus futuros proyectos y lanzamientos, no dudes en seguirlo en sus redes sociales.
La cantautora panameña Adri Paiz presenta MAR Y AMAR, su esperado álbum debut: una obra tropical, ecléctica y profundamente emocional que reúne 11 canciones cargadas de honestidad, sabor y libertad creativa. Su música es un sancocho para el alma: una mezcla vibrante de emociones, géneros y energía. Una celebración de sus raíces, donde los grandes géneros musicales se entrelazan con su esencia.
Desde Panamá, donde el Océano Pacífico y el Mar Caribe se abrazan, Adri lleva en su identidad la fusión: la mezcla perfecta entre lo clásico y lo contemporáneo, lo pasional y lo místico. En este sancocho, la voz y la energía de Adri, transforman la música en un refugio, en una celebración y en una invitación a sentir la vida en todas sus formas. Porque la música, como el buen sancocho, es para compartir, para sanar y para celebrar.
Adri fusiona géneros como flamenco, R&B, cumbia, bachata, bolero, reggae y ritmos latinos para dar vida a un álbum donde cada tema cuenta su propia historia, pero todos juntos forman un relato coherente sobre el amor propio, las amistades, los altibajos de la vida y la fuerza de seguir adelante.Producido por el multipremiado Pablo Governatori (ganador de 9 Latin Grammys) y Dominic Moreno, Mar y Amar también cuenta con el acompañamiento vocal de la reconocida coach Diana Durán, quien guió la interpretación emocional y técnica de Adri a lo largo del disco.
Del álbum ya se han desprendido los sencillos, Sol a Sol, Guapo, La Playa y Telenovela, que han servido como adelanto de este universo sonoro vibrante, donde la conexión humana, la autenticidad y la música como herramienta de sanación son protagonistas.
Adri Paiz es una artista latina con un corazón místico, poético y tropical, que transforma lo cotidiano en poesía, la fusión en magia y la música en un océano de sensaciones. Rompe moldes y mezcla con naturalidad flamenco, R&B, salsa, bachata y reggae en una identidad musical única.Desde el lanzamiento de Telenovela en 2023, Adri ha cautivado con su sinceridad y su energía, posicionándose como una nueva voz con mucho que decir. En 2025, con Sol a Sol, Guapo y La Playa, reafirma su mensaje: vivir con pasión, cantar con el corazón, y amar sin medida.
Mar y Amar no es solo un álbum: es una declaración de principios. Un recordatorio de que el arte puede sanar, transformar y hacernos bailar al mismo tiempo.
El artista colombiano JoanJo acaba de estrenar “California”, una canción pop cargada de frescura, romanticismo y nostalgia, que promete convertirse en la banda sonora perfecta para quienes alguna vez vivieron un amor de verano. Con una vibra soñadora y un sonido que recuerda al pop emocional de los 2010’s, el tema captura la intensidad y la magia de esos momentos breves, pero inolvidables, que marcan para siempre.
Inspirada en una experiencia personal que el propio JoanJo vivió el año pasado en Los Ángeles, “California” relata una historia fugaz pero significativa, una conexión que, aunque corta, dejó huella en su vida. El artista comparte: “Escribí esta canción inspirado en una experiencia real. Fue algo intenso, bonito y muy adolescente, de esos recuerdos que uno guarda porque sabe que no se repiten”.
Con un mood veraniego, juvenil y romántico, la canción invita a dejarse llevar por la nostalgia y a revivir ese tipo de historias que solo ocurren una vez. Musicalmente, JoanJo fusiona melodías pegajosas, atmósferas cálidas y una producción cuidada que evoca a referentes del pop fresco y sentimental de principios de los 2010’s, consolidando así su identidad sonora.
“California” no solo es un single, sino también el punto de partida de un EP que JoanJo irá presentando a lo largo del año. Cada canción contará una historia distinta, con un amor diferente como protagonista, y servirá como un diario personal en el que el artista compartirá sus vivencias y emociones con total honestidad. “Quiero que este proyecto hable de los distintos tipos de amor que he sentido, desde lo más bonito hasta lo más doloroso, pero siempre desde un lugar real”, comenta.
Como artista independiente, este lanzamiento representa un paso crucial en su carrera, reafirmando su compromiso por contar historias desde su propia voz y conectar con un público que busca canciones sinceras, con las que identificarse.
“California” ya está disponible en plataformas digitales, y promete acompañar a más de uno en sus momentos de nostalgia y verano eterno. Para no perderte las próximas historias y lanzamientos de JoanJo, puedes seguirlo en sus redes sociales.
El cantante, actor y productor Ivan Salmon vuelve a emocionar con su nuevo single “Kiss Me”, una intensa y delicada colaboración junto al actor e influencer Ruoteng Zhan. Esta canción narra con honestidad y sensibilidad los tormentos de un amor imposible, marcado por una pasión incontrolable y una separación inevitable.
“Kiss Me” no es solo una canción, sino también el tema principal de The Last Kiss, la serie producida por el propio Ivan Salmon, donde ambos artistas comparten pantalla y llevan esta historia de deseo y renuncia al terreno audiovisual. La química entre Ivan y Ruoteng es tan palpable, tanto en la canción como en la serie, que no ha tardado en desatar rumores entre sus fans sobre una posible relación en la vida real. Aunque ninguno de los dos ha confirmado nada, el misterio sigue alimentando las conversaciones en redes sociales y foros de sus seguidores.
Musicalmente, “Kiss Me” se mueve entre una producción elegante y minimalista que deja espacio a las voces, cargadas de emoción y matices, y una melodía envolvente que acompaña la historia de amor prohibido. La interpretación de ambos artistas transmite la urgencia y la fragilidad de una relación que, aunque intensa, está condenada a terminar. Es una canción que logra ser íntima y universal al mismo tiempo.
Para Ivan Salmon, este single representa una nueva faceta en su carrera artística, reafirmando su capacidad para contar historias que conectan desde lo humano y lo emocional, tanto en la música como en la pantalla. Además, la colaboración con Ruoteng Zhan, quien debuta como cantante en este proyecto, ha sido uno de los puntos más comentados por el público, destacando la naturalidad y complicidad que ambos demuestran.
“Kiss Me” promete convertirse en uno de los temas imprescindibles para quienes buscan canciones que hablen de amores intensos y difíciles. Para seguir las novedades de Ivan Salmon, sus próximos proyectos y nuevas colaboraciones, no olvides seguirlo en sus redes sociales.
La escena musical rumana se llena de emoción con el lanzamiento de “Prin București”, la nueva colaboración entre Magda Ignat y la reconocida estrella del pop Ioana Ignat. Esta conmovedora balada pop, cargada de sensibilidad y honestidad lírica, se convierte en un nuevo capítulo para ambas artistas, quienes han sabido capturar en esta canción la esencia de las despedidas inevitables y la búsqueda de un futuro propio.
Con una trayectoria que la ha posicionado como una de las cantautoras más influyentes de Rumanía, Ioana Ignat continúa demostrando su capacidad de conmover a través de letras que conectan con lo más profundo de sus oyentes. Acumulando éxitos como “Doar pe a ta”, “Nu mă uita” y “In palma ta”, y con más de 400 millones de reproducciones en YouTube y 28 millones de streams en Spotify, Ioana mantiene intacta su capacidad de emocionar y sorprender.
Por su parte, Magda Ignat sigue consolidando su nombre dentro de la música pop contemporánea rumana. Con sencillos como “Inainte de tine”, “Iubirea de sine” y “Oriunde ai fi”, Magda se ha ganado el reconocimiento del público gracias a su estilo emocional y letras introspectivas, que en “Prin București” brillan con una madurez y autenticidad notables.
La canción, narrada desde la perspectiva de alguien que decide dejar atrás una relación y emprender un nuevo rumbo en la vida, captura con delicadeza el dolor de la separación y la esperanza de reencontrarse en el futuro. Con una melodía envolvente y una interpretación vocal cargada de matices, Magda y Ioana tejen una historia universal sobre el amor, la distancia y las oportunidades que esperan más allá de los kilómetros.
El tema se ve reforzado por su letra conmovedora con un estribillo que resuena con quienes alguna vez han tenido que decir adiós.
“Prin București” ya está disponible en plataformas digitales, donde rápidamente ha comenzado a acumular reproducciones y elogios de sus seguidores. Además, tanto Magda Ignat como Ioana Ignat mantienen una presencia activa en sus redes sociales, donde comparten novedades, contenido exclusivo y adelantos de sus próximos proyectos.
Con esta colaboración, ambas artistas no solo demuestran la potencia de sus voces y su talento como compositoras, sino que también celebran la capacidad de la música para narrar las historias más íntimas y conectar con quienes viven, sienten y sueñan desde distintos rincones del mundo.
Elena Rose sorprende nuevamente con una colaboración tan inesperada como profundamente necesaria “Carteras Chinas”, una cumbia pop romántica que une a la perfección su sensibilidad lírica con el inconfundible estilo de Camilo y la esencia de Los Ángeles Azules. Un segundo lanzamiento en lo que va de año de la artista venezolana, que da como resultado una oda moderna al amor verdadero, un homenaje a esos amores que florecen desde la sencillez y lo cotidiano.
Este nuevo tema, llega como un bálsamo musical invitando a todo el que la escuche a dejarse llevar y abrir su corazón sin miedo, atravesando nuevas generaciones y diferentes estilos musicales. El videoclip, grabado entre Miami y México, refleja esta dualidad de mundos que se entrelazan entre sí, mientras que en Miami, Camilo y Elena Rose comparten momentos llenos de ternura, en México, Los Ángeles Azules también se unen a Elena para imprimir su sello único en escenas que respiran la cultura popular del país.
Paralelamente a esto, Elena Rose se prepara para una intensa temporada de conciertos en España, donde ya ha sido confirmada como una de las artistas principales en varios de los festivales más esperados del verano 2025. Entre ellos destaca su participación en el Morriña Fest, que este año se perfila como uno de los eventos musicales más importantes en Galicia, así como en el Boombastic Festival, que celebrará su edición más ambiciosa hasta la fecha con paradas en la Costa del Sol y Asturias.
La música que conecta con el alma no conoce fronteras, y eso es exactamente lo que propone Keriah con Far Beyond, su nuevo single que ya está disponible en plataformas digitales. Este lanzamiento marca un nuevo capítulo para este proyecto internacional, que destaca por sus grandes voces, excelente vibra y la capacidad de transportar a sus oyentes a través de un viaje sonoro lleno de emociones.
Desde sus inicios, Keriah ha apostado por crear música que trascienda lo superficial y hable directamente a los sentimientos. Far Beyond es un reflejo de ese propósito: una canción que invita a dejarse llevar, a mirar más allá de lo evidente y a reconectar con lo que verdaderamente importa en la vida. Con una interpretación vocal conmovedora y una producción envolvente, el tema es un canto a la esperanza, los sueños y la búsqueda personal.
Para la vocalista del proyecto, este lanzamiento tiene un significado muy especial. “Siempre me ha gustado cantar; creo que aprendí a cantar antes de aprender a hablar. La música ha estado conmigo en cada etapa de mi vida, y estoy muy agradecida por ello. Puede salvarnos en los momentos difíciles y acompañarnos en los más felices”, comparte emocionada. Esa conexión vital con la música es justamente lo que se siente en cada nota de Far Beyond, una pieza construida con pasión, sinceridad y amor por el arte.
Keriah es mucho más que un proyecto musical: es una declaración de principios y un espacio creativo donde las emociones se convierten en canciones. La energía de Far Beyond lo deja claro, mezclando matices de pop atmosférico y soul moderno, con una interpretación vocal que emociona y cautiva desde el primer acorde.
El single se suma al catálogo de esta propuesta internacional que continúa creciendo y conquistando nuevos públicos. Disponible en plataformas digitales, Far Beyond es el primer adelanto de lo que promete ser una serie de lanzamientos que seguirán explorando las diferentes emociones humanas a través de la música.
Para conocer más sobre Keriah y sus próximos proyectos, puedes seguir todas sus novedades en sus redes sociales. Con Far Beyond, el proyecto reafirma su compromiso de crear música que inspire, acompañe y toque el corazón de quienes la escuchan. Sin duda, una propuesta que merece ser descubierta.
La escena urbana internacional recibe hoy una de sus propuestas más frescas y prometedoras. N3WYRKLA, la nueva voz que está dando de qué hablar en el circuito R&B y hip-hop alternativo, ha lanzado Plastic Cup, el primer single oficial de su esperado álbum debut. Disponible ya en plataformas digitales, la canción también llega acompañada de un videoclip que refleja a la perfección la vibra nocturna y emocional del tema.
Anunciada por primera vez en el popular canal Club Shay Shay de Shannon Sharpe, Plastic Cup captura con honestidad brutal esos momentos de tentación en la madrugada, cuando los impulsos ganan a la razón y los sentimientos no resueltos vuelven a tocar la puerta. Entre tragos, mensajes a deshoras y verdades a medias, N3WYRKLA se adentra en el caos emocional de las relaciones modernas, donde el orgullo, la inseguridad y el deseo se cruzan en una danza peligrosa.
Con una producción envolvente, líneas melódicas hipnóticas y una letra que desarma con su sinceridad, Plastic Cup es una radiografía de la generación que prefiere evadir conversaciones sobrias y se entrega a lo que no puede definir a plena luz del día. "Sober conversations don’t make no sense / Take a couple hits and I’m back at 4am with you", canta N3WYRKLA en uno de los versos más reveladores del track.
La artista, que también estará acompañando a FERG en su próxima gira The Darold Tour, demuestra con este lanzamiento que su proyecto va más allá de los clichés y busca explorar las complejidades emocionales de su generación desde una óptica cruda, íntima y muy real.
Además de su estreno en plataformas digitales, Plastic Cup ha iniciado esta semana su campaña en radio urbana en Estados Unidos y Reino Unido, con impacto oficial desde el 21 de abril, una clara muestra del interés que N3WYRKLA está generando a nivel internacional.
Para quienes aún no la conocen, N3WYRKLA es mucho más que una nueva voz: es una narradora de las noches largas, los mensajes que nunca debieron enviarse y las verdades que solo se dicen entre copas. Su primer álbum, cuyo título aún se mantiene en reserva, promete ser uno de los debuts más comentados del año.
Plastic Cup ya está disponible en plataformas digitales, y para no perderse ninguna novedad sobre su música y próximos proyectos, pueden seguirla en sus redes sociales. N3WYRKLA ha llegado para quedarse, y este primer adelanto es apenas el principio.
La música de Ximena Sariñana siempre se ha considerado vanguardista y disruptiva, y su nuevo EP 'Rompe' es una muestra más de su esencia, donde ha querido reunir cuatro canciones que recalcan el particular estilo de la artista mexicana, quien no teme en romper lo establecido a través de su sonido. Entre los temas inéditos incluidos encontramos “Nada”, “Fiesta en mi habitación” y, liderando este lanzamiento, “Rompe”, el cual llegará con un visualizer que reúne imágenes del íntimo showcase en el que Ximena Sariñana presentó por primera vez en vivo esta producción.
“Rompe es la explosión en todas sus formas: letras que confiesan quién soy y lo que pienso sin pena, y sonidos que representan como siempre soñé sonar; abrazada por mis amigos que me ayudaron a llegar hasta aquí: Juan Pablo Vega, Mike y Gio como productores y escritores, y Nate Campany, Marcus Andersson y Chris Lyon en la parte autoral. Además, todo esto desde un lugar que me conecta con mi infancia y mi amor por la música, que es El Desierto. Rompe es el segundo EP de esta trilogía, el volcán activo y al rojo vivo, aceptándose en el caos y la destrucción”, comentó Ximena sobre este lanzamiento.
Estos nuevos temas se suman al éxito del primer adelanto de este EP “Chispa roja”, que ya suma más de 1.3 millones de reproducciones en plataformas, además de llegar en medio del Rompe US Tour, una ambiciosa gira que la artista mexicana ya ha empezado por varias ciudades de Estados Unidos, donde la cantante refuerza su posición como una de las voces femeninas más influyentes de la música en español actual, y que muy pronto podremos ver de nuevo por España.
El artista Lenuar continúa desplegando su universo sonoro con “Me Aloca”, el segundo adelanto de su EP En lo que Dura la Noche, un proyecto que mezcla deseo, fiesta y contradicción emocional en una noche que se transforma.
“Me Aloca” es un reggaetón con tintes electrónicos que habla de la obsesión y el enganche emocional desde un enfoque directo. Producido por BAJOCERO X, el tema representa ese punto de la relación donde el deseo lo consume todo, marcando el tramo más agresivo y pasional del EP.
Me Aloca es bailable, pero intensa; oscura, pero adictiva. Lenuar combina letras pegadizas con una producción que sube de nivel con cada compás.
El EP, que se irá desvelando tema a tema, arranca con “Intro”, una pieza que resume el viaje emocional y musical del proyecto, y continuará con “Intimidad”, una canción de pop electrónico, prevista para las próximas semanas. Cada canción representa un dicotomía de una relación intensa y de una noche que se desborda, transitando del lo-fi pop al reggaetón, y de ahí a la electrónica más envolvente.
“Me Aloca” ya está disponible en todas las plataformas digitales. El EP En lo que Dura la Noche construye una narrativa que también visibiliza realidades LGTBIQ+ dentro del panorama musical urbano actual, con un enfoque artístico, honesto y sin filtros en cuyos visuales el baile cobra un papel principal.
Desde Luxemburgo para el mundo, el dúo pop NesseCity hace su esperado debut con Little Wonders, su primer single oficial que ya está disponible en plataformas digitales. La canción, cargada de sensibilidad y frescura, celebra esos pequeños detalles que a menudo pasan desapercibidos, pero que son capaces de brindarnos luz incluso en los días más grises.
Formado en 2023, NesseCity está compuesto por Pamela en la voz y Marco en la guitarra. Esta pareja artística italo-luxemburguesa ofrece un sonido pop melódico que abraza letras en inglés, italiano y francés, creando así una propuesta única que conecta con públicos de diferentes rincones y culturas. Little Wonders es apenas el inicio de una historia musical que promete emocionar y acompañar a sus oyentes a través de universos sonoros donde las emociones cotidianas cobran protagonismo.
La historia de NesseCity comenzó en noviembre de 2022, cuando Pamela y Marco cruzaron caminos y descubrieron una afinidad creativa inmediata. Esa chispa inicial se transformó rápidamente en una colaboración armoniosa, que en pocos meses los llevó a escribir sus primeras composiciones originales y a conquistar escenarios con actuaciones íntimas y llenas de honestidad.
Little Wonders refleja a la perfección el espíritu del proyecto: una invitación a mirar a nuestro alrededor y valorar todo aquello que nos regala pequeñas alegrías y esperanza. Con una melodía luminosa y una interpretación vocal emotiva, la canción se convierte en un refugio sonoro que nos recuerda la importancia de encontrar belleza en los detalles cotidianos.
El dúo, que combina sus raíces culturales para construir una identidad musical genuina, continúa trabajando en nuevas composiciones que formarán parte de su repertorio multilingüe y emocionalmente profundo. NesseCity aspira a seguir traspasando fronteras, compartiendo historias y sentimientos que, aunque personales, resuenan de manera universal.
Little Wonders ya está disponible en plataformas digitales, y para quienes deseen seguir de cerca su trayectoria y descubrir sus próximos proyectos, pueden encontrarlos en sus redes sociales. Con este primer lanzamiento, NesseCity no solo celebra el inicio de una nueva etapa artística, sino también la belleza de todo aquello que, aunque pequeño, puede cambiar nuestros días.
La escena urbana española suma una nueva joya con el lanzamiento de ‘No Love’, el primer álbum de Caluu C., ya disponible en plataformas digitales. La artista, criada en Fuerteventura (Canarias) y con una proyección internacional imparable, entrega en este trabajo su versión más honesta, versátil y mística hasta la fecha.
Caluu C. ha construido su carrera a base de constancia, talento natural y una capacidad innata para fusionar géneros como pop, reggaetón, bachata y mambo, sin perder su esencia. Este nuevo disco no es la excepción: ‘No Love’ es un recorrido emocional y musical donde la artista plasma desamores, empoderamiento, sensualidad y libertad, todo envuelto en un sonido contemporáneo, fresco y con esa vibra casi hipnótica que la caracteriza.
La canaria viene de firmar hitos importantes en su trayectoria. Temas como PEÓN, junto a Dani J, superaron el millón de reproducciones en Spotify, mientras que colaboraciones como MEXXX con el chileno NineTeen Elevenn afianzaron su propuesta internacional. Además, sorprendió al público con LUNA, un tema de trance producido por BENGRO, demostrando que no hay género que se le resista.
A comienzos de este año, Caluu C. abrió el 2025 con CORA BLINDAO, un explosivo single junto a THORLONDON y Juanjo Monserrat, conocido por su trabajo en éxitos como Tacones Rojos de Sebastián Yatra. Poco después, su primer EP colaborativo, BOXXXITO, logró superar las 100.000 reproducciones en Spotify, confirmando su capacidad para innovar y conectar con diferentes públicos.
‘No Love’ llega en un momento clave para la artista. Con más de 30 canciones publicadas, 250.000 oyentes en Spotify en el último año y 500.000 visitas en YouTube, Caluu C. se afianza como una de las voces más prometedoras y originales del género urbano en España y Latinoamérica.
Este primer álbum cuenta con colaboraciones potentes y una producción cuidada al detalle, donde cada tema aporta una pieza al universo sonoro que Caluu C. ha construido a lo largo de su carrera. Más que un disco, es una declaración de intenciones: una artista que no necesita etiquetas, que experimenta, se emociona y hace de cada canción una experiencia única.
Para conocer más sobre Caluu C., descubrir los detalles de ‘No Love’ y no perderse sus próximos lanzamientos y proyectos, puedes seguirla en sus redes sociales y escuchar su música en todas las plataformas digitales.
La nueva era de Caluu C. ha comenzado, y promete no dejar a nadie indiferente.
La artista y referente del colectivo LGTBIQ+ Lucía de la Puerta ha estrenado su primer álbum, ‘A lo callao’, un trabajo valiente, íntimo y directo que ya está disponible en plataformas digitales. Con 13 canciones que abordan el amor, el sexo, la amistad y sus momentos más difíciles, Lucía se desnuda emocionalmente y ofrece a su público un viaje por su 2024 personal, cargado de mensajes ocultos y significados que solo los más atentos sabrán descifrar.
‘A lo callao’ no es solo un disco, es también un juego. Como ha explicado la propia Lucía, el título del álbum responde a tres motivos muy personales. El primero, porque —como muchos artistas— ella ha trabajado en silencio durante meses, en la sombra, para luego mostrar al mundo su obra ya terminada. El segundo, porque una de las primeras canciones que compuso en su vida se llamaba precisamente así, y ahora, con algunos cambios, ha encontrado su lugar natural dentro del disco. Y el tercero, quizá el más profundo, porque a lo largo de 2024 Lucía ha optado por guardarse muchas cosas, por procesar emociones en privado y gestionar sus propios procesos sin hacer demasiado ruido.
"No he contado nada, y este disco es una forma de ver quién ha estado atento, quién sabe encajar las piezas del puzzle de mi año. He querido dejar pistas, hacer un guiño a quienes de verdad me han seguido y entienden de dónde viene cada letra y cada historia", confesó la cantante en una entrevista reciente.
Con una legión de seguidores fieles que la han acompañado desde sus primeros pasos en sus redes sociales, Lucía se ha ganado un hueco en la nueva escena musical por su autenticidad, su cercanía y su capacidad para hablar de temas universales desde su propia experiencia. A finales de 2023 sorprendió con su primer single, que cosechó un éxito inmediato, y desde entonces su carrera no ha hecho más que crecer.
Ahora, con ‘A lo callao’, la artista madrileña demuestra que está dispuesta a seguir dejando huella. Los 13 temas del disco atraviesan diferentes estados emocionales y estilos, siempre conservando esa esencia que la hace única: letras honestas, mensajes sin disfrazar y una sensibilidad que conecta con quien la escucha desde el primer verso.
Lucía de la Puerta se consolida además como una de las voces más potentes y representativas del colectivo LGTBIQ+ en España y Latinoamérica, con una comunidad de seguidores que cruza fronteras y celebra su éxito como propio.
El álbum ya se encuentra disponible en plataformas digitales y es, sin duda, una de las propuestas más personales y emocionantes de este 2025. Para conocer más sobre la artista y estar al tanto de sus próximos lanzamientos, proyectos y conciertos, no dudes en seguirla en sus redes sociales.
Lucía ha llegado para quedarse, y este disco es solo el principio.
La joven artista madrileña Clara Lema sigue consolidando su camino en la escena musical emergente con el lanzamiento de su nuevo single, "Me Confunde(s)", ya disponible en plataformas digitales. A sus 20 años, Clara continúa demostrando que su frescura, sinceridad y cercanía son sus mayores señas de identidad.
Tras el debut con SATURNO en diciembre de 2024 y la publicación de Mírame en febrero de este año, la cantante y compositora presenta ahora un tema que, según sus propias palabras, ha sido el que más ha disfrutado crear hasta el momento. "Me Confunde(s)" es una canción que mantiene el sello de Clara: letras de tú a tú, sin rodeos ni artificios, contadas como una charla con una amiga, con la naturalidad que la caracteriza.
En este nuevo single, Clara explora una historia de esas que todos hemos vivido alguna vez: cuando alguien aparece, se va, vuelve y al final solo deja una sensación de confusión emocional. Un relato directo, envuelto en una producción pop moderna y ligera, que refleja esa montaña rusa sentimental con la que resulta fácil identificarse.
Clara Lema comenzó su relación con la música a los cinco años, cuando aprendió a tocar el violín, y más adelante el piano. Aunque ha estado vinculada al arte desde pequeña, se considera una novata en lo profesional, aprendiendo cada día y descubriendo nuevas formas de componer y producir. En este tiempo ha dejado claro que lo suyo no es seguir una fórmula, sino hablar desde la honestidad y conectar con quien la escucha.
Aunque su zona de confort está en el pop, Clara ya ha comenzado a experimentar con otros estilos y tiene en mente proyectos que incluyen tintes de reggaetón y trap, géneros que irá desvelando próximamente. De hecho, este verano tiene previsto meterse de lleno en la creación de su primer EP y en colaboraciones con otros artistas emergentes de la escena nacional.
Influenciada por artistas como Pole., Enol o Mafalda Cardenal, Clara bebe de esa forma de contar las cosas sin disfrazarlas, de manera emocional, pero cercana. Cada canción suya es una fotografía de su proceso, y eso la convierte en una artista real, natural y en constante evolución.
"Me Confunde(s)" ya se puede escuchar en plataformas digitales y promete ser uno de los temas más destacados de su primera etapa artística. Para no perderte nada de lo que está por venir y enterarte de sus próximos lanzamientos, colaboraciones y conciertos, puedes seguir a Clara Lema en sus redes sociales.
La sevillana Marta Quintero vuelve a emocionarnos con ‘Vuelvo a Ser Yo’, su nuevo single ya disponible en plataformas digitales, una canción con la que cualquiera puede sentirse identificado en algún momento de su vida. Con una trayectoria impecable y una voz que atraviesa generaciones, la artista andaluza reafirma su lugar en la música española con este tema cargado de sentimiento, superación y verdad.
El single, editado bajo el sello Ocean Music, ha contado con la producción musical de Marko Katier, en Blaw El Estudio, aportando al tema una sonoridad actual pero fiel al estilo intimista y emocional de Marta. La composición lleva la firma de Juan Carlos Campos, Jesús Linde y Miguel Vilches, tres autores que han sabido captar en letra y melodía ese momento de renacimiento personal que todos, en mayor o menor medida, hemos vivido alguna vez.
‘Vuelvo a Ser Yo’ llega acompañado de un videoclip dirigido por Jose David Gómez para 90 Milímetros, que pone imagen a la historia de una mujer que, tras momentos de oscuridad y pérdida, vuelve a encontrarse consigo misma, con su esencia y con la fuerza que siempre llevó dentro. Un relato visual sencillo pero directo, que conecta con el mensaje universal de la canción.
La carrera de Marta Quintero es una de las más sólidas y respetadas de la música popular española. Nacida en Sevilla en 1982, con apenas 8 años ya pedía formarse en canto, y a los 15 grabó su primer disco, Una cantaora. A partir de ahí, éxitos como Llama de amor, Te sigo amando, Besos de miel, Encerrada en libertad o La culpa no la tengo yo, han marcado su trayectoria, colaborando con artistas como El Barrio, Antonio Caballero o Ecos del Rocío, y demostrando una capacidad única para emocionarnos con cada interpretación.
Tras trabajos como Cómo estar sin ti, Música en la intimidad, Mariposas o el single Tú tienes la culpa, Marta Quintero renueva su propuesta con ‘Vuelvo a Ser Yo’, una canción que no solo es un regreso a su mejor versión, sino una invitación a que cada oyente reconecte consigo mismo y se permita volver a empezar.
Ya puedes escuchar ‘Vuelvo a Ser Yo’ en todas las plataformas digitales y seguir el día a día de Marta Quintero y sus próximos proyectos a través de sus redes sociales. Un regreso esperado que confirma que hay artistas cuya voz y autenticidad jamás pasan de moda.
¿Qué pasa cuando empiezas a sospechar que tu pareja te engaña… y resulta que el que sobra en esa historia eres tú? Así de directo, así de real es “El Instinto”, el nuevo single de Campillo, que ya puedes escuchar en todas las plataformas digitales.
El compositor, productor y cantante bogotano vuelve a dejar su sello con una canción que mezcla pop anglo con letras de esas que te remueven por dentro. Y es que Campillo sabe cómo contar historias cotidianas con las que cualquiera podría identificarse.
En esta ocasión, “El Instinto”, que se estrenó el pasado 25 de abril, narra esa situación incómoda (y tristemente común) en la que empiezas a notar que algo no cuadra… y terminas dándote cuenta de que en realidad tú eras la tercera persona en la relación. Con frases como “El instinto nunca se equivoca, tengo claro que yo soy el plan B”, el tema habla de esas señales que, aunque a veces ignoramos, siempre acaban saliendo a la luz.
Y como no podía faltar, el single viene acompañado de un videoclip que plasma la historia con un enfoque irónico, fresco y lleno de detalles que elevan aún más el mensaje de la canción.
Si todavía no lo has escuchado, dale play ya en tus plataformas digitales favoritas y sigue de cerca todo lo que Campillo se trae entre manos en sus redes sociales. Porque si algo tiene claro este artista, es que las verdades duelen menos cuando se cantan.
Con la fuerza contenida del atardecer que anuncia una tormenta, Jardín di Trío presenta su nuevo sencillo, "Septiembre", una canción que condensa la intensidad de los cambios vitales con una crudeza emocional que no deja indiferente.
"Septiembre" es un reflejo de ese espíritu: introspectiva, intensa y empática. Una canción que acompaña como un espejo, en esos momentos en que “seguir hacia delante mirando hacia otra parte” es el único camino posible.
"Septiembre" no es solo una fecha en el calendario; es el símbolo de todos esos giros de guion que nos exige la vida. El trío barcelonés, formado por César Bonastra, Siscu García y Javier Nieto, transforma esa transición entre estaciones —del verano al otoño, del descanso a la rutina, del pasado a lo incierto— en una poderosa declaración de intenciones. A través de versos como "necesito tiempo para ser valiente y afrontar las curvas que vendrán", la banda abraza la vulnerabilidad como una forma de coraje.
Musicalmente, "Septiembre" se mueve con soltura entre el indie rock, el grunge y el rock alternativo en español, con ese sello característico que han definido como “hard indie for hard days”. Las guitarras eléctricas cobran protagonismo en un arreglo que va in crescendo, mientras el bajo y la batería construyen una base sólida, casi ritual, sobre la que se erige la voz, al borde del quiebre emocional.
El origen de Jardín di Trío se remonta a 2020, en plena pandemia, cuando las conexiones previas entre sus integrantes se convirtieron en una necesidad creativa. Desde entonces, el grupo ha defendido una propuesta honesta, auto-producida y profundamente emocional. Su EP debut homónimo "Jardín di Trío" (2021), y el más reciente “Donde nunca nadie” (2024), han sido gestados con la misma filosofía: crear desde lo íntimo, sin artificios, pero con toda la contundencia de una banda que tiene algo que decir.
Retumba la Tierra es la voz de una tierra que tiembla, que nos recuerda con fuerza la huella que dejamos en ella, pero también es un canto de esperanza: una invitación a reconectar, sanar y cuidar lo que aún podemos salvar, así describe el quinteto Calle Mambo esta poderosa canción.
Retumba la Tierra es la segunda canción que nos comparte Calle Mambo y es parte del que será su tercer álbum homónimo.
Se trata de una pieza rica en elementos musicales que les son propios al sonido del grupo que combina instrumentos y estructuras de los géneros tradicionales festivos de latinoamerica en un marco electrónico donde incluyen también raggas y fusiones únicas.
En Retumba la Tierra escuchamos gaita colombiana, ronrroco, cuatro venezolano, timbales, congas y percusión menor, bajo, tiple colombiano, cajónes y samples.
Para Calle Mambo este single no solo le da nombre a su tercer álbum que saldrá el 6 de junio, sino que además marca el pulso de todo su viaje musical fusionando sus raíces latinoamericanas con los sonidos ancestrales y los beats actuales.
Las letras de las canciones, como es el caso de Retumba la Tierra son llamados sociales, culturales, reflexivos, ambientales como es el caso de esta pieza.
La Peregrina, el primer sencillo que conocimos del grupo, nos habla de las rutas cuesta arriba, llena de riesgos de muchas mujeres cabezas de familia que en condiciones apremiantes salen a buscar el susutento familiar, esas peregrinas del mundo.
Retumba la Tierra se detiene en la reflexion del entorno ambiental, en la destrucción de pachamama:
¡Retumba la tierra! El sol que te quema, los bosques en llamas, se abren las venas. ¡Retumba la tierra! El agua se acaba, reclama el ecosistema. ¡Retumba la tierra! Son miles de vidas, sin salida, tierra herida.
El arte del sencillo es una gran y elocuente imagen que representa una figura ancestral conectada con la tierra, “simboliza un poco nuestra relación con la naturaleza y nuestro impacto sobre ella” comenta el quinteto chileno.
Retumba la Tierra tiene un video tan poderoso como la canción pues es una actuación en vivo y se vibra la energía que una canción como ésta nos comparte.
¿Cuántas veces has cerrado una puerta para no volver? ¿Cuántas veces has sentido que, en realidad, nunca hubo nada? Entonces haces la maleta, tomas un taxi y te vas de ese lugar que ya no te hace feliz. Así arranca la premisa de “Taxista”, el nuevo single de Gynebra, que desde hoy ya está disponible en plataformas digitales.
La cantante y compositora valenciana vuelve a demostrar su capacidad de convertir emociones cotidianas en canciones con identidad propia. Esta vez lo hace fusionando mambo y bachata en una historia de desamor marcada por un ex llamado “Cucaracho” y una taxista que aparece como inesperada salvación.
El videoclip, grabado de nuevo en el emblemático paisaje natural de El Saler (Valencia), es un tributo visual al cine español más icónico. Con guiños a Pedro Almodóvar y su inolvidable “Mujeres al borde de un ataque de nervios” y su famoso Mambotaxi (ahora conducido por una mujer), y también a la mítica escena de Penélope Cruz en “Jamón, Jamón” recorriendo una carretera desértica, Gynebra construye un universo visual y musical cargado de simbolismo y referencias que conectan con su audiencia.
A sus 21 años, Gynebra continúa dejando huella en la escena musical nacional. La artista, que lleva vinculada al arte desde los 8 años, se ha caracterizado por su versatilidad y valentía a la hora de hablar de sus emociones. Navega con naturalidad entre géneros como urbano, pop, reguetón y ritmos latinos, y ha sabido construir un espacio propio donde la música sirve como refugio emocional.
Con un primer disco en el mercado, “8 PEKADOS”, y reconocimientos como su candidatura a los Premios Goya 24 por la canción “Juntos” (compuesta para el documental “Dolor Impune” en la lucha contra el bullying) o su elección como Newcomer 2024 por VEVO España, Gynebra es ya una de las voces emergentes más prometedoras del panorama musical.
Además de su carrera musical, Gynebra destaca por su compromiso social como presidenta y fundadora de “KUKI”, una asociación dedicada a ayudar a niños y niñas enfermos o en riesgo de exclusión social a través del arte y la música.
“Taxista” ya puede escucharse en plataformas digitales, una canción para quienes necesitan cerrar puertas y atreverse a subirse a un taxi sin mirar atrás.
Para más información sobre Gynebra y sus próximos proyectos, síguela en sus redes sociales.
"Laura West, conocida artísticamente como WESTIE, es una artista multifacética que ha sabido fusionar el pop con sonidos electrónicos y urbanos, creando una identidad única en la escena musical. Su último EP, 'QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA', es un viaje introspectivo que oscila entre la luz y la sombra, explorando temas profundos como el autoconocimiento y las relaciones interpersonales. Con colaboraciones destacadas y una propuesta escénica enérgica, Laura se consolida como una voz fresca y auténtica. En esta entrevista, nos adentramos en su proceso creativo, sus influencias y los mensajes detrás de su música."
"QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA" es un EP muy personal. ¿Qué momento o experiencia detonó la creación de este proyecto?
Sinceramente, el año pasado atravesé un momento muy difícil, tanto a nivel personal como creativo. Pero fue precisamente esa crisis la que me impulsó a dar vida a este proyecto desde cero. Me apetecía crear un álbum en el que pudiera mostrar mi vulnerabilidad al mundo y, al mismo tiempo, hacer un ejercicio de introspección mientras lo creaba.
El EP comienza en un mundo idílico y luego desciende a sonidos más oscuros. ¿Cómo decidiste esta estructura narrativa?
Quería plasmar con total honestidad cómo me sentía en ese momento. Siempre me he sentido rodeada por una sociedad muy superficial, y fue justo hace un año, durante una temporada en la que pasaba muchos días sola en casa, sin ganas de socializar, cuando empezaron a aflorar mis sombras. Empecé a cuestionarme cosas que nunca antes me había planteado. Por eso me gustó la idea de que el proyecto empezara en un lugar idílico —como si fuera el cielo— y, acto seguido, cayera a la tierra, donde empezaría a afrontar todos los problemas más “terrenales”.
Colaboraste con artistas como Carmen Lillo y Laura Gibert, y productores como KFE y Scotty DK. ¿Cómo influyeron en el sonido final del proyecto?
En este proyecto he tenido el privilegio de colaborar con amigas y con algunos de los productores más talentosos de la industria. Todos ellos son personas increíblemente creativas que han aportado una riqueza inmensa al proyecto. Compartimos el mismo impulso por experimentar y jugar con los sonidos, y creo que juntos hemos conseguido una mezcla muy bien equilibrada.
Normalmente me cuesta colaborar con otros artistas, especialmente en un proyecto tan personal en el que hablo abiertamente de mis propios traumas. Pero tanto Carmen como Laura han sabido entender el concepto a la perfección, y para mí es un verdadero regalo que hayan querido aportar su voz y sensibilidad a algo tan especial para mi.
"Caramelo" habla de la dualidad entre la imagen perfecta y las inseguridades. ¿Cómo fue el proceso de escribir una canción tan honesta?
Todo empezó un día en terapia, cuando mi psicólogo me preguntó: ¿Tienes autoestima? Yo le respondí que sí, que al mirarme al espejo me gustaba lo que veía. Entonces me dijo que no hablaba de mi exterior, sino de mi interior. Y fue en ese momento cuando me di cuenta de que mi autoestima era mucho más frágil de lo que pensaba. Siempre he intentado alcanzar una cierta perfección externa, pero al mismo tiempo he buscado constantemente la validación de los demás, sintiéndome insegura en muchas ocasiones. Esta canción nace de esa reflexión, y plantea una pregunta esencial: ¿Nos estamos dando valor, solo por como nos vemos por fuera?
Tu música mezcla pop, electrónica y urbano. ¿Cómo defines tu evolución sonora desde tus inicios hasta ahora?
Siempre me ha atraído la música experimental y he intentado integrarla en mis canciones. Aun así, siento que con el tiempo mi sonido se ha ido definiendo cada vez más, encontrando así una identidad más madura y equilibrada. Tengo la suerte de escuchar música en distintos estilos y en varios idiomas, lo que me permite descubrir constantemente nuevos recursos que luego incorporo a mi propio proyecto.
¿Qué representa para ti el nombre WESTIE, tanto en tu música como en tu identidad?
En realidad, este nombre no lo creé de forma consciente, fue surgiendo poco a poco… y hoy en día me encanta. Siempre me he considerado una persona vergonzosa, algo antisocial y bastante insegura. Pero cuando aparece este alter ego, siento que me transformo. Es como si el hecho de tener un nombre artístico me permitiera salir de mí misma y actuar sin tanto juicio. Me da libertad para expresarme sin las barreras que a veces me impone mi parte más tímida.
Tus shows son conocidos por su alta energía y coreografías con las Westies. ¿Cómo surgió la idea de integrar el baile como parte esencial de tu arte?
Me encanta el arte en todas sus formas, y poder expresar lo que dicen mis canciones a través del baile es algo muy especial para mí. Me ayuda a conectar aún más con lo que estoy cantando, especialmente en los directos. En estos nuevos shows estoy incorporando acting y atrezzo, con la intención de que el público pueda sumergirse en mi universo creativo. Además, tengo que confesar que subirme al escenario con mis bailarinas —que también son mis amigas— me da una seguridad enorme. Me ayuda a estar más tranquila. Compartir esto con ellas lo hace aún más significativo: son recuerdos que nos van a acompañar siempre.
Has sido telonera de artistas como Bad Gyal y RVFV. ¿Qué aprendiste de esas experiencias y cómo influyen en tu propio escenario?
He tenido la oportunidad de cantar en lugares espectaculares, pero justo has mencionado los dos conciertos que más he disfrutado hasta ahora. La energía del público fue increíble y me sentí conectada a tope. Vengo de actuar en espacios muy pequeños, y todas esas experiencias me han servido como preparación para escenarios más grandes. Además, he aprendido muchísimo observando otros directos, siempre estoy dándole vueltas a cómo puedo seguir mejorando el mío.
Cantar en este tipo de eventos te forma de verdad: aprendes a sonorizarte bien, hablar con los técnicos de sonido, manejar lo que ocurre en el backstage y a adaptarte a cualquier imprevisto.
¿Cómo fue actuar en festivales como el Negrita Music Festival o el Holika? ¿Qué diferencia hay entre un festival y un concierto en sala?
Acabas de mencionar el mejor año de mi vida. Poder actuar en escenarios con tanta repercusión ha sido una auténtica locura. He tenido la oportunidad de viajar, de descubrir rincones y culturas únicas de este país, reírme a carcajadas con mi equipo y, sobre todo, crecer muchísimo como artista.
Los festivales te dan una visibilidad enorme, mucho mayor que un concierto en una sala privada, pero también conllevan el riesgo de enfrentarte a un público que quizá no conecte con tu música. Además, el tiempo de actuación suele ser más limitado, y no siempre puedes mostrar todas las capas de tu proyecto. En cambio, los conciertos en sala son mucho más íntimos y personales, pero el poder formar parte de un festival tan grande y de todo lo que conlleva, es una experiencia espectacular. Quien viene, lo hace porque realmente quiere escucharte, y esa conexión es muy especial.
Si tuviera que elegir… sinceramente, no sabría con cuál quedarme. Cada formato tiene su magia y también sus retos.
Además de cantar, eres compositora, productora y ghostwriter. ¿Cómo equilibras todos estos roles?
Al final todo es música y lo acabo incorporando en mi proyecto. Ahora mismo, estoy co-produciendo la mayoría de temas que voy a sacar después del álbum y estoy muy orgullosa de mi avance con la producción, ya que a veces estoy por la calle y me viene una idea y me voy directa a casa con el Ableton, no me hace falta pedir hora de estudio con un productor!!
¿Hay algún artista o género que te haya inspirado especialmente en este último EP?
Hay demasiados artistas… ya que he sacado recursos de muchísimos sitios distintos, pero si que a nivel sonoro te diría Rosalía, Fred Again…, Judeline, Artemas, emtre otros.
¿Qué mensaje quieres que lleven tus fans después de escuchar "QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA"?
Sé que para ellas soy una persona muy cercana, pero también reconozco que me cuesta abrirme del todo y dejarme conocer en profundidad. Con este álbum quiero regalarles una parte de mí, una que quizá nunca había mostrado del todo. A través de estas canciones podrán entender todo lo que viví y sentí el año pasado.
También quiero que sepan que ellas son una de las razones por las que sigo haciendo música. Me encantaría que este proyecto lo hagan suyo, que lo sientan cercano, y que pueda acompañarlas —como banda sonora— en muchas de sus propias historias.
El título del EP sugiere una exploración de la identidad. ¿Crees que la música te ha ayudado a entenderte mejor a ti misma?
Sin duda, he dedicado muchísimo tiempo a la música; ahora mismo es donde enfoco toda mi energía. Ese tiempo lo he aprovechado para hacer introspección y reconectar con las ganas y la ilusión que me impulsaron a empezar en este camino.
Siempre digo que, al escuchar la música de un artista, puedes intuir su personalidad y su forma de ver la vida en el momento en que creó ese trabajo.
Finalmente, ¿qué viene para Laura West? ¿Hay algún sueño musical o colaboración que te gustaría cumplir próximamente?
Mucha música. No quiero adelantar demasiado, pero tengo casi otro álbum terminado y, sinceramente, creo que es de lo mejor que he hecho hasta ahora.
Me encantaría seguir creciendo, darme a conocer aún más y poder ir a tocar con mi equipo por todo España. A nivel de Catalunya, uno de mis sueños sería colaborar con Julieta, y a nivel estatal, con artistas como Oddliquor, Judeline, Belén Aguilera o Soge Culebra.
La artista catalana Laura West regresa con fuerza y sin miedo a mostrarse vulnerable en “Quien Soy Cuando Nadie Mira”, su nuevo EP que ya está disponible en plataformas digitales. Este trabajo no es solo un álbum; es una experiencia sensorial, emocional y reflexiva que invita al oyente a sumergirse en sus propios claroscuros.
Desde su primer track, Laura West nos conduce a un universo sonoro etéreo, casi celestial, que poco a poco se ve envuelto por una narrativa más cruda y visceral. “Es un viaje introspectivo que empieza en un mundo ideal, pero pronto la realidad te obliga a mirar hacia dentro y enfrentarte a tus miedos”, cuenta la artista. El sonido evoluciona al ritmo de la historia, con una producción que pasa de paisajes sonoros delicados a beats enérgicos y oscuros, reflejando las batallas internas que todos, en algún momento, vivimos en silencio.
Para este proyecto, Laura West ha contado con la colaboración de voces femeninas potentes como Carmen Lillo (Madrid) y Laura Gibert (Cataluña), así como con productores destacados del circuito urbano y alternativo como KFE, Scotty DK, Franklin Dam y CCF Sounds, entre otros. Juntos, han creado un EP que trasciende géneros y etiquetas, fusionando pop electrónico, urban experimental y momentos de introspección pura.
Entre los temas más destacados del EP se encuentra “Caramelo”, una canción que se ha convertido en un verdadero himno moderno sobre la dualidad entre la imagen pública y las inseguridades personales. “Habla de cómo el ideal de belleza se convierte en una prisión emocional”, explica West. Con una producción de pop oscuro y beats contundentes, la canción conecta con una generación hiperconectada y obsesionada con las apariencias, ofreciendo un espacio sonoro para el autoconocimiento y la aceptación.
El videoclip de “Caramelo”, grabado, dirigido y editado por Fabricio Jiménez de Fames Lab, acompaña perfectamente la estética y el mensaje del tema, con una propuesta visual intensa y llena de simbolismo.
Laura West, también conocida como Westie, nació en Girona y ha sabido labrarse un nombre en la escena urbana nacional, llevando su sonido pop-electrónico a un terreno experimental y emocionalmente auténtico. Cantante, compositora, productora, ghostwriter y pianista, ha convertido su proyecto en un fenómeno en vivo gracias a su potente show junto a sus bailarinas, las Westies. Han recorrido escenarios como Sala Apolo de Barcelona, Negrita Music Festival, Holika, y han abierto conciertos para artistas como Bad Gyal, RVFV y próximamente para RELS B.
“Quien Soy Cuando Nadie Mira” confirma a Laura West como una de las voces más personales y honestas de la nueva generación de pop experimental con alma urbana. Un proyecto que, más allá de las etiquetas, se siente y se vive.
Ya disponible en todas las plataformas digitales. Para más información sobre Laura West, sus shows y próximos lanzamientos, síguela en sus redes sociales y no te pierdas lo que está por venir.
La cantautora Catalina Zaya presenta su nuevo single “Te Abrazo”, una balada pop luminosa y emotiva que invita a sentir la calidez de un abrazo que no ata, sino que libera. Más que una canción, “Te Abrazo” es una caricia musical que sumerge al oyente en una atmósfera de ternura, vuelo emocional y libertad interior.
Con una producción moderna y delicada, y una interpretación vocal que equilibra vulnerabilidad y fortaleza, Catalina Zaya explora el amor desde su gesto más sincero: el abrazo. Un contacto que, lejos de retener, impulsa a volar. “Imaginé qué le diría a alguien a quien no podía dejar ir. Y entendí que a veces no hace falta decir nada. Solo abrazarlo… no para sujetarlo, sino para dejarlo ir, y volar con él”, confesó la artista en una entrevista exclusiva.
El videoclip de “Te Abrazo” fue filmado en los paisajes de ensueño de Cartagena, Colombia, incluyendo la paradisiaca Isla Tierra Bomba y el imponente Castillo de San Felipe de Barajas. Un auténtico poema visual que narra una historia de amor y libertad entre puestas de sol, brisas caribeñas y siluetas dibujadas bajo cielos infinitos.
Cada escena refleja la emoción de la canción: abrazos que no necesitan palabras, miradas que hablan y momentos de calma compartida. Según Catalina Zaya, “Necesitaba un lugar con viento, agua y luz… todo lo que te hace sentir libre. Cartagena tiene alma. Respira historia y amor.”
Organizar el rodaje desde Dubái, con un equipo seleccionado a distancia y un viaje de casi 24 horas vía Ámsterdam, supuso un reto logístico. Pero como en todo buen proyecto que nace desde lo auténtico, las dificultades se transformaron en aciertos. Incluso una tormenta que obligó a cambiar de ubicación en la isla derivó en una playa perfecta con la ciudad al fondo.
En pantalla, la acompaña Alex Vasquez, modelo, bailarín y tiktoker colombiano, seleccionado no solo por su imagen, sino por la química y la confianza que requería la historia. “Fue mi primera experiencia real actuando, no posando, y con él fue natural. Sentir y vivir el momento.”
El estilismo y la dirección artística apuestan por lo esencial: ropa ligera, tejidos al viento, maquillaje mínimo. Un solo vestido combinado con distintos bañadores acompañó a Catalina Zaya entre escenas de fortaleza y playa. Movimientos suaves, como respiraciones, para mantener la esencia natural de la historia.
Para la artista, este lanzamiento significa “simplicidad, sinceridad y calidez”. Un recordatorio de que el amor no hay que controlarlo, sino vivirlo. “Si alguien ve el video y siente ganas de abrazar a quien ama, entonces hicimos todo bien”, expresó.
“Te Abrazo” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a todos a sumarse a esta experiencia emocional y tropical. Para más información sobre Catalina Zaya y sus futuros proyectos, no olvides seguirla en sus redes sociales y ser parte de su viaje lleno de música, romance y sabor caribeño.
La cantante y compositora Nereida presenta “Timeless”, una canción que nace desde lo más profundo de su corazón y se convierte en una conversación íntima con el tiempo, los recuerdos y las emociones que se resisten a desaparecer. Este nuevo single, ya disponible en plataformas digitales, muestra a una artista en estado puro, apostando por la sinceridad, la nostalgia y la sensibilidad como protagonistas.
“Timeless” surge de un momento de reflexión personal. Según cuenta Nereida, “Es una de las canciones más personales que he escrito. Nació en un instante de nostalgia por lo que fui y lo que soy ahora. Empecé a cuestionarme cómo el tiempo y los recuerdos transforman lo que sentimos. Me di cuenta de que hay cosas que permanecen, aunque todo lo demás cambie.”
La canción, compuesta junto al productor y compositor Álvaro Heredia (heerzo), ofrece una producción minimalista y cuidada, diseñada para no robarle espacio a la voz ni a la letra. Cada acorde funciona como un susurro, como un paisaje sonoro que acompaña sin interrumpir el relato emocional de la artista. “Quise que todo fuera lo más simple e íntimo posible, que la producción abrazara la voz y permitiera que las palabras respiraran”, explicó Nereida.
“Timeless” no solo es una canción, sino una reflexión en forma de música sobre los vínculos invisibles que nos atan a momentos, a personas y a versiones antiguas de nosotros mismos. La letra habla desde esa voz interior que todos reconocemos: la que se aferra a ciertos recuerdos, que nos lleva a preguntarnos qué permanece cuando todo a nuestro alrededor parece cambiar.
Nereida consigue transmitir esa mezcla de añoranza y serenidad con una interpretación vocal delicada, cargada de matices y honestidad. Su voz flota sobre la producción, construyendo un espacio sonoro que invita al oyente a detenerse, escuchar y encontrarse con sus propios recuerdos.
Este lanzamiento marca un punto importante en la carrera de Nereida, quien continúa consolidándose como una artista capaz de emocionar y conectar a través de la sencillez y la verdad. “Para mí, esta canción es como dejar una carta abierta al tiempo, a todo lo que fue y lo que sigue siendo dentro de mí”, comenta.
“Timeless” ya puede escucharse en todas las plataformas digitales, y promete convertirse en uno de esos temas que acompañan momentos de introspección y calma. Para más información sobre Nereida y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla en sus redes sociales y descubrir la música que vendrá.
Una canción que no pasa, porque algunas emociones, como los abrazos del recuerdo, son atemporales.
El músico y compositor Mark J SOLER ha anunciado el lanzamiento de su nueva obra instrumental “Hanami”, una delicada pieza de tres minutos que captura la fugacidad y el esplendor de la primavera en su máxima expresión. Inspirada en un paseo primaveral entre cerezos en flor junto al histórico Château de Versailles, esta creación es un tributo sonoro a la naturaleza y al arte de contemplarla.
“Hanami”, que toma su nombre de la tradicional costumbre japonesa de observar y disfrutar la floración de los cerezos, nació de un instante de asombro vivido por el artista en el Arboretum, un rincón poco conocido de naturaleza silvestre junto a los jardines del palacio. Según relata Mark J SOLER, “Tomé un par de fotos con el móvil, pero enseguida lo guardé. Me quedé allí, simplemente mirando. Quería absorber de verdad ese momento. Ya en el estudio, intenté trasladar esa sensación exacta a la música.”
El resultado es una composición instrumental que envuelve con melodías suaves y una atmósfera serena, invitando al oyente a detenerse, respirar y reconectar con el presente. “Hanami” funciona como una pausa sonora, un instante de calma y reflexión en medio del ruido cotidiano, y a la vez, un homenaje a la belleza que, como los pétalos de un cerezo, solo permanece un instante.
Disponible ya en plataformas digitales, esta pieza promete convertirse en la banda sonora ideal para aquellos que buscan momentos de introspección o sencillamente dejarse llevar por la poesía de la naturaleza.
Para más información sobre Mark J SOLER y sus futuros proyectos, puedes seguirle en sus redes sociales y descubrir las próximas sorpresas que prepara este talentoso compositor.
A veces la vida diaria puede parecernos monótona, sin color, insípida. Para ese tipo de ocasiones siempre viene bien redescubrir el placer de existir con esas canciones que te llevan a escenarios surreales donde la fiesta nocturna es infinita, esas vibras sonoras donde las aventuras citadinas y los encuentros pasionales ponen a latir el corazón a tope. Algo así como esa energía ochentera que transmitieran grandes temas como Lets Dance (David Bowie), This Must Be the Place (Talking Heads) y ahora Thunderbolt, de la banda sandieguina Atomic Sexies.
Fundada en la primavera de 2022 en San Diego, California, la banda Atomic Sexies es de esos proyectos que saben que la música es demasiado hermosa para reprimirla en un solo estilo, algo que dejan muy claro en su nueva entrega musical Thunderbolt. Con un estilo musical energizante que mezcla géneros como el rock pop británico, el glam, las vibras bailables de los 80s y letras que te motivarán a lanzarte por una aventura nocturna, el nuevo sencillo de los Atomic Sexies te transportará a esos años previos al Internet, cuando el estilo y los pasos de baile en la disco eran lo más importante.
Su portada es la primera puerta de entrada a esta dimensión, con un estilo que nos remite a los videojuegos de arcadia y los colores vaporwave, mientras que el sonido de Thunderbolt refleja exactamente lo que sus autores se propusieron que fuese: una carta de amor a David Bowie, influenciada por su era glam de Ziggy Stardust, así como algo de T.Rex y Talking Heads, en una mezcla de ritmos bailables y pegajosos.
Mezclada en Londres por Cameron Craig —productor que ha trabajado con artistas como Adele, Amy Winehouse, Tine Turner, Pulp— y masterizada en los mismísimos Abbey Road Studios —sí, los mismos donde los Beatles grabaran su legendario álbum— por Geoff Pesche —Gorillaz, Coldplay, Blur—, el tercer sencillo de Atomic Sexies sigue preparando el terreno para el lanzamiento de su próximo disco, del que ya han liberado previamente los temas Pleasure #5 y In Between y que verá la luz este 2025, en lo que promete ser un viaje musical atrevido y heterogéneo de eclecticismo sonoro que cautivará al público mexicano. De momento podemos ir adelantando la experiencia con Thunderbolt, disponible en plataformas digitales a partir del 25 de abril.
Además de este lanzamiento y tras su última visita a México en Noviembre del 2024, Atomic Sexies alista su regreso a los escenarios en este 2025, listos para dar una serie de shows en la capital del país y en distintas ciudades, mismos que estarán anunciando próximamente en sus redes sociales.
La escena musical latinoamericana sigue sumando voces auténticas y potentes, y una de las que más está dando que hablar es la de Caro Abadía. La artista panameña acaba de estrenar su nuevo single “Feel Me”, una canción que no solo invita a bailar, sino que también conecta con las emociones y reivindica el amor propio.
Con una propuesta fresca que fusiona el pop urbano con sonidos actuales y letras cargadas de fuerza, Caro se posiciona como una de las promesas más firmes de la nueva generación de artistas latinoamericanas. En “Feel Me”, su inconfundible voz se mezcla con una producción impecable a cargo de Bomber Music, creando un tema que promete convertirse en favorito de playlists y pistas de baile.
La letra y composición, firmadas por la propia Caro Abadía, transmiten un mensaje de autenticidad y valentía, invitando a escuchar el corazón y dejarse llevar. “Es una canción para que la gente se reconecte consigo misma, para recordar que no hay nada más poderoso que sentirte libre, dueño de tu historia y de tu energía”, comenta la artista.
“Feel Me” ya está disponible en plataformas digitales, donde los seguidores de Caro podrán disfrutar de este nuevo capítulo en su carrera. Además, quienes quieran estar al tanto de sus próximos lanzamientos, presentaciones y novedades, pueden seguirla a través de sus redes sociales, donde la artista mantiene una activa comunicación con su comunidad de fans.
Desde Panamá para el mundo, Caro Abadía confirma con este lanzamiento que su música ha llegado para quedarse, y que su mensaje de empoderamiento y conexión emocional seguirá resonando fuerte en cada canción.
La cantante sonorense Ingrid Contreras regresa este 2025 con un tema cargado de sentimiento y elegancia: “Dime”, una balada pop que promete tocar fibras profundas y convertirse en favorita entre los amantes de las canciones que hablan al corazón. Ya disponible en plataformas digitales, este nuevo sencillo confirma a Ingrid como una de las voces más auténticas y sensibles de la escena actual.
Originaria de Ciudad Obregón, Sonora, Ingrid Contreras ha construido su camino en la música como en un verdadero cuento de hadas. "Siempre fue mi meta lanzarme algún día como solista, pero no estaba tocando puertas. Pensaba que si era para mí, de alguna manera se iba a atravesar en mi camino. Y así sucedió", confiesa la artista de 28 años, que desde su debut ha dejado una marca muy personal dentro del género mariachi-pop y balada-pop.
“Dime” es una pieza íntima y melancólica, compuesta por Héctor León, Cesar Franco y Carlos Daniel Tomas, y producida por Saul Escoboza, que permite a Ingrid desplegar toda la potencia y calidez de su voz. La letra, cargada de preguntas sin resolver en una relación marcada por el silencio y la distancia emocional, encuentra en su interpretación la mezcla perfecta entre delicadeza y fuerza interpretativa, elementos que ya son parte esencial del sello de la cantante.
Desde su aparición en la escena musical, Ingrid Contreras ha sabido conquistar al público y la crítica. A finales de 2020, su sencillo “A quién quiero engañar” fue seleccionado para formar parte de la banda sonora de la telenovela de Televisa Quererlo Todo. Un año más tarde, su talento fue reconocido en los Premios Juventud 2021, donde recibió nominaciones en las categorías “La Nueva Generación Regional Mexicano” y “Mejor Canción Mariachi-Ranchera” por su éxito “Pobre Corazón”.
Con “Dime”, Ingrid vuelve a demostrar que su versatilidad y capacidad para conectar con las emociones del público siguen creciendo. La canción mantiene esa esencia romántica que la caracteriza, pero con una producción contemporánea que envuelve cada verso en arreglos elegantes y atmósferas envolventes, consolidando su propuesta como una de las más frescas y emotivas del pop en español.
La canción ya puede disfrutarse en todas las plataformas digitales, y la artista invita a sus seguidores a no perderse este nuevo capítulo de su carrera, además de mantenerse al tanto de próximos lanzamientos y presentaciones a través de sus redes sociales.
Ingrid Contreras reafirma con este lanzamiento que sigue escribiendo su propio cuento de hadas en la música, uno donde cada canción es un reflejo sincero de su voz y su corazón.
