Juan Magán, Nil Moliner, Álvaro De Luna, Samuraï, Chiara Oliver, Clarent, Omar Montes, The Tyets, Ruslana, Naiara o Max Navarro actuarán en el macroconcierto.

El festival más esperado de la primavera, LOS40 Primavera Pop, regresa con más fuerza que nunca. La fecha elegida este año será el 11 de abril. Tras el éxito arrollador del año pasado, el festival consolida su presencia en el Olímpic Arena de Badalona, un recinto de gran capacidad situado a solo 15 minutos de Barcelona.

Con un espectacular despliegue técnico y escenográfico, la cita reunirá a algunos de los artistas más relevantes del momento, combinando en un mismo cartel veteranía y juventud. Algunos de los nombres más destacados que subirán al escenario de LOS40 Primavera Pop son: Juan Magán, Nil Moliner, Álvaro De Luna, Samuraï, Chiara Oliver, Clarent, Omar Montes, The Tyets, Ruslana, Naiara o Max Navarro, entre otros. #LOS40PrimaveraPop #ELS40PrimaveraPop

Las valoraciones sobre el retorno de LOS40 Primavera Pop a Badalona coinciden en destacar la consolidación del festival en la ciudad y el salto cualitativo que vivirá esta nueva edición. En esta línea, Sergi Sánchez, coordinador de emisoras musicales de Prisa Radio en Cataluña, subraya que “realizar la segunda edición en el Olímpic Arena con una producción que superará la de la primera edición es la confirmación de este formato”.

Una visión que comparte también el alcalde de Badalona, Xavier García Albiol, quien afirma que “la celebración por segundo año consecutivo de LOS40 Primavera Pop en la ciudad reafirma a Badalona como escenario de grandes eventos musicales”, valorando el impacto cultural y la proyección que supone para el municipio.

El presentador badalonés de Anda Ya, Dani Moreno, que ejercerá como anfitrión de la velada, ha declarado que “volver a Badalona un año más con un espectáculo así es un placer, y más con un cartel encabezado por un badalonés de talla internacional como Juan Magán”.

A lo largo de sus diferentes ediciones, LOS40 Primavera Pop ha vivido momentos memorables y siempre ha brillado con actuaciones de gran nivel. El año pasado contó por primera vez con estrellas tan destacadas como María Becerra y Beele, que se sumaron a grandes nombres de ediciones anteriores como Dani Fernández, Álvaro de Luna, Tiago PZK, Justin Quiles, Lost Frequencies, Aitana o Ana Mena. En cuanto a cifras, 2023 fue la edición más multitudinaria de la historia del festival, con más de 25.000 asistentes y actuaciones icónicas como la de Sam Ryder, representante del Reino Unido en Eurovisión, o Lola Índigo, que celebró sus 5 años de carrera alcanzando el número 1 en ventas.

Como cada año, el festival contará también con la participación de los presentadores de LOS40, que serán los encargados de poner la mejor banda sonora y conducir el gran evento musical de la primavera de 2026 para convertirlo en una experiencia espectacular.

Entradas disponibles en: www.elcorteingles.es/entradas/conciertos/entradas-los40-primavera-pop-2026-badalona

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

El artista francés Samuel, una de las voces emergentes del pop europeo con vocación internacional, presenta “Good Thing”, su nuevo sencillo lanzado el 20 de marzo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza contenida y emocionalmente directa, captura ese momento de lucidez en el que uno se da cuenta de que fue quien dejó escapar algo realmente valioso. No es una canción de ruptura al uso, sino una confesión incómoda, deliberada, controlada, de esas que cuesta hacer pero que una vez dichas liberan.

“Good Thing” nace desde la honestidad más cruda. No hay reproches hacia la otra persona, no hay búsqueda de culpables externos. Hay el reconocimiento de un error propio, la conciencia de que se dejó pasar algo que quizá no volverá a repetirse. Esa vulnerabilidad, esa capacidad para mirarse al espejo sin excusas, es precisamente lo que dota a la canción de su carácter único. La letra, precisa y sin adornos innecesarios, se despliega como un monólogo interior que cualquiera que haya dejado ir a la persona equivocada puede reconocer como propio.

Musicalmente, “Good Thing” se mueve en el territorio del indie pop con influencias británicas, un sonido que combina la contención europea con la calidez melódica del pop anglosajón. La producción, cuidada y minimalista, permite que la voz de Samuel ocupe el centro de la escena, transmitiendo con matices esa mezcla de arrepentimiento y aceptación que la letra requiere. No hay estridencias ni grandes alardes; hay la precisión de quien sabe que, a veces, la emoción más profunda se expresa en el susurro, no en el grito.

Samuel, de 26 años, es un artista nacido en París que ha sabido construir una carrera basada en la libertad creativa. Criado en una familia de músicos, tomó la decisión de dedicarse profesionalmente a la música a los dieciocho años, justo después de graduarse mientras estudiaba Negocios Internacionales en Londres. Su carrera despegó en Francia en 2018 con su single debut “50 nuances de toi”, al que siguieron múltiples lanzamientos a lo largo de los años, culminando en un álbum en 2024. Ahora, con “Good Thing”, comienza un nuevo capítulo como artista independiente, fusionando su sensibilidad francesa con el pop contemporáneo para construir un sonido propio.

Su trabajo ha sido descrito por Wonderland como el del “nuevo miembro de la escena pop”, y esa etiqueta no le queda grande. Su música se define por la claridad, la contención y un sentido deliberado de la dirección, alejado de las modas pasajeras. Residiendo entre Londres, París y Milán, Samuel representa a una nueva generación de artistas europeos con una mirada internacional, capaces de escribir en inglés con la misma naturalidad con la que cantan en francés, pero siempre con una identidad propia que trasciende las fronteras.

“Good Thing” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de confesión y arrepentimiento que Samuel ha sabido capturar con la precisión de un cirujano y la sensibilidad de un poeta. Una canción para quienes han dejado escapar algo valioso y han tenido el valor de reconocerlo.

El dúo de soul sofisticado Raye & Marlowe eleva la energía con “Groovin’ All Day”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, un vibrante dueto retro-boogie inspirado en el electrizante sonido de las pistas de baile de principios de los años ochenta, se construye sobre un bajo slap contundente, acentos brillantes de sintetizador y armonías vocales explosivas que capturan la pura alegría de perderse en el ritmo.

“Groovin’ All Day” nace como una celebración del placer comunitario del groove, ese momento en que la banda se sincroniza, la sala se llena de movimiento y la música toma el control. Si en sus lanzamientos anteriores la pareja artística formada por Indigo Raye y Kai Marlowe exploraba el romance y el autodescubrimiento, aquí apuestan por la energía compartida, por esa sensación de conexión que solo ocurre cuando el ritmo es el verdadero protagonista.

Musicalmente, la canción canaliza el espíritu de la era Solar Records, ese momento mágico en que el funk, el soul y el disco colisionaron para crear algunas de las pistas de baile más alegres jamás grabadas. El resultado es una línea de bajo slap que empuja desde el primer compás, un pulso de caja de ritmos nítido que ancla el tema en el funk clásico de principios de los ochenta, y unos acentos de sintetizador brillantes y metales punzantes que mantienen la energía en constante movimiento. Las guitarras rítmicas, ajustadas y precisas, completan un entramado sonoro que suena a la vez retro y vibrante.

Las voces, como no podía ser de otra manera, son el alma del tema. Kai Marlowe aporta su tenor soul, suave y melódico, mientras Indigo Raye responde con su contralto expresiva en un juego de llamada y respuesta que recuerda a los grandes dúos de la época. Las capas de armonías se acumulan creando una textura rica que envuelve al oyente y lo transporta a ese momento en que la música se convierte en experiencia colectiva.

Raye & Marlowe no son un dúo al uso. Formados en la intersección del espíritu de Leather & Silk, el proyecto captura esa química rara y brillante que solo surge cuando dos voces se encuentran en el momento justo. Su propuesta se concibe como un santuario de calidez en un mundo que avanza demasiado rápido, un espacio donde la sofisticación del soul de los años ochenta se encuentra con la intimidad de una conversación a media voz.

Bajo la dirección creativa de Boulevard West Records, el dúo se aleja de la mera nostalgia para ofrecer algo más profundo: una carta de amor sonora al West Coast Soul, ese género donde el desgarro de un contralto se funde con la suavidad de un tenor de soul. Su música suena a disco de vinilo que ha envejecido bien, a esa calidez analógica que solo se consigue cuando cada elemento está colocado con intención. No es casualidad que sus referentes sean nombres como George Benson, Rufus & Chaka Khan, Silk Sonic, Anita Baker o los legendarios dúos de Ashford & Simpson y Patti Austin & James Ingram.

“Groovin’ All Day” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de celebración y ritmo que Raye & Marlowe han sabido recrear con la precisión de quienes conocen y aman la música que inspira su trabajo. Una canción para bailar, para olvidarse del mundo y para recordar que, a veces, lo único que importa es que la banda se sincronice y el ritmo se encargue del resto.

Antonio Orozco está en un momento vital increíble, y “Despierta”, su nuevo single, es la prueba más evidente. La canción, uno de los pilares de su álbum “El tiempo no es oro” —lanzado en abril de 2025—, ha cobrado una fuerza enorme este marzo de 2026 como single oficial, escalando posiciones en las listas de éxitos y confirmando que el artista catalán sigue teniendo mucho que decir. No es un tema más: es un “sacudidón” emocional, una invitación a salir del piloto automático, a valorar el presente y a entender que la vida está “esperando en la puerta”.

“Despierta” nace desde la necesidad de mirar de frente a la realidad, de dejar de vivir en automático. La letra, cargada de imágenes potentes, habla de resiliencia, del trabajo duro y de cómo el futuro está impregnado de nuestras propias manos abiertas. Versos como “un despertar de miradas atentas, un casi todo y la nada a la vuelta” resumen esa tensión entre lo que tenemos y lo que podríamos perder si no estamos atentos. Orozco utiliza metáforas que remiten a la tierra, al olivo que echa raíces, al sudor en la frente y al trabajo en el campo, construyendo un discurso que enraíza la experiencia humana en lo más cotidiano y, a la vez, en lo más trascendente.

Musicalmente, “Despierta” es el Orozco más auténtico. La instrumentación comienza envolviendo al oyente, creando una atmósfera que va creciendo hasta que rompe con esa voz rasgada tan suya, capaz de transmitir una verdad aplastante. No hay artificios ni concesiones a la moda: hay la honestidad de quien ha vivido, ha reflexionado y ha decidido compartir ese aprendizaje en forma de canción. El resultado es un himno que invita a despertar, a mirar alrededor, a valorar lo que tenemos antes de que sea demasiado tarde.

“El tiempo no es oro”, el álbum que contiene este tema, es probablemente su disco más humano. Surgió de un proceso de aislamiento y reflexión que el artista denominó “El método Orozco”, un viaje desde la oscuridad hacia la luz que ha quedado plasmado en cada una de las canciones. Además de “Despierta”, el álbum incluye joyas como “La Llamada” y una emotiva colaboración con Dani Martín en una nueva versión de “Te juro que no hay un segundo que no piense en ti”. Es un trabajo que habla de la resiliencia, del trabajo duro y de la capacidad de reinventarse.

Antonio no solo está de estreno musical, sino que se encuentra inmerso en “La Gira de tu Vida”, un proyecto ambicioso que busca poner al público en el centro. Después de celebrar sus 25 años de carrera, esta gira no es un repaso de éxitos al uso, sino un reencuentro emocional donde cada concierto se concibe como una experiencia compartida y personal. Las próximas paradas incluyen fechas destacadas en todo el territorio: el 4 de julio en la Plaza de España de Sevilla, el 15 de agosto en Fuengirola, y una cita para cerrar el año por todo lo alto en el Palau Sant Jordi de Barcelona el próximo 22 de diciembre.

Con “Despierta” y “El tiempo no es oro”, Antonio Orozco demuestra una vez más que, aunque pasen las décadas, nadie le gana a la hora de escribir canciones que parecen leernos el pensamiento. El single ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de reflexión y vitalidad que solo un artista con su sensibilidad puede crear. Una canción para recordar que la vida está esperando en la puerta, y que solo depende de nosotros abrirla.

Belén Jurado, la artista malagueña que ha sabido combinar como nadie la formación clásica con la energía más contemporánea, presenta “El Mismo De Siempre”, su nuevo sencillo lanzado en este primer trimestre de 2026. La canción, ya disponible en plataformas digitales, consolida su apuesta por un pop-flamenco con toques electrónicos que ella misma ha bautizado como “electrónica elegante”, una propuesta que confirma su versatilidad y su capacidad para emocionar sin renunciar al ritmo.

“El Mismo De Siempre” nace desde ese momento de lucidez en el que una persona se da cuenta de que, a pesar de las promesas, el otro no ha cambiado. Es un reproche directo, sí, pero envuelto en un ritmo optimista que transforma la decepción en impulso para pasar página. La canción habla de ese instante liberador en el que se asume que hay personas que nunca van a evolucionar y que lo mejor es soltar, avanzar, dejar atrás lo que pesa. El título, cargado de intención, funciona como una constatación definitiva: no esperes algo distinto de quien siempre ha sido así.

Musicalmente, el tema despliega la riqueza que caracteriza a Belén Jurado. El piano, fruto de sus más de veinte años de formación en el Conservatorio Superior de Música de Málaga, ocupa un lugar central en los arreglos, aportando una base sólida sobre la que se construyen las capas electrónicas y las bases urbanas. La producción, pensada para funcionar en directo, permite que su voz luzca en todo su registro, pasando del susurro más íntimo a la potencia arrolladora que la emparenta con las grandes divas del pop español.

Belén Jurado no es una artista convencional. Pianista titulada, DJ, cantante y vocal coach, su perfil polifacético la ha convertido en una de las figuras más completas de la escena actual. Su sólida formación académica se percibe en cada composición, en el dominio de la armonía y en la estructura cuidada de sus canciones, pero también en esa capacidad para innovar sin perder la base. Ha sido reconocida como una de las pocas embajadoras oficiales de Twitch en España dentro de la categoría musical, una plataforma donde ha construido una comunidad fiel que la acompaña en directos donde compone, hace loops en vivo y pincha como DJ, compartiendo su proceso creativo de una forma cercana y sin filtros .

Su evolución en los últimos años ha sido constante. Tras comenzar cantando en hoteles y eventos, la pandemia impulsó su salto al mundo digital y discográfico, y hoy es una artista que se siente cómoda tanto en un festival de pop como en un club de electrónica. Canciones recientes como “Es Mentira”, “Mil Motivos” o “Bonito” —esta última en su versión House Remix— han ido definiendo un camino que ahora encuentra en “El Mismo De Siempre” una nueva expresión . Su capacidad para fusionar el soul, el gospel, los ritmos latinos y la electrónica más cuidada la sitúa en un territorio propio, alejado de etiquetas fáciles.

Con este lanzamiento, Belén Jurado demuestra que la coherencia y la evolución pueden ir de la mano. “El Mismo De Siempre” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de empoderamiento y electrónica elegante que solo una artista con su sensibilidad puede crear. Una canción para reconocer lo que no cambia, para soltar lo que pesa y para celebrar, con ritmo, la libertad de seguir adelante.

El panorama urbano suma un nuevo lanzamiento con vocación de convertirse en uno de los temas más contagiosos de la temporada. “Esta Cosita” es el nuevo single que reúne a Dr. López, Mapy B y Troy en una colaboración marcada por el ritmo, la frescura y una energía pensada para conquistar tanto las plataformas digitales como las pistas de baile. Con una producción actual que fusiona reggaetón, sonidos urbanos y un toque de flamenco aportado por la guitarra de Jairo Blanco, el tema se presenta como una canción directa, bailable y altamente pegadiza.

La canción nace desde esa apuesta por la efectividad dentro del género: ritmo dinámico, melodías reconocibles y una atmósfera desenfadada que invita a disfrutar, bailar y compartir. “Esta Cosita” no busca grandes complicaciones ni mensajes profundos; su objetivo es mucho más sencillo y a la vez más necesario: hacer que el cuerpo se mueva, que la mente se desconecte y que la música se convierta en celebración. El estribillo, diseñado para quedarse en la memoria desde la primera escucha, funciona como un imán que atrapa al oyente y no lo suelta hasta que el tema termina.

La propuesta se acompaña de una identidad visual colorida y fresca, inspirada en el verano y en el ambiente festivo, reforzando el carácter ligero y divertido del single. Un concepto que encaja a la perfección con el consumo actual de música en plataformas digitales, playlists y redes sociales, donde la imagen y la energía son tan importantes como el sonido mismo.

Detrás de este tema se encuentran tres artistas con trayectorias sólidas dentro del panorama latino. Mapy B, con más de trece años en el mundo de la música, ha destacado por su potente voz y su presencia escénica, aportando esa fuerza interpretativa que eleva la canción. A esta colaboración se suma Troy, cantante, compositor y coproductor musical con una sólida trayectoria internacional que ha llevado su música a más de treinta países, aportando al proyecto su energía escénica y su identidad latina. Completa el trío Dr. López, artista y productor cubano con más de catorce años de trayectoria en la música urbana y latina, músico, cantante, compositor y productor musical que también trabaja como ingeniero de mezcla y mastering, destacando por su capacidad para fusionar sonidos urbanos contemporáneos con influencias flamencas y caribeñas.

La unión de estos tres talentos da como resultado un tema que respira frescura y autenticidad, donde cada uno aporta su sello personal sin que la colaboración pierda cohesión. La guitarra de Jairo Blanco aporta ese matiz flamenco que enriquece la base rítmica, añadiendo una capa de calidez a un sonido que de otra manera sería puramente urbano.

“Esta Cosita” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de fiesta y despreocupación que Dr. López, Mapy B y Troy han sabido crear con oficio y sensibilidad. Una canción para bailar, para compartir y para recordar que, a veces, lo único que necesitamos es un buen ritmo para ser felices.

Alanys Lagos, la joven artista chilena que a sus veinte años ya es conocida como la “Reina de la Ranchera Chilena”, presenta “Tú Eres El Único”, su nuevo sencillo lanzado en marzo de 2026. La canción, una cumbia ranchera romántica, supone un giro luminoso en su repertorio, alejándose del desamor de temas como “Mochila con piedras” para celebrar a esa persona especial que nos acompaña en los malos días y nos consuela con su sola presencia.

La canción nace desde la certeza de que hay alguien que conoce nuestros silencios y abraza nuestros cambios sin juzgar. “Porque hay días grises en los que parece que nadie entiende lo que pasa por nuestra mente, pero siempre existe alguien especial”, podría resumir el espíritu de un tema que habla de ese vínculo único, de esa persona incondicional que no necesita explicaciones para estar a nuestro lado. La letra, cargada de agradecimiento y ternura, se convierte en una dedicatoria perfecta para quienes han sido faro en los momentos de tormenta.

Musicalmente, “Tú Eres El Único” apuesta por un sonido que busca cruzar fronteras. La producción, más internacional que sus trabajos anteriores, se aleja del sonido puramente tradicional para acercarse a un pop-ranchero con el ritmo contagioso de la cumbia, diseñado para sonar tanto en festivales de pueblo como en las radios de toda Latinoamérica. El resultado es una canción que invita al baile sin perder la hondura emocional que caracteriza a la artista.

Alanys Lagos pertenece a la Dinastía Lagos, una familia de tradición musical chilena, pero lo que la hace verdaderamente única es su puesta en escena ecuestre. Siguiendo la tradición de figuras como Antonio Aguilar, la artista suele cantar montada a caballo —su caballo se llama “Pihuelo”—, un espectáculo que ha cautivado a audiencias de todo el país. Su paso por The Voice Chile la puso en el mapa, pero fue su constancia en los festivales lo que la consagró definitivamente. En enero de 2026 ofreció una presentación histórica en el Festival del Huaso de Olmué, uno de los más importantes de Chile, que confirmó su posición como figura emergente del género.

Aunque su base es la ranchera, Alanys ha demostrado su versatilidad colaborando con grandes de la cumbia como Zúmbale Primo y Amerika'n Sound, sin miedo a mezclar géneros urbanos y tropicales. Sus colaboraciones con Ignacio Ormazábal, como “Llegaste Tú”, han generado además numerosos rumores de romance entre sus seguidores, lo que le ha dado una visibilidad extra en redes sociales.

La artista, que de niña soñaba con ser bailarina hasta que el talento vocal de la dinastía pesó más, sigue demostrando que su conexión con el público va más allá de la música. Sus canciones, que ella misma elige con cuidado, hablan de historias cotidianas de desamor, esfuerzo y alegría, conectando con la gente común desde la honestidad más absoluta.

“Tú Eres El Único” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de celebración y gratitud que Alanys Lagos ha sabido capturar con la frescura de sus veinte años y la sabiduría de quien lleva la música en la sangre. Una canción para dedicar a ese único que siempre está, pase lo que pase.

La banda madrileña Los Marcianos presenta “Pequeños planetas”, el segundo adelanto de lo que será su próximo trabajo discográfico, tras la gran acogida de “La noche de los cuchillos largos”, el single que publicaron recientemente junto a Iván Ferreiro. Con esta nueva canción, el grupo continúa desplegando las señas de identidad que están marcando esta nueva etapa: una base rítmica sólida, guitarras contundentes y una energía que empuja el tema hacia adelante desde el primer momento.

“Pequeños planetas” destaca por la incorporación de unos teclados envolventes que por momentos evocan la sensibilidad sonora de bandas como The Cure o New Order, aportando una atmósfera luminosa y melancólica al conjunto. Esta combinación de fuerza rockera y texturas electrónicas crea un equilibrio perfecto, situando a la banda en un territorio propio donde la tradición del rock independiente se encuentra con la experimentación sonora.

La letra, fiel al universo poético del grupo, juega con la imagen de los planetas pequeños como metáfora de esas relaciones, momentos o sensaciones que, aunque parezcan insignificantes en la inmensidad del cosmos, contienen todo un mundo en su interior. Una reflexión sobre la importancia de lo aparentemente menor, sobre esos universos particulares que todos llevamos dentro y que merecen ser explorados.

“Pequeños planetas” confirma el excelente momento creativo que atraviesan Los Marcianos. La banda continúa creciendo paso a paso, ampliando su universo sonoro y presentando canciones cada vez más cuidadas y emocionantes. La producción, limpia y detallada, permite que cada instrumento respire y que la canción despliegue toda su potencia sin perder la intimidad que la caracteriza.

Este nuevo single es una nueva pista de lo que está por venir: un disco que promete reunir algunas de las mejores composiciones del grupo hasta la fecha y que apunta a convertirse en uno de los lanzamientos más destacados del año dentro del panorama independiente. La expectación no ha hecho más que crecer tras estos dos adelantos, y todo apunta a que el álbum definitivo estará a la altura de las expectativas.

Los Marcianos llevan años construyendo una carrera sólida basada en la honestidad artística y el directo incansable. Su propuesta, que bebe de las fuentes del rock independiente nacional e internacional, ha ido encontrando un público fiel que valora la calidad de sus composiciones y la energía de sus actuaciones en vivo. La colaboración con Iván Ferreiro en su anterior single no hizo sino confirmar el respeto que la banda se ha ganado entre sus colegas de profesión.

Con “Pequeños planetas”, Los Marcianos dan un paso más en su evolución, demostrando que su capacidad para sorprender y emocionar sigue intacta. El tema ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese universo de planetas diminutos y emociones desbordantes que solo una banda con su sensibilidad puede crear.

El artista urbano Beto C presenta “Golden”, su nuevo sencillo lanzado en marzo de 2026 y ya disponible en plataformas digitales. La canción, un pop urbano pegadizo con una producción limpia a cargo de Jonathan Pons, juega con la ambigüedad y el doble sentido para construir un retrato de artista versátil, capaz de moverse entre la fidelidad del “Golden” y la actitud del “G”.

La letra de “Golden” se despliega como una declaración de intenciones que juega con los opuestos. “Puedo ser un Golden o puedo ser un G, pide lo que quieras que lo tengo para ti”, canta Beto C, ofreciendo dos versiones de sí mismo: la del chico fiel y noble, como un golden retriever, y la del más atrevido, ese “G” que evoca la actitud callejera del gangster. En esa dualidad reside la fuerza del tema, que no pide a la otra persona que elija, sino que ofrece todas las posibilidades, todas las versiones, todo lo que pueda desear.

Lo interesante de la propuesta es que Beto C no se limita a presumir de atributos físicos o de poder. En un género donde a menudo se compite por ver quién es el más “duro” o el más atractivo, él se diferencia ofreciendo algo distinto: “gracia” y “magia”. Una forma de seducción más sutil, más cercana, que conecta con un público joven que busca autenticidad por encima de los estereotipos.

Musicalmente, “Golden” apuesta por una producción limpia y actual, con bases urbanas que sostienen la melodía vocal sin estridencias. El estribillo, pegadizo y fácil de recordar, se instala en la memoria desde la primera escucha, diseñado para funcionar tanto en las plataformas digitales como en los directos.

El videoclip, dirigido por Martín Caballero, refuerza esa imagen de versatilidad con una estética cuidada que transita entre la elegancia y la calle. Las imágenes muestran a un Beto C que puede moverse en ambos mundos con naturalidad, sin perder la identidad en ninguno de ellos. Un trabajo visual que completa a la perfección el mensaje de la canción.

Beto C se presenta como una de las caras frescas de la escena urbana, un artista que no solo canta, sino que cuida la narrativa de sus canciones con una atención poco común. Su trabajo con equipos de producción de alto nivel como The Very Essence indica que su carrera está en una fase de ascenso rápido dentro del panorama español. Con “Golden”, demuestra que tiene algo que decir y una forma personal de decirlo.

“Golden” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese juego de contrastes y actitud que Beto C ha sabido construir con inteligencia y frescura. Una canción para quienes entienden que la versatilidad es el verdadero lujo.

El artista urbano Mr Brey lanza “Se Me Pega”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una fusión de trap y reggaetón construida sobre bajos profundos y una estética minimalista, redefine la energía nocturna dentro del sonido latino contemporáneo con una propuesta sensual, moderna y magnética diseñada para el consumo digital actual.

“Se Me Pega” se abre con un hook inmediato que captura la atención desde los primeros segundos, una estructura pensada para conectar con el comportamiento del público en plataformas como TikTok, donde la capacidad de enganchar rápidamente es esencial. La canción apuesta por un enfoque minimalista que permite que la voz se sienta cercana, casi susurrada, creando una atmósfera íntima y envolvente que envuelve al oyente y lo transporta a ese territorio fronterizo donde el deseo y la noche se encuentran.

La letra, sin necesidad de grandes artificios, construye una narrativa de atracción magnética, de esa conexión que se pega y no suelta, de esa presencia que permanece incluso cuando el cuerpo ya no está. Esa ambigüedad, esa capacidad para hablar de lo físico y lo emocional al mismo tiempo, es precisamente lo que dota al tema de su carácter hipnótico.

Antes incluso de su lanzamiento oficial, “Se Me Pega” ya ha comenzado a moverse de forma orgánica en redes sociales, con múltiples creadores utilizando el audio en TikTok. Este fenómeno confirma su potencial viral y su capacidad para adaptarse a la dinámica del contenido corto, demostrando que Mr Brey no solo crea música, sino experiencias diseñadas estratégicamente para impactar en el entorno digital actual, combinando estética, emoción y repetición.

Mr Brey representa a una nueva generación de artistas urbanos que entienden que la música hoy no solo se escucha, sino que se comparte, se baila y se convierte en banda sonora de momentos virales. Con “Se Me Pega”, demuestra que su propuesta tiene la frescura y la potencia necesarias para destacar en un panorama cada vez más competitivo. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de bajos y susurros que solo un artista con su sensibilidad puede crear.

María Artés, una de las voces fundamentales para entender el flamenco-pop actual en España, presenta “¿Cómo le explico?”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una balada flamenca con toques urbanos, se inscribe dentro de su último proyecto “PAVI & AMÉN” (2025/2026) y supone un nuevo ejemplo de su capacidad para emocionar con una mezcla de raíz andaluza y arreglos contemporáneos.

La canción nace desde ese lugar contradictorio donde la felicidad recién encontrada necesita ser explicada. La letra habla de la dificultad de comunicar a quienes nos rodean —o incluso al propio corazón— la magnitud de un sentimiento que transforma todo a su paso. “Con su amor llegó, lo necesitaba, alguien que me cuide, alguien que me ama”, canta María en los primeros versos, situando al oyente en ese territorio donde el amor aparece como salvación, como luz después de los días oscuros.

El estribillo se convierte en una declaración desbordante: “Cómo le explico a esta vida tan loca que me he enamorado tan fuerte de ti”. Esa pregunta retórica, que da título al tema, resume la imposibilidad de poner en palabras lo que el corazón siente cuando encuentra a esa persona que lo cambia todo. Las metáforas se suceden con naturalidad: el huracán de emociones, la revolución del mundo ideal, las imperfecciones que hacen volar, las luces que se encienden en la ciudad cuando dos cuerpos bailan juntos.

Musicalmente, el tema cuenta con el sello inconfundible de Maki, pareja y colaborador constante de la artista, que garantiza ese sonido que ha convertido a María en una de las voces más queridas del género. La producción equilibra las guitarras flamencas con bases urbanas suaves, creando una atmósfera cálida que envuelve la voz de Artés, siempre con ese matiz dulce pero “quejoso” que la caracteriza.

La letra, escrita por la propia María, incluye también una declaración de amor incondicional en los versos finales: “Si te tengo aquí a mi lado, soy feliz. Si me miras a los ojos, soy feliz”. Una sucesión de pequeñas certezas que dibujan un amor cotidiano, hecho de gestos y presencias, de cuidados y complicidades. Incluso la ausencia tiene cabida en este mapa sentimental: “Si te vas, te echo de menos y soy feliz”, una paradoja que solo el amor verdadero puede sostener.

María Artés construyó su carrera desde muy joven, cuando canciones como “Si tú supieras” se convirtieron en himnos en redes sociales y foros de música flamenca. Con el tiempo, ha pasado de un flamenco-pop más lineal a experimentar con bachata, reggaetón lento y pop melódico. Su disco “Imperfectos” (2023) marcó un antes y un después en su madurez como compositora, demostrando que, a diferencia de otros artistas de su género, ella escribe gran parte de sus letras, lo que otorga a sus canciones un toque muy personal y autobiográfico.

Actualmente, “La Morena” —como la conocen sus fans— se encuentra inmersa en una gira junto a Maki bajo el nombre “Pavi & Amén”, un proyecto que está llenando recintos en toda España y demostrando que el flamenco urbano tiene un público masivo y muy leal. En esos conciertos, “¿Cómo le explico?” se convertirá sin duda en uno de los momentos más emotivos, cuando la voz de María se eleve sobre las guitarras y el público coree esa pregunta que todos nos hemos hecho alguna vez al enamorarnos.

“¿Cómo le explico?” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de amor y celebración que María Artés ha sabido capturar con la honestidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para quienes han encontrado por fin a esa persona que hace que las luces de la ciudad se enciendan cuando bailan juntos.

Shakira Martínez y Nyno Vargas presentan “Contigo Sé”, su nuevo sencillo ya disponible en todas las plataformas digitales. La canción, una bachata flamenca que fusiona el pulso característico del género con guitarras españolas y matices del sur, supone una evolución natural tras su colaboración previa en “Si Alguna Vez”, apostando ahora por un ritmo más bailable sin perder la esencia que los define.

La canción nace desde esa química natural que ambos artistas han cultivado y que aquí se manifiesta en un diálogo vocal lleno de complicidad. La letra es una declaración de amor directa, de esas que se envían por WhatsApp para confesar lo que a veces cuesta decir en persona. Habla de la seguridad que proporciona estar con la persona correcta, de esa certeza de que, cuando se ha encontrado el lugar al que se pertenece, ya nada puede desviarte del camino. “Contigo sé que no me voy a perder”, cantan, y la frase resuena como una promesa compartida.

Musicalmente, el tema logra un equilibrio delicado entre la percusión clásica de la bachata y el rasgueo de las guitarras flamencas, creando una atmósfera cálida que invita al baile pegado y a la repetición. La producción, cuidada y actual, permite que las voces luzcan en todo su esplendor: la de Shakira, con ese desgarro flamenco que lleva en la sangre, y la de Nyno, con su experiencia y su capacidad para transitar entre géneros sin perder la identidad.

El videoclip que acompaña al lanzamiento apuesta por una estética latina y veraniega, con imágenes pensadas para reforzar esa sensación de entrega y romanticismo que transmite la canción. Un trabajo visual que busca posicionar el tema como uno de los grandes éxitos del año en las listas de reproducción de flamenco pop y bachata sensual.

Shakira Martínez, natural de Elda (Alicante), lleva el arte en la sangre como nieta de la cantaora Lina Vargas. Su ascenso ha sido meteórico: tras hacerse viral con covers en redes sociales, pronto llamó la atención de artistas como Alejandro Sanz y Antonio Orozco, quienes la invitaron a compartir escenario con ellos. Su voz, con esa “queja” tan característica del flamenco pero con una técnica pop impecable, la ha convertido en una de las figuras femeninas con mayor proyección en el género, con colaboraciones que incluyen a artistas como Maki.

Nyno Vargas, por su parte, es ya un veterano en romper etiquetas. Salido del barrio de “Las 613” en Burjassot (Valencia), comenzó su carrera en el rap y el hip-hop más purista, pero fue uno de los primeros en España en atreverse a fusionar estos géneros con el flamenco y el reggaetón. Su paso por programas de televisión como “Supervivientes” o “Tu cara me suena” no ha frenado su producción musical, manteniendo vivo ese “Efecto Nyno” que le permite adaptarse a cualquier género, desde el mambo hasta la bachata más romántica.

Con “Contigo Sé”, Shakira Martínez y Nyno Vargas confirman que su unión artística funciona a la perfección. Él aporta la experiencia y el toque urbano; ella, esa sensibilidad flamenca que eleva cada frase. Juntos han creado una canción para dedicar, para bailar y para recordar que, cuando el compás es bachata y el alma es flamenca, duele más bonito. El tema ya está disponible en todas las plataformas digitales, esperando a que cada oyente encuentre su propia frase y su propio destinatario.

El artista barcelonés afincado en Santander, Mikan, presenta “Amor sin final”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales a través de Buena Estrella Records. El tema, definido como el “himno del desamor” para San Valentín, es un medio tiempo que pone el broche final a su cuarto álbum de estudio, “Extravaganza”, un trabajo que ha ido desgranando a lo largo del último año a través de varios lanzamientos previos .

Mikan, nacido en Barcelona en 1985, es un artista de estética glam caracterizado por su autenticidad, perseverancia y una imagen impactante que mantiene desde su debut profesional en 2014. Su propuesta musical fusiona el pop, la electrónica y el techno con letras que transitan entre el desamor, la libertad y la introspección, creando un universo sonoro único que le ha valido el apoyo de figuras tan relevantes como Alaska, Nacho Canut, Javier Losada y Marília, del mítico dúo Ella Baila Sola.

El artista cuenta con cuatro discos de estudio a sus espaldas y ha acumulado más de seis millones de reproducciones en plataformas digitales, consolidando una carrera que comenzó con “Señas de Identidad” (2015), continuó con “Luces y Sombras” (2017) y alcanzó un punto de inflexión con “Filias & Fobias” (2019), álbum que incluía su exitoso tema “CRUSH” . Su talento le llevó a ser preseleccionado para representar a España en Eurovisión 2017 con un tema propio, un hito que marcó su proyección nacional.

El periodo 2024-2025 ha sido especialmente brillante para Mikan. Lanzó “Espectral”, un trabajo distribuido por Universal Music Spain, con el que tuvo el honor de cerrar la Gala de Nochevieja de RTVE en 2025 . Fue además el invitado de honor para dar las campanadas en Santander, ciudad donde reside, y recibió el Premio a la Mejor Canción 2025 por su tema “Tres Corazones”, una pieza de estética gótica y sonidos actuales que reflexiona sobre la catarsis emocional.

Los sencillos previos de su álbum “Extravaganza” han ido marcando la pauta de una evolución artística constante. “Enlluernat” (2025) supuso su debut en lengua catalana, un himno de empoderamiento que se lanzó en primicia en Los40 . Le siguieron “Salvaje”, un tema de estilo glam rock destinado originalmente a su candidatura para el Benidorm Fest, y el mencionado “Tres Corazones”. Ahora, “Amor sin final” cierra este ciclo discográfico con una propuesta que mira directamente al corazón.

“Amor sin final” llega en una fecha estratégicamente elegida: San Valentín. Sin embargo, lejos de celebrar el amor romántico, el tema se presenta como el “himno del desamor”, ese contrapunto necesario para quienes viven la fecha desde la ausencia o la ruptura. El medio tiempo permite a Mikan lucir su faceta más emotiva, con una interpretación vocal que transmite la melancolía de un amor que no tuvo final feliz, pero que merece ser recordado.

La producción, fiel al estilo del artista, combina elementos electrónicos con una base pop que sostiene la emoción sin estridencias. El resultado es una canción que invita tanto a la reflexión íntima como a la catarsis compartida, demostrando que Mikan domina todos los registros de su propuesta artística.

Con “Amor sin final” y el álbum “Extravaganza”, Mikan reafirma su posición como uno de los artistas más personales y coherentes del panorama pop electrónico nacional. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de desamor y belleza que solo un artista con su sensibilidad puede crear.

ABHIR, uno de los proyectos más innovadores del panorama musical español, presenta “GLASGOW”, el primer single de su próximo álbum “ULTRASWAN”, que verá la luz el próximo mes de mayo. Con este lanzamiento, el artista inaugura una nueva etapa creativa en la que continúa ampliando su universo sonoro y su identidad artística, consolidándose como una de las voces más personales del momento.

“GLASGOW” transmite una actitud segura y magnética, marcada por una mirada muy personal sobre el éxito y el camino propio. El tema juega con contrastes entre lo espiritual y lo material, entre la fe, la intuición y la confianza en uno mismo, construyendo un mensaje de determinación y personalidad que refuerza el carácter único del artista. No es una canción sobre la meta, sino sobre la forma de caminar hacia ella, sobre la certeza de que el rumbo lo marca uno mismo.

La producción, fiel al estilo de ABHIR, combina texturas electrónicas con una base rítmica contundente, creando una atmósfera que envuelve al oyente y lo transporta a ese espacio fronterizo donde lo espiritual y lo material dialogan. La voz del artista, llena de matices, transmite esa mezcla de seguridad y vulnerabilidad que la letra requiere.

El universo de este nuevo proyecto se articula alrededor de la figura del cisne como símbolo de transformación y de una identidad más completa. Una imagen poderosa que remite a la idea de que la belleza y la fuerza pueden surgir de los procesos más complejos, de esa metamorfosis interior que todos atravesamos en algún momento. ABHIR se apropia de este símbolo para construir un imaginario propio, donde la evolución personal y artística se convierten en el centro de la narrativa.

En paralelo al lanzamiento, el músico ha ido dejando pequeñas pistas sobre esta nueva etapa a través de su cuenta secundaria de Instagram, @ragercore, donde en los últimos meses ha compartido contenido que anticipa el imaginario del proyecto. Un espacio más directo y cercano con sus seguidores que ha funcionado como antesala del universo que ahora comienza a desplegarse con este nuevo capítulo.

En su último trabajo, “BROWN BOY” (2023), ABHIR desarrolló un universo en el que conviven distintas influencias y sensibilidades que definen su identidad musical: fusiona sonidos hindúes y españoles con ritmos contemporáneos de música electrónica y rap. La mezcla de estos mundos, en apariencia distantes, da forma a un proyecto personal y singular que lo ha convertido en una de las nuevas voces a seguir dentro del panorama musical español.

Ahora, con “GLASGOW”, ABHIR abre el camino hacia “ULTRASWAN”, un nuevo proyecto con el que el artista continúa explorando nuevos sonidos y ampliando los límites de su propuesta artística. La evolución es evidente, pero también lo es la coherencia: ABHIR sigue siendo fiel a esa mezcla de influencias que lo definen, pero con una madurez y una seguridad que solo pueden venir de haber recorrido un camino propio.

El artista estadounidense de ascendencia panameña little BIG Man, nombre artístico de Joseph Olivares, presenta “TERREMOTO”, su nuevo sencillo que marca una poderosa evolución en su carrera. El tema, lanzado el pasado 14 de marzo, llega en un momento significativo para el artista, que acaba de cumplir 50 años y demuestra que la creatividad, la pasión y la perspectiva solo se enriquecen con el tiempo, desafiando estereotipos y elevando el listón de lo que el reggaetón puede ser.

little BIG Man no es un recién llegado al mundo de la música. Veterano de la Armada de Estados Unidos, el artista grabó previamente bajo otro nombre con Universal Music, lanzando dos temas que atrajeron la atención de la industria. Llegó a compartir escenario con Pitbull antes de que el artista se convirtiera en una superestrella global, y en Panamá ha actuado junto a pesos pesados del género como Toby King, Corruptio Team y Latin Fresh, ganándose el respeto y la credibilidad en la escena musical latina.

Su presencia en los escenarios internacionales incluye actuaciones en programas emblemáticos como Sábado Gigante y El Show de la Una Internacional en la televisión panameña, así como conciertos en Panamá, Miami, Baréin y Cancún. Una trayectoria sólida que ahora encuentra en “TERREMOTO” una nueva expresión de su visión artística.

“TERREMOTO” es, según las palabras del propio artista, una canción sobre energía, movimiento y la fuerza imparable que las mujeres crean cuando bailan, cuando se entregan al perreo. “Es música que captura ese poder bruto, algo que se siente en el cuerpo tanto como se escucha con los oídos. El poder y la sensualidad cuando las mujeres sienten el ritmo de mi dembow y bailan. Cada beat celebra la vida, la experiencia y el coraje de crear sin límites”.

La producción, fiel a las raíces panameñas del artista, combina los elementos más característicos del reggaetón con una madurez compositiva que solo pueden aportar décadas de vivencias sobre los escenarios. El resultado es un tema que invita al movimiento desde el primer segundo, pero que también transmite esa seguridad de quien sabe exactamente lo que quiere comunicar.

Con este lanzamiento, little BIG Man demuestra que la música no entiende de edades ni de convencionalismos. A sus cincuenta años, el artista se reinventa y apuesta por un sonido que celebra la vida, la experiencia y la libertad creativa. “TERREMOTO” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa energía arrolladora que solo un artista con su trayectoria puede ofrecer. Una canción para sentir, para bailar y para recordar que el verdadero poder no tiene fecha de caducidad.

La banda madrileña Los Jaleo lanza “Y sin embargo te quiero (Directo en La Sala El Sol)”, una poderosa reinterpretación del clásico de Quintero, León y Quiroga, grabada en vivo el 13 de septiembre de 2025 en la mítica Sala El Sol de Madrid. El tema, ya disponible en plataformas digitales, captura uno de los momentos centrales de su espectáculo y del universo de “El quebranto”, transformando el dramatismo del querer desbordante en pura combustión escénica.

Popularizada por voces inolvidables como Conchita Piquer y reinterpretada a lo largo de los años por artistas como Joaquín Sabina y Olga Román, “Y sin embargo te quiero” es una de las coplas más emblemáticas del cancionero español. La letra, que habla de ese amor contradictorio que persiste a pesar de todo, de ese querer que no entiende de razones ni de desengaños, ha encontrado en Los Jaleo una nueva forma de expresarse, más cercana al incendio que a la lamentación.

En manos de la banda madrileña, la raíz coplera se funde con la energía del rock y la potencia de una sección de vientos que impulsa el tema hacia un explosivo rockabilly-swing. La herida ya no se lamenta: arde y se celebra a golpe de rock, transformando el drama en fiesta, el desgarro en celebración colectiva. El resultado es una interpretación vibrante que el público corea con entusiasmo en los directos y que se convierte en uno de los momentos más intensos del concierto.

La grabación tuvo lugar en una noche mágica en la histórica Sala El Sol de Madrid, uno de los templos de la música en directo de la capital. Para la ocasión, el grupo contó con la participación de Alex Otheguy a la trompeta, Guille Gosalbo al saxo tenor y Víctor Gallego a las percusiones, ampliando el espectro sonoro del directo y dotando a la versión de una riqueza instrumental que la hace aún más especial.

La canción funciona como un puente perfecto entre la teatralidad y la electricidad, entre la tradición más arraigada y la actitud rockera que define a la banda. Esa capacidad para transitar entre mundos aparentemente opuestos, para hacer convivir la copla con el rock sin que ninguna de las dos pierda su esencia, es precisamente lo que convierte a Los Jaleo en una propuesta única dentro del panorama actual.

Los Jaleo nacen en la primavera de 2021 en una tasca del madrileño barrio de Malasaña, alrededor de una mesa en la que —entre conversaciones, música y último trago— comenzó a tomar forma una banda llamada a sacudir los márgenes entre tradición y modernidad. Formada por Víctor Valero (voz), Raquel Sánchez Gallardo (guitarra eléctrica), Silvia Hernández Sánchez (bajo) y Rodrigo Bernardo Raspeño (batería), la banda desarrolla una propuesta donde el rock and roll se entrelaza con el folclore español y latinoamericano, el swing y la música surf, dando lugar a un sonido propio, enérgico y profundamente escénico.

Su identidad se sostiene sobre un directo explosivo: estética cuidada, teatralidad, elementos folclóricos y una actitud que oscila entre lo reivindicativo, lo liberador y un cierto descaro glam. Los Jaleo entienden el concierto como una experiencia colectiva en la que el público forma parte activa del espectáculo.

Tras debutar en 2022 con un sold out en la Sala Caracol de Madrid, la banda no ha dejado de sumar escenarios y reconocimiento. En 2023 publican su primer trabajo, “El Duelo” (Clifford Records), que los lleva a participar en ciclos y festivales como Alcalá Suena, Big Bang Festival Canarias, Cáceres Underground Weekend o Almazán Suena, además de grabar para Los Conciertos de Radio 3.

Su proyección internacional llega con su participación en el Festival Marvin Gate de México dentro del programa Spanish Wave. En 2024 la banda se incorpora al sello Innercia y gana el Primer Premio del Miaqué Fest (Porcuna, Jaén), consolidando una trayectoria ascendente que también ha tenido fuerte repercusión en medios como RockFM, Radio 3, RNE, Cadena SER, Onda Madrid o COPE, además de prensa especializada como Ruta 66.

En 2025 presentan “El Quebranto”, su primer álbum largo, un trabajo que mezcla rock and roll, copla, teatro y literatura para construir un universo dramático lleno de claroscuros. Con él reivindican una copla rebelde para una nueva generación, donde la raíz del folclore ibérico convive con la energía del rock y el swing. Un proyecto que, como resume Nacho Álvaro “Patillas DJ” (Radio 3), demuestra que las tradiciones pueden dialogar con lenguajes contemporáneos y abrir nuevos caminos sonoros.

“Y sin embargo te quiero (Directo en La Sala El Sol)” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de fuego y tradición que solo una banda con su sensibilidad puede crear. Una canción para querer sin remedio, para celebrar la herida y para recordar que, a veces, el amor más verdadero es también el más contradictorio.

El joven artista colombiano Luandi, nacido hace 19 años en la vibrante ciudad de Cali, presenta “Rosé”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una equilibrada mezcla de pop urbano con destellos de neo-soul, se despliega bajo una atmósfera de “lujo relajado” que combina un bajo marcado pero elegante con una melodía vocal cuidada, evocando esa estética suave pero con cuerpo que le da nombre a la canción.

La historia de Luandi es la de un artista que ha sabido transitar por distintos géneros hasta encontrar su voz definitiva. Desde una edad temprana mostró una inclinación natural por la música, participando en numerosos conciertos en su país interpretando música popular folclórica y salsa, lo que le permitió ganar experiencia sobre las tarimas. Se presentó en festivales de la ciudad y estudió técnica vocal en la Casa Cultural del municipio de Jamundí, construyendo una base sólida que luego le permitiría explorar nuevos territorios sonoros.

Fue en su adolescencia cuando el reggaetón capturó su atención de manera definitiva. Fascinado por los ritmos pegajosos y las letras directas y sinceras, Luandi decidió que este género sería el vehículo perfecto para expresar sus pensamientos y emociones, buscando llegar a un público latino en general. En 2023, a los 17 años, lanzó su primer sencillo en Spotify titulado “Solo Dime”, una experiencia que aumentó su determinación y compromiso con su carrera musical.

“Rosé” gira en torno a la atracción, los momentos compartidos y esa conexión especial que se siente bajo las luces de la ciudad. El vino que da título a la canción actúa como el hilo conductor de una cita ideal o un encuentro inolvidable, creando una atmósfera nocturna y seductora que muchos fans han destacado como perfecta para el atardecer o para empezar la noche con energía positiva.

La producción del tema destaca por su limpieza sonora impecable, alejándose del ruido excesivo del reggaetón más pesado para centrarse en la melodía vocal de Luandi. El resultado es una canción que invita tanto a bailar como a relajarse, demostrando que la versatilidad es una de las grandes virtudes del artista caleño.

Hoy en día, a sus 19 años, Luandi se encuentra en la etapa inicial de su carrera. Con ansias de entrar en la industria musical, se ha fijado metas ambiciosas y trabaja incansablemente para alcanzarlas. Su objetivo no es solo crear música que haga bailar a la gente, sino también que inspire y conecte con su audiencia a un nivel más profundo.

Además de “Rosé”, el artista se prepara para lanzar su nuevo sencillo titulado “Rumores”, un tema que genera gran expectativa entre su creciente audiencia y que podría consolidar aún más su lugar en la escena musical colombiana.

Con “Rosé”, Luandi demuestra que Colombia tiene mucho que ofrecer más allá del vallenato o el reggaetón tradicional. En la línea de artistas como Manuel Medrano o las tendencias más sofisticadas de Rels B, su propuesta apuesta por un sonido fresco y elegante que está llamado a conquistar paladares exigentes. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de sofisticación y ritmo que solo un artista con su sensibilidad puede crear.

La cantautora regiomontana Ana Sofi W, una de las voces emergentes más potentes del pop mexicano actual, presenta “Manual”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 12 de marzo de 2026. El tema, ya disponible en plataformas digitales, es el primer adelanto de su segundo álbum de estudio, titulado “Narcisista”, cuya publicación está prevista para el 16 de abril de 2026. Se trata de una de sus canciones más vulnerables y directas, una advertencia en forma de canción sobre los comportamientos tóxicos y manipuladores de los perfiles narcisistas en las relaciones.

“Manual” actúa como una suerte de guía preventiva. En ella, Ana Sofi adopta el papel de alguien que, desde la experiencia, detalla los patrones de comportamiento que suelen ejecutar las personas narcisistas para atrapar a sus parejas. El “love bombing” inicial —esa atención excesiva, los regalos, la sensación de haber encontrado a la persona perfecta— se revela como lo que realmente es: una estrategia de manipulación. La letra, cruda y sin concesiones, busca alertar a quien escucha, animándole a identificar las señales y a irse antes de salir dañada.

La propia artista ha descrito el proceso de composición como especialmente difícil, ya que le obliga a exponer sus propias heridas. Sin embargo, esa honestidad brutal es precisamente lo que convierte “Manual” en una canción necesaria, una herramienta de denuncia emocional para quienes han pasado por situaciones similares y necesitan sentirse acompañados.

Nacida en Monterrey, Nuevo León, en diciembre de 2003, Ana Sofi W es el ejemplo perfecto de cómo el talento y la autogestión pueden abrirse camino en la industria musical sin antecedentes familiares en el arte. Su ascenso ha sido meteórico: comenzó compartiendo covers durante la pandemia en TikTok, donde su honestidad y su voz conectaron rápidamente con millones de seguidores. Hoy, esos mismos seguidores corean sus propias historias, transformadas en canciones que funcionan como páginas de un diario personal.

Su música, un pop introspectivo que narra rupturas, desamor y crecimiento personal, resuena con fuerza entre la generación Z, que encuentra en sus letras un espejo donde mirarse y una voz que nombra lo que muchas veces duele callar. Con su primer trabajo discográfico, Ana Sofi logró alejarse de la etiqueta de “influencer” para consolidarse como una compositora seria con una identidad propia.

“Manual” es la carta de presentación de “Narcisista”, su segundo álbum de estudio, un trabajo que promete explorar con mayor profundidad las dinámicas de las relaciones tóxicas y el proceso de sanación posterior. El título no puede ser más revelador: Ana Sofi se adentra en el territorio del narcisismo para desenmascararlo, para exponerlo y, al hacerlo, ofrecer consuelo y herramientas a quienes han sufrido sus consecuencias.

Con este lanzamiento, la artista regiomontana demuestra que su capacidad para conectar con el público no ha hecho más que crecer. “Manual” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de denuncia y prevención que Ana Sofi W ha sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para aprender a detectar al manipulador, para recordar que el amor verdadero no necesita manuales de instrucciones.

La artista segoviana Isabel Aaiún, conocida como “La Potra Salvaje”, regresa a la escena musical con el lanzamiento de “Joseto (He visto dragones)”, su nuevo single ya disponible en plataformas digitales. El tema, que vio la luz el pasado 13 de marzo, supone una exploración sonora inédita en su carrera al incorporar por primera vez ritmos del cuarteto argentino, una apuesta festiva y bailable que promete convertirse en uno de los himnos del verano 2026 .

“Joseto (He visto dragones)” nace desde un lugar profundamente personal. El tema es un homenaje a José María Vargas, músico argentino que ha acompañado a Isabel durante los últimos años y que ahora se despide del proyecto por motivos personales . La canción se convierte así en un canto a la amistad, a los vínculos que se forjan en el camino artístico y a la gratitud por los momentos compartidos, demostrando que las despedidas también pueden celebrarse con alegría y luz.

Fiel a su inconfundible espíritu de “La Potra Salvaje”, Isabel transforma esta historia personal en una invitación colectiva al baile, la risa y la celebración . La melodía pegadiza y el ritmo contagioso del “cuartetazo” amplían su universo musical sin perder la personalidad potente y el aire popular que la han convertido en una de las voces más singulares del panorama actual .

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip rodado entre las localidades de Rubena (Burgos) y Villanueva de la Cañada (Madrid) . La producción cuenta con la participación de la compañía de circo y teatro de calle Tiritirantes, que aporta un componente visual dinámico y festivo, con una estética ligada al imaginario de la canción y al universo creativo de la compañía . El resultado es una celebración visual donde la música, la emoción y la teatralidad se entrelazan para crear una experiencia completa .

Coincidiendo con el estreno de su nuevo single “Joseto (He visto dragones)”, Isabel Aaiún ha anunciado las primeras fechas de su “Gira He Visto Dragones”, un espectáculo diseñado para bailar y cantar que recorrerá el país durante los próximos meses integrando esta nueva propuesta con éxitos ya consolidados como “Potra Salvaje” o “El himno de mi peña”, dando inicio al tour el 1 de mayo en la Carpa Municipal de Las Matas (Madrid), seguido por su presentación el 2 de mayo en el Viña Rock 2026 de Villarrobledo (Albacete), el 6 de junio en el Suena Fest 2026 de Pozo Cañada (Albacete) y el 18 de julio en el Campo da festa de Brañas (A Coruña).

Nacida en Madrid en 1987 pero criada en el entorno rural de Veganzones (Segovia), Isabel Aaiún ha construido una trayectoria única marcada por la autenticidad. Antes de dedicarse a la música, su vida giraba en torno a su gran pasión: los caballos, profesión que compaginó como jinete, domadora y profesora de equitación. Su salto a la fama llegó de manera inesperada con “Potra Salvaje”, un tema original de 2021 que se convirtió en fenómeno viral en 2024 gracias a un remix, llegando incluso a formar parte de la celebración de la Selección Española tras ganar la Eurocopa.

Su propuesta musical, a la que ella denomina neofolk, bebe del folclore clásico español con influencias de artistas como Marifé de Triana o Rocío Jurado, pero envuelto en sonidos actuales que conectan con el público más joven sin perder la esencia popular. Sus letras, siempre cercanas y directas, suelen hablar de libertad, raíces rurales y empoderamiento.

Con “Joseto (He visto dragones)”, Isabel Aaiún reafirma su capacidad para transformar historias personales en canciones que invitan a la celebración colectiva, demostrando que, cuando la música nace desde la verdad, puede convertirse en un lenguaje universal capaz de unir a todo un público bajo el mismo ritmo .

La banda Mandinga, conocida por sus casi 25 años haciendo bailar al público con su energía contagiosa, presenta “Perdóname”, un single completamente distinto a todo lo que han ofrecido hasta ahora. Se trata de una balada urban-flamenco que nace desde el lugar más íntimo posible: el corazón de Barbara Isasi, vocalista del grupo, y su necesidad de comunicarse con sus padres en Madrid a través de una canción que nunca fue enviada como carta ni como mensaje de voz, pero que hoy llega al mundo con la fuerza de la verdad más absoluta.

“Es la canción de una familia hacia otra, escrita y cantada por quien pertenece a las dos.” Esta declaración resume a la perfección el espíritu de “Perdóname”. Por primera vez en su trayectoria, Mandinga abandona las pistas de baile para adentrarse en un territorio íntimo y personal, demostrando que también tiene el poder de hacer que las cosas —y las personas— se detengan. Al menos durante una canción.

Barbara Isasi lo explica con una honestidad desgarradora: “Tienen que saber que existe una versión de Barbara que nunca se fue de Madrid. Esa Barbara cena con sus padres cada domingo. Pero esa misma Barbara también escribió Perdóname”. La canción se convierte así en un puente entre dos mundos, entre la artista que triunfa en Bucarest y la hija que nunca dejó de sentarse a la mesa familiar en Madrid.

Chupi Tool, miembro fundador de Mandinga, batería y productor, añade una capa más de significado: “Creo que lo más valiente y admirable de Perdóname no son las letras. Es la propia Barbara, confiando en que teníamos que hacer esta canción en Mandinga. Eso lo dice todo —sobre Barbara y sobre Mandinga. Por eso estoy convencido de que para Barbara, nosotros también somos su familia. Mandinga. Y como en una familia todo se hace juntos, Perdóname es también nuestra carta a sus padres”.

En el plano técnico y musical, la producción acortó literalmente la distancia entre Madrid y Bucarest, ya que la canción se grabó en ambas ciudades. Pedro Espinosa, a quien los seguidores de la música española conocerán por tocar junto a Javi Medina, es el “culpable” de esa guitarra que acerca a Barbara a casa con cada acorde. La percusión —cajón, palmas, bongos— corre a cargo de Babany y el propio Chupi, mientras que el bajo es de Dani Joo.

La producción, como no podía ser de otra manera, es un asunto interno de toda la familia Mandinga. La producción ejecutiva ha sido responsabilidad de Daniel Dumitru, y la mezcla y masterización son obra de Dragomir Gabriel-Iulian. Un trabajo colectivo que demuestra que, cuando se trata de apoyar a uno de los suyos, la banda se une como la familia que es.

El videoclip, dirigido por Dan Petcan, es en sí mismo una historia condensada en cuatro minutos. No podía haber mejor elección para capturar perfecta y sencillamente todo el estado de ánimo de la canción, toda la sinceridad de Barbara, y el hecho de que Mandinga es la familia lejos de la familia —una que no sustituye absolutamente nada, sino que simplemente está a su lado y la quiere incondicionalmente.

Las imágenes refuerzan ese mensaje de cercanía y verdad, creando una experiencia visual que complementa a la perfección la hondura emocional de la letra y la interpretación.

Es la primera vez que Mandinga entra en territorio flamenco con una producción y composición propias. “Perdóname” es una auténtica balada urban-flamenco, y no podía ser de otra manera. Tenía que haber España pura en una carta personal de Barbara a sus padres en Madrid que nunca fue enviada, en un mensaje de voz que no llegó a ninguna parte pero que hoy, convertido en canción, recorre el mundo.

“Perdóname” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de sinceridad y amor filial que Mandinga ha sabido capturar con una sensibilidad inédita en su trayectoria. Una canción para detenerse, para escuchar, para recordar que la música puede ser también el abrazo que la distancia impide.