Veronica Largiu abre un nuevo y decisivo capítulo en su carrera con el lanzamiento de “Survival Instinct”, un single que no solo representa una evolución artística, sino también una declaración vital. Con una trayectoria internacional construida a base de talento, disciplina y una voz extraordinaria, la artista se prepara para 2025 con un proyecto que promete ser el más rompedor de su historia, y esta canción funciona como su carta de presentación más honesta y poderosa hasta la fecha.

La conexión de Veronica con la música comenzó desde muy temprano en Italia, donde creció rodeada de arte y escenarios. Sus primeros pasos los dio cantando en coros y participando en producciones teatrales en Cerdeña, experiencias que le permitieron desarrollar una gran presencia escénica y una capacidad natural para emocionar al público. Influenciada por voces icónicas y personalidades arrolladoras como Aretha Franklin, Whitney Houston y Chaka Khan, Veronica fue construyendo poco a poco su propio camino, aprendiendo de las grandes mientras moldeaba una identidad vocal única.

Con apenas diecinueve años, tomó una decisión clave que cambiaría su vida: mudarse a Londres para continuar su formación y adquirir la experiencia necesaria para convertir sus sueños en una realidad diaria. Su dedicación absoluta a las artes la llevó a graduarse en 2015 en el Institute of Contemporary Music Performance, comenzando a tejer una red de contactos fundamentales para su desarrollo profesional. Solo un año después, mientras residía en Valencia, obtuvo un máster en Contemporary Music Performance & Production en el prestigioso Berklee College of Music, un periodo en el que profundizó en la escena jazz y mediterránea junto a músicos legendarios como Perico Sambeat, Victor Mendoza y Polo Orti.

Ese reencuentro con las raíces históricas de la música convivió con una fuerte mirada hacia el futuro, cuando Veronica empezó a experimentar por primera vez con la música electrónica y el EDM. De la mano de nuevas tecnologías y bajo la mentoría de una figura clave como Nona Hendryx, su carrera dio un salto exponencial, consolidando una visión artística que combina formación académica, experiencia escénica y una búsqueda constante de nuevos lenguajes sonoros.

Con más de una década de trayectoria como intérprete y educadora, los logros de Veronica Largiu son tan amplios como diversos. Ha sido profesora de voz en Ecuador, ha interpretado el papel de Hunkyak en la producción musical de Chicago, ha sido artista invitada en el Louisville Jazz Festival y ha actuado en escenarios emblemáticos como la Gran Vía de Madrid. Su carrera la ha llevado a vivir y trabajar alrededor del mundo, alcanzando a millones de oyentes a través del streaming y dominando el canto en seis idiomas: inglés, francés, italiano, español, portugués y japonés.

Su versatilidad la ha convertido en sinónimo de entretenimiento en todas sus formas, desde actuaciones en cruceros de lujo como el Queen Mary 2 de Carnival UK, hasta shows propios en hoteles de alto nivel bajo el nombre de Queen V, sin olvidar proyectos especiales como Dua Fever, su aclamado tributo a Dua Lipa. Sus primeros singles, “Always Running Back To You” y “Morning Light”, recibieron el apoyo de BBC Radio, posicionándola firmemente como una artista a seguir y una futura imprescindible en playlists internacionales.

“Survival Instinct” nace en junio de 2025, durante uno de los momentos más duros de su vida personal. La canción habla de resiliencia, adaptación y de la capacidad de transformar cualquier situación negativa en una oportunidad de crecimiento. En ella, Veronica se recuerda a sí misma de dónde viene, no en un sentido geográfico, sino emocional y espiritual: cada paso dado, cada caída, cada vez que se levantó y el poder interior que la ha traído hasta aquí. El tema se convierte así en un canto a la fuerza interna que habita en todas las personas, ese instinto de supervivencia que empuja a seguir incluso cuando todo parece en contra.

“Survival Instinct” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Veronica Largiu, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Ezra Garzón presenta “NO ESTOY ARREPENTIDO”, su nuevo single y una declaración clara de identidad artística que lo consolida como una de las voces madrileñas con mayor proyección dentro del pop-rock y el rock alternativo actual. Con una propuesta directa, honesta y pensada para el directo, el artista reafirma su apuesta por canciones que conectan desde la emoción sin necesidad de artificios.

La canción se construye sobre guitarras sólidas y reconocibles, una base rítmica firme y contundente, y una interpretación vocal frontal que transmite convicción desde la primera escucha. El estribillo, claro y efectivo, funciona como un punto de encuentro entre la energía del rock y la sensibilidad melódica del pop, logrando un equilibrio que define el sonido de Ezra Garzón en esta nueva etapa.

“NO ESTOY ARREPENTIDO” es un tema autoproducido, un detalle que refuerza el carácter personal y coherente del proyecto. En lo lírico, la canción gira en torno a la autoafirmación, la toma de decisiones y las inevitables contradicciones emocionales que acompañan el camino personal. Ezra canta desde la certeza, pero también desde la vulnerabilidad, conectando con una audiencia que busca letras cercanas, reales y sin poses.

Cantautor y productor de su propio proyecto, Ezra Garzón se ha ido posicionando dentro de la escena emergente gracias a una propuesta con clara vocación de directo. Sus canciones están pensadas para ser vividas sobre el escenario, donde la intensidad, la energía y la honestidad se amplifican. Este nuevo single no es la excepción, ya que su estructura y fuerza rítmica lo convierten en un tema ideal tanto para conciertos como para su difusión en plataformas digitales, radios online y playlists de pop-rock alternativo.

Con este lanzamiento, Ezra Garzón continúa afianzando su lugar dentro del nuevo rock nacional, demostrando una madurez artística que combina potencia sonora, sensibilidad pop y un discurso emocional coherente. “NO ESTOY ARREPENTIDO” no solo suma un nuevo capítulo a su trayectoria, sino que confirma que su proyecto avanza con paso firme y una identidad cada vez más definida.

“NO ESTOY ARREPENTIDO” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ezra Garzón, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Bonf1r3 vuelve a encender la escena alternativa con el lanzamiento de “Tira y Jala”, un tema de reggaetón experimental que pone el foco en la incomunicación, los diálogos estériles y la obsesión contemporánea por “tener la razón”. Detrás del proyecto se encuentra Iris Bonet, artista y productora de electropop latino afincada en Jacksonville, Florida, quien reafirma con este sencillo una identidad sonora y discursiva tan incómoda como necesaria.

El título “Tira y Jala” toma prestada una expresión popular puertorriqueña que describe ese vaivén constante en una conversación que no avanza, un intercambio donde nadie escucha y todo termina en el mismo punto de partida. La idea surgió a partir de las propias vivencias de Bonf1r3, reflexionando sobre discusiones con personas de posturas completamente opuestas, donde el diálogo se diluye y el objetivo parece reducirse únicamente a ganar o imponerse. Esa frustración se transforma en canción a través de un tono sarcástico que atraviesa toda la pieza y que conecta de forma directa con la personalidad artística de la cantante.

A nivel sonoro, “Tira y Jala” es una declaración de intenciones. La producción se apoya en una base atonal y marcadamente percusiva, sello distintivo del universo creativo de Bonf1r3. El reggaetón aparece aquí despojado de fórmulas convencionales, mutando en una estructura experimental donde los ritmos latinos dialogan con elementos electrónicos y una actitud casi confrontativa. Cada golpe rítmico refuerza el mensaje de tensión constante, de empuje y resistencia, reflejando musicalmente ese tira y afloja que inspira la canción.

Bonf1r3, también conocida como BONF1R3, ha construido su propuesta artística como una amalgama de percusión latina, electrónica y hip hop, utilizando letras bilingües para explorar temas de empoderamiento femenino y lucha contra las injusticias sociales. Su música no busca complacer, sino amplificar voces que históricamente han sido silenciadas. Tras haber pasado gran parte de su vida siendo invitada a callar o a “ser humilde”, la artista convierte cada lanzamiento en un acto de resistencia, con la misión clara de hacer que las voces más pequeñas suenen más fuertes.

“Tira y Jala” no solo destaca por su propuesta sonora, sino también por su honestidad narrativa. Es una canción que interpela al oyente, que invita a cuestionar la manera en la que nos comunicamos y el valor real del diálogo en un mundo cada vez más polarizado. Con sarcasmo, ritmo y una producción audaz, Bonf1r3 vuelve a demostrar que su música es un espacio donde lo personal se cruza con lo político y lo experimental se convierte en identidad.

“Tira y Jala” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Bonf1r3, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Zircon Skyeband continúa ganando terreno en la escena musical con el lanzamiento global de su nuevo EP “Catch A Falling Star”, ya disponible en todas las principales plataformas de streaming. Presentado oficialmente desde Ojai el 31 de enero de 2026, este trabajo de cinco canciones invita tanto a oyentes habituales como a nuevos descubridores a sumergirse en un viaje sonoro luminoso, cargado de emoción, creatividad y una energía contagiosa que define con claridad la identidad del grupo.

El EP se despliega como una colección cuidadosamente construida, donde destacan las voces vibrantes, las melodías de vientos llenas de color y unos riffs de guitarra que aportan carácter y dinamismo. Cada canción transmite una sensación de alegría y cercanía, demostrando la capacidad de Zircon Skyeband para combinar pasión y virtuosismo sin perder frescura. “Catch A Falling Star” no solo se escucha, se siente, creando una atmósfera cálida que acompaña al oyente de principio a fin.

La banda ha sabido hacerse un espacio propio gracias a sus reinterpretaciones imaginativas de clásicos atemporales, siempre impregnadas de su sello personal. El tema que da nombre al EP, “Catch A Falling Star”, brilla con una calidez juguetona que invita a cantar desde la primera escucha. La voz principal guía con carisma, mientras los coros dialogan con el ritmo de forma chispeante, dando lugar a una experiencia musical tan envolvente como memorable. Esta capacidad para crear paisajes sonoros que se quedan grabados confirma el talento del grupo para construir pequeñas aventuras musicales llenas de magia.

Entre los momentos más destacados del EP se encuentra su versión de “Careless Whisper”, el icónico tema popularizado por Wham! bajo la autoría de George Michael y Andrew Ridgeley. Zircon Skyeband logra reinventarlo con creatividad, incorporando giros sonoros inesperados y un outro adicional que aporta un cierre elegante y sorprendente, respetando el espíritu original mientras lo lleva a un terreno completamente nuevo.

La faceta más íntima y emocional del grupo se refleja en su canción original “Rather Walk Beside You”, donde apuestan por un sonido más desnudo y estilizado. Esta pieza destaca por su honestidad lírica y una sensibilidad que conecta desde lo cotidiano, reforzando la idea de que Zircon Skyeband no solo reinterpreta clásicos, sino que también construye un legado propio a través de composiciones auténticas y cercanas.

Otro de los puntos fuertes del lanzamiento es el sencillo “I Saw the Light”, que ha sido señalado como una de las joyas del EP. Un experto de la industria lo ha descrito como un retrato profundo de la revelación del amor, gracias a sus melodías oníricas, su expresión sincera y una producción brillante que permanece en la memoria del oyente mucho después de que la canción termina. A esto se suma su versión de “Cut Across Shorty”, que vuelve a demostrar la versatilidad del grupo y su capacidad para atraer a oyentes de distintas partes del mundo mediante reinterpretaciones respetuosas y llenas de personalidad.

Más allá del audio, Zircon Skyeband continúa fortaleciendo su vínculo con el público a través de lo visual. Sus videoclips creativos han impulsado de forma constante su crecimiento en YouTube, y con el lanzamiento del video de “Catch A Falling Star” ya cuentan con una sólida colección de trece videos oficiales. Cada historia, cuidada plano a plano, convierte a oyentes ocasionales en seguidores fieles, ampliando el alcance emocional de su música.

“Catch A Falling Star” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Zircon Skyeband, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El proyecto musical Jupiter Pulse vuelve a sacudir la escena electrónica con el lanzamiento de “Tomorrow Will Be Late”, un nuevo sencillo que confirma su posición como uno de los nombres más sólidos dentro del Electronic Dance Music actual. Fieles a una identidad sonora marcada por la precisión técnica, la energía desbordante y una clara sensibilidad pop, el grupo presenta una canción pensada para detonar la pista de baile y conectar con quienes buscan algo más que ritmo: un mensaje de fuerza y determinación.

Compuesta por Juan Pedro Pérez y escrita por Joan Josep Reche, “Tomorrow Will Be Late” es una descarga de adrenalina que combina sintetizadores de vanguardia, un tempo frenético y una estructura diseñada para crecer de forma imparable. Jupiter Pulse demuestra, una vez más, su habilidad para construir producciones de alto impacto sin perder la emoción, algo que ya quedó patente en trabajos anteriores que marcaron su trayectoria y reforzaron su alcance internacional.

A lo largo de los últimos años, el proyecto ha sabido consolidar un sonido reconocible y eficaz, sumando éxitos que se han convertido en imprescindibles dentro de sus sesiones. Temas como “I Let You Go”, junto a David Adavi, o “You’ll Never Love Me Again”, en colaboración con Ann Seeza, ayudaron a ampliar su proyección y a posicionar su música en playlists y escenarios más allá de sus fronteras. Esa evolución natural desemboca ahora en un sencillo que mira al futuro con ambición y claridad.

“Tomorrow Will Be Late” se construye sobre una historia de liberación personal. Interpretada por una potente voz femenina, la canción retrata el instante exacto en el que alguien decide romper con un pasado tóxico y dar un paso firme hacia su propia fuerza interior. Desde los primeros versos, “I’ve opened my eyes / And emptied them of tears”, la producción marca un viaje emocional que parte de la introspección y avanza, capa a capa, hasta desembocar en un estribillo explosivo, concebido para hacer vibrar festivales y clubes por igual.

El mensaje es directo y urgente: vivir el presente sin miedo. Jupiter Pulse convierte esa idea en un auténtico manifiesto sonoro sobre la superación, la valentía y la conquista del propio destino. La canción avanza con intensidad creciente y culmina en un final chorus de máxima energía que promete convertirse en uno de los momentos más celebrados dentro de los sets de este año, reafirmando la capacidad del grupo para conectar con el público desde la emoción y el movimiento.

Con este lanzamiento, Jupiter Pulse no solo refuerza su identidad dentro del EDM, sino que deja claro que su propuesta sigue evolucionando sin perder potencia ni autenticidad. “Tomorrow Will Be Late” es una invitación a dejar atrás lo que pesa, mirar al frente y bailar como si el mañana pudiera esperar.

“Tomorrow Will Be Late” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jupiter Pulse, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Carlos Vives abre un nuevo capítulo en su carrera con el estreno de “Te Dedico”, primer sencillo de su próximo álbum “El Último Disco”, un proyecto que marca una etapa especialmente significativa dentro de su trayectoria. Con esta canción, el ícono de la música latina apuesta por volver a la esencia, al romanticismo consciente y a la conexión emocional real, en un momento donde las relaciones fugaces y los vínculos superficiales parecen dominar el paisaje cultural.

“Te Dedico” se presenta como un gesto íntimo y casi revolucionario: dedicar una canción, mirar a los ojos, amar con intención. La letra habla del valor del tiempo compartido, de las palabras que permanecen y de las memorias que se construyen con calma y profundidad. Lejos de la inmediatez, Carlos Vives propone detenerse, sentir y volver a creer en el poder de los detalles y las emociones auténticas.

El tema, escrito por el propio Carlos Vives junto a Andrés Torres, Mauricio Rengifo y Andrés Leal, funciona como una declaración de principios para lo que será “El Último Disco”. Una obra que promete canciones honestas, cercanas y atemporales, donde la emoción vuelve a ocupar el centro. Como resume el propio artista: “Siempre es necesario tener a la mano una canción para dedicar”, una frase que encapsula el espíritu de este lanzamiento.

El videoclip oficial, ya disponible en el canal de YouTube del artista, refuerza este mensaje a través de una narrativa cargada de simbolismo. El protagonista es Pedro Vives, hijo del cantante, quien encarna el diálogo entre generaciones y distintas formas de entender el amor. A través de contrastes entre épocas, estéticas y actitudes, el audiovisual explora la contracultura y la evolución de los valores sin perder de vista aquello que permanece esencial.

Sobre el mensaje de la canción y su representación visual, Pedro Vives señala que, aunque muchas cosas han cambiado con el tiempo, valores como el amor y el romanticismo, tal y como se vivían antes, siguen siendo fundamentales y no deberían quedar atrás. Esa reflexión atraviesa todo el concepto de “Te Dedico”, convirtiéndolo en una invitación abierta a recuperar la conexión emocional verdadera.

Este lanzamiento no solo anticipa el sonido y la sensibilidad de “El Último Disco”, sino que también sirve como antesala de la próxima gira internacional de Carlos Vives, “Tour al Sol 2026”, con la que el artista volverá a encontrarse con su público en escenarios de todo el mundo, celebrando la música, la vida y la conexión humana.

Carlos Vives es, desde hace décadas, una de las figuras más influyentes de la música latina. Cantante, compositor y actor colombiano, nacido en Santa Marta, es reconocido por haber revolucionado el vallenato al fusionarlo con pop, rock y sonidos contemporáneos, llevando la música tradicional colombiana a una proyección internacional sin precedentes. Álbumes como Clásicos de la Provincia y La Tierra del Olvido marcaron los años noventa y lo consolidaron como un referente cultural.

A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios, incluidos varios Latin Grammy y Grammy Awards, y su impacto trasciende lo musical. Carlos Vives es también un referente social y cultural en Colombia, comprometido con causas relacionadas con la educación, el medio ambiente y el desarrollo de su región. Su obra celebra la identidad, el amor y la conexión humana, valores que vuelven a brillar con fuerza en esta nueva etapa.

“Te Dedico” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carlos Vives, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Hay canciones que no se escriben, se sienten, y “Ansiedad” nació exactamente desde ese lugar. El nuevo single de Penélope Robin surge en una sesión íntima junto a Andrés Cabas y C-Rod, construida desde el miedo, el amor y la vulnerabilidad más honesta. El resultado es un bolero cubano tan delicado como poderoso, una pieza que respira emoción y que encuentra su fuerza en la verdad, apoyada por el trabajo de los músicos que le dieron vida y profundidad a esta canción tan especial.

Penélope Robin se ha consolidado como una de las promesas más interesantes del pop actual, con una identidad artística marcada por el cruce de culturas. Nacida en Miami y conocida en redes como @thepennyrobin, su carrera dio un giro decisivo al mudarse a Bogotá, Colombia, hace algunos años. Ese cambio no solo transformó su entorno, sino también su música: dejó atrás un repertorio mayoritariamente en inglés para abrazar el español y comenzar a fusionar el pop con ritmos latinos y urbanos, conectando de una forma mucho más directa con el público hispanohablante.

Su historia musical está profundamente ligada al estudio y a la creación desde una edad muy temprana. Hija del productor multiplatino C-Rod, responsable de trabajos junto a artistas como Lady Gaga, Jennifer Lopez y Rihanna, Penélope creció rodeada de micrófonos, consolas y canciones en proceso. Empezó a cantar con apenas cinco años y, a los once, ya había sido seleccionada por la Little Dreams Foundation de Phil Collins, un hito que marcó su temprana proyección. Desde entonces, ha compartido escenario con artistas como Karol G y Yandel, sumando experiencia y carácter a una carrera que no ha dejado de evolucionar.

A nivel estético y conceptual, Penélope define su universo como “Urban Pretty”, una mezcla de pop con tintes retro que combina una imagen colorida, llena de brillo y tonos rosados, con letras cada vez más introspectivas. Esa dualidad entre lo visualmente luminoso y lo emocionalmente profundo se convierte en uno de los rasgos más distintivos de su propuesta artística.

Con “Ansiedad”, la cantante da un paso firme hacia una etapa de mayor honestidad creativa. Aunque en canciones anteriores exploró relaciones tóxicas, como ocurrió con “Animal”, su música ha evolucionado hacia un discurso más crudo sobre la salud mental y el crecimiento personal. Este single conecta de lleno con la Generación Z, poniendo palabras y melodía a la presión, el agobio y la sensación constante de exigencia que atraviesan a muchos jóvenes hoy en día. Penélope se aleja aquí del pop burbuja de sus inicios para mostrar una faceta más humana, frágil y real.

A nivel sonoro, “Ansiedad” marca también su consolidación dentro del mercado hispano. Si bien sus primeros lanzamientos se movían entre el pop-rock, en esta nueva etapa, bajo el sello Sony Music Colombia, se aprecia una producción más pulida y madura, que coquetea con el pop alternativo y suaves elementos electrónicos, sin perder la esencia emocional que define la canción.

El impacto del tema ha sido inmediato. “Ansiedad” se ha convertido en un himno para muchos de sus seguidores, que encuentran en la canción un espejo de sus propios procesos internos. De este modo, Penélope Robin refuerza su imagen como una artista que no persigue únicamente el éxito comercial, sino una conexión genuina con las emociones de su audiencia, utilizando su voz y su plataforma para acompañar, sanar y compartir.

“Ansiedad” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Penélope Robin, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sweet Aroha continúa consolidando su identidad artística con el lanzamiento de “Ley de Atracción”, un nuevo sencillo que se mueve con naturalidad entre el dancehall, el pop latino y el universo urbano. La canción captura ese instante inexplicable en el que dos miradas se cruzan y algo se enciende sin previo aviso, hablando del amor a primera vista y de la atracción inmediata que no necesita razones para existir.

Musicalmente, “Ley de Atracción” se apoya en un ritmo contagioso y envolvente, con una producción que equilibra energía urbana y sensibilidad melódica. El estribillo en falsete, pegadizo y elegante, se convierte en uno de los grandes ganchos del tema, mientras que las partes rapeadas aparecen de forma sutil, aportando dinamismo sin romper la atmósfera romántica que envuelve toda la canción. El resultado es una pieza fresca, emocional y muy versátil, pensada tanto para la pista como para playlists de pop latino, dancehall, urbano y moods románticos.

Este nuevo lanzamiento refleja con claridad el universo creativo de Sweet Aroha, una artista emergente que combina dancehall, pop latino, melodías románticas y trapsoul desde una voz personal y reconocible. Su música explora las emociones y las relaciones contemporáneas, alternando entre canciones directas y pegadizas y otras más introspectivas, siempre con una identidad honesta, melódica y en constante evolución.

Más allá del sonido, Sweet Aroha se presenta como el alma de una voz que fusiona fuerza, dulzura y verdad. Cantante, compositora y creadora audiovisual, Aroha transforma vivencias profundas en canciones que no solo se escuchan, sino que se sienten. Sus letras hablan de luchas internas, amor propio, heridas que enseñan y de la belleza que existe en volver a empezar, conectando desde lo humano y lo vulnerable.

Con una sensibilidad única y una presencia magnética, Aroha no se limita a interpretar canciones: se expone, conecta y construye universos emocionales donde la vulnerabilidad se convierte en poder. Cada proyecto que lanza, desde la composición hasta el videoclip, nace desde el corazón y con una intención clara: dejar huella en quien la escuche y generar un espacio de identificación y emoción real.

“Ley de Atracción” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sweet Aroha, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Cameron Dallas vuelve a sorprender con “Sinking”, una canción que rompe deliberadamente con cualquier expectativa previa dentro de su actual etapa creativa. Lejos de ser el tema más bailable de su repertorio reciente, esta canción se posiciona como la más delicada, introspectiva y, paradójicamente, la más exitosa hasta ahora. “Sinking” funciona como una especie de rompecabezas lírico: sofisticado, abstracto por momentos, pero al mismo tiempo accesible y profundamente hermoso. Esa dualidad ha conectado de forma orgánica con el público, convirtiéndola en su track con mejor rendimiento y abriendo un nuevo horizonte para su proyección artística.

Este lanzamiento se enmarca dentro del ambicioso universo sonoro que Cameron Dallas ha bautizado como Intergalactic Heritage Music, o IHM, una propuesta que va mucho más allá de un álbum convencional. Tras una década bajo las restricciones de grandes sellos y siete años de inmersión total en la independencia creativa, Cam emerge con una identidad renovada, transmitiendo, como él mismo sugiere, “desde el futuro”. IHM se plantea como una cápsula del tiempo, una especie de música clásica del año 2326, pensada para ser escuchada por pilotos que atraviesan el espacio a toda velocidad mientras observan, con nostalgia y asombro, los primeros años caóticos de la era digital alrededor de 2008.

El sonido de Cameron Dallas en esta nueva etapa es un choque frontal de referencias, emociones y épocas. Su propuesta es maximalista, intensa y sin miedo al exceso. Recupera la energía cruda y desbordada de la era RuneScape PK, combinándola con la ironía pop-punk de 3OH!3, los quiebres frenéticos de Chiodos y una producción expansiva que remite a la psicodelia de estadio de artistas como Tame Impala y Florence + The Machine. Todo convive en un mismo plano, sin jerarquías ni concesiones, creando una experiencia sonora que resulta tan caótica como cuidadosamente construida.

Dentro de ese contexto, “Sinking” destaca precisamente por ir a contracorriente. Es menos ruidosa, menos explosiva, pero emocionalmente más profunda. Su belleza radica en el espacio que deja respirar, en la forma en que invita a la escucha atenta dentro de un proyecto que suele ser vertiginoso. Esa decisión creativa refuerza la idea de que Cameron Dallas ya no está persiguiendo fórmulas ni tendencias, sino explorando su archivo personal, emocional y cultural, pieza por pieza.

El espíritu de CATCH!, el proyecto que encapsula esta etapa, está impregnado de lo que el propio artista define como “high-art brain rot” contemporáneo, mezclado con una sensibilidad callejera influenciada por figuras como Chief Keef. El resultado es una música rápida, densa, estridente y sin disculpas. Desde el impacto inicial de “Why Haven’t I Met You”, que sacudió la industria, hasta este renacimiento creativo más libre y conceptual, Cameron Dallas ha dejado claro que su objetivo ya no es escalar listas, sino construir legado.

“Sinking” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Cameron Dallas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, exploraciones sonoras, colaboraciones o nuevos capítulos de su archivo intergaláctico, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

DnK, solista afincado en Barcelona y con una sólida raíz cubana, regresa con fuerza y verdad emocional en su nuevo sencillo “Me enamoré de la vida”, una canción que funciona como testimonio personal de transformación, renacimiento y gratitud. A través de una fusión orgánica entre música latina, flamenco y reggaetón, el artista propone un viaje sonoro y emocional que conecta con quienes han atravesado momentos de ansiedad, depresión o vacío interior, y que hoy buscan reencontrarse con la luz en las pequeñas cosas.

Detrás de DnK se encuentra Yunier DnK, cantante y compositor cubano-español originario del municipio 10 de Octubre, en La Habana. Su vínculo con el arte comenzó desde muy joven, cuando dio sus primeros pasos en el grupo de danza Ritmo Latino, una etapa que marcó profundamente su sensibilidad artística y su forma de entender el escenario. Como autor, debutó discográficamente con el álbum “Con los pies en la tierra”, un trabajo que fue muy bien recibido por el público joven en Cuba y que le permitió posicionarse en medios gracias a canciones como “Me enamoré”, “Una Noche” y “Vuelve”, estas últimas compuestas junto al poeta Gustavo Sánchez Galarraga y con una amplia rotación en radio y televisión.

“Me enamoré de la vida” nace desde un lugar íntimo y honesto. En sus versos, DnK relata un proceso de caída y reconstrucción personal, un momento en el que el alma se sentía vacía y el corazón perdido, hasta que una chispa de esperanza comenzó a brillar. La canción pone palabras y melodía a ese instante en el que, incluso en la oscuridad, algo nos recuerda que no estamos solos. El artista se enamora de lo cotidiano como símbolo de sanación: el sonido de la lluvia, el sol en cada atardecer, la brisa que entra por la ventana. Elementos sencillos que se convierten en anclas de vida y en recordatorios de que siempre es posible volver a empezar.

Musicalmente, el tema combina palmas y colores flamencos con ritmos urbanos actuales, logrando un equilibrio entre tradición y modernidad que refuerza su mensaje emocional. El gancho melódico, directo y contagioso, acompaña una letra que no esquiva el dolor, pero que insiste en la superación, la fe y la fortaleza interior. DnK no solo canta su historia, sino que extiende la mano a quienes se reconocen en ella, dejando claro que la lucha es compartida y que siempre hay una luz al final del túnel.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip concebido como un acto de gratitud, un “gracias Dios” sincero por la guía y la claridad encontradas tras el vacío. Más que una simple pieza audiovisual, el video se presenta como un testimonio y una motivación, invitando al espectador a abrir los ojos, levantarse y volver a creer en la vida, incluso cuando todo parece perdido.

A lo largo de su carrera, Yunier DnK ha demostrado una notable versatilidad artística. Ha formado parte de agrupaciones como Coral Latino, Grupo Gitano y Dimensión X, y ha compartido escenario con artistas reconocidos como Arnaldo y su Talismán, Bony y Kelly, y Pedrito Calvo de Los Van Van. Su crecimiento lo llevó a integrarse en la compañía TURARTE como cantante profesional, participando en espectáculos como Habana Mía y Caribe Habana, además de presentarse en emblemáticos espacios como el Hotel Habana Libre y el Salón Rojo del Capri.

Actualmente residente en España, DnK continúa consolidando su proyecto artístico. Su segundo álbum, “Sonríele a la vida”, ha tenido un impacto notable en plataformas digitales, superando los 10 millones de visualizaciones en YouTube y acumulando miles de reproducciones en Spotify. Reconocido por su capacidad para moverse entre géneros como pop, merengue, reggaetón tropical, balada romántica, bachata y música urbana, el artista se encuentra trabajando en un nuevo álbum previsto para 2025, en el que seguirá explorando su identidad musical y emocional.

“Me enamoré de la vida” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de DnK, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Los Hitmen han trabajado con las mayores estrellas del reggaetón y la música latina, desde Wisin & Yandel y Don Omar hasta Jay Wheeler, Myke Towers, Arcángel y Nicky Jam, consolidándose como productores de impacto global.

Los Hitmen, el dúo de productores formado por Emanuel Infante, conocido como “Jazzy”, y Kristian Ginorio, conocido como “Lelo”, inician una nueva etapa en su carrera tras ser oficialmente firmados por MP Records, sello liderado por el empresario y visionario Miguel Petit. Con casi veinte años de trayectoria conjunta, el dúo se ha consolidado como una de las fuerzas creativas más consistentes e influyentes de la música urbana latina, responsables de algunos de los éxitos más importantes del reggaetón moderno.

Desde sus inicios, la conexión musical de ambos productores evolucionó rápidamente hacia una hermandad creativa que ha perdurado por dos décadas. Jazzy, de ascendencia ecuatoriana, y Lelo, de raíces puertorriqueñas, fusionaron sus influencias culturales y su instinto musical para desarrollar un sonido distintivo caracterizado por baterías poderosas, sensibilidad melódica y una identidad urbana inconfundible. Esa química en el estudio ha sido clave para su longevidad y para la construcción de un catálogo que ha marcado a varias generaciones.

A lo largo de su carrera, Los Hitmen han desempeñado un papel fundamental en la evolución del reggaetón y el pop latino, colaborando con algunos de los artistas más influyentes del género. Entre sus créditos más destacados se encuentran éxitos globales como “La Curiosidad” de Jay Wheeler y Myke Towers, “Sube la Music” de De La Ghetto y Nicky Jam, “Tussi” de Arcángel, De La Ghetto, Justin Quiles y Eladio Carrión, “Perder” de Dalex y Jay Wheeler, “Loco Por Verte” de Justin Quiles y Lenny Tavárez, “Selfie” de De La Ghetto, “Si Se Tiran” de Jowell & Randy junto a Don Omar y “EAZT” de Jay Wheeler. 

Su impacto se remonta a los inicios de su carrera, cuando ya eran responsables de himnos que definieron el género, como “Perreame” de Wisin & Yandel con Jowell & Randy, “Un Booty Nuevo” de Jowell & Randy con Yaviah, “Su Mamá No Sabe Na” de Plan B con Jowell & Randy, “Hasta Que Salga el Sol” de Jowell & Randy con Tito El Bambino y “Un Poquito Na Más” de Jowell & Randy con Tego Calderón. En su etapa más reciente, continúan entregando éxitos como “Si Si Si Si”, “Incorregible” y “Black Jackie Chan”, reafirmando su vigencia y su capacidad para conectar con nuevas audiencias.

Su trabajo ha sido reconocido con múltiples premios y certificaciones, incluyendo BMI Awards, ASCAP Awards, numerosos discos de Oro y Platino y una certificación Doble Diamante de la RIAA por “La Curiosidad”, uno de los temas latinos más exitosos de la década. Más allá de los logros, Los Hitmen se distinguen por su disciplina, humildad y compromiso con la evolución del género, manteniendo siempre una conexión emocional y auténtica en cada producción.

La firma con MP Records representa un paso decisivo en su carrera. Para Miguel Petit, CEO del sello, la incorporación de Los Hitmen responde a la visión clara de apostar por creadores capaces de transformar la industria desde adentro. Petit reconoce en ellos no solo un historial impecable, sino una capacidad excepcional para innovar, desarrollar talento, liderar proyectos creativos y construir éxitos que trascienden generaciones. Su respaldo marca el inicio de una alianza estratégica que potenciará la expansión internacional del dúo y su presencia en nuevos mercados.

Este nuevo capítulo coincide con un momento crucial para Los Hitmen: el lanzamiento de su primer álbum oficial de estudio como productores, LOS HITMEN: Season 1. El proyecto resume dos décadas de experiencia, visión y madurez artística, y consolida su posición como hitmakers de clase mundial y arquitectos del sonido urbano latino. Con el apoyo de MP Records, el dúo se prepara para una etapa de mayor alcance, mayor visibilidad y un impacto aún más profundo en la música global.

Loreen es, sin duda, una de las figuras más místicas, magnéticas y poderosas del pop contemporáneo, y con su nuevo single “Feels Like Heaven”, lanzado el pasado 23 de enero de 2026, vuelve a demostrar por qué su nombre sigue ocupando un lugar privilegiado dentro de la música internacional. La artista sueca de origen bereber inicia así una etapa muy esperada por su público, reafirmando su identidad artística y su capacidad para transformar el pop en una experiencia casi espiritual.

Convertida en una auténtica leyenda viva de Eurovisión, Loreen ha marcado un hito histórico al ser la única mujer que ha ganado el certamen en dos ocasiones, primero en 2012 con el icónico “Euphoria” y después en 2023 con “Tattoo”, consolidando una carrera que va mucho más allá del concurso. Su propuesta artística siempre ha destacado por fusionar pop cinematográfico, electrónica y una fuerte carga emocional y simbólica, acompañada de puestas en escena hipnóticas y visualmente impactantes que elevan cada actuación a un nivel casi ritual.

“Feels Like Heaven” funciona como carta de presentación de esta nueva fase creativa y llega con un valor añadido muy especial: la canción ha sido coescrita junto a Sia, una de las compositoras más influyentes del pop moderno. La huella de la artista australiana se percibe especialmente en las melodías del estribillo, intensas, emotivas y diseñadas para quedarse grabadas desde la primera escucha. A nivel conceptual, Loreen ha explicado que el tema no habla de un cielo religioso, sino de un estado mental de rendición, una idea que atraviesa toda la canción. Para la artista, rendirse no implica debilidad, sino un acto de valentía que abre la puerta a la verdadera libertad y al amor sin condiciones.

En lo sonoro, “Feels Like Heaven” se presenta como un medio tiempo emocional que equilibra el dramatismo vocal con una producción electrónica densa y envolvente. Loreen vuelve a brillar por su capacidad interpretativa, una fuerza vocal que recientemente dejó clara en presentaciones en directo como la realizada en Star Academy en Francia, donde demostró que su voz sigue siendo uno de los grandes pilares de su propuesta artística.

Este lanzamiento es también el adelanto principal de su próximo álbum “Wildfire”, que verá la luz el 27 de marzo de 2026. El disco tiene un valor especial, ya que será su primer trabajo de estudio completo en nueve años, desde el lanzamiento de “Ride” en 2017. En “Wildfire”, Loreen reunirá algunos de sus mayores éxitos recientes como “Tattoo” e “Is It Love”, además de incluir nuevas canciones y una colaboración destacada con el artista estadounidense 6LACK en el tema “Lose That Light”, ampliando aún más su universo sonoro y emocional.

Con “Feels Like Heaven”, Loreen no solo inaugura una nueva etapa musical, sino que reafirma su lugar como una artista única, capaz de convertir cada canción en un viaje introspectivo y cada lanzamiento en un acontecimiento.

“Feels Like Heaven” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Loreen, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Ya está disponible en todas las plataformas digitales y YouTube “ILÚMINA”, el nuevo single y videoclip de SORAYA. Se trata del último avance del disco que saldrá una semana más tarde y que lleva por título el mismo que la canción que se presenta hoy.

“Ilúmina“, compuesta por la propia artista junto a Eyla y producida por FECTRO, nos habla de las conexiones con las cosas mágicas que nos esperan en la meta a la que llegamos cuando estamos orgullosos de lo que hacemos. Mirar atrás, abrazar lo vivido y cargarnos de adrenalina para seguir. Un mensaje que coincide con el momento vital y artístico de Soraya que con este avance cierra un círculo de dos años de trabajo que culminará el 13 de febrero con la salida su nuevo disco.

Al igual que el resto de temas publicados, este nuevo single viene acompañado por un potente videoclip en el que veremos a Soraya convertida en un personaje de videojuegos al más puro estilo Final Fantasy. Otra muestra de la fuerte apuesta audiovisual que marca el camino de “Ilúmina”.

El 13 de febrero será la fecha de lanzamiento de “Ilúmina”, el disco más especial y más importante en la carrera de Soraya. Un trabajo minucioso que lleva cociéndose desde hace dos años y que la artista ha querido ir desgranando single a single para que ninguno pasara desapercibido ya que esto es más que un disco, es una historia, es la historia de Soraya.

Este trabajo será lanzado en formato físico en CD y en vinilo con una espectacular edición limitada que ya se puede encargar en la web de la artista.

La música argentina vuelve a demostrar su capacidad de reinventarse y dialogar entre generaciones con “TIC TAC”, la nueva colaboración entre Manu Dal Santo y El Villano, un lanzamiento que llegó literalmente recién salido del horno el pasado 3 de febrero de 2026. El single propone un cruce fresco y bailable entre el pop electrónico moderno y un toque urbano con guiños cumbieros, logrando una combinación que conecta tanto con las playlists actuales como con la pista de baile.

“TIC TAC” juega conceptualmente con la idea del tiempo, la urgencia y el deseo de no dejar pasar el momento. Desde su ritmo marcado y pegadizo hasta su letra directa y cotidiana, la canción transmite esa sensación de querer ahora, de no postergar lo que se siente. El título no es casual: el tic tac del reloj acompaña una historia que avanza entre miradas, stories de redes sociales y un flechazo inmediato que invita a escapar de la rutina y dejarse llevar.

Para Manu Dal Santo, este junte representa un paso clave hacia un público más masivo dentro de Argentina. La artista rosarina viene atravesando un ascenso meteórico dentro del pop nacional, con un perfil poco habitual que combina formación técnica y sensibilidad artística. Ingeniera industrial de carrera, decidió dejarlo todo para dedicarse de lleno a la música, construyendo un proyecto sólido donde conviven el pop, la electrónica y el EDM. En el último año lanzó su álbum Buenos Aires, giró por España y consolidó una identidad estética muy cuidada y de sonido internacional, respaldada por el sello CLUB29. Canciones como “Gravedad” y “Tsunami” la posicionaron como una de las nuevas caras más interesantes del pop argentino actual.

Del otro lado está El Villano, nombre artístico de Jonathan Müller, una figura histórica de la música tropical argentina que ha sabido evolucionar con el paso del tiempo. Su historia de vida, marcada por la superación y el esfuerzo desde muy chico, lo llevó a convertirse en un referente popular desde su irrupción en 2012 con hits como “Te pintaron pajaritos” y “Bombea”. Fue uno de los primeros en mezclar cumbia con reggaetón y trap en el país, abriendo un camino que hoy es parte del sonido urbano argentino. En los últimos tiempos, además, fue noticia por la valentía con la que compartió públicamente temas personales de salud, recibiendo un fuerte respaldo de colegas y de la industria.

En “TIC TAC”, El Villano aporta ese flow de barrio, carisma y experiencia que lo convirtieron en un clásico, mientras Manu suma sofisticación pop, frescura y una mirada contemporánea que dialoga con las nuevas audiencias. El resultado es una canción que suena actual, accesible y honesta, reflejando el momento en el que el pop argentino se fusiona sin prejuicios con distintos géneros y generaciones.

La letra refuerza esta idea de inmediatez y deseo, con imágenes reconocibles de la vida cotidiana, el coqueteo digital y las ganas de conectar sin vueltas. Entre beats bailables y melodías pegadizas, “TIC TAC” se posiciona como un tema pensado para sonar fuerte en este verano y seguir ampliando el alcance de ambos artistas.

“TIC TAC” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Manu Dal Santo y El Villano, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

ATK Epop une fuerzas con la cantante Mara Vélez en “Por naita’ der mundo”, un nuevo sencillo que se presenta como una declaración de principios cargada de emoción, raíz y carácter. La canción nace desde lo más profundo de la identidad andaluza, no solo por su lenguaje y expresiones populares, sino por la forma en la que convierte lo cotidiano, lo íntimo y lo vulnerable en un acto de resistencia vital. Con una producción cuidada y envolvente, el tema se apoya en arreglos de cuerdas orquestales que elevan la narrativa emocional hasta un terreno casi cinematográfico, dotando a la canción de una épica contenida que acompaña cada palabra.

“Por naita’ der mundo” habla de no rendirse, de no ceder ante la opresión, la traición ni la monotonía que asfixia. La letra es directa, honesta y valiente, y construye un diálogo interno entre dos fuerzas que conviven en quien la canta: una parte rebelde que no tolera la injusticia y está dispuesta a romper con todo, y otra llena de vida, ternura y amor incondicional, capaz de seguir creyendo incluso después de la herida. Esa dualidad se convierte en el corazón del tema y conecta con una emoción universal: el cansancio de luchar y, al mismo tiempo, la necesidad de seguir defendiendo la alegría y la dignidad personal.

La voz de Mara Vélez es el eje que sostiene ese grito vital. Su interpretación se mueve con naturalidad entre la rabia y la luz, entre la fragilidad y la firmeza, transmitiendo verdad en cada verso. Lejos de imposturas, su manera de cantar refuerza el mensaje de la canción y convierte el estribillo en un mantra poderoso: “No, por naita’ der mundo pierdo yo la alegría”. Esa frase se repite como un acto de resistencia emocional, una afirmación de vida frente a la traición, el desgaste y la pérdida.

ATK Epop acompaña esta intensidad con una producción que sabe cuándo contener y cuándo expandirse. Las cuerdas orquestales aportan dramatismo y profundidad, envolviendo la voz sin restarle protagonismo y creando una atmósfera que amplifica el mensaje del tema. Con este lanzamiento, el productor continúa explorando la fusión entre lo popular y lo contemporáneo, apostando por canciones que no solo se escuchan, sino que se sienten y se viven.

“Por naita’ der mundo” no es solo una canción, es una postura ante la vida. Una defensa de la alegría, del corazón y de la dignidad personal frente a todo aquello que intenta arrebatarlas. Al mismo tiempo, supone un paso firme en la consolidación artística de Mara Vélez, que reafirma una voz propia, honesta y profundamente arraigada en la emoción y la identidad.

“Por naita’ der mundo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop y Mara Vélez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Si Penélope Robin encarna el nuevo pop que mira al futuro, Selena Leo es historia viva del pop comercial en España, una figura clave de los años 2000 que en este 2026 protagoniza uno de los regresos más intensos, mediáticos y comentados del panorama musical. Su nombre vuelve a ocupar titulares no solo por nostalgia, sino por un presente marcado por la polémica, la exposición emocional y una necesidad clara de cerrar heridas a través de la música.

Nacida en Castellón, Selena Leo es una artista multidisciplinar que ha desarrollado su carrera como cantante, bailarina y coreógrafa, y que en los últimos años ha ampliado su perfil formándose como coach vibracional y médium, integrando una visión más espiritual y emocional a su discurso artístico. Sin embargo, para el gran público, su nombre quedó grabado en la memoria colectiva a principios de los 2000 gracias a un fenómeno televisivo y musical imposible de ignorar.

En 2001, junto a Sonia Madoc, formó el dúo Sonia y Selena, responsables de uno de los mayores éxitos veraniegos de la historia del pop español. “Yo quiero bailar” no solo dominó listas y pistas de baile, sino que superó el millón y medio de copias vendidas, convirtiendo al dúo en un icono generacional. Tras la primera separación en 2002, Selena continuó su camino en solitario con temas como “Baila mi son” y consolidó su presencia mediática poniendo voz a las sintonías de las primeras ediciones de Gran Hermano, reforzando su popularidad en una etapa dorada de la televisión musical.

El pasado reciente, sin embargo, ha sido igual de intenso que su época de mayor éxito. En 2025, Sonia y Selena anunciaron su regreso para participar en el Benidorm Fest con la canción “Reinas”. Aunque partían como favoritas del público, no lograron la victoria y, poco después, la relación entre ambas se rompió de manera definitiva y especialmente amarga. Lo que comenzó como un reencuentro cargado de expectativas terminó convirtiéndose en un conflicto público que ahora encuentra su eco musical.

En febrero de 2026, Selena Leo lanza “Adiós”, un single que va mucho más allá de una simple canción. Se trata de su respuesta directa, pública y musical a la ruptura con su excompañera. Publicado apenas unos días atrás, y coincidiendo con la participación de Sonia en un reality show, el tema ha sido descrito por muchos como el “Shakirazo” español, por su tono frontal y su carga emocional sin filtros.

La letra no esquiva el conflicto y apunta directamente a la falta de empatía y a una ruptura gestionada desde el silencio. Frases como “Me he quedado sorprendida de tu falta de empatía, de tus brotes de malicia sin sentido ni razón” han generado un fuerte impacto entre oyentes y medios. Selena ha explicado que la canción está dedicada a todas las personas que han sufrido ghosting, asegurando que ella misma se enteró de la disolución definitiva del dúo a través de la prensa y un burofax, una experiencia que marcó profundamente este nuevo capítulo de su vida.

Lejos de quedarse en el reproche, Selena Leo defiende “Adiós” como una herramienta de sanación, tanto personal como colectiva. Para ella, el tema simboliza el cierre definitivo de una etapa que ya no tiene vuelta atrás. Su mensaje ha sido claro y contundente: no habrá más reencuentros, y el capítulo de Sonia y Selena queda clausurado para siempre.

Con este lanzamiento, Selena Leo no solo reactiva su carrera musical, sino que redefine su narrativa pública, convirtiendo la experiencia del conflicto y la decepción en una declaración de independencia emocional. Su renacimiento en 2026 no se apoya en la nostalgia, sino en la voluntad de contar su versión, tomar el control de su historia y avanzar sin mirar atrás.

“Adiós” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Selena Leo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, apariciones mediáticas o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Medias Pintas continúa dando forma a su próximo EP Dos Tazas con el lanzamiento de “Gato Negro”, segundo adelanto de un trabajo que verá la luz a lo largo de este año. Tras la presentación de “Bonita Casualidad”, la banda madrileña reafirma su identidad sonora y emocional, construyendo un universo donde la intensidad convive con el detalle, y donde cada canción funciona como una pequeña historia que se despliega poco a poco.

“Gato Negro” se plantea como un recorrido en constante evolución. La canción arranca desde un espacio íntimo y contenido, sostenido por sintetizadores que envuelven al oyente en una atmósfera casi hipnótica, cargada de misterio y expectación. En ese inicio, el silencio y el pulso emocional tienen tanto peso como las notas, preparando el terreno para un crecimiento progresivo que se va revelando con naturalidad.

A medida que avanza el tema, las armonías se abren, las capas se superponen y la tensión va en aumento hasta desembocar en una explosión de banda completa. Guitarras, bajo y batería entran en escena con fuerza, empujando juntas hacia un punto de máxima intensidad que libera toda la energía acumulada. Este desarrollo musical no es casual, sino que acompaña y refuerza el mensaje central de la canción.

En lo lírico, “Gato Negro” habla de la aparición de alguien que lo cambia todo. Una figura que actúa como punto de inflexión, como faro en mitad del ruido, como refugio silencioso capaz de marcar un antes y un después. Es el retrato de esas presencias que, sin necesidad de grandes gestos, se quedan grabadas en los rincones más profundos y secretos, convirtiéndose en salvación, recuerdo y libertad al mismo tiempo.

Sonoramente, Medias Pintas se mueve dentro de los márgenes del indie rock, pero sin renunciar a enriquecer su propuesta con texturas electrónicas y juegos de armonías que amplían el paisaje emocional del tema. La banda demuestra una vez más su capacidad para equilibrar contención y explosión, dejando respirar a la canción cuando lo necesita y rompiendo cuando el mensaje lo exige.

La mezcla vuelve a estar en manos de Santi Capote, desde The Punch Mastering & Mix, quien ha sabido reforzar el peso de los graves y dotar a “Gato Negro” de una base más profunda y envolvente, sin sacrificar claridad ni pegada. El resultado es un sonido sólido y expansivo que acompaña el crecimiento natural del tema y potencia su impacto final.

Con este nuevo adelanto, Medias Pintas sigue desvelando las piezas de Dos Tazas, un EP que promete consolidar su propuesta y confirmar su sensibilidad para convertir emociones complejas en canciones directas, intensas y memorables.

“Gato Negro” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Medias Pintas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Blockparty ya tiene nombres para su edición de 2026 y vuelve a hacerlo fiel a una filosofía que lo ha convertido en una rara avis dentro del calendario musical madrileño. El festival regresará el próximo 6 de junio de 2026 a la Explanada Negra Multiusos de Madrid Río, manteniendo su formato diurno, al aire libre y de un solo escenario, una apuesta poco habitual que, con el paso de los años, se ha consolidado como una de sus mayores señas de identidad.

El cartel de este año reúne a cinco bandas con una marcada presencia internacional y una manera directa y honesta de entender el directo. Punk, rock y garage se dan la mano en una programación que rehúye artificios y pone el foco en la urgencia, la identidad y la conexión real con el público. Blockparty vuelve a demostrar que no necesita competir por el mayor nombre ni por el presupuesto más alto, sino por una experiencia musical coherente y cuidada de principio a fin.

En un contexto donde muchos festivales apuestan por la acumulación y los solapes, Blockparty mantiene su fórmula sencilla y eficaz: una jornada completa, un único escenario y bandas que entienden el escenario como un espacio de intercambio y energía compartida. En 2026, esa idea se traduce en un cartel que combina algunas de las propuestas más interesantes del punk y el garage internacional con nombres sólidos del rock estatal, reforzando su compromiso con la música en directo como eje absoluto.

Uno de los grandes reclamos de esta edición será Die Spitz, cuarteto de Austin, Texas, que se ha convertido en una de las apuestas más potentes del año. En muy poco tiempo, la banda ha logrado construir un lenguaje propio, visceral y contundente, donde el punk convive con la agresividad del metal alternativo. Su primer álbum, Something to Consume, publicado en 2025 a través de Third Man Records, ha sido ampliamente destacado por la crítica gracias a su combinación de fuerza, melodía y letras con carga política y emocional. Su paso por España promete ser uno de los más comentados de la temporada, especialmente por un directo impredecible y exigente que no deja indiferente.

Mujeres llegan a Blockparty en un momento especialmente dulce de su trayectoria. La banda barcelonesa publicará nuevo disco en los próximos meses y lo hará, una vez más, con canciones que funcionan como un auténtico termómetro generacional. Guitarras claras, letras dichas casi en voz baja y una habilidad única para transformar la duda cotidiana en celebración compartida definen una propuesta que encaja a la perfección con el espíritu del festival. En los últimos tiempos, preguntas como “¿Estamos bien?” han atravesado su imaginario, no como gesto grandilocuente, sino como una forma honesta de mirar alrededor y seguir adelante junto a su público.

Desde Estados Unidos también llegarán Uni Boys, una de las propuestas internacionales con mayor peso en esta edición. Su repertorio se mueve con soltura entre la energía punk y la melodía pop, siempre desde una lógica de canciones directas, eficaces y sin adornos innecesarios. Su directo conecta especialmente bien con el formato Blockparty, donde la inmediatez y la claridad de ideas se convierten en virtud.

A ellos se suman Fast Kids, proyecto liderado por Mike Brandon, nombre bien conocido dentro del universo Blockparty por su trayectoria al frente de The Mystery Lights, junto a Noah Kohll, miembro de Color Green. En esta nueva aventura, ambos se mueven en un terreno más melódico, con un claro espíritu power pop, pero sin perder tensión ni urgencia. Lejos de ser una desviación, Fast Kids se presenta como una evolución natural de músicos que entienden perfectamente cómo construir un concierto sólido y efectivo.

Completa el cartel Sandré, una banda que ha ido ganando presencia dentro de la escena estatal gracias a un directo conciso y contundente. Su propuesta se apoya en el punk más esencial, con canciones breves, letras directas y una forma de pisar el escenario que no necesita demasiadas explicaciones. Sandré aportan ese punto de fricción necesario para arrancar la jornada con intensidad real y marcar el tono que atravesará todo el día.

Entre concierto y concierto, el ambiente seguirá vivo gracias a las sesiones de DJ de Head & Banger y Blanca db, que se encargarán de mantener el pulso alto con selecciones pensadas para no romper el espíritu del festival y asegurar que la energía no decaiga en ningún momento.

Blockparty 2026 mantiene intactas otras de sus señas de identidad: formato diurno sin solapes, zonas de descanso repartidas por la explanada y un mercadillo con proyectos y tiendas independientes. Ya están confirmados nombres como Globo Records, Metallic’ko, Pam Crearte, Gabba Gabba Shop, Club del Disco Hortaleza y Club del Disco de Vallekas, reforzando ese vínculo con la cultura musical y creativa local. A ello se suma la entrada gratuita para menores de 16 años y una política tan poco convencional como celebrada por su público: poder traer comida de casa sin restricciones.

Tras el anuncio del cartel, los abonos pasan a costar 45 euros, gastos de gestión incluidos, y ya están disponibles a través de Ingresse.com. Un precio que vuelve a reflejar la voluntad del festival de mantener la accesibilidad sin renunciar a una programación potente y coherente.

Blockparty 2026 no promete grandes artificios ni discursos grandilocuentes. Promete música en directo, sin interferencias, en un entorno abierto y compartido. Y en 2026, para muchos, eso sigue siendo más que suficiente.

Después del impacto conseguido con “Dins del cotxe” y “Vina’m a buscar”, canciones que siguen sonando con fuerza en algunas de las radios más queridas de Catalunya, Laura West regresa con un nuevo lanzamiento que refuerza su identidad artística y abre un nuevo capítulo en su evolución musical. El próximo 6 de febrero verá la luz “LOKA”, su nuevo single en catalán, publicado con el apoyo de Música Global y distribuido por Virgin Music.

“LOKA” es una canción que parte de una historia muy concreta y fácilmente reconocible: ese momento tan intenso como frustrante en el que alguien te gusta de verdad y descubres que ya está en una relación. A partir de esa emoción, Laura construye un tema directo, enérgico y profundamente bailable, que conecta desde la primera escucha gracias a su honestidad y su fuerza rítmica.

En lo musical, el single se mueve en un terreno híbrido donde el pop se mezcla con la bachata y el funk. La producción corre a cargo de Franklin Dam, quien logra fusionar la calidez característica de la bachata con la energía del funk brasileño, incorporando además sutiles pinceladas electrónicas que aportan modernidad y dinamismo al conjunto. El resultado es un sonido fresco, actual y pensado para el directo, que invita al movimiento sin perder profundidad emocional.

Con este lanzamiento, Laura West, también conocida como Westie, inicia una nueva etapa sonora mientras continúa trabajando en su segundo álbum, “Sagrada”. Este nuevo proyecto promete mostrar una evolución clara en su propuesta artística, apostando por una sonoridad más contemporánea sin renunciar a la experimentación que siempre ha caracterizado su música.

Nacida en Girona, Laura West es cantante, compositora, productora musical, DJ y ghostwriter, y su carrera se ha desarrollado dentro del ámbito del pop con una clara vocación experimental. A lo largo de los últimos años ha sabido construir un universo propio, tanto en estudio como sobre el escenario, donde ofrece un espectáculo potente y cuidado, acompañada de sus bailarinas, las Westies. Con ellas ha girado por distintas ciudades de España y ha participado en festivales destacados como el Negrita Music Festival o el Festival Holika.

Su trayectoria también incluye hitos importantes como haber sido telonera de artistas de referencia en la escena urbana como Bad Gyal, RVFV, RELS B o Yung Beef. Además, ha recibido el reconocimiento de la industria musical catalana con nominaciones a los Premis Can 40 como artista revelación de música urbana y a los Premis Enderrock por su EP “Qui soc quan ningú em mira”, así como su participación en el disco de La Marató en el año 2023.

“LOKA” se presenta así como una declaración de intenciones dentro de esta nueva fase creativa, reafirmando a Laura West como una de las voces más inquietas y versátiles del pop actual en catalán. “LOKA” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Laura West, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantante barcelonesa Paula Relan estrena “Give Me A Reason”, su nuevo y esperado single, ya disponible en todas las plataformas de streaming. Se trata de una canción directa, intensa y cargada de energía que aborda el empoderamiento personal, el desamor y la necesidad de romper con dinámicas tóxicas para avanzar con fuerza y determinación.

Originaria de las vibrantes calles de Barcelona, Paula Relan se ha consolidado en poco tiempo como una de las voces más reconocibles dentro de la escena electrónica y pop gracias a una propuesta que combina ritmos contagiosos, emoción auténtica y una presencia escénica magnética. Tras temas como “Why (Just Tell Me Why)”, “Dancing With The Aliens”, “You And Me” y su reciente álbum Supernova, “Give Me A Reason” llega como su declaración artística más audaz hasta la fecha: un auténtico bombazo pop diseñado para las pistas de baile y para acompañar procesos de liberación personal.

El tema ha sido compuesto por Strangers Anonymous, el dúo germano-español de synthpop que ha trabajado estrechamente en el desarrollo sonoro de Paula, con Jan Lenard como colaborador clave en su universo musical. La producción vuelve a estar en manos de FMD, el trío productor habitual que ha dado forma al característico sonido high-energy que define los últimos lanzamientos de la artista, combinando pulido electrónico, fuerza melódica y un enfoque claramente internacional.

A nivel lírico, “Give Me A Reason” destaca por su honestidad sin filtros. La canción captura ese instante decisivo en el que todo se vuelve claro dentro de una relación que se apaga: el momento en el que se deja de esperar, se rompe el silencio y se elige a una misma. Con coros elevados, sintetizadores potentes y un drop masivo en el hook final, el tema está pensado para cantarlo a pleno pulmón en el coche, bailarlo en la pista o convertirlo en banda sonora de ese paso del desamor al glow up personal.

“Give Me A Reason es para cualquiera que haya esperado demasiado tiempo a que alguien demuestre que merece la pena”, explica Paula Relan. “Es enfadada, es liberadora, es empoderadora… y es el tipo de canción que te hace subir el volumen y dejar el pasado atrás”. Esa actitud se refleja tanto en la energía del tema como en su mensaje, que conecta de forma directa con oyentes que buscan canciones que acompañen procesos de cierre y renacimiento emocional.

Con este lanzamiento, Paula Relan reafirma su lugar dentro del pop electrónico contemporáneo y demuestra una vez más su capacidad para transformar experiencias personales en himnos universales, pensados tanto para la pista de baile como para la catarsis individual.

“Give Me A Reason” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Paula Relan, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.