La cantante mexicana Anyelique Solorio, originaria de Mexicali, presenta “Una Foto Tuya”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, que explora el desamor y la nostalgia, forma parte de una serie de lanzamientos recientes que marcan su consolidación tras su paso por los concursos de talento, apoyándose en su capacidad vocal para transmitir vulnerabilidad y fuerza, y posicionándola como una de las promesas juveniles con mayor proyección en el pop mexicano actual.

“Una Foto Tuya” nace desde ese territorio donde los recuerdos se aferran a objetos cotidianos. La letra, directa y cargada de honestidad, habla de esa incapacidad de olvidar que se materializa en imágenes, en pequeños trozos de papel que guardan lo que la memoria no quiere soltar. No es una canción de reproche, sino de constatación, de ese momento en que uno se da cuenta de que el pasado no se guarda en cajones, sino en la mirada. El estribillo, contenido pero lleno de emoción, funciona como un suspiro liberador, una declaración de que hay fotos que duelen pero que no se pueden tirar.

Anyelique Solorio fue finalista en La Voz México 2022, formando parte del equipo de David Bisbal, y obtuvo el segundo lugar en el programa Pequeños Gigantes 2018. Su trayectoria televisiva le dio una base de seguidores que ahora la acompañan en su evolución hacia un sonido más personal y maduro. Su voz, potente y emotiva, capaz de interpretar desde la balada romántica hasta la cumbia, tiene influencias marcadas de las grandes intérpretes mexicanas, pero con un sello propio que la diferencia.

El video oficial de “Una Foto Tuya” ha generado gran expectativa entre su base de seguidores, superando las miles de visualizaciones en pocos días. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de nostalgia y vulnerabilidad que Anyelique Solorio ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el desamor también puede ser una oportunidad para crecer. Un himno para los que guardan fotos que duelen, para todos aquellos que saben que las miradas también son una forma de memoria.

La joven artista filipina Angele Lapp, de dieciocho años y originaria de Carcar, Cebú, presenta “Toxic Boyfriend”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, que forma parte de su EP debut “Downtown Stories”, lanzado el pasado 30 de abril, aborda las dinámicas agotadoras de una relación dañina desde una perspectiva empoderadora, con ritmos urbanos mezclados con ganchos pop muy pegadizos que demuestran por qué es considerada una de las promesas más fuertes del “P-Pop global”.

“Toxic Boyfriend” nace desde ese territorio donde las relaciones juveniles se enfrentan a patrones de comportamiento que agotan. La letra, directa y cargada de honestidad, no se queda en la queja ni en la autocompasión, sino que nombra la toxicidad para poder reconocerla y, desde ahí, empezar a alejarse. No es una canción de venganza, sino de toma de conciencia, de ese momento en que uno se da cuenta de que el problema no es uno mismo, sino la dinámica en la que está atrapado. La crítica ha destacado que, a pesar de su juventud, Angele tiene una disciplina y un control vocal que hacen que estas historias se sientan muy reales.

Angele Lapp se dio a conocer por sus covers en redes sociales y presentaciones en festivales locales en Cebú. Su voz, cálida, directa y con una gran carga emocional, le valió la atención del sello Popolo Music Group, bajo la dirección del productor ejecutivo Pooh Lunt, quienes están diseñando su carrera para competir en el mercado internacional. Su debut oficial a nivel mundial fue con el single “Downtown Girl” en marzo de 2026, antes de este EP que ya consolida su estilo.

“Toxic Boyfriend” forma parte de su reciente catálogo de lanzamientos que exploran las complejidades de las relaciones juveniles, con un sonido pop pulido y empoderador. Su equipo ya ha confirmado que este es solo el inicio de una campaña que culminará con su primer álbum de estudio el 15 de septiembre de 2026. Angele Lapp es el ejemplo perfecto de cómo el pop del sudeste asiático está rompiendo fronteras, demostrando que la música filipina tiene mucho que decir en la escena global. “Toxic Boyfriend” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de empoderamiento y pop internacional que Angele Lapp ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que reconocer la toxicidad es el primer paso para salir de ella. Un himno para los que han vivido relaciones agotadoras, para todos aquellos que saben que el amor no debería doler tanto.

La canción “I'm Leaving SRL”, ya está disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza de melodic house construida alrededor de vocales femeninas expresivas y un paisaje sonoro electrónico profundo y atmosférico, narra la historia de una conexión que arde con intensidad pero no lleva a ninguna parte, capturando el conflicto interno de querer quedarse cerca mientras se sabe que hay que alejarse.

“I'm Leaving SRL” nace desde ese territorio donde el amor y la razón se enfrentan sin encontrar un punto medio. La letra, íntima y cargada de honestidad, no busca culpables ni justificaciones, sino nombrar esa paradoja de seguir sintiendo cuando ya no tiene sentido continuar. El estribillo, con su repetido “Let me go, I'm leaving”, funciona como un mantra de liberación, una declaración de que la decisión de irse no es falta de amor, sino de salud. No es una canción de despedida rencorosa, sino de despedida necesaria.

La producción evoluciona desde momentos suaves y vulnerables hasta picos emocionales potentes diseñados para la pista de baile, creando una tensión que se siente tanto íntima como viva. En el núcleo del tema está la dependencia emocional, la ilusión de conexión y la fuerza que se necesita para soltar. Musicalmente, la canción mezcla el melodic house con elementos deep y progresivos, creando una atmósfera nocturna que resuena tanto en auriculares como en entornos de club, perfecta para esos momentos en que la noche se convierte en un espejo de lo que se siente.

“I'm Leaving SRL” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de conflicto y liberación que la canción ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces el acto más valiente es reconocer que el amor no es suficiente. Un himno para los que han tenido que irse queriendo quedarse, para todos aquellos que saben que la despedida también puede ser un acto de amor propio.

El reconocido dúo Ha*Ash, formado por Hanna y Ashley, presenta “Si Me Hubieras Llamado Ayer”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 30 de abril y ya disponible en plataformas digitales. La canción, un capítulo profundamente emocional y honesto en su carrera, explora uno de los momentos más complejos del desamor: ese punto de vulnerabilidad en el que, aun sabiendo que una relación no es para ti, la soledad y la nostalgia pueden hacerte dudar, incluso pueden hacerte olvidar las razones por las que decidiste soltar, ese instante íntimo en el que darías lo que fuera por recibir una llamada de esa persona, justo antes de lograr cerrar el ciclo por completo.

“Si Me Hubieras Llamado Ayer” nace desde ese territorio donde la duda se enfrenta a la certeza. La letra, directa y cargada de honestidad, captura ese momento en que el corazón aún no se ha convencido del todo de que la decisión fue la correcta, cuando la posibilidad de un “qué hubiera pasado” todavía pesa. Pero también es una canción de resolución, de ese instante en que finalmente decides darle vuelta a la página y entender que cuando olvidas a alguien, lo haces de verdad. El título funciona como una constatación: si la llamada hubiera llegado antes, quizá la historia habría sido diferente, pero el tiempo ya pasó.

Para Ha*Ash, el tiempo y la distancia son piezas clave en el proceso de sanación. A través de su música, han logrado transmitir cómo trabajar en uno mismo brinda claridad y fortalece la decisión de soltar. Además, comparten un mensaje contundente sobre las relaciones: si algo vale la pena, hay que trabajarlo hoy, porque mañana podría ser demasiado tarde. Esta nueva y poderosa canción rinde homenaje al desapego y a las despedidas, manteniéndose fieles a su esencia dentro del pop country.

Emocionadas por este lanzamiento, las artistas reafirman su compromiso de seguir contando historias reales que conecten con sus fans. Con este lanzamiento, Ha*Ash no solo presenta nueva música, sino que despliega una declaración emocional que invita a sanar, a soltar y, sobre todo, a elegirte, incluso cuando el corazón aún duda. “Si Me Hubieras Llamado Ayer” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de vulnerabilidad y fortaleza que Ha*Ash ha sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que el proceso de sanación no es lineal, pero que al final, elegirse a uno mismo es el único camino posible. Un himno para los que están a punto de cerrar un ciclo, para todos aquellos que saben que a veces la mejor respuesta es “si me hubieras llamado ayer”.

La artista KHIARA, galardonada con el premio Latino de Oro a la Artista Revelación 2025, presenta “I DON’T STOP”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, que debuta como la primera artista española que anuncia oficialmente su debut musical dentro del K-Pop en español e inglés, marca el inicio de una nueva etapa para la artista, combinando una producción potente, estética cuidada y una identidad propia que conecta el K-Pop con el público hispanohablante y angloparlante.

“I DON’T STOP” nace desde ese territorio donde la ambición y la ética de trabajo se convierten en declaración de intenciones. La letra, directa y cargada de energía, habla de no detenerse ante las críticas, de seguir escalando en la industria, de convertir cada obstáculo en combustible. No es una canción de súplica, sino de afirmación, de ese momento en que uno decide que el único límite es el que uno mismo se pone. El estribillo, pegadizo y lleno de ritmo, funciona como un mantra de determinación, una declaración de que quien ha llegado hasta aquí no piensa parar.

A diferencia del K-Pop tradicional en coreano, el proyecto de KHIARA se enmarca dentro del K-Pop global, una evolución del género que prioriza la producción, la coreografía, la narrativa visual y la identidad artística por encima del idioma, abriendo el estilo a nuevos mercados y audiencias. Este lanzamiento supone un paso significativo para la internacionalización y la expansión del K-Pop más allá de Asia, consolidando a la artista como una figura emergente a seguir dentro del panorama musical actual. El videoclip, con una estética futurista y urbana, destaca por coreografías de alto nivel que demuestran por qué KHIARA es considerada una de las mejores performers actuales.

KHIARA se ha consolidado como una de las voces con más proyección en la escena urbana, con un estilo que bebe del R&B clásico pero lo lleva a un terreno moderno con producciones muy cuidadas. “I DON’T STOP” representa una apuesta innovadora dentro de la escena musical española, llevando un género global a nuevos territorios lingüísticos y culturales. El single ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de energía y ambición que KHIARA ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el K-Pop no es solo un género, sino una forma de entender la música como espectáculo total. Un himno para los que no paran, para todos aquellos que saben que el éxito no es un destino, sino una forma de moverse.

Los artistas Daniela Blasco y Almacor presentan “Bikini”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 30 de abril y ya disponible en plataformas digitales. El tema, publicado bajo el sello TANGO, es una canción fresca con un ritmo ideal para el perreo y las fiestas en la playa, siguiendo la tendencia de canciones directas y pegadizas que está diseñada para no poder sacarse de la cabeza durante los próximos meses, consolidando a ambos como referentes del estilo urbano actual en España.

“Bikini” nace desde ese territorio donde el verano se convierte en la excusa perfecta para el deseo. La letra, directa y cargada de energía, no busca grandes metáforas ni complicaciones, sino capturar esa sensación de ligereza y atracción que solo aparece cuando el sol aprieta y la noche se alarga. No es una canción de promesas eternas, sino de momentos compartidos, de esa química que no necesita explicaciones porque se siente en el cuerpo. El estribillo, pegadizo y lleno de ritmo, funciona como una invitación a dejarse llevar, a bailar sin pensar, a disfrutar del presente sin preguntar por el mañana.

Daniela Blasco, nacida en Mallorca en 2005, ya era una sensación en TikTok y en el mundo de la danza antes de cantar. A los once años llegó a bailar con Justin Bieber en Madrid, y a principios de 2025 fue una de las grandes favoritas del Benidorm Fest con su tema “UH NANA”, donde demostró que puede cantar y ejecutar coreografías complejas al mismo tiempo. Su música es una mezcla explosiva de urban, hip-hop y reggaetón, siempre con un componente visual y de baile muy fuerte. Almacor, por su parte, es uno de los nombres clave del género urbano en España, conocido por su paso por el Benidorm Fest 2024 con “Brillos Platinos” y por su versatilidad, que le ha llevado a experimentar con el pop electrónico y los ritmos urbanos.

El videoclip oficial de “Bikini” refuerza la imagen de ambos como referentes del estilo urbano actual en España. Para Daniela, este single sigue consolidando su carrera tras lanzamientos recientes como “Mentira”, mientras que para Almacor es otra prueba de su capacidad para crear colaboraciones que se vuelven virales de inmediato. “Bikini” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de verano y perreo que Daniela Blasco y Almacor han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que a veces la mejor canción es la que te hace olvidar los problemas y solo pensar en bailar. Un himno para las fiestas en la playa, para todos aquellos que saben que el verano también se vive en la pista de baile.

La cantante y actriz canaria NIA, ganadora de Operación Triunfo 2020, presenta “Tiene Que Ser Él”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una balada rítmica con toques latinos que forma parte de su etapa posterior a su primer álbum “Palo Santo”, habla sobre el destino y la convicción en el amor, explorando la idea de encontrar a esa persona que encaja perfectamente en la vida de uno, con una interpretación vocal cargada de sentimiento y elegancia que ha sido muy elogiada por la crítica.

“Tiene Que Ser Él” nace desde ese territorio donde la certeza se impone a la duda. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una búsqueda, sino una afirmación, de ese momento en que uno sabe que la persona que tiene al lado es la indicada, no porque sea perfecta, sino porque encaja. No es una canción de idealización, sino de reconocimiento, de esa certeza que no necesita explicaciones porque se siente en el cuerpo. El estribillo, contenido pero lleno de emoción, funciona como una promesa, una declaración de que el destino no es casualidad, sino encuentro.

NIA se ha consolidado como la voz del “pop tropical” en España, fusionando el pop con ritmos latinos como la salsa, el bolero y la cumbia, siempre con una fuerte influencia de sus raíces canarias y latinas. “Tiene Que Ser Él” destaca por un sonido orgánico donde los instrumentos de percusión y las cuerdas tienen un papel protagonista, alejándose del sonido puramente electrónico para buscar algo más atemporal, mostrando la madurez artística de una artista que ha sabido alejarse de la etiqueta de “concursante de televisión” para posicionarse como una intérprete de prestigio en el género de la música latina hecha en España.

El tema ha sido promocionado intensamente durante su gira de 2025 y principios de 2026, y el videoclip ya acumula miles de visualizaciones en pocos días. “Tiene Que Ser Él” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de convicción y romanticismo que NIA ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el amor también puede ser una certeza. Un himno para los que han encontrado a su persona, para todos aquellos que saben que cuando es él, no hay dudas que valgan.

La cantante, compositora y pianista Tessh presenta “Mis Cartas”, su primer álbum ya disponible en plataformas digitales. El trabajo, un viaje emocional contado a través de siete canciones, convierte experiencias personales en historias con las que muchas personas pueden sentirse identificadas, reflejando distintas etapas de una historia de amor: la ilusión del comienzo, el enamoramiento, los cambios, las heridas y todo el proceso vivido durante y después de la relación.

“Mis Cartas” nace desde ese territorio donde la música se convierte en un vehículo para procesar lo vivido. Cada tema funciona como una carta dirigida a diferentes momentos de una misma historia, sin orden cronológico fijo pero con una coherencia emocional que las une. No es un disco de acusaciones ni de lamentos, sino de constatación, de ese instante en que uno mira atrás y decide que lo que duele también puede ser escrito y cantado para dejar de doler. La letra, directa y cargada de honestidad, invita a abrir cada sobre sonoro como si fuera una confesión íntima.

Tessh lleva años vinculada a la música, pero comenzó su proyecto artístico como Tessh en 2024. En “Mis Cartas”, la artista mezcla diferentes estilos y sonidos, pasando por géneros como la cumbia, la salsa, la bachata, las baladas, la ranchera o el pop rock, mostrando así distintas facetas tanto musicales como emocionales a lo largo del disco. No es una colección de canciones uniformes, sino un recorrido por diferentes estados de ánimo que encuentran en cada género el vehículo perfecto para expresarse: la cumbia para la euforia del comienzo, la balada para la melancolía, la salsa para la rabia contenida.

Con este proyecto, Tessh da comienzo a una nueva etapa en su carrera, apostando por una música sincera y cercana, donde cada canción cuenta una parte de su historia. La producción, cuidada y versátil, permite que su voz, con un timbre cálido y expresivo, se adapte a cada estilo sin perder su identidad. “Mis Cartas” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de confesión y catarsis que Tessh ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que las cartas no siempre se envían, a veces se cantan. Un álbum para los que han vivido un amor de principio a fin, para todos aquellos que saben que las heridas también pueden convertirse en canciones.

El productor francés Irwan Craw presenta “Noche Eterna (Summer Remix)”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, que ofrece una experiencia veraniega, energética y diseñada para el dancefloor, continúa su ascenso internacional con un sonido que mezcla Latin house, energía club y una identidad moderna, y ya cuenta con apoyo de radios internacionales en Europa y plataformas online, confirmando su creciente impacto en la escena global.

“Noche Eterna (Summer Remix)” nace desde ese territorio donde la noche no termina y la pista de baile se convierte en el único hogar. La canción, con su ritmo latino y su producción cuidada, está diseñada para conectar con el oyente desde el primer compás, invitando a dejarse llevar por un groove que no da tregua. El estribillo, pegadizo y lleno de energía, funciona como un mantra de evasión, una declaración de que hay noches que merecen ser eternas.

Irwan Craw es un artista y productor independiente que crea temas con grooves orgánicos, melódicos y pegadizos, diseñados tanto para la radio como para la pista de baile. Su sonido, que combina dance pop e influencias afrolatinas, busca ser fluido, moderno y conectar instantáneamente con quien lo escucha. “Noche Eterna (Summer Remix)” es una muestra de esa filosofía, un tema que no entiende de fronteras ni de géneros, sino que se mueve con la misma libertad con la que se baila cuando la música es buena.

“Noche Eterna (Summer Remix)” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de fiesta y verano que Irwan Craw ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que las mejores noches son las que parecen no tener fin. Un himno para los que bailan hasta el amanecer, para todos aquellos que saben que la música latina y el house pueden ser la misma cosa.

El artista Phil Andrew presenta “Same”, su primer sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una historia real sobre cómo su vida encontró tanto caos incluso durante el proceso de grabación, mezcla y masterización, fue registrada en su estudio en Grande Prairie, Alberta. Phil comenzó desde abajo y tomó cursos para mejorar sus conocimientos de estudio durante más de nueve años, y esa dedicación se refleja en una producción que, a pesar de las dificultades narrativas, suena cuidada y profesional. El tema refleja la pasión de un músico que ha tocado durante varias décadas y que ha vuelto a escribir canciones durante los últimos nueve años, acumulando varios álbumes que está deseando publicar.

“Same” nace desde ese territorio donde la creación artística se convierte en catarsis. La letra, directa y cargada de honestidad, no busca edulcorar la realidad ni esconder las dificultades, sino mostrarlas como parte del proceso. No es una canción de queja, sino de constatación, de ese momento en que uno se da cuenta de que el caos no es un obstáculo, sino parte del camino. A pesar de las dificultades, el artista afirma que se divirtió mucho en el proceso de completar la canción, demostrando que incluso en medio del caos, la pasión por la música puede ser un refugio.

Phil Andrew ha jugado música durante varias décadas y ama cada minuto. Tuvo un estallido de inspiración para escribir que permanece con él todo el tiempo, y ese ímpetu creativo se percibe en cada nota de “Same”. Su trayectoria, marcada por el aprendizaje constante y la voluntad de mejorar, es un ejemplo de perseverancia para cualquier artista independiente que empieza desde abajo. El artista ha escrito varios álbumes de los que se siente orgulloso y espera poder lanzarlos en el futuro cercano, ampliando así su catálogo.

“Same” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de honestidad y perseverancia que Phil Andrew ha sabido capturar con la autenticidad de quien entiende que el caos también puede ser una fuente de inspiración. Un himno para los que han pasado por momentos difíciles, para todos aquellos que saben que la música puede ser un ancla incluso cuando todo lo demás se tambalea, y para quienes creen que el verdadero éxito no es la ausencia de problemas, sino la capacidad de seguir creando a pesar de ellos.

La banda belga PEEPL, con sede en Gante, presenta “La Ciudad”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, cantado en español y construido sobre un groove infeccioso, combina las vibras de la cumbia latina con el funky pop, ofreciendo un sonido fresco y bailable lleno de calidez, movimiento y personalidad, que captura la sensación de escapar del caos urbano y transformarlo en celebración. En el corazón emocional de “La Ciudad” hay una historia de liberación y transformación, escrita por la vocalista Lucía Noceti, que surgió de una necesidad personal de alejarse de la intensidad de la vida en Buenos Aires.

“La Ciudad” nace desde ese territorio donde la presión urbana se encuentra con el espacio abierto. La búsqueda de distancia y aire fresco se convirtió en la base de una canción que se mueve entre la tensión y la libertad, invitando a soltar lo que pesa y a celebrar lo que queda. No es una canción de huida, sino de transformación, de ese momento en que uno decide que el ruido de la ciudad puede convertirse en ritmo si se aprende a bailarlo. El estribillo, pegadizo y lleno de calidez, funciona como un mantra de liberación, una declaración de que el caos también puede ser una fiesta.

PEEPL es un cuarteto formado por Lucía Noceti (voz), Pieter Derboven (guitarra), Ruben De Vleeschhouwer (batería) y Joel Alancay (bajo). Con raíces e influencias que se extienden por Europa y América Latina, el grupo crea música que se siente tanto culturalmente rica como instantáneamente accesible, conectando grooves orgánicos con una sensibilidad pop moderna. “La Ciudad” forma parte del EP debut de la banda, “Let’s Change the World Before It Changes Us”, un proyecto de seis pistas que se publicará gradualmente durante los próximos cuatro meses. El EP fue producido por Simon Vander Beken, conocido por su capacidad para capturar un sonido en vivo vibrante, algo esencial para la identidad del proyecto.

Con “La Ciudad”, PEEPL ofrece más que un simple single pegadizo. Presentan el primer capítulo de un viaje musical más amplio, uno arraigado en la conexión, el movimiento y la composición expresiva entre géneros. Es una canción hecha para listas de reproducción que celebran el groove, la frescura y las influencias pop globales, mientras apuntan hacia un EP lleno de variedad y carácter sonoro. “La Ciudad” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de liberación y ritmo que PEEPL ha sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que la ciudad también puede ser una pista de baile. Un himno para los que buscan escapar del caos, para todos aquellos que saben que la mejor forma de transformar la presión es bailarla.

La cantautora mexicana Mar Lara, una de las voces más frescas y prometedoras del pop-rock actual, presenta “Juramento”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 30 de abril y ya disponible en plataformas digitales. La canción, descrita por la propia artista como algo muy especial y significativo, es un juramento de lealtad y amor que no necesita pluma ni papel para ser real, una declaración que ella misma ha esperado durante mucho tiempo para compartir con sus seguidores.

“Juramento” nace desde ese territorio donde la palabra dada vale más que cualquier documento firmado. La letra, directa y cargada de honestidad, habla de esa promesa que se hace sin testigos ni contratos, solo con la mirada y la certeza de que el compromiso es real. No es una canción de condiciones, sino de entrega, de ese momento en que uno decide que hay vínculos que no necesitan papeles para ser eternos. El estribillo, contenido pero lleno de emoción, funciona como una declaración de principios, una afirmación de que hay juramentos que se firman con el corazón.

Mar Lara es originaria de Guadalajara y comenzó a componer desde los once años. Ganó mucha notoriedad por su valentía al dejar una beca en Irlanda para perseguir su sueño en Ciudad de México. Su carrera despegó de forma masiva tras su exitoso paso por La Academia 2024, donde se convirtió en una de las finalistas y favoritas del público gracias a su carisma y su potente capacidad interpretativa. Tras el reality, lanzó su álbum debut “Hasta Los Cuernos De La Luna” y ha trabajado con productores de alto nivel como Stefano Vieni.

El lanzamiento de “Juramento” ha venido acompañado de un video musical titulado “Juramento (Marianis Version)”, un guiño directo a su fandom, los “Marianis”, reforzando ese vínculo tan estrecho que Mar Lara mantiene con sus seguidores. La canción mantiene esa esencia emocional y orgánica que la caracteriza, consolidando su transición de académica a artista profesional con un sello propio. “Juramento” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de lealtad y amor incondicional que Mar Lara ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que los mejores juramentos no necesitan firma. Un himno para los Marianis, para todos aquellos que saben que hay promesas que se escriben en el corazón, no en el papel.

La artista María Isabel presenta “Te Amo - 17:17”, su nuevo sencillo lanzado el 30 de abril de 2026, ya disponible en plataformas digitales. El tema, probablemente uno de los más personales y emotivos que ha publicado en toda su carrera, no es una canción de amor romántico al uso, sino una declaración de amor incondicional a su hija, una promesa de protección y compañía eterna que resume frases como “No me imagino una vida sin ti” y “Mataría por ti”, transmitiendo un sentimiento de entrega total que atraviesa cada verso.

“Te Amo - 17:17” nace desde ese territorio donde la maternidad se convierte en fuente de inspiración. El título hace referencia a una “hora espejo”, que en numerología a menudo se asocia con la protección, la conexión espiritual y los nuevos comienzos, un número muy simbólico para la artista. La letra describe a su hija como una niña con una personalidad que atrapa, llamándola “mi niña chiquitita” y reconociendo que ella es su verdadera cura y alegría. Hay también una mención muy emotiva: “Si te viera tu abuela Isabel, tu ángel te cuida también”, un homenaje directo a su madre que añade una capa de profundidad emocional muy fuerte al tema.

El videoclip es un auténtico álbum de recuerdos familiares. Gran parte del video muestra a María Isabel jugando con su hija en un paisaje nevado, tirándose en trineo, haciendo ángeles en la nieve y compartiendo abrazos constantes. También se ven escenas muy cotidianas, como la niña tocando el piano o caminando de la mano de sus padres. La naturalidad de las imágenes y la sinceridad con la que María Isabel canta cada palabra convierten el video en una experiencia tan íntima como universal, un testimonio del amor maternal que no necesita artificios para emocionar.

Atrás quedó la niña de “Antes muerta que sencilla”. María Isabel ha sabido evolucionar hacia un pop mucho más maduro, manteniendo siempre esa frescura y autenticidad que la caracteriza. En los últimos años, su vida ha dado un vuelco positivo con su maternidad, y eso se refleja totalmente en su nueva música. “Te Amo - 17:17” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de amor incondicional y recuerdos familiares que María Isabel ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la mejor canción de amor es la que se escribe para un hijo. Un himno para las madres, para todos aquellos que saben que hay amores que no necesitan explicación, solo un “te amo” a las 17:17.

Las artistas Canu y Lucauy presentan “Solo Avisa”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, que se mueve en un terreno de pop urbano con tintes de cumbia, muy bailable y con una vibra perfecta para el verano o la previa, juega con esa complicidad de “estoy para lo que sea, cuando sea”. La letra habla de una relación sin demasiadas complicaciones donde la clave es la comunicación directa: si hay ganas de verse, solo avisa. Lo que más destaca es cómo se entrelazan la voz dulce pero potente de Canu con el estilo más relajado y melódico de Lucauy.

“Solo Avisa” nace desde ese territorio donde la honestidad se convierte en el único código necesario. La canción no pide grandes declaraciones ni planes elaborados, solo que se avise cuando haya ganas de encontrarse. No hay presión, no hay expectativas, solo la certeza de que cuando uno de los dos dice “estoy acá”, el otro va a estar. El estribillo, pegadizo y lleno de energía, funciona como una invitación abierta, una confirmación de que la mejor relación es la que se construye sin ataduras pero con comunicación.

Canu, una de las artistas argentinas con mayor proyección en la escena pop y cumbia actual, ha pasado por el R&B, el reggaetón y las baladas, pero recientemente ha encontrado un lugar muy sólido en la cumbia fresca. Viene de un 2025 increíble donde fue la encargada de abrir el concierto de Erreway en el Movistar Arena, lo que le dio un impulso masivo a su carrera. Se caracteriza por ser una artista independiente que cuida muchísimo la estética de sus videos y la cercanía con sus fans, a quienes suele llamar su “universo”.

Desde Uruguay, Lucauy se ha consolidado como un referente del pop sentimental y urbano. Se hizo conocido por temas como “En El Amor Soy Un Desastre” y “Puede Ser”, donde suele cantar sobre el desamor con un toque de humor y honestidad. Su música tiene ese sello uruguayo de melodías pegadizas y letras con las que es muy fácil identificarse, experto en transformar situaciones cotidianas de pareja en hits de TikTok. “Solo Avisa” es la prueba de que la colaboración entre Argentina y Uruguay sigue siendo una fórmula ganadora en el género urbano. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de complicidad y frescura que Canu y Lucauy han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que a veces lo único que hace falta es un aviso. Un himno para los que creen en la comunicación directa, para todos aquellos que saben que las mejores relaciones son las que no necesitan explicaciones.

El joven cantautor motrileño Hezu Romero, originario de Motril, presenta “Modo Avión”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, un corte de urbano-pop rítmico con toques de reguetón suave, utiliza la metáfora del “modo avión” para hablar de aislarse del ruido exterior, de las redes sociales y de las distracciones, para centrarse en uno mismo o en un momento íntimo con otra persona, proponiendo una desconexión necesaria en una era donde la hiperconectividad a menudo nos aleja de lo esencial.

“Modo Avión” nace desde ese territorio donde la tecnología se convierte en un obstáculo para la verdadera conexión. La letra, directa y cargada de honestidad, propone dejar de lado los móviles, las historias de Instagram, las indirectas digitales, para encontrarse en un espacio donde solo existan dos personas. No es una canción de huida, sino de presencia, de ese momento en que uno decide que la mejor forma de estar con alguien es desconectar de todo lo demás. El estribillo, pegadizo y lleno de intención, funciona como una petición, casi una orden: “Ponte en Modo Avión, que nadie interrumpa esta conexión”.

Hezu Romero representa la nueva ola de talento granadino, una tierra históricamente prolífica en artistas. Su propuesta musical se mueve principalmente en el pop-urbano, combinando melodías frescas con ritmos pegadizos, manteniendo siempre un toque de frescura y naturalidad que lo aleja de los sonidos más prefabricados del género. Ha estado trabajando de forma constante en el estudio, lanzando sencillos que muestran una evolución vocal y una producción cada vez más profesional, lo que le ha permitido ganar terreno en las plataformas digitales.

“Modo Avión” destaca por tener un sonido limpio y actual, con arreglos que buscan sonar modernos sin perder la esencia de la voz del artista motrileño. El single está teniendo una gran acogida especialmente entre el público joven de su ciudad natal, sirviendo como escaparate para posicionar a Motril dentro del mapa del pop urbano actual en España. Hezu Romero es un ejemplo del talento “kilómetro cero” de la Costa Tropical, demostrando que la música de calidad también nace fuera de los grandes centros urbanos. “Modo Avión” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de desconexión y presencia que Hezu Romero ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces la mejor forma de conectar es apagar el móvil. Un himno para los que buscan momentos reales, para todos aquellos que saben que el modo avión también puede ser una forma de amor.

La artista catalana soph presenta “El dolor es mi única visa”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, con TaLo en la coproducción y los cameos de dconc3pt, WagOne y montemar acompañando la campaña promocional, es el pistoletazo de salida a su álbum debut, del que soph es productora principal. La canción habla de dolor, locura y experimentación, de alguien que solo ha querido encajar, que ha intentado de mil formas formar parte del grupo pero no lo ha conseguido, y que ahora reivindica ese dolor desde su primer gran proyecto, porque al final la vida se divide entre quienes han sufrido de verdad y quienes solo teorizan sobre ello, entre quienes conocen la soledad desde dentro y quienes la observan desde fuera.

“El dolor es mi única visa” nace desde ese territorio donde el sufrimiento se convierte en identidad. La letra, directa y cargada de honestidad, no busca compasión, sino reconocimiento. Soph no pide que la salven, pide que la entiendan, que acepten que su dolor no es una metáfora sino una experiencia vivida. El estribillo, contenido pero lleno de fuerza, funciona como una declaración de principios, una afirmación de que el dolor no es un obstáculo, sino la única credencial que necesita para ser quien es.

Después de presentar “KANA GAWA”, un EP de pop electrónico experimental junto a D. Cotta y Enry-K, soph ha buscado un sonido propio y más personal. Hay momentos que evocan a Rosalía, melodías que recuerdan a Ralphie Choo o Rusowsky, referencias a Noga Erez, Moderat o RAYE, pero el sello inconfundible de soph sigue siendo el mismo: bajos potentes y contundentes que lo sostienen todo. Su música no nace solo del urbano, aunque su adolescencia y juventud la llevaron hacia ese sonido, una adolescencia complicada, llena de momentos oscuros, que ahora transmite en sus canciones.

Nacida y criada en Poblenou, soph estudió en el conservatorio desde los seis hasta los dieciocho años y cuenta con formación contemporánea en jazz, soul y otros géneros, ya que cursó tres años en el Taller de Músics de Barcelona. Su padre, Xavi Malacara, y su madre, pintora, han sido sus inspiraciones desde pequeña, pero ha ido construyendo sus referentes desde diferentes prismas: desde Arctic Monkeys o Avenged Sevenfold hasta Billie Eilish, pasando por The Kooks, Cage the Elephant o Arlo Parks, y, evidentemente, por Ella Fitzgerald y Nina Simone.

“El dolor es mi única visa” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de reivindicación y autenticidad que soph ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el dolor también puede ser una forma de visado para entrar en el mundo. Un himno para los que no han encajado, para todos aquellos que saben que la locura también puede ser una forma de arte.

El trío madrileño Chaito & Palosanto regresa a la escena musical con “Conquistarte”, su nuevo single ya disponible en plataformas digitales. La canción, una rumba de medio tiempo que combina la esencia del sonido de Caño Roto con una producción contemporánea, apuesta por la sensualidad y el galanteo clásico, demostrando que el grupo es capaz de dominar tanto el ambiente de “fiesta nacional” como la balada rumbera más íntima, en un momento de madurez absoluta para su carrera.

“Conquistarte” nace desde ese territorio donde la tradición se encuentra con la modernidad. Producido con una instrumentación orgánica donde las guitarras flamencas de Juan Serrano (Palosanto) dialogan con bases rítmicas actuales, el single busca rescatar la narrativa del galanteo clásico, ese arte de conquistar que no tiene prisa, que se despliega en medio tiempo y que celebra la emoción y la sensualidad por encima de la inmediatez. El estribillo, pegadizo y lleno de calidez, funciona como una declaración de intenciones, una invitación a dejarse llevar por el ritmo de la rumba sin perder la profundidad.

Formado por Juan Serrano (Palosanto), Juan José López (Chaíto) y Francisco Cuevas (Paco), el trío vive un momento de plena madurez artística. Serrano, heredero de una reconocida tradición flamenca y guitarrista de confianza de El Fary durante años; Chaíto, voz principal con experiencia junto a artistas como Melendi o Canelita; y Paco, con una amplia trayectoria junto a nombres como Los del Río, José Mercé o Taburete, conforman un proyecto sólido dentro de la rumba fusión. A lo largo de su carrera, han compartido escenario con artistas como India Martínez, Carlos Baute, Café Quijano o Sergio Dalma, además de colaborar con Juan Salazar “El Chunguito” en el tema “Me quedo contigo”.

Su recorrido incluye hitos como ganar el programa “Tú sí que vales”, apariciones en televisión nacional como “Factor X” y la creación de himnos deportivos de proyección internacional. Respaldados por figuras como la Baronesa Thyssen y Ágatha Ruiz de la Prada, el grupo continúa rompiendo barreras entre lo popular y lo exclusivo. Tras el impacto de “Corazones de Colores”, proyecto vinculado a la diseñadora Ágatha Ruiz de la Prada, el grupo apuesta ahora por una propuesta más íntima, centrada en la emoción y la sensualidad. “Conquistarte” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de galanteo clásico y rumba contemporánea que Chaito & Palosanto han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que conquistar también puede ser un arte. Un himno para los que creen en el medio tiempo, para todos aquellos que saben que la mejor forma de conquistar es sin prisa.

El multiinstrumentista, compositor, vocalista y artista de estudio Forest Through The Trees (F3T) no intenta encajar en una categoría, y está perfectamente conforme con eso. Su proyecto, ya disponible en plataformas digitales, crece a partir de una curiosidad lifelong y un amor por el sonido en todas sus formas, invitando a los oyentes a un mundo de exploración y calidez donde la música se siente menos como un destino y más como un camino abierto.

Desde una edad temprana, la música le pareció menos un destino y más un camino abierto. Esa perspectiva ha llevado a Forest Through The Trees a estudios y escenarios de todo el mundo, donde ha tenido la oportunidad de aprender, colaborar y absorber silenciosamente influencias de una amplia gama de culturas y estilos. Esas experiencias ahora conforman un sonido que se siente tanto expansivo como personal, mezclando géneros de forma natural, sin forzarlos, como si las influencias se hubieran integrado por sí solas a través de los años.

En lugar de proponerse reinventar la música, Forest Through The Trees sigue el instinto: desarma cosas, las vuelve a armar y observa qué se siente honesto. Su trabajo refleja un genuino sentido de exploración, conectando diferentes ideas musicales de maneras que se sienten orgánicas y sin pretensiones, sin la presión de tener que encajar en un molde preestablecido. No es un artista que busque etiquetas, sino que deja que su música hable por sí misma.

En el corazón del proyecto hay una creencia simple: la música, como el mundo natural, tiene más que ofrecer cuando te tomas el tiempo, miras un poco más de cerca y te mantienes abierto a dónde puede llevar. “Forest Through The Trees” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de exploración y calidez que F3T ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la mejor música no es la que encaja, sino la que te lleva a lugares inesperados. Un álbum para los que escuchan con atención, para todos aquellos que saben que la curiosidad es el mejor punto de partida para cualquier viaje sonoro.

La cantante y compositora británica Blu James, reconocida como la vocalista de la icónica canción “Red Alert” del dúo Basement Jaxx (1999), regresa a la primera línea de la escena musical con un nuevo sencillo aún sin título confirmado. La propuesta, diseñada para las pistas de baile, es un sonido con mucho movimiento, energía y un ritmo contagioso que busca reafirmar su estatus como una de las voces femeninas más influyentes y capaces de la industria, conectando su legado histórico con los sonidos actuales.

El nuevo tema nace desde ese territorio donde el legado se encuentra con la renovación. Blu James no pretende olvidar su pasado, sino integrarlo en una propuesta actual que demuestre que su voz sigue siendo tan potente como cuando “Red Alert” se convirtió en número uno en las listas de Billboard Dance y le valió a Basement Jaxx una nominación al Grammy y un premio NME al Mejor Single. No es un regreso nostálgico, sino una declaración de intenciones, de que la artista que definió el sonido del house británico sigue teniendo mucho que decir.

Blu James es una “vocal powerhouse” debido a su rango, fuerza y su capacidad para infundir un estilo soulful y funk a ritmos electrónicos. Su voz en “Red Alert” es considerada una de las más reconocibles de la era dorada del house británico, y ahora ese mismo instrumento se adapta a los sonidos actuales sin perder un ápice de su fuerza. La nueva propuesta musical está diseñada para mantener a todo el mundo moviéndose, con un ritmo contagioso que promete reactivar su presencia en festivales y clubes.

El regreso de Blu James es un acontecimiento esperado por los amantes de la música electrónica y el soul. El contraste entre su trayectoria clásica y su nueva propuesta musical moderna es el atractivo principal de un lanzamiento que se promociona como un regreso explosivo, destinado a recordar al mundo por qué su voz ha sido una de las más influyentes de las últimas décadas. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de energía y ritmo que Blu James ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el verano también se baila. Un himno para los que recuerdan “Red Alert”, para todos aquellos que saben que las grandes voces nunca pasan de moda.

La artista Lorena Gómez presenta “La Cura”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 29 de abril y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una balada pop de gran envergadura emocional, habla de la sanación a través del amor y el apoyo mutuo, ese momento en el que alguien se convierte en el refugio necesario para superar las heridas del pasado. La voz de Lorena hace gala de su impresionante registro, pero con una contención inicial que permite que la emoción de la canción vaya creciendo hasta un clímax vocal espectacular.

“La Cura” nace desde ese territorio donde el amor se convierte en medicina. La letra, directa y cargada de honestidad, no busca grandes metáforas ni rodeos, sino nombrar esa experiencia de ser rescatado por alguien cuando todo parecía perdido, de encontrar en otra persona la fuerza que uno mismo no tenía. No es una canción de dependencia, sino de gratitud, de ese momento en que una presencia ajena ilumina los espacios oscuros que uno ya no sabía cómo habitar. La producción, con un sonido muy actual y elegante, sitúa al piano y a los arreglos de cuerda como protagonistas, creando esa atmósfera de cura y alivio que transmite el título.

El videoclip, muy íntimo y cuidado, apuesta por planos cortos que buscan conectar con la mirada y la expresión de Lorena, con una iluminación y unos escenarios que refuerzan esa sensación de introspección y vulnerabilidad. El video juega con la idea de la luz que entra en espacios cerrados, simbolizando precisamente esa cura que llega para iluminar los momentos oscuros. Lorena ha comentado en entrevistas que este single es una de las canciones más especiales de su carrera, marcando el camino de lo que será su próximo proyecto discográfico.

Tras unos años de búsqueda personal y artística, Lorena ha encontrado un sonido propio que mezcla el pop melódico con una intensidad emocional arrolladora. Sus últimos trabajos reflejan una artista mucho más auténtica y dueña de su carrera. “La Cura” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de sanación y gratitud que Lorena Gómez ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces la cura más poderosa viene de la mano de quien sabe estar. Un himno para los que han sido rescatados, para todos aquellos que saben que el amor también puede ser el mejor remedio.