El artista gaditano José Romero, natural de Barbate, presenta “El Guiri”, su nuevo sencillo lanzado en abril de 2026 y ya disponible en plataformas digitales. La canción, una fusión tropical-flamenca con base de reggaetón suave, guitarras flamencas y vientos que le dan un aire de rumba moderna, cuenta de forma cómica y bailable la historia de un turista que llega a las playas de Cádiz y se enamora perdidamente no solo de una chica de la zona, sino de la forma de vida, la comida y el “arte” de Andalucía, convirtiéndose en una oda al choque cultural desde el cariño y la fiesta.

“El Guiri” nace desde esa necesidad de celebrar la identidad local sin complejos, de reírse de sí mismo y de los que llegan de fuera con una mirada cómplice y cálida. La letra, cargada de humor y guasa gaditana, retrata la fascinación del extranjero por las costumbres andaluzas, convirtiendo cada estereotipo en una celebración. El estribillo, extremadamente pegajoso, es el tipo de frase que se queda en la cabeza a la primera escucha, diseñada para ser coreada en los chiringuitos de la Costa de la Luz mientras el sol se pone sobre el mar.

José Romero lleva el flamenco-pop en la sangre, pero con una producción moderna que lo hace sonar fresco, muy en la línea de lo que pide la calle hoy en día. Sus letras huelen a mar, a Barbate y a la vida cotidiana de Andalucía. Después de éxitos recientes como “Ella no sabe lo que quiere” y su colaboración en “COCA-COLA, Sabor de la Paz” a principios de este año, se ha consolidado como uno de los artistas con más proyección del sur de España. El videoclip de “El Guiri”, rodado en las playas y calles de Barbate, muestra ese ambiente veraniego que tanto nos gusta, con una estética que refuerza el mensaje de orgullo por lo local.

En 2026 hay una tendencia muy fuerte de volver a los sonidos locales con orgullo. Mientras otros artistas buscan sonar internacionales, José Romero triunfa precisamente porque suena a Barbate. “El Guiri” es la banda sonora perfecta para el sol, la arena y una buena ración de atún de almadraba. La canción ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de humor, playa y orgullo gaditano que José Romero ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el mejor turista es el que se queda con el corazón. Un himno para los que llegan y se enamoran, para los que reciben con los brazos abiertos, para quienes saben que el verano también se vive con guasa.

El artista independiente Carlo Landi presenta “La più grande sfida”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales desde el pasado 22 de abril de 2026. El tema, que une una atmósfera pop contemporánea con textos directos e introspectivos, narra las dinámicas emocionales de quienes viven relaciones en las que el afecto se confunde con el deber, el sacrificio y la búsqueda de reconocimiento, con un ritmo energético y una producción cuidada que deja espacio a una voz cálida y natural, lejos de elaboraciones digitales excesivas.

“La più grande sfida” nace desde ese territorio donde el amor se convierte en un pago emocional, donde el tiempo y los silencios se invierten para intentar retener un vínculo que quizá ya no existe. El título retoma un verso central del texto —“quedarse solo, es la mayor de las desafíos”— mientras que el estribillo gira en torno al concepto de “pagar”, no solo en sentido económico, sino como inversión emocional. Carlo Landi no quería escribir una canción perfecta, sino una canción verdadera, un texto que pudiera marcar la diferencia, aunque solo fuera para quien se reconoce en una dinámica similar.

El proyecto es ciento por ciento independiente. Carlo Landi compone, produce y graba íntegramente en su home studio, en su pequeña habitación de apenas nueve metros cuadrados. Apasionado de la electrónica y del restauración de ordenadores viejos, une su habilidad técnica a la escritura musical utilizando un PC ensamblado en 2009 y el software FL Studio. Las melodías se desarrollan digitalmente, se importan en la DAW y se refinan a través de cientos de pruebas hasta encontrar el equilibrio entre sonido y palabra. Una vez completada la mezcla, el tema se prueba en el coche —un Mazda 3 de 2004— para verificar su calidad radiofónica en condiciones reales.

La música ha sido siempre su pasión, aparcada durante décadas para dejar espacio al trabajo y a la vida cotidiana. En 2023 decidió reabrir ese cajón, desempolvar los sueños cerrados durante años y sacar textos que pudieran hablar con honestidad. Incluso la portada del tema es fruto de su imaginación: una foto antigua tomada como juego en un sótano, con Carlo de espaldas a la pared, inspiró inmediatamente la dirección artística. El muro blanco fue luego ornamentado digitalmente con dibujos de euros, billetes y tarjetas de crédito, creando un contraste visual colorido y significativo que representa perfectamente el tema del tema. Todo ha sido realizado en autonomía, sin ayuda de gráficos o especialistas, siguiendo la misma filosofía del proyecto musical: hacer todo uno mismo, con los propios recursos y la propia creatividad.

Carlo Landi no es un músico de profesión y no puede acudir a estudios de grabación profesionales por razones de coste. Por eso cada aspecto —desde la escritura, la mezcla, hasta la gráfica— es cuidado personalmente en su pequeña habitación-estudio, transformando los límites en oportunidades creativas y demostrando que la pasión, unida a la constancia, puede superar cualquier barrera técnica o económica. Tras su primer single “Volo Lontano”, acogido con interés por radios y curadores independientes, Carlo Landi continúa su camino con una escritura cada vez más madura y una identidad sonora definida: pop moderno, raíces cantautorales, y la convicción de que la verdadera dificultad es mantenerse fiel a lo que se lleva dentro.

“La più grande sfida” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de honestidad y pasión que Carlo Landi ha sabido capturar con la convicción de quien entiende que la música también puede ser una forma de resistencia. Una canción para quienes han pagado con silencios, para quienes saben que quedarse solo es la mayor de las batallas.

El artista independiente RGRB, basado en Florida, presenta “Que Duela Bailando”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, un lanzamiento diseñado para impactar emocionalmente mientras mantiene energía comercial y replay value, mezcla pasión, nostalgia y ritmo moderno para conectar con audiencias latinas y globales que buscan música real con identidad propia, demostrando que el dolor también puede ser una excusa para moverse.

“Que Duela Bailando” nace desde ese territorio donde la tristeza se encuentra con la catarsis del movimiento. La canción invita a bailar el desamor, a transformar el sufrimiento en ritmo, a hacer que duela menos cuando el cuerpo se mueve al compás de la música. El estribillo, pegadizo y lleno de energía, funciona como un mantra de resistencia: que duela, pero que duela bailando. No es una canción para quedarse en casa llorando, sino para salir a la pista y recordar que la vida sigue, aunque duela.

Musicalmente, el tema apuesta por una producción que combina la sensualidad del pop latino con la crudeza de la emoción urbana. La estética elegante, sensual y cinematográfica envuelve la voz de RGRB en una atmósfera que es a la vez íntima y expansiva, con arreglos que permiten que la letra respire y que el ritmo mantenga la energía. La canción, que mezcla melodías modernas con experiencias de la vida real, está diseñada para playlists de Latin Pop, Urban Emotion, Noche, Romance y descubrimiento de nuevos artistas.

RGRB es un artista independiente que combina emoción, ritmo y honestidad cruda en cada lanzamiento. Su música, creada con una fuerte identidad artística y una visión en crecimiento, está diseñada tanto para las calles como para audiencias globales. “Que Duela Bailando” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de pasión y nostalgia que RGRB ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo mejor que se puede hacer con el dolor es bailarlo. Una canción para quienes han sufrido por amor, para quienes saben que el ritmo también puede ser una forma de sanar.

Los artistas urbanos latinos MrMuerte y Vambibuda presentan “Hasta Abajo”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas de streaming. El tema, lanzado bajo el sello Dry Liquid & JLeftproduction, reúne la energía urbana característica de MrMuerte, artista dominicoamericano que fusiona reggaetón, trap y dembow, con el flow dinámico de Vambibuda, prometiendo incendiar las discotecas con sus ritmos pulsantes y su ritmo contagioso.

“Hasta Abajo” nace desde esa necesidad de llevar la fiesta al límite, de hacer que nadie se quede quieto. La línea de bajo potente y el estribillo que exige que todos bajen a la pista se combinan para crear un himno pensado para el movimiento, para el perreo, para ese momento en que la música se convierte en una orden que el cuerpo no puede desobedecer. “Este tema es fuego puro de principio a fin”, dice MrMuerte. “Queríamos traer esa energía en la que nadie se queda quieto. ‘Hasta Abajo’ trata de llevar la fiesta hasta el piso”.

MrMuerte, conocido por hits como “Échame Romo” y “Como La Salsa”, aporta su experiencia en el género urbano, mientras que Vambibuda suma un flow fresco que dinamiza la propuesta. La producción, cuidada y actual, envuelve las voces en una atmósfera que invita al movimiento desde los primeros compases, con una base rítmica que no da tregua y un estribillo diseñado para quedarse en la memoria.

“Hasta Abajo” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de fiesta y movimiento que MrMuerte y Vambibuda han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que el reggaetón también puede ser una orden directa al cuerpo. Una canción para las pistas de baile, para quienes quieren llevar la fiesta hasta abajo, para todos aquellos que saben que el ritmo no se negocia.

El próximo sábado 25 de abril comenzará en Marenostrum Fuengirola la gira que traerá de vuelta a los escenarios a El Último de la Fila, un acontecimiento que, desde que fue anunciado por Manolo García y Quimi Portet, ha despertado una enorme expectación entre el público y la crítica, consolidando el regreso de la mítica banda como un fenómeno sin precedentes. Tras casi tres décadas de ausencia del grupo, el público volverá a disfrutar del directo de una de las bandas más influyentes de la historia del pop rock español, marcado por un sonido muy cuidado, una impecable puesta en escena y su proverbial carisma, así como por su capacidad de conexión con el público.

Formada en 1985 en Barcelona como sucesora de Los Rápidos y Los Burros, El Último de la Fila irrumpió en la escena musical con su estilo único, fusionando influencias del rock, el pop y el flamenco. Con una trayectoria repleta de reconocimientos y múltiples discos de oro y platino, alcanzaron un éxito sin precedentes en España, Europa y Latinoamérica. Desde su separación oficial en 1998, tanto Manolo García como Quimi Portet han desarrollado fructíferas carreras en solitario, pero la espera por su reencuentro ha sido larga y la expectación, desbordante.

La gira de regreso, que originalmente se anunció con doce fechas, ha batido récords en la historia de la música en España, con entradas agotadas en cuestión de horas y una demanda que ha obligado a ampliar el número de conciertos. El repertorio de estos conciertos recorrerá los grandes éxitos de la banda, canciones que forman parte del imaginario colectivo de varias generaciones, y contará con una formación de músicos de primer nivel: Antonio Fidel al bajo, Josep Lluís Pérez a la guitarra eléctrica, Pedro Javier González a la guitarra española, Sara García a la guitarra eléctrica, Ángel Celada a la batería, Juan Carlos García a los teclados, percusiones, batería y coros, y las voces de Irene Miller y Eva Reina en los coros.

Las fechas confirmadas de la gira son: 25 de abril en Fuengirola (Marenostrum Fuengirola), 3 y 7 de mayo en Barcelona (Estadi Olímpic Lluís Companys), 16 de mayo en Roquetas de Mar (Estadio Municipal Antonio Peroles), 23 de mayo en Madrid (Estadio Riyadh Air Metropolitano), 30 de mayo y 5 de junio en Barakaldo (Bizkaia Arena – BEC!), 13 de junio en A Coruña (Estadio Abanca – Riazor), 20 de junio en Avilés (Exterior Pabellón La Magdalena), 27 de junio en Sevilla (Estadio La Cartuja), y 4 y 9 de julio en Valencia (Estadi Ciutat de València). Una gira que recorrerá los principales recintos del país y que promete ser uno de los momentos musicales más emotivos del año.

El regreso de El Último de la Fila no es solo un acontecimiento musical, sino un fenómeno generacional. Las canciones que marcaron a toda una época volverán a sonar en directo, y con ellas, los recuerdos de quienes crecieron escuchándolas y la oportunidad para las nuevas generaciones de descubrir una de las bandas esenciales del pop rock español. Las entradas para todos los conciertos ya están disponibles, y la cuenta atrás ha comenzado.

El artista almeriense David Bisbal presenta “Vivir Así Es Morir De Amor”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, un homenaje por todo lo alto a Camilo Sesto, abre su nueva etapa musical con un enfoque clásico y sofisticado, alejado del pop electrónico o los ritmos urbanos para explotar su faceta de intérprete vocal puro, con una producción elegante, arreglos de orquesta y una potencia vocal que recuerda por qué es una de las mejores voces de España.

“Vivir Así Es Morir De Amor” nace desde ese respeto profundo por el legado de Camilo Sesto, una obra que forma parte de todos nosotros. Bisbal ha querido rendir homenaje a una canción que ha atravesado generaciones, y lo ha hecho con una versión que no busca actualizar el original, sino mejorarlo con el audio analógico actual manteniendo el respeto por los músicos, los ingenieros, los productores y por el propio autor. El videoclip, grabado en el Palacio Real de Aranjuez, refuerza esa majestuosidad y respeto por el legado de la canción, convirtiendo cada imagen en una declaración de intenciones: este es un homenaje, no una reinterpretación casual.

Aunque el lanzamiento digital es hoy, Bisbal ya ofreció un aperitivo de este tema en directo durante la gala de La Noche de Cadena 100 a finales de marzo, donde dejó a todos boquiabiertos con su capacidad para alcanzar las notas más altas de Camilo. Este single es la carta de presentación de su próximo álbum de estudio, grabado en lugares legendarios como el estudio donde se registró “We Are The World” en Los Ángeles. Con Cheche Alara, Bisbal ha estudiado qué canciones deberían guardar el arreglo original y solo mejorarlo con el audio analógico actual, manteniendo un respeto por los músicos, los ingenieros, los productores y por el propio autor.

Tras más de veinte años de carrera, David Bisbal está en una fase que él mismo describe como “sofisticada”. Se está alejando un poco de la radiofórmula más comercial para centrarse en proyectos que resalten su calidad interpretativa. Con esta versión, busca que los jóvenes descubran a los grandes maestros de la balada española, pero con un sonido actualizado a 2026. “Llevo más de una década esperando este momento”, confiesa el artista. “Un momento que ahora, por fin, puedo compartir con vosotros. Ojalá lo sintáis tanto como yo. Los que crecisteis con estas canciones y también quienes las vais a descubrir por primera vez. Porque hay una forma de hacer música que no pasa el tiempo.”

“Vivir Así Es Morir De Amor” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de elegancia y respeto que David Bisbal ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que los clásicos no se reversionan, se homenajean. Una canción para quienes crecieron con Camilo Sesto, para quienes lo descubren ahora, para todos aquellos que saben que hay formas de hacer música que no pasan el tiempo.

La artista malagueña Belén Jurado y el dominicano Henry Méndez, rey indiscutible del flow tropical en España, presentan “Solita”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una colaboración que es la definición perfecta de lo que ocurre cuando el sur de España se encuentra con el Caribe, es un himno al autodescubrimiento y la libertad, una oda a la independencia emocional que proclama que es mejor estar solita que mal acompañada.

“Solita” nace desde esa necesidad de celebrar la capacidad de una mujer de disfrutar de la vida, de la fiesta y de sí misma sin necesidad de nadie a su lado. La letra, directa y sin concesiones, habla de una mujer que, tras una ruptura o una etapa complicada, decide que no necesita a nadie para ser feliz. El estribillo, extremadamente pegadizo, ha sido diseñado para funcionar tanto en plataformas como TikTok como en las sesiones de los DJs más importantes del país, y ya anticipa ser uno de los himnos del verano de 2026.

Musicalmente, el tema es un up-tempo que mezcla la base rítmica característica de Henry Méndez —con esa percusión muy marcada que invita al baile desde el primer segundo— con los giros vocales flamencos de Belén Jurado. La producción, moderna y cuidada, logra que la colaboración no suene forzada: la voz de Belén aporta una elegancia y una “garra” española que empasta a la perfección con el estilo desenfadado y enérgico de Henry. El videoclip, grabado en localizaciones de estética veraniega y urbana, muestra la química evidente entre ambos artistas y refuerza ese mensaje de liberación y disfrute.

Belén Jurado se ha hecho un hueco en la industria gracias a su capacidad para fusionar la esencia del pop-flamenco con sonidos urbanos. Se dio a conocer masivamente tras su paso por programas de televisión como La Voz, donde demostró un impresionante registro vocal y una personalidad arrolladora que ahora vuelca en sus composiciones propias. Para ella, este single supone un paso de gigante para llegar a un público más masivo y latino. Henry Méndez, por su parte, es el autor de himnos generacionales como “Rayos de Sol”, “Noche de Estrellas” o “Mi Reina”, y en esta colaboración aporta su veteranía y ese ritmo característico del merengue electrónico y el moombahton, renovando su sonido de la mano de una de las nuevas promesas del país.

“Solita” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de empoderamiento y ritmo que Belén Jurado y Henry Méndez han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que a veces lo mejor es estar solita. Una canción para las terrazas, para los chiringuitos, para quienes saben que la independencia también puede ser una fiesta.

La icónica artista cubano-venezolana María Conchita Alonso, una de las figuras más polifacéticas del entretenimiento latino de los años ochenta y noventa, presenta una nueva versión de su éxito “Hazme Sentir”, esta vez en colaboración con la Sonora Santanera Internacional. El lanzamiento, que vio la luz en abril de 2026, transforma la balada pop romántica original —un himno de deseo y declaración directa— en un tema bailable que sustituye los sintetizadores pesados de 1988 por una vibrante sección de metales y una percusión que invita directamente a la pista de baile.

“Hazme Sentir” nació originalmente como una declaración de deseo sin rodeos, una invitación a la pasión que rompió con la imagen de la cantante romántica tradicional. En esta nueva versión salsa, la canción mantiene su esencia dramática pero la envuelve en un ritmo tropical que la convierte en una experiencia completamente distinta. Lo interesante es que la voz de María Conchita, ahora con una madurez que le da un peso emocional diferente al de la versión original, se integra a la perfección con los arreglos de la Sonora Santanera, creando un diálogo entre la nostalgia y la renovación.

María Conchita Alonso logró en su momento lo que pocos artistas de su tiempo: conquistar simultáneamente las listas de Billboard, la televisión hispana y la gran pantalla en Hollywood. Antes de ser una estrella del pop, fue Miss Venezuela 1975 y finalista en Miss Mundo, pero su verdadera ambición era artística. En el cine, es recordada como una de las pioneras latinas en Hollywood, compartiendo créditos con Arnold Schwarzenegger en “The Running Man” y Robin Williams en “Moscow on the Hudson”. Su estilo musical, con esa voz ronca y actitud desafiante, rompió moldes. Ahora, parece estar buscando conectar con las nuevas generaciones a través de los ritmos tropicales, que siempre han sido el corazón de su Venezuela adoptiva, sin perder a su público fiel que ama la nostalgia.

Esta no es una simple adaptación aislada. María Conchita ha estado trabajando en este estilo; de hecho, en 2025 ya ofreció un adelanto con una versión salsa de otro de sus grandes hits, “Acaríciame”. El videoclip de “Hazme Sentir”, dirigido por Beverly Films, juega con la estética elegante y el carisma intacto de la artista, demostrando que sigue siendo la diva por excelencia. La jugada es maestra: convierte una canción que era para “sufrir y cantar” en una para “gozar y bailar”.

“Hazme Sentir” en versión salsa ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera tropical y elegante que María Conchita Alonso y la Sonora Santanera han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que los clásicos también pueden reinventarse. Una canción para las pistas de baile, para quienes recuerdan la era dorada del pop, para quienes saben que el deseo también puede ser un ritmo.

La cantante tinerfeña Sandra del Castillo, natural de Tacoronte y una de las voces con más proyección del archipiélago canario, presenta “Solo quedan los recuerdos”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una balada sentimental que representa un punto de inflexión en su estilo, se aleja de los ritmos más movidos para centrarse en la nostalgia y el cierre de ciclo, hablando del vacío que queda tras una pérdida o una ruptura, de cómo las vivencias compartidas se transforman en recuerdos que, aunque duelen, son lo único que permanece.

“Solo quedan los recuerdos” nace desde ese territorio donde el dolor se encuentra con la aceptación. La letra, cargada de imágenes que apelan a la ausencia y a la memoria, no busca consuelo fácil, sino nombrar lo que queda cuando alguien se va. El estribillo, contenido pero lleno de fuerza, funciona como un mantra de resistencia, una declaración de que los recuerdos son a la vez herida y tesoro. Musicalmente, el tema apuesta por una producción limpia donde su voz es la protagonista absoluta, comenzando con arreglos sutiles que van creciendo en intensidad emocional, mostrando un registro vocal muy potente y maduro.

Sandra del Castillo empezó a los dieciséis años en concursos locales y eventos municipales, y es muy conocida en Canarias por su versatilidad, habiendo explorado desde temas festivos y carnavaleros hasta baladas pop. Se define como una “luchadora” de la música, una artista que ha trabajado mucho desde la independencia, ganándose el respeto del público canario antes de buscar una audiencia más amplia. Ahora, en esta nueva etapa, está apostando por letras más personales, escribiendo sobre experiencias propias, y por una calidad visual que cuida la estética naturalista de las islas, utilizando los paisajes tinerfeños para reforzar la melancolía de sus canciones.

“Solo quedan los recuerdos” se ha convertido en uno de sus temas más compartidos en plataformas digitales, precisamente por la facilidad con la que el oyente puede identificarse con la letra. Sandra del Castillo está pasando de ser “la voz de Tacoronte” a ser una artista pop con una narrativa emocional muy sólida, y esta canción es la prueba de que su voz tiene la madurez necesaria para emocionar a cualquier tipo de público. “Solo quedan los recuerdos” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de nostalgia y aceptación que Sandra del Castillo ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo único que queda es lo que se recuerda. Una canción para quienes han perdido, para quienes saben que los recuerdos también son una forma de presencia.

La cantautora toscana Claudia Ferri, conocida por su naturaleza caparbia y su formación como multiinstrumentista, presenta “Movimento Ipnotico”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, que explora una dimensión nueva en su carrera, se sitúa en ese punto de encuentro donde la fuerza del rock se despoja para mostrar su alma más desnuda, revelando la profundidad de una autora refinada capaz de transformar un “invierno desesperado” en una balada eléctrica cargada de verdad.

“Movimento Ipnotico” nace desde ese territorio donde el deseo de cambiar de camino y no repetir los errores del pasado encuentra una vía de escape en un juego de sentidos y pensamientos ligeros. La canción no es solo una pieza musical, sino un acto de confesión, una exploración de la intimidad que se convierte en declaración pública. El contraste entre la parte más íntima y susurrada —esa que captura el aliento del oyente— y la apertura volitiva y poderosa crea una tensión que sostiene todo el tema. “Ho solo fogli e sogni folli da liberare”, canta Claudia en un puente que es el corazón pulsante de un trabajo perfeccionista, cuidado en cada detalle sonoro.

Aunque su esencia vibra con energía glam rock, “Movimento Ipnotico” muestra una faceta más profunda de la artista, que no quiere ser etiquetada sino que busca sentir lo que es, como en un sonido. La producción, cuidada y llena de matices, permite que la voz de Claudia, con ese registro que va del susurro a la explosión, transmita la vulnerabilidad y la fuerza de quien está dispuesto a liberar sus sueños más locos.

Claudia Ferri es una artista toscana que ha construido su carrera sobre la base de la honestidad y la versatilidad. Con “Movimento Ipnotico”, demuestra que el rock también puede ser íntimo, que la confesión también puede ser eléctrica. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de hipnosis y liberación que Claudia Ferri ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces el movimiento más importante es el que ocurre dentro de uno mismo. Una canción para quienes buscan cambiar de rumbo, para quienes saben que los sueños más locos también merecen ser liberados.

El grupo femenino UNYTED, originario de Nueva York y compuesto por Aria, Daphne, Bambi y Jazzy, presenta “Get Over Yourself”, su nuevo sencillo ya disponible en todas las plataformas de streaming. El tema, una versión feroz y empoderadora del éxito de 2001 originalmente grabado por el grupo Eden’s Crush, ofrece una reinterpretación fresca de este himno de autoestima y resiliencia, revelando un lado más agudo y atrevido del grupo, arraigado en la fuerza, la independencia y el saber cuándo es el momento de alejarse.

“Get Over Yourself” nace desde esa necesidad de cantar a la autoafirmación, de recordar que hay situaciones y personas que ya no merecen nuestro tiempo ni nuestra energía. Después de su debut con “Anti-Freeze”, una cálida canción de amor sobre abrir el corazón de nuevo, UNYTED muestra ahora una faceta más combativa, con un mensaje claro: levantarse por uno mismo y dejar atrás lo que ya no suma. El estribillo, pegadizo y lleno de actitud, funciona como un mantra de liberación, una declaración de que el amor propio está por encima de todo.

Musicalmente, el tema apuesta por una producción de alta energía que combina armonías ajustadas, voces poderosas y una actitud sin disculpas. UNYTED canaliza melodías infecciosas y una interpretación vocal contundente para dar nueva vida a la tradición de los grupos femeninos de pop, mientras construyen su propia identidad. La canción destaca el rango del grupo, demostrando que pueden ofrecer tanto vulnerabilidad sincera como actitud pop confiada.

“Get Over Yourself” es el segundo lanzamiento de una serie de sencillos que precederán al álbum debut del grupo, “Glass Ceiling”, previsto para el otoño de 2026. UNYTED invita a los oyentes a seguir su viaje mientras combinan empoderamiento, emoción y energía pop irresistible, todo ello parte de su misión cósmica de difundir alegría, amor y confianza a través de su música. Con raíces en la mitología y el arte moderno, el grupo mezcla voces poderosas, coreografía afilada y narración auténtica con la energía vibrante del pop, el R&B, el dance, el rock y el hip hop.

“Get Over Yourself” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de empoderamiento y actitud que UNYTED ha sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que a veces lo más sano es pedir a los demás que se superen a sí mismos. Una canción para quienes necesitan recordar que su tiempo y su energía son valiosos, para quienes saben que el amor propio es la mejor venganza.

Los artistas Mario y Océane, bajo el sello L'Univers Créatif, presentan “Sainte-Lucie, Mon Paradis”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, un zouk festivo caribeño cantado en francés, nace de un viaje inolvidable a la isla de Santa Lucía y se convierte en un homenaje sincero a sus Pitones majestuosos, sus playas de arena roja, sus chutes de Toraille, sus noches animadas en Rodney Bay y, sobre todo, a su pueblo generoso y acogedor.

“Sainte-Lucie, Mon Paradis” nace desde esa necesidad de celebrar la fraternidad caribeña entre martiniqueses y santalucenses, dos pueblos separados por unas pocas millas de mar pero unidos por la misma sangre, la misma cultura y el mismo amor por sus islas. La letra, escrita por Mario Koussou, es una declaración de amor a una tierra que cautiva con su belleza natural y la calidez de su gente. El estribillo, pegadizo y lleno de energía, funciona como una invitación a descubrir ese paraíso que es Santa Lucía, un destino que quienes lo conocen nunca olvidan.

Musicalmente, el tema apuesta por un zouk festivo que invita al movimiento desde los primeros compases. La producción, cuidada y actual, envuelve la voz de Mario y Océane en una atmósfera que combina la tradición del zouk caribeño con arreglos contemporáneos, creando un sonido que es a la vez cálido y bailable. La química vocal entre ambos intérpretes refuerza el mensaje de unión y hermandad que recorre toda la canción.

El objetivo de este lanzamiento es llegar al mayor número posible de oyentes, siendo difundido en playlists francófonas y caribeñas de Spotify, Deezer y Apple Music, tocando a blogueros, influencers y medios especializados en música caribeña, zouk y world music, alcanzando a la diáspora antillana y caribeña dispersa en Francia metropolitana y en Europa, y desarrollando la visibilidad de la cadena Océane Musicale y del sello L'Univers Créatif. La música de Mario y Océane se dirige a todos aquellos que llevan las islas en el corazón —sean martiniqueses, santalucenses, guadalupeños o simplemente amantes de la Caribe y de sus sonoridades soleadas.

“Sainte-Lucie, Mon Paradis” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de fiesta y hermandad que Mario y Océane han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que la música también puede ser un puente entre islas. Una canción para quienes llevan el Caribe en el corazón, para quienes saben que el paraíso también tiene ritmo.

Los artistas Alexx Risso y Dama presentan “Déjalo”, su nuevo sencillo que es una bachata moderna con tintes de pop urbano, se ha posicionado rápidamente como un favorito en las pistas de baile y estaciones de radio especializadas, gracias a una producción cuidada donde las guitarras típicas del género se entrelazan con sintetizadores contemporáneos, y a una letra que trata sobre el empoderamiento y la decisión de abandonar una relación que ya no suma.

“Déjalo” nace desde esa necesidad de invitar a soltar el pasado y dejar atrás a quien no supo valorar el amor recibido. La canción se construye como un diálogo entre dos personas donde el consejo y la comprensión se entrelazan, con un estribillo que funciona como un mantra de liberación: déjalo, suelta, no mires atrás. La química vocal entre ambos artistas es uno de los puntos más destacados: el contraste entre la voz aterciopelada y experimentada de Dama con la frescura y el registro más juvenil de Alexx Risso logra una armonía que funciona perfectamente en cada frase.

Dama es una veterana y una de las voces más respetadas de la bachata en España. Tras años de éxitos —como su famosa etapa junto a Rasel o sus hits en solitario que acumulan millones de reproducciones—, ha sabido reinventarse constantemente, manteniendo siempre ese toque elegante y sensual que la caracteriza. Alexx Risso, por su parte, representa la nueva ola del género, un artista que viene pisando fuerte con un estilo que mezcla el pop melódico con ritmos tropicales modernos. Colaborar con Dama supone para él un sello de aprobación definitivo en la industria.

El lanzamiento llega en un momento en que la bachata está viviendo un segundo aire en España, gracias a artistas que están fusionando el sonido dominicano clásico con la estética visual del urbano europeo. El videoclip de “Déjalo” apuesta por una estética cinematográfica, con juegos de luces y sombras que refuerzan la carga dramática de la letra, pero sin perder ese aire sofisticado que siempre acompaña a los proyectos de Dama. El tema se ha vuelto viral en plataformas como TikTok, donde los retos de baile de bachata footwork han ayudado a que la canción llegue a un público más joven que está descubriendo a Dama a través de Alexx Risso.

“Déjalo” invita a sumergirse en esa atmósfera de empoderamiento y baile que Alexx Risso y Dama han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que la bachata también puede ser un grito de libertad. Una canción para quienes necesitan soltar lo que pesa, para quienes saben que a veces dejar ir es el primer paso para volver a empezar.

La artista multicultural Aiona Santana, con raíces venezolanas, belgas y canadienses, presenta “papiqpaso”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, el tercer adelanto de su esperado álbum debut “Lo Que Me Faltó Decirte”, representa el elemento FUEGO dentro del universo conceptual del disco, donde cada canción simboliza un elemento natural: “Bandidos” fue la Tierra, “Amiga Infiel” fue el Agua, y ahora “papiqpaso” enciende la llama de la transformación y el empoderamiento.

“papiqpaso” nace desde ese momento de ruptura en el que se decide que el pasado ya no tiene poder. “El pasado se pisa y se bota”, canta Aiona, y la frase resume la esencia de un tema que es un himno de empoderamiento femenino frente a alguien que intenta volver cuando ya es demasiado tarde. La letra, directa y sin concesiones, no deja espacio para la duda: quien se fue no tiene derecho a reclamar un lugar que ya no le pertenece. “Papi te queda grande ese flow de maleante, ya no te queda, no es interesante”, sentencia, convirtiendo el desprecio en una declaración de principios.

El tema ha sido producido por ganadores del Latin Grammy como Raniero Palm y Dimelo Shay, garantizando un sonido de altísima calidad con un estribillo sumamente pegadizo que combina el reggaetón con el pop y el afrobeat, sin perder la esencia latina que caracteriza a la artista. La producción, cuidada y actual, envuelve la voz de Aiona en una atmósfera que invita al movimiento desde los primeros compases, con un ritmo que ya está arrasando en las pistas de baile.

Aiona Santana no es solo cantante; es una artista 360 grados. Ha sido bailarina de ballet, actriz, modelo y hasta reina de belleza (Miss Eco Teen Canada), y tiene una formación académica sólida en música y gestión artística por la Universidad de Carleton, lo que se nota en la calidad de sus composiciones. Ya cuenta con premios como el Mejor Nuevo Artista en los Latin Awards Canada y ha firmado contratos importantes con editoriales globales como Anthem Entertainment. Además, utiliza su música como una plataforma social: es fundadora de The Vision Movement, una organización benéfica que apoya causas como Operation Smile, y su mensaje siempre busca que las mujeres encuentren su propia fuerza y orgullo en su historia personal.

“papiqpaso” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de fuego y empoderamiento que Aiona Santana ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el pasado se pisa y se bota. Una canción para quienes han dejado atrás lo que no les sumaba, para quienes saben que el fuego también puede ser una forma de renacer.

El artista madrileño Mártin Sánchez presenta “Corazones Salvajes”, su tercer álbum de estudio en solitario tras la trayectoria marcada por “Personal Suite” (2017) y “Radio Norte” (2021), ya disponible en plataformas digitales. La obra, que reúne diez cortes cocinados a fuego lento, explora las diversas aristas del rock: desde el rock and roll clásico y el hard rock hasta el country y western, el punk rock americano y un sutil guiño al funky disco de la década de los setenta, consolidando al artista como uno de los nombres más sólidos del rock español, ejerciendo el control de la obra como cantante, letrista, compositor y productor.

“Corazones Salvajes” nace desde esa necesidad de ofrecer un rock puro y honesto, con crónicas urbanas, crítica social y declaraciones de principios, sin dejar de lado la sensibilidad de sus baladas románticas. Las canciones han sido escritas desde las entrañas con inmediatez y descaro, apostando por una honestidad y coherencia que definen el estilo de un artista que, con una carrera profesional que supera los treinta años, sigue siendo ajeno a las modas pasajeras. La producción, a cargo de Nacho Ruiz y el propio Mártin Sánchez, se realizó en los estudios Blue Sky de Madrid entre septiembre de 2023 y noviembre de 2025, reflejando un trabajo meticuloso y apasionado.

El álbum incluye el primer sencillo “Elige ser lobo”, que ya anticipaba la fuerza y la actitud de una obra que reafirma un compromiso innegociable con la canción de calidad. Ahora, con el disco completo, Mártin Sánchez demuestra que su música está escrita para quienes aprecian la autenticidad, ofreciendo una experiencia musical que celebra la trayectoria de un músico sólido y coherente.

La presentación en directo de “Corazones Salvajes” llevará a Mártin Sánchez por diversas salas del país durante el año. La gira comenzará el 9 de mayo en la sala Blue de Santana 27 en Bilbao, seguida por una cita en la capital el 13 de junio en la sala Uni de Madrid. El itinerario continuará el 18 de julio en la sala Samaná de Estrada y se retomará el 31 de octubre en la sala Razzmatazz de Barcelona. El cierre de esta serie de directos tendrá lugar el 12 de diciembre en la sala Elcamm de Málaga. Las entradas para todos los conciertos ya están disponibles a través de la plataforma Entradium, ofreciendo al gran público la oportunidad de conectar con una obra de rock con mayúsculas.

“Corazones Salvajes” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de rock auténtico que Mártin Sánchez ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la música también puede ser una declaración de principios. Una obra para quienes creen que el rock and roll sigue siendo la mejor forma de decir lo que se siente.

El artista español Dani Parreño, con más de dieciséis años de trayectoria, presenta “Tarjeta para chuches”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, su propuesta más cruda, valiente y personal hasta la fecha, nace desde la mirada de un niño que crece rodeado de manipulación, enfrentándose a quienes intentaron arrebatárselo todo sin conseguirlo, con una letra directa y sin filtros y una producción áspera e intensa alejada de lo convencional.

“Tarjeta para chuches” se construye sobre una atmósfera contundente desde el primer segundo. La interpretación vocal, considerada por muchos como una de las más destacadas del panorama actual, alcanza aquí un punto de máxima expresividad, cargada de emoción, dramatismo y fuerza. La producción, a cargo de Gustavo Ibáñez, aporta un sonido sólido, moderno y con estándares internacionales, mientras que los coros han sido grabados íntegramente por el propio Dani Parreño, reforzando la identidad artística y la intensidad emocional de la pieza.

El proyecto, gestado desde 2020, se presenta ahora en su momento más definido y contundente, después de diferentes etapas de gestación. El lanzamiento se acompaña de un lyric video dirigido por el propio Dani Parreño, reafirmando su implicación creativa y su visión artística. La canción no es solo un relato personal, sino un testimonio de resistencia, una afirmación de que hay quienes intentan arrebatarlo todo, pero no siempre lo consiguen.

Dani Parreño es un artista reconocido por su intensidad interpretativa y su capacidad para transformar experiencias personales en propuestas musicales directas y emocionales. Ha participado en formatos televisivos como “Cántame una canción”, “La Voz Kids” y “Qué tiempo tan feliz”, así como en programas de máxima audiencia donde ha presentado sus lanzamientos. Cuenta con un álbum publicado y más de veinte singles promocionales, y es embajador de la Fundación Alinur. Ha realizado conciertos por todo el territorio nacional y tiene experiencia como colaborador de radio. Sus últimos lanzamientos han sido candidatos a los Premios MIN y a los Premios Academia de la Música de España. Su trabajo se caracteriza por una identidad propia, honesta y alejada de lo convencional.

“Tarjeta para chuches” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de resistencia y verdad que Dani Parreño ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la música también puede ser un escudo. Una canción para quienes crecieron rodeados de manipulación, para quienes saben que a veces la infancia también es un campo de batalla.

Los artistas Ralphy Dreamz y Luis Vargas presentan “La Serpiente”, un tema que ha experimentado un crecimiento sostenido hasta convertirse en un verdadero fenómeno musical, fusionando la esencia tradicional de la bachata con matices contemporáneos que conectan con nuevas audiencias. Lo que comenzó como una colaboración llamativa hoy se posiciona como uno de los sonidos más recurrentes en discotecas y espacios de entretenimiento, donde su ritmo envolvente logra encender al público y mantener la energía en lo más alto.

“La Serpiente” nace desde ese cruce generacional donde la trayectoria y autenticidad de Luis Vargas se entrelazan con la frescura y visión moderna de Ralphy Dreamz, logrando un balance atractivo tanto para seguidores de la vieja escuela como para las nuevas generaciones. La canción, con su ritmo hipnótico y su estribillo pegadizo, invita al movimiento sin perder la esencia romántica que caracteriza a la bachata tradicional. No es una canción para escuchar pasivamente, sino para sentir en el cuerpo, para dejarse llevar por esa energía que convierte cualquier espacio en una pista de baile.

El éxito de “La Serpiente” no se limita a las pistas de baile. En redes sociales, el tema ha ganado popularidad de forma orgánica, acumulando reproducciones, retos virales y una constante presencia en plataformas digitales. Este alcance ha permitido que el tema trascienda fronteras y continúe captando la atención de oyentes en distintos países, demostrando que un buen tema no tiene fecha de caducidad. A pesar del tiempo transcurrido desde su lanzamiento, “La Serpiente” sigue marcando tendencia dentro de la bachata actual, reafirmando su lugar como uno de los hits que perduran.

Analistas del género destacan que parte del impacto radica en la combinación de estilos: la autenticidad de Luis Vargas, una de las voces más respetadas de la bachata tradicional, se encuentra con la visión contemporánea de Ralphy Dreamz, creando una propuesta que respeta las raíces pero mira hacia adelante. “La Serpiente” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de ritmo y unión generacional que Ralphy Dreamz y Luis Vargas han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que la música también puede ser un puente entre épocas. Una canción para bailar, para recordar, para quienes saben que una buena serpiente nunca deja de moverse.

El proyecto musical Avenida Corrientes presenta “Revolución”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, el primero procedente de la próxima “Mixtape 92”, una colección de canciones olvidadas en antiguas cintas de cassette que nunca llegaron a grabarse pero que merecen ser recuperadas y escuchadas, es una pieza de pop electrónico con ecos lógicos de los años ochenta y noventa, diseñada para pensar, sentir y, a la vez, bailar.

“Revolución” nace desde ese territorio donde la transformación interna se convierte en el motor del cambio. La letra sugiere que la verdadera revolución no ocurre en las calles, sino en la mente de uno mismo al romper con miedos o estructuras impuestas. No es la típica canción de amor, sino algo más profundo: un llamado a cuestionar lo establecido, a mirar hacia dentro antes de salir a cambiar el mundo. Musicalmente, la canción comienza con una base de sintetizadores suaves, casi dream pop, y rompe en un estribillo con guitarras eléctricas potentes que recuerdan al rock de estadio, creando un contraste que refleja esa lucha interna entre la quietud y la acción.

Avenida Corrientes es un proyecto que, aunque su nombre evoca la mítica calle de los teatros en Buenos Aires, utiliza esta referencia para capturar esa esencia de la ciudad que nunca duerme. El proyecto mezcla influencias del rock argentino clásico —como Fito Páez o Spinetta— con el pop alternativo moderno, creando letras urbanas, nocturnas y con un toque de nostalgia porteña, pero adaptadas a los sonidos actuales. El nombre también juega con la idea de que su música es un punto de encuentro, tal como lo es la avenida para la cultura argentina.

Lo que ha puesto a Avenida Corrientes en el radar es su puesta en escena. Recientemente han realizado intervenciones sorpresa en plena vía pública, precisamente en la Avenida Corrientes y alrededores de teatros, lo que les ha dado una base de fans muy leal y joven que busca algo más auténtico que el urbano prefabricado. “Revolución” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de transformación y nostalgia que Avenida Corrientes ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que las canciones olvidadas también merecen ser escuchadas. Una canción para quienes creen que la revolución empieza por uno mismo, para quienes saben que las cintas de cassette también pueden guardar tesoros.

El DJ y productor portugués Danny Waters presenta “Memories”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza de afro house que combina ritmos pulsantes y ricas capas melódicas, es una oda a la nostalgia y la celebración de los momentos preciados, creando un paisaje sonoro envolvente que transporta al oyente a un estado sereno pero eufórico, ideal para relajarse al atardecer o para ambientar una noche vibrante.

“Memories” nace desde esa necesidad de capturar la esencia de un atardecer dorado, ese momento en que la luz se vuelve líquida y el tiempo parece detenerse. La pista, con su innegable vibra de “puesta de sol”, invita a revivir los recuerdos y a crear otros nuevos, con una energía infecciosa que no abandona la profundidad. El groove, constante y envolvente, sostiene una melodía que se despliega en capas, creando una atmósfera que es a la vez íntima y expansiva.

Danny Waters es conocido por su capacidad para mezclar ritmos profundos y energéticos, y “Memories” es una muestra de esa habilidad. La producción, cuidada y actual, equilibra la contundencia del afro house con la sutileza de los arreglos melódicos, logrando una pieza que es tanto para la pista de baile como para la escucha atenta. El proyecto musical de Waters se centra en la energía que la música electrónica regala para bailar, música por amor a la música, sin más pretensiones que la de conectar con quien la escucha.

“Memories” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de nostalgia y celebración que Danny Waters ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que los recuerdos también pueden ser un ritmo. Una canción para el atardecer, para la noche, para quienes saben que los mejores momentos son los que se viven y se recuerdan bailando.

El artista, compositor, intérprete y productor cultural Kauam, originario de São João de Meriti en la Baixada Fluminense de Río de Janeiro, presenta “Músicas Pra Balançar”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema forma parte de su proyecto “Música Popular e Brasileira”, lanzado en 2026, una obra que investiga lo que significa producir música popular y brasileña en la actualidad desde la perspectiva de un joven artista negro, periférico y bisexual de la Baixada, transitando entre lo acústico de la MPB y la vivencia urbana contemporánea.

“Músicas Pra Balançar” nace desde esa necesidad de transformar trayectorias personales en narrativa artística, registrando experiencias de desplazamiento, afectividad, juventud y pertenencia. La canción, que anticipa la nueva fase sonora del artista hacia un sonido más urbano y pop influenciado por elementos del hip-hop, mantiene la base poética de la MPB que ha caracterizado su trabajo. El ritmo, pensado para balancear, invita al movimiento sin perder la profundidad lírica que define a Kauam.

La trayectoria independiente de Kauam comenzó creando y haciendo circular músicas autorales en diálogo con otros artistas y espacios culturales periféricos. En 2023 lanzó el EP “Inocência”, un proyecto de escritura íntima que abrió caminos para presentaciones y conexiones con públicos de diferentes regiones del país. En los años siguientes, en la UFRJ, Kauam investigó sobre el pertenecimiento, el desplazamiento urbano y la identidad brasileña a partir de su propia experiencia como joven artista negro, periférico y bisexual. Esa investigación resultó en el proyecto “Música Popular e Brasileira”, que incluye un curta-manifiesto titulado “Manifesto sobre la Música Popular e Brasileira”, un filme-poema que amplía el universo de las canciones y propone reflexiones sobre el territorio y la identidad.

“Músicas Pra Balançar” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de reflexión y movimiento que Kauam ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la música popular brasileña también puede ser un espacio de resistencia y celebración. Una canción para balancear, para pensar, para quienes saben que el territorio también se habita con ritmo.