El artista emergente Jheral lanza “La Joya del Caribe”, su nuevo proyecto multitrack ya disponible en plataformas digitales. La obra, que no solo define su sonido sino que se convierte en su identidad artística, consolida su propuesta musical con una fusión vibrante de afrobeat, influencias urbanas y el inconfundible sabor caribeño, posicionándolo como una de las voces emergentes a seguir dentro del panorama actual.

El proyecto reúne temas como “AHI WE”, “YOGA”, “TODO MENTAL” y “SHORTY”, canciones que destacan por su frescura rítmica, su energía bailable y sus momentos de conexión personal. Cada track aporta una pieza al universo creativo del artista, combinando sonidos modernos con raíces culturales profundas, creando un viaje musical que invita al movimiento sin perder la hondura emocional que la propuesta requiere.

“La Joya del Caribe” nace desde esa necesidad de celebrar la diversidad, la autenticidad y la vitalidad de los orígenes caribeños de Jheral. Más que un título, el EP representa una visión: la de un artista que entiende la música como un territorio de encuentro entre la tradición y la modernidad, entre el ritmo que invita al baile y la letra que invita a la reflexión. Los temas, cada uno con su personalidad, mantienen una coherencia sonora que los convierte en piezas de un mismo mosaico.

Musicalmente, el EP apuesta por una producción que equilibra la energía del afrobeat con la frescura de las influencias urbanas, creando un sonido que es a la vez contemporáneo y profundamente arraigado. Los ritmos, contagiosos y llenos de vida, invitan al movimiento, mientras que los momentos más contenidos permiten que la voz de Jheral, llena de matices, transmita esa mezcla de seguridad y vulnerabilidad que la propuesta requiere.

Jheral se posiciona así como una propuesta fresca dentro de la escena, llevando su esencia a nuevas audiencias con un estilo propio y genuino. “La Joya del Caribe” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa experiencia musical que mezcla ritmo, identidad y emoción. Una obra para quienes buscan celebrar la diversidad, para quienes saben que la música también puede ser un viaje.

El artista El Biri, uno de los nombres más reconocidos dentro de la rumba contemporánea y el género urbano con tintes flamencos, presenta “Chicheando”, su nuevo single ya disponible en plataformas digitales. El tema, una reedición en formato popurrí que rinde homenaje a los grandes referentes de la música española, especialmente a Los Chichos, auténticos iconos de varias generaciones, apuesta por una propuesta que une tradición y actualidad, conectando tanto con el público de siempre como con los jóvenes a través de un ritmo que no parará de bailarse este verano.

“Chicheando” nace desde esa necesidad de reivindicar la rumba como un género vivo, lejos de la nostalgia vacía. El Biri recupera grandes éxitos de Los Chichos y los reinterpreta con su estilo propio, manteniendo la esencia de las canciones originales pero actualizándolas con una producción contemporánea que invita al movimiento. El popurrí no es un mero recopilatorio de estribillos, sino una celebración de la música que ha marcado a varias generaciones, un puente entre el pasado y el presente que demuestra que la rumba sigue siendo relevante.

El término “chichear”, en el argot urbano, suele referirse a presumir, a lucirse o a moverse con ese flow característico cuando sabes que las cosas van bien. En este contexto, la canción se convierte en una celebración del éxito propio tras haber trabajado duro, una declaración de que el reconocimiento llega cuando uno se mantiene fiel a sus raíces. La base, pesada y con unos bajos que retumban, está diseñada específicamente para sonar en los coches y en las discotecas, mientras que las rimas de El Biri hablan de la lealtad a los suyos, de cómo ha cambiado su vida y de disfrutar del momento presente sin olvidar de dónde viene.

El Biri se ha consolidado como un referente del género urbano y el trap con tintes flamencos, muy vinculado a la escena de barrio que busca letras reales y sonidos potentes. Su música es directa, cruda y con mucha identidad, alejada del pop comercial. Se dio a conocer con fuerza gracias a colaboraciones y temas que resonaron mucho en las plataformas de streaming, ganándose el respeto de la comunidad urbana por su lírica “de verdad”. Tiene una base de fans muy leal que valora que no haya perdido ese punto canalla y cercano a pesar de que sus números no paran de crecer.

“Chicheando” ha conectado muy bien porque no suena a lo mismo de siempre. Tiene ese equilibrio entre lo que suena en la radio y lo que se escucha en la calle, algo que El Biri domina a la perfección. El videoclip acompaña esta estética de “chicheo” con coches, ropa urbana y mucha actitud, completando una experiencia que celebra el éxito sin olvidar los orígenes. El single ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de celebración y autenticidad que El Biri ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la rumba sigue viva. Una canción para quienes saben que presumir también puede ser un acto de gratitud.

El artista polifacético Álvaro Prado, con más de dos décadas de trayectoria internacional y miembro destacado de la Academia Latina de la Grabación y la Recording Academy, presenta “Lo que está por llegar”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales desde el pasado 10 de abril. El tema, primer adelanto de su próximo álbum, supone una reinvención total que fusiona funk, R&B, flamenco, pop y electrónica, inaugurando una etapa artística marcada por la libertad creativa, la energía positiva y una estética inspirada en el universo del cómic, donde la imaginación no tiene límites y todo es posible.

“Lo que está por llegar” nace desde esa necesidad de mirar hacia adelante, de creer en lo que viene y de disfrutar el proceso. La letra es un canto a la esperanza y a la energía que nos impulsa a seguir creando, una declaración de intenciones que celebra la fuerza interior, la superación y la capacidad de reinventarse. No es una canción de espera pasiva, sino de creación activa: el futuro no se espera, se crea.

Musicalmente, el tema apuesta por un sonido fresco y contemporáneo que fusiona géneros sin perder la esencia interpretativa que ha caracterizado la carrera de Álvaro Prado. Los arreglos, cuidados y llenos de matices, construyen una atmósfera que invita al movimiento y a la celebración, mientras que la voz, cargada de la experiencia de miles de conciertos en cuatro continentes, transmite esa mezcla de seguridad y vulnerabilidad que la canción requiere.

El videoclip, dirigido y conceptualizado por el propio artista, traslada al espectador a un mundo de color, ritmo y movimiento, con guiños al arte pop y a los héroes de papel. Cada plano invita a vivir una experiencia donde la imagen celebra la fuerza interior y la capacidad de reinventarse. Como en todos los lanzamientos de Álvaro Prado, el videoclip es también accesible a personas sordas a través de la interpretación en lengua de signos de la intérprete Cristina Gómez, reafirmando su compromiso con la accesibilidad, la igualdad y la construcción de un mundo mejor a través del arte.

Con más de mil conciertos a sus espaldas y una carrera que lo ha llevado a escenarios de cuatro continentes, Álvaro Prado ha trabajado con televisiones de todo el mundo —TVE, Antena 3, Telecinco, Televisa, Telefé, Telemundo, CNN, Nile TV— y ha cantado junto a leyendas como Celia Cruz, Ketama, Isabel Pantoja, Carlos Baute, Azúcar Moreno, David Bustamante, Marcela Morelo o Pimpinela. Ha grabado y publicado un total de cincuenta discos, sencillos y grandes éxitos, y formó parte de los grupos Raya Real y Kafé pa 3. Este 2026 se cumple también el vigésimo aniversario de su álbum debut “Maldito”, con el que consiguió vender más de veinticinco mil copias y con el que rompió barreras al mostrar en España y a nivel internacional el primer videoclip de temática LGTBIQ.

“Lo que está por llegar” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de reinvención y esperanza que Álvaro Prado ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la experiencia no es un lastre, sino impulso creativo. Una canción para quienes creen que su mejor momento aún está por llegar, para quienes saben que el futuro no se espera, se crea.

El compositor mexicano Daniel Topete, basado en Modesto, California, presenta “Corazón Poeta”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una balada de banda romántica con un tempo lento que deja espacio para que la letra respire, nace de una idea simple pero poderosa: no todos sabemos decir lo que sentimos, pero eso no significa que no lo sintamos fuerte. “Corazón Poeta” habla de esa persona que no es buena con palabras, que no sabe “enamorar bonito”, pero que por dentro trae un mundo entero y ama de verdad.

La canción nace desde esa necesidad de dar voz a quienes se expresan mejor con los hechos que con las frases perfectas. “Corazón Poeta” no busca impresionar con versos rebuscados, sino sentir con verdad. La letra, escrita desde la experiencia real, celebra la autenticidad de un amor que no necesita grandes declaraciones para ser profundo, que encuentra en la torpeza verbal una forma de honestidad que las palabras pulidas a menudo ocultan.

Musicalmente, el tema apuesta por una base de banda romántica que sostiene la melodía sin estridencias, permitiendo que la voz y la letra ocupen el centro de la escena. La producción, independiente y grabada en Modesto, California, refleja la filosofía de Daniel Topete: crear música regional mexicana con un estilo actual, sin perder lo real. Primero nace la letra y la melodía, y después la producción se construye alrededor de ese sentimiento, no al revés.

“Corazón Poeta” fue escrita en 2025 y producida en 2026 como parte del proceso de Daniel Topete de lanzar música constante y construir un catálogo sólido. Su intención es conectar con gente que siente igual, aunque no siempre sepa cómo decirlo, en un panorama donde hay muchas canciones bonitas, pero pocas que se sientan reales. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de honestidad y sentimiento que Daniel Topete ha sabido capturar con la sensibilidad de quien entiende que el corazón también puede ser poeta, aunque no encuentre las palabras. Una canción para quienes han amado sin saber cómo decirlo, para quienes saben que la verdad no necesita adorno.

El artista belgo-camerunés Bachot Muna, autor, compositor, cantante y productor, presenta “Loh Yonme (Come With Me)”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una pieza vibrante y emocionalmente rica que se mueve entre el afro-pop y el afro-soul, combina melodías cálidas, grooves rítmicos y una atmósfera cautivadora para invitar al oyente a un mundo de movimiento, conexión y energía positiva, donde el deseo de experiencia compartida se convierte en el eje central.

“Loh Yonme (Come With Me)” nace desde esa necesidad de expresar el deseo de compañía, de entregarse al otro sin reservas. El estribillo —“Come take me with you”— funciona como un mantra de apertura, una declaración de que la verdadera experiencia se vive en conjunto, que el viaje solo adquiere sentido cuando se comparte. La letra, sencilla pero cargada de intención, invita a la confianza y a la entrega, valores universales que trascienden culturas y fronteras.

Musicalmente, el tema apuesta por una producción que equilibra la energía del afro-pop con la profundidad emocional del afro-soul. Los arreglos cuidados y la voz expresiva de Bachot Muna fusionan la herencia africana con influencias jazzísticas modernas, creando un sonido único, a la vez orgánico y contemporáneo. Los ritmos, contagiosos y llenos de vida, invitan al movimiento, mientras que las melodías cálidas envuelven al oyente en una atmósfera de intimidad compartida.

Bachot Muna es un músico precoz que aprendió varios instrumentos desde muy joven y llegó a dirigir un orquesta de dieciséis músicos durante el Sokoto Fishing Festival, una experiencia fundacional que marcó profundamente su trayectoria artística. Su música se distingue por su autenticidad y su riqueza emocional, abordando temáticas fuertes como la conciencia, la esperanza y las realidades sociales. Su título “Mbana Wema” es un ejemplo destacado de su compromiso con mensajes que animan a la juventud africana a creer en su futuro local.

“Loh Yonme (Come With Me)” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de conexión y positividad que Bachot Muna ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la música también puede ser un puente entre culturas. Una canción para quienes buscan compartir el viaje, para quienes saben que el ritmo puede ser también una forma de encuentro.

El artista Il Caravaggio, autor, cantante, actor y productor que vive entre París y Miami, presenta “Feel Free”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, un nuevo adelanto del álbum que comenzó a gestarse en 2016 tras un viaje a la India, se inscribe en un proyecto mayoritariamente autobiográfico donde el artista habla de sus relaciones desastrosas, su fuerza, sus errores y su visión de la vida, todo ello envuelto en una mezcla de jazz, soul, disco y R&B que define su estilo propio.

“Feel Free” nace desde esa necesidad de expresión sin ataduras, de encontrar la libertad a través de la música. La canción, fiel al universo de Il Caravaggio, combina la calidez del soul con la elegancia del jazz y la energía de la disco, creando un sonido que es a la vez nostálgico y contemporáneo. La letra, como en el resto de sus composiciones, bebe de experiencias personales y se convierte en un vehículo para explorar emociones universales.

Il Caravaggio comenzó a cantar con grupos de hip-hop a los dieciséis años, pero decidió completar sus estudios en la universidad de derecho sin dejar nunca de escribir ni de formarse vocalmente con Young Mi Cho, su maestro de referencia. El proyecto de este nuevo álbum comenzó en 2016 tras un viaje a la India, una experiencia que marcó un punto de inflexión en su visión artística. Las canciones se han ido publicando entre París y Roma, con la colaboración del arreglista Olivier Benamou, a quien Il Caravaggio considera el mejor músico con el que ha trabajado, destacando la fuerte química que les permite expresar sus sentimientos en las canciones.

Canciones como “Diamonds with Gold”, “If I Have 2 Choose” y “The Dog Always Come Back” ya están disponibles en plataformas digitales. “Feel Free” se suma a este catálogo como un nuevo capítulo de una historia que Il Caravaggio lleva escribiendo desde hace años. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de libertad y emoción que Il Caravaggio ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la música también puede ser una forma de catarsis. Una canción para sentirse libre, para quienes saben que después de los errores siempre queda la fuerza para seguir adelante.

La artista malagueña María Peláe, una de las figuras más completas y auténticas del panorama musical español, presenta “Estoy Buscona”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una explosión de personalidad donde el flamenco más puro se encuentra con ritmos actuales y ese pregón rápido y afilado que la caracteriza, se apropia de un término históricamente despectivo hacia las mujeres para darle la vuelta y convertirlo en una celebración de la libertad, la búsqueda de uno mismo y el arte sin pedir permiso.

“Estoy Buscona” nace desde esa necesidad de reivindicar el derecho a buscarse a una misma, a no disculparse por ocupar espacio, a decidir sin pedir permiso. La palabra “buscona”, que ha sido durante siglos un insulto lanzado contra las mujeres que se salían de lo establecido, se transforma aquí en un grito de orgullo. María Peláe, fiel a su estilo, maneja el lenguaje y el doble sentido con una maestría que pocas artistas tienen, convirtiendo cada verso en una declaración de intenciones.

Musicalmente, el tema apuesta por un flamenco-fusión con una base rítmica muy potente que obliga a taconear aunque no se sepa, mezclada con arreglos modernos que le dan un aire de celebración y de “aquí estoy yo”. La percusión es clave, sosteniendo un tema que no da tregua y que invita al movimiento desde los primeros compases. La voz de María, rota y poderosa, se despliega con una teatralidad que hace visualizar cada palabra, convirtiendo la canción en una performance donde la interpretación es tanto o más importante que la melodía.

María Peláe ha logrado algo muy difícil: unir el flamenco más puro con ritmos actuales y, sobre todo, con el lyric rápido, casi rapeado, que ella llama su “pregón”. Sus letras siempre tienen un trasfondo social, mucha ironía y un sentido del humor muy afilado, y se ha convertido en un icono de la visibilidad y el empoderamiento, siempre con esa esencia folclórica que lleva por bandera. Tras su paso por programas como Tu Cara Me Suena y su participación en el Benidorm Fest con “Remitente”, María Peláe está en un momento de gracia absoluto, y “Estoy Buscona” reafirma que, a pesar de su éxito comercial, no piensa abandonar su raíz ni su forma de decir las verdades a la cara.

El videoclip, una pieza de arte en sí mismo, mezcla la estética de los tablaos antiguos con elementos contemporáneos, algo que ya es su sello de identidad. “Estoy Buscona” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de celebración y empoderamiento que María Peláe ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el insulto también puede ser un escudo. Una canción ideal para subir la autoestima, para sentirse con ganas de comerse el mundo, para quienes saben que buscar es un derecho.

La artista valenciana Sandra Groove, semifinalista de Operación Triunfo 2020 y una de las favoritas del público en el casting final, presenta “Fuiste el MVP”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una mezcla explosiva de pop-rock con tintes urbanos, utiliza la terminología del baloncesto de forma irónica para construir un himno de desamor desde el empoderamiento, donde quien se creía el mejor jugador de la relación termina perdiendo el partido.

“Fuiste el MVP” nace desde esa necesidad de cantar a la liberación, de recordar que a veces quien se cree el protagonista no es más que un espejismo. La letra, directa y afilada, está llena de frases que se quedan grabadas y que son perfectas para cantar a pleno pulmón en el coche o para dedicar a quien no supo valorar. No hay espacio para la tristeza en esta canción; hay la certeza de que el partido se ganó fuera de la cancha, en la decisión de no seguir jugando.

Musicalmente, el tema apuesta por unas guitarras eléctricas muy presentes en el estribillo que dan ganas de saltar, recordando a esa ola de pop-punk moderno que está tan de moda, pero sin perder la identidad de una artista que se mueve con soltura entre el pop-rock, el R&B y el pop urbano. La producción, impecable, permite que la voz de Sandra, con un registro impresionante capaz de pasar de graves aterciopelados a agudos potentes, se despliegue con toda su fuerza en los momentos clave.

Sandra Groove es una auténtica fuerza de la naturaleza. Su vozarrón, su capacidad para experimentar con sonidos que recuerdan a los años 2000 pero traídos a la actualidad, y su transparencia en redes sociales, con una estética cuidada y un discurso de empoderamiento muy real, la convierten en una de las mejores exponentes del pop con actitud en la escena española. El videoclip de “Fuiste el MVP” despliega todo su carisma con un look sporty-chic que encaja totalmente con la temática del título, y sus “Groove Sessions” en redes sociales, donde hace versiones de otros artistas dándoles su toque personal, demuestran que puede cantar prácticamente cualquier género.

“Fuiste el MVP” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de celebración y empoderamiento que Sandra Groove ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces el mejor premio es darse cuenta de que el otro nunca fue el MVP. Una canción para subir el ánimo, para cerrar etapas, para quienes necesitan recordar que el partido lo ganan ellas.

La artista emergente Coco Mela, una de las promesas más sólidas de la escena del pop alternativo y el indie pop, presenta “Missing Forever”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una balada de ritmo medio que mezcla sintetizadores suaves con una producción muy limpia, explora esa sensación de extrañar para siempre a alguien o a una versión de uno mismo que ya no existe, convirtiéndose en una oda a la nostalgia que se siente profundamente honesta.

“Missing Forever” nace desde ese territorio donde la memoria y el deseo se encuentran. La letra, cargada de imágenes que apelan a lo cotidiano y a lo trascendente, habla de la ausencia que no termina de irse, de esas personas o momentos que se instalan en el corazón y se niegan a desaparecer. No hay grandes dramatismos en la canción, sino una melancolía contenida, una aceptación serena de que hay pérdidas que nos acompañan para siempre.

Musicalmente, el tema apuesta por una producción que privilegia la atmósfera y la textura. Los sintetizadores suaves crean un colchón sonoro sobre el que se despliega la voz etérea de Coco Mela, un tono dulce pero con un toque melancólico que engancha desde los primeros compases. La interpretación vocal, contenida y llena de matices, transmite esa mezcla de fragilidad y fortaleza que la canción requiere. El resultado es una pieza ideal para días lluviosos, para momentos de introspección, para esas veces en que uno necesita ponerse un poco reflexivo.

Coco Mela se caracteriza por una estética muy cuidada, con una vibra cinematográfica y nostálgica que conecta con el dream pop más evocador. Sus letras suelen hablar de la ausencia, el paso del tiempo y las relaciones que dejan huella, y “Missing Forever” es la mejor muestra de esa sensibilidad. La canción ha tenido una muy buena acogida en listas de reproducción de slow pop y sad vibes, posicionando a la artista como una de las promesas a seguir este año.

“Missing Forever” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de nostalgia y belleza que Coco Mela ha sabido capturar con la honestidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para quienes han aprendido que hay ausencias que no se llenan, para quienes saben que extrañar también es una forma de amor.

Rosa León presenta “La Juana”, nuevo adelanto de “Carta de amor a María Elena Walsh”, el proyecto con el que reivindica la dimensión literaria, crítica y cultural de la autora argentina más allá del repertorio infantil con el que habitualmente se la identifica. En esta ocasión, la interpretación se comparte con El Kanka, una de las figuras más sólidas de la canción de autor española contemporánea, consolidado en la última década por un estilo que combina tradición popular, sensibilidad latinoamericana y una mirada hermosa sobre lo cotidiano. El tema ya está disponible en plataformas digitales.

“La Juana” es una de las piezas más finas y penetrantes de Walsh. Bajo una aparente ligereza narrativa, la canción aborda la realidad de las empleadas domésticas desplazadas del ámbito rural a la ciudad, la desigualdad estructural y el deseo de horizonte propio. “Cuando tiene techo y pan / también quiere la ventana”, canta Rosa León, y la frase resume con precisión poética esa aspiración elemental a la mirada y al mundo. Walsh convierte la televisión en símbolo ambiguo: ventana ajena, ilusión de apertura, único balcón posible para quien vive en un “cuadradito de oscuridad recortada”. La canción, lejos de ser un documento de época, mantiene una vigencia incómoda que esta nueva versión subraya sin necesidad de actualizaciones forzadas.

La colaboración entre Rosa León y El Kanka surge de una afinidad generacional y artística que se percibe en cada compás. La producción de Alejo Stivel vuelve a desempeñar un papel central, articulando un marco sonoro sobrio y coherente que respeta tanto la raíz interpretativa de Rosa como el pulso característico de El Kanka. El resultado evita la nostalgia y se sitúa en el presente, subrayando la actualidad del discurso de Walsh. El timbre y la cadencia de El Kanka dialogan con la experiencia interpretativa de Rosa León sin desdibujar identidades, generando un equilibrio que refuerza la vigencia del texto.

Rosa León, cuya trayectoria en la canción de autor en España da comienzo en los años setenta, ha construido una carrera marcada por la coherencia artística y el compromiso cultural. Desde sus primeros trabajos junto a Luis Eduardo Aute hasta su consolidación como intérprete fundamental de repertorio poético y su decisiva aportación a la música infantil de calidad, su figura ha estado ligada a la transmisión intergeneracional y a la defensa activa del valor cultural de la canción. El Kanka, Juan Gómez Canca, ha desarrollado una obra que, sin renunciar al humor y la cercanía, mantiene una conciencia social latente. Su reciente disco “La Calma” (2026) confirma una trayectoria prolífica y en expansión, con una gira que recorre España y Latinoamérica.

En el mismo contexto de recuperación y puesta en valor de la obra de María Elena Walsh, el proyecto encuentra también eco en el ámbito expositivo. El próximo 22 de abril, el Instituto Cervantes acogerá una muestra que propone un diálogo entre María Elena Walsh y la fotógrafa Sara Facio, dos figuras fundamentales de la cultura argentina y latinoamericana del siglo XX. Organizada junto a la Fundación María Elena Walsh-Sara Facio, la exposición subraya la afinidad ética e intelectual entre ambas creadoras, proyectando sus obras como intervenciones sobre el lenguaje, la memoria y la libertad. En este marco, Rosa León participa activamente en la programación: su interpretación de “Como la cigarra” forma parte del recorrido sonoro de la muestra, junto a materiales del histórico programa “Cuentopos”. Asimismo, intervendrá en una mesa redonda organizada por Apple Music en torno a la escritura y la composición, reforzando así su papel no solo como intérprete, sino como figura clave en la transmisión y contextualización contemporánea del legado de Walsh. La exposición será inaugurada por Luis García Montero, junto a sus comisarias Graciela García Romero y Silvia Mangialardi.

“La Juana” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de ironía y lucidez que Rosa León y El Kanka han sabido recrear con la honestidad de quienes entienden que la música también puede ser una forma de pensamiento. Una canción para quienes saben que tener techo y pan no es suficiente, para quienes también quieren la ventana.

La cantautora mexicana Vale P, nacida en la Ciudad de México y criada en Texas desde los tres años, presenta “A Tu Manera”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una balada rítmica que se mueve en el territorio del pop-folk y el indie pop, habla sobre la vulnerabilidad de querer a alguien que tiene su propio ritmo y sus propias reglas, una reflexión sobre la aceptación y la paciencia en el amor que se convierte en uno de los temas más maduros de su discografía.

“A Tu Manera” nace desde ese territorio donde el amor no se impone, sino que se acomoda a los tiempos del otro. La letra, cargada de imágenes que apelan a la espera y a la comprensión, celebra la posibilidad de querer sin exigir, de aceptar que cada persona tiene su forma de estar en el mundo. No es una canción de resignación, sino de amor consciente, de esos que eligen quedarse aunque el ritmo no sea el mismo. La interpretación vocal de Vale P, suave y dulce, casi un susurro, contrasta con el peso emocional de unas letras que invitan a la reflexión.

Musicalmente, el tema apuesta por una instrumentación orgánica que se siente hecha en casa pero con una calidad que la aleja de lo amateur. La guitarra acústica y los pianos sencillos crean una base íntima sobre la que se despliega la voz de Vale, que utiliza su capacidad para doblar voces y crear una atmósfera envolvente, casi hipnótica. La canción empieza muy contenida y va creciendo a medida que avanza, como si la propia música acompañara ese proceso de aceptación que describe la letra.

Vale P construye su sonido en la intersección de dos culturas. Sus raíces están profundamente ligadas a México, y esa herencia continúa moldeando su arte, su narrativa y su sonido. Crecer en Estados Unidos la expuso a una amplia variedad de influencias musicales, ayudándola a desarrollar una voz que se siente a la vez global y profundamente personal. Con formación clásica en canto, construyó su base sobre la técnica, la disciplina y la expresión emocional. Aunque también disfruta tocar la guitarra, la composición siempre ha sido su mayor pasión. Es ahí donde todo converge: su cultura, sus experiencias y la dualidad de haber crecido entre dos mundos.

“A Tu Manera” es la típica canción que escuchas en un viaje por carretera o mirando por la ventana un día nublado, con ese toque de nostalgia feliz que la hace perfecta para cuando buscas bajar revoluciones y simplemente disfrutar de una buena historia contada con guitarra. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de intimidad y aceptación que Vale P ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el amor también puede ser un ejercicio de paciencia. Una canción para quienes han aprendido a querer a su manera, para quienes saben que esperar también es una forma de estar presente.

El cantautor extremeño Pedro Guillén, nacido en Cáceres y afincado en Madrid, presenta “París”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una pieza vibrante que utiliza el viaje como metáfora del amor, es un soplo de aire fresco en un panorama musical a menudo dominado por el desamor, planteando el amor como ese refugio o brújula que nos guía frente al paso del tiempo.

“París” nace desde esa necesidad de cantar a la felicidad compartida, a esos momentos cotidianos que se vuelven extraordinarios cuando se viven con la persona adecuada. Menciona lugares icónicos como Montmartre o Sicilia, pero no como meras postales turísticas, sino como símbolos de un recorrido que se hace en compañía. La letra, lejos de los dramas sentimentales, invita a disfrutar del presente, a dejarse guiar por el amor como si fuera un viaje sin destino fijo pero con la certeza de que el camino vale la pena.

Musicalmente, “París” apuesta por una producción luminosa que combina ukelele, guitarras acústicas y sintetizadores muy sutiles que aparecen en los estribillos para darle ese sonido característico. El bajo y el ukelele crean una base rítmica cálida y orgánica, mientras que los sintetizadores aportan una capa de textura que envuelve sin saturar. La canción, que cuenta con varias capas instrumentales, mantiene siempre un equilibrio que permite que cada elemento respire y que la voz de Pedro, cercana y llena de matices, sea la protagonista.

Pedro Guillén es un músico total y autodidacta. Compone, toca varios instrumentos —guitarras, ukeleles y hasta instrumentos que colecciona en sus viajes— y produce sus propios temas en su home studio. Su sonido es una mezcla de pop-rock moderno con un enfoque muy orgánico, prefiriendo que los instrumentos respiren antes que abusar de los efectos digitales. Empezó con canciones como “Inercia” o “Eres”, y recientemente sorprendió con “Aguanta”, un tema muy emotivo dedicado a su mascota. “París” marca un punto de madurez en su carrera, una evolución hacia un sonido más luminoso y una temática que celebra la felicidad compartida.

“París” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de viaje y complicidad que Pedro Guillén ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el amor también puede ser una invitación a recorrer el mundo sin moverse del sitio. Una canción para quienes creen que la felicidad está en los pequeños momentos compartidos, para quienes saben que el mejor viaje es el que se hace en compañía.

El artista Arix presenta “Fuera de lugar”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, que nace desde un momento muy concreto —sentirse fuera de sitio incluso cuando aparentemente todo está bien—, parte de una experiencia real. Después de varios cambios importantes en su vida en los últimos años, moviéndose entre España e Irlanda, Arix se encuentra en una etapa en la que no termina de sentirse en casa en ningún sitio. Esa sensación es el punto de partida de una canción directa, sin filtros, que no intenta disfrazar lo que cuenta.

“Fuera de lugar” se despliega como un pensamiento en voz alta. Frases como “soy la pieza que no encaja” o “estoy rodeado de gente pero me siento de más” funcionan sin adornos, buscando una conexión inmediata con quien ha sentido esa misma contradicción. No es una canción sobre la tristeza, sino sobre el extrañamiento, sobre esa sensación de estar en un lugar sin estar del todo, de participar sin pertenecer. La letra, honesta y directa, evita los grandes dramatismos para centrarse en la verdad de lo cotidiano.

Musicalmente, “Fuera de lugar” se mueve dentro del pop rock en español, con guitarras presentes y un estribillo pensado para ser cantado, pero manteniendo un tono emocional que conecta más desde lo íntimo que desde lo grandilocuente. Influenciado por artistas como jxdn o Machine Gun Kelly, y más cerca en lo emocional de propuestas como Dani Fernández, Walls o Hens, el tema encuentra su identidad en el equilibrio entre energía y vulnerabilidad. La producción permite que la voz de Arix, llena de matices, transmita esa mezcla de fuerza y fragilidad que la canción requiere.

El lanzamiento llega en un momento clave para el artista, tras un primer año en el que ha empezado a dar forma a su proyecto y ha debutado en directo en el Monoloco Fest León, compartiendo escenario con artistas internacionales como Abraham Mateo, Morad o D Valentino. Desde su salida, la canción ha empezado a moverse de forma orgánica en redes sociales, con oyentes compartiéndola y utilizándola en sus propios contenidos, demostrando que el mensaje de “Fuera de lugar” resuena en quienes han sentido esa misma sensación de extrañamiento.

“Fuera de lugar” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de honestidad y vulnerabilidad que Arix ha sabido capturar con la sensibilidad de quien entiende que a veces lo único que podemos hacer es nombrar lo que sentimos. Una canción para quienes se han sentido fuera de lugar, para quienes saben que estar rodeado de gente no es garantía de pertenencia.

El artista independiente Noon Riser presenta “Cállate la bocca”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, un decidido himno festivo impulsado por sonoridades latinas y una energía contagiosa, se impone desde los primeros segundos como una invitación a soltarse, a bailar y a decir las cosas sin rodeos. Pero bajo su apariencia ligera y su estribillo pegadizo, la canción juega con varios niveles de lectura que la convierten en algo mucho más complejo de lo que parece.

“Cállate la bocca” nace inspirado en una figura de poder tan imponente como caricaturesca: un promotor inmobiliario que parece gobernar el mundo. A partir de esa imagen, el tema se desliza sutilmente hacia una forma de sátira contemporánea, donde la risa se convierte en herramienta de crítica. Este doble discurso es precisamente su fuerza: un himno luminoso en la primera escucha, que también se convierte en un desahogo universal. Porque, en el fondo, “Cállate la bocca” puede dirigirse a cualquiera: un vecino invasivo, un jefe demasiado presente o cualquier persona a la que, a veces, nos gustaría pedirle que se calle.

Musicalmente, el tema apuesta por un sonido latino que invita al movimiento desde el primer compás. La producción, cuidada y actual, envuelve una melodía pegadiza que se instala en la memoria con facilidad, mientras que la interpretación vocal juega con la ironía para transmitir ese mensaje de desahogo contenido. El estribillo, directo y coreable, funciona como una catarsis compartida, un momento en el que quien escucha puede sentirse acompañado en su deseo de mandar callar a quien le molesta.

Noon Riser desarrolla un universo singular que mezcla influencias visuales y sonoras, con un enfoque creativo basado en el contraste, el desvío y una mirada personal sobre el mundo contemporáneo. “Cállate la bocca” se inscribe en esa estética donde fondo y forma se entrelazan sin restar ligereza a la experiencia, creando una pieza accesible, bailable y ligeramente irreverente que encuentra naturalmente su lugar en playlists dinámicas y programaciones en busca de temas a la vez federadores y singulares.

“Cállate la bocca” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de fiesta y sátira que Noon Riser ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces la mejor forma de crítica es hacer bailar a la gente. Una canción para quienes necesitan mandar callar a alguien, para quienes saben que la risa también puede ser una forma de resistencia.

La banda Efecto Mariposa, liderada por Susana Alva y Frasco Ridgway, presenta “219.000 Horas de Vuelo”, su nuevo disco ya disponible en plataformas digitales. El trabajo, que celebra un cuarto de siglo de trayectoria, no es un recopilatorio al uso, sino una reivindicación de su sonido y su forma de componer canciones, esta vez compartiendo el micro con artistas amigos que admiran su legado. Una celebración necesaria para una banda que es, por derecho propio, historia viva del pop español.

El focus track del álbum es “No me crees”, uno de los temas más populares de la banda, original del disco “Complejidad” (2005), que logró un récord de permanencia en las principales radios durante más de dos años. Para celebrar este 25 aniversario, el grupo ha reunido a dos leyendas del pop: Javier Ojeda, quien grabó la canción en 2005, y David Summers, que no solo prestó su voz, sino que abrió las puertas de su casa y de su estudio personal. El resultado es un encuentro generacional que resume el espíritu del disco: la música como vínculo, como territorio de encuentro entre artistas que han construido la historia del pop en español.

El listado de canciones y colaboradores es de vértigo. “No me crees” con David Summers y Javier Ojeda; “Proezas” con Álvaro Urquijo (Los Secretos); “Mágico” con Marcos Cao (Sonrisa de Julia); “Comienzo” con Gabriel (Shinova); “Querencia” con Shuarma; “Diez minutos” con Coti; “Nunca” con Pol (3.14); “Qué me está pasando” con Dani (Despistados); “Por quererte” con Pablo López; y “La última cena” con Juancho Sidecars. Cada colaboración no es un mero dueto, sino un diálogo entre sensibilidades que han ido definiendo diferentes momentos de la música española.

Jorge Plané, figura clave en la industria, resume así el sentir del proyecto: “Si tuviera que definir con una sola palabra a Efecto Mariposa... sería... Clase. 219.000 horas de vuelo llega a su recorrido final igual que comenzó rodeado de amigos. Con la revisión de uno de sus mayores éxitos: No me crees. Tengo muy claro que el viaje solo ha llegado a una parada con escala. Frasco y Susana son dos almas inquietas y llenas de esa magia capaz de sorprenderme con ese sonido que combina perfectamente lo atrevido y lo correcto. Brindo amigos porque pronto vuestro viaje vuelva a sorprendernos con canciones llenas de libertad y creatividad. Con toda mi admiración”.

Efecto Mariposa estará el 22 de mayo presentando su nuevo disco en Madrid en La Sala del Movistar Arena, una cita imprescindible para celebrar un cuarto de siglo de música que ha dejado huella en varias generaciones. “219.000 Horas de Vuelo” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de celebración y encuentro que la banda ha sabido construir con la honestidad de quienes entienden que la música también puede ser un viaje compartido. Una obra para quienes han crecido con sus canciones, para quienes descubren ahora a una de las bandas esenciales del pop español.

La banda La Pegatina presenta “La voltereta”, su nuevo single ya disponible en plataformas digitales. La canción, una rumba catalana pegadiza y juguetona, parte de una tesis directa: el secreto de la felicidad quizá esté en la ligereza. A través de este tema, la banda le canta a la rumba, al baile, al sentimiento de presencia, a los amigos, al dejarse llevar y, en definitiva, a las cosas sencillas que a menudo olvidamos cuando nos hacemos mayores.

“Aquí nadie va a morirse con el historial impoluto”, canta La Pegatina, y la frase resume la filosofía de una canción que celebra la imperfección como territorio de libertad. “Nunca quise ser libre, libre, libre sino ligero”, añaden, haciendo un guiño a Los Chichos y reivindicando que la verdadera libertad no está en la ausencia de ataduras, sino en la capacidad de moverse sin peso, de reírse de uno mismo, de no tomarse demasiado en serio. Todo el concepto gira en torno a “la voltereta”, ese ejercicio de gimnasia que todos olvidamos al hacernos mayores y que la banda recupera como metáfora de una forma de estar en el mundo

El videoclip, al estilo del de su tema “Rómpela”, está construido a partir de instantáneas tomadas a lo largo de un día y una noche de fiesta con amigos, mostrando un recorrido que empieza por una calçotada y acaba en desfase. Las imágenes, llenas de vida y de momentos compartidos, refuerzan el mensaje de una canción que invita a celebrar lo cotidiano sin complejos, a convertir cualquier reunión en fiesta.

La Pegatina acompañará el lanzamiento del disco “Fuegos del barrio” con una ambiciosa gira internacional en 2026 que les llevará por Estados Unidos, México, Francia, Países Bajos y un amplio recorrido por España. El tour arrancó en marzo con paradas en Miami, Toluca, Puebla y el festival Tecate Pa’l Norte, antes de regresar a Europa para pasar por escenarios como La Riviera en Madrid por partida doble, con entradas agotadas para la segunda fecha. Un recorrido que combina grandes salas, festivales emblemáticos y citas imprescindibles del verano, donde la banda volverá a convertir cada concierto en una celebración colectiva cargada de energía y fiesta.

“La voltereta” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de ligereza y celebración que La Pegatina ha sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que la felicidad también está en dejarse caer y volver a levantarse. Una canción para recordar que a veces lo único que necesitamos es dar una voltereta y seguir bailando. Las entradas para los conciertos ya están a la venta en www.lapegatina.com.

Las artistas mexicanas Julieta Venegas y Yahritza y Su Esencia presentan “La Línea”, el tercer single del próximo álbum de Julieta, “Norteña”, ya disponible en plataformas digitales desde el pasado 10 de abril. La canción, una colaboración profundamente emotiva y socialmente relevante, aborda una de las realidades más complejas de nuestro tiempo: la separación de familias y parejas a causa de la migración y las deportaciones, retratando cómo una frontera —una línea invisible en el mapa— puede transformar por completo la vida de las personas, dejando historias suspendidas, amores a distancia y futuros inciertos.

“La Línea” nace desde la observación directa de una realidad que Julieta Venegas conoce de cerca. Creció en Tijuana y ha sido testigo de cómo han cambiado las percepciones sobre la migración: antes, cuando alguien era deportado, se le veía como si fuese un criminal, con la idea de que solo podía ser deportado por haber hecho algo ilegal. Pero ahora, reflexiona, las personas pueden ser ilegales solo por haber llegado desde otro país. La canción no es un manifiesto político, sino una canción de amor, de esperanza, de querer volver a estar con una persona amada a pesar de los obstáculos. La letra, cargada de imágenes que apelan a la distancia y al deseo de reencuentro, culmina en una promesa que resume su espíritu: “Hasta el día en que vuelva a ti, seguiré cantando”.

La colaboración con Yahritza y Su Esencia no es casual. Julieta ha seguido al grupo desde hace mucho tiempo y considera que la voz de Yahritza expresa perfectamente el dolor de la separación y la emoción de querer volver a ver a alguien. La fusión de la tradición de Julieta con la sensibilidad generacional de Yahritza crea una pieza que amplifica el mensaje del tema, conectando distintas generaciones y realidades a través de la música. Musicalmente, “La Línea” se inscribe dentro del universo sonoro de “Norteña”, el nuevo proyecto de Julieta, donde explora raíces, identidad y territorio desde una perspectiva contemporánea.

Con este lanzamiento, Julieta Venegas reafirma su capacidad para transformar historias personales en himnos universales, mientras continúa construyendo un puente entre distintas culturas, sonidos y generaciones dentro de la música latina. El próximo 23 de abril en Miami, será homenajeada con el premio Excelencia Artística en el marco de Billboard Mujeres Latinas en la Música, con transmisión de Telemundo y Peacock. Además, ha anunciado las fechas del “Norteña Tour 2026” en México, que comenzará el 22 de mayo en Tijuana y recorrerá ciudades como Mexicali, Torreón, Monterrey, Ciudad Juárez, Toluca, Pachuca, Querétaro, León, Puebla, Orizaba, Tampico y concluirá el 17 de junio en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

“La Línea” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de amor y esperanza que Julieta Venegas y Yahritza y Su Esencia han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que la música también puede ser un puente. Una canción para quienes esperan al otro lado de la frontera, para quienes saben que el amor no entiende de líneas invisibles.

La banda murciana Noise Box, inmersa en la celebración de su 25 aniversario, presenta “Apple Tree”, un nuevo lanzamiento que recupera una de las composiciones más ambiciosas y emocionalmente complejas de su repertorio. La canción, interpretada en inglés, se despliega a lo largo de cerca de ocho minutos como un viaje imprevisible en el que la banda transita entre cambios de ritmo, giros de intensidad y contrastes sonoros que desafían cualquier estructura convencional, ofreciendo una pieza que ya anticipaba, desde sus primeras etapas, la personalidad artística del grupo: melodía y caos, vulnerabilidad y estallido, belleza y tensión conviviendo en equilibrio inestable.

“Apple Tree” aborda temas como la identidad, las máscaras emocionales y la búsqueda de sentido en medio del desconcierto. A lo largo del tema emergen imágenes de alegría sintética, aislamiento y autoconciencia, hasta desembocar en ese instante revelador en el que la confusión deja paso a una forma de lucidez incómoda pero necesaria. La canción se mueve entre lo íntimo y lo expansivo, entre la fragilidad y la rabia contenida, ofreciendo un retrato sonoro de ese momento en que uno comprende qué le duele realmente y decide transformarlo en impulso. No es una pieza para la escucha pasiva, sino para la inmersión, para dejarse llevar por sus cambios y descubrir en cada giro una nueva capa de significado.

El lanzamiento forma parte de la serie de publicaciones especiales con las que Noise Box están celebrando su cuarto de siglo de trayectoria, rescatando y revisitando piezas clave de su historia. En este caso, la banda recupera una de sus primeras composiciones, mostrándola sin filtros, tal como fue concebida, y permitiendo descubrir una faceta más cruda, libre y expansiva de su universo creativo. No se trata de una remasterización pulida ni de una revisión que suavice las aristas, sino de la exposición de una obra en su estado más puro, con toda la intensidad y la imperfección que la hacen única.

Con una trayectoria marcada por la coherencia artística y la exploración constante, Noise Box siguen demostrando que su música no pertenece a un tiempo concreto, sino a un lugar emocional que continúa evolucionando. “Apple Tree” no es solo una canción recuperada: es una declaración de intenciones que conecta pasado, presente y futuro en una misma pulsión. La canción ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de vértigo y lucidez que Noise Box han sabido capturar con la honestidad de quienes llevan veinticinco años explorando los límites de su propia música. Una obra para quienes entienden que la belleza también puede ser incómoda, para quienes saben que a veces hay que perderse para encontrarse.

El productor navarro Proyecto Punik, conocido por su particular faceta de “electrónica de autor”, presenta “Ayamonte”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La pieza, que constituye un nuevo capítulo en su universo sonoro, convierte el territorio en estructura musical, inspirándose en una estancia en Huelva para transformar el paisaje fronterizo entre España y Portugal en una experiencia inmersiva y cinematográfica.

“Ayamonte” se construye de forma progresiva a lo largo de sus cinco minutos y doce segundos de duración. Una intro orgánica abre el espacio sonoro hasta que un bombo a negras establece un pulso constante que atraviesa toda la composición. A partir de ahí, las capas evolucionan con precisión, generando una tensión sostenida y envolvente que envuelve al oyente sin estridencias. El mantra “vamos a cruzar a Portugal” aparece y desaparece a lo largo del tema, transformándose en distintas voces que se integran en la textura sonora. Más que un estribillo, funciona como una idea en movimiento: cruzar como metáfora de tránsito, posibilidad y desplazamiento.

Lejos de una estructura de club convencional, “Ayamonte” se sitúa en un terreno más experimental y cinematográfico, apostando por la inmersión y el desarrollo antes que por el impacto inmediato. No es una pieza para el hit rápido, sino para la escucha atenta, para dejarse llevar por la evolución de las capas sonoras y permitir que la música construya su propio paisaje en la mente del oyente.

Proyecto Punik continúa consolidando un discurso artístico propio dentro de la electrónica contemporánea. Tras sus dos EPs, “Canciones para guerra y baile”, donde exploraba una faceta más cruda y cercana al punk electrónico, y “Canciones para experimentar”, centrado en un enfoque más libre y cinematográfico, el proyecto ha ido ampliando su lenguaje sonoro hacia territorios más conceptuales. En sus últimos lanzamientos, cada composición funciona como una localización dentro de un mapa imaginario, donde el espacio físico se traduce en ritmo, textura y narrativa. Con “Colombia”, inspirado en los paisajes del Parque Tayrona, y ahora con “Ayamonte”, Proyecto Punik reafirma esta línea creativa, convirtiendo las fronteras en sonido y el viaje en estructura musical.

“Ayamonte” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de tránsito y frontera que Proyecto Punik ha sabido capturar con la sensibilidad de quien entiende que la música también puede ser un mapa. Una pieza para quienes buscan en la electrónica algo más que ritmo, para quienes entienden que cruzar también es una forma de crear.

El proyecto musical Pk Project, liderado por Peter, un músico autodenominado “demasiado viejo para el rock and roll pero demasiado joven para morir”, presenta “Flamenco Beach”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, incluido en su tercer álbum, un crucero de placer imaginario que navega por el mundo y viaja hacia adelante y hacia atrás en el tiempo, supone una parada en Sudamérica para ofrecer una fiesta donde la danza latina se encuentra con las guitarras flamencas.

“Flamenco Beach” nace desde esa voluntad de crear música que invite al movimiento y a la celebración. La canción combina el ritmo de la danza latina con la calidez y el carácter de las guitarras flamencas, creando un tema festivo diseñado para ser bailado y disfrutado. No busca grandes complicaciones ni mensajes profundos; su objetivo es mucho más simple y efectivo: hacer que quien la escuche se levante y se mueva.

El álbum del que forma parte este sencillo es un crucero imaginario que Peter ha concebido como un viaje musical alrededor del mundo y a través del tiempo. “Desert Walk” comienza en África, en una costa desértica con grooves profundos y bajos combinados con instrumentos tradicionales africanos. “Feel The Music” da un paso atrás hasta 1979, cuando la era disco estaba en su apogeo y el rap comenzaba a emerger. “Flamenco Beach” aterriza en Sudamérica, y de ahí el viaje continúa hacia Londres de principios de los ochenta, con “Incognito”, una canción que evoca aquella época. “Make People Happy” regresa a 1979 con un hip hop, funk y R&B de fondo más oscuro. “Me Mulata” es el éxito de la isla, una canción divertida y muy bailable. “My Love (First On Bass)” vuelve a 1979 o a los noventa con un revival disco. “Pleasure Cruise”, el tema que da título al álbum, es una pieza más relajada para los momentos de calma en el crucero. “Sun Cast” es el segundo éxito de la isla, con ukelele y guitarras flamencas en un arreglo más tradicional. “Drifting” viaja a los noventa con elementos de house y metal. “Wayne’s Last Ride” es una canción más oscura que podría ser un paseo a caballo por el outback australiano. Y “Winds From The North” cierra el viaje en el mundo celta, mucho tiempo atrás, en una tierra olvidada.

Pk Project es el resultado de un sueño largamente acariciado. A Peter siempre le gustó tocar la batería, pero su verdadera vocación era la producción musical. En 2016, cuando los ordenadores alcanzaron la potencia necesaria, decidió que era el momento. Comprobó que los dominios pk-project.com y pk-project.de estuvieran disponibles, y así nació el proyecto. El primer año lo dedicó a familiarizarse con las herramientas y a crear canciones, combinando su experiencia en grabación y mezcla analógica con las posibilidades del mundo digital. Su objetivo era mezclar géneros como la electrónica y el dance con elementos de la música latina o africana, incorporando instrumentos tradicionales, mucho R&B y funk, e incluso instrumentos clásicos. El resultado es un proyecto que aspira a sonar como una banda real tocando: groovy y profundo, mezclado para grandes altavoces.

“Flamenco Beach” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese crucero imaginario que Pk Project ha sabido construir con la honestidad de quien entiende que la música es un viaje. Una canción para bailar, para celebrar, para disfrutar del placer de dejarse llevar por el ritmo.