El joven DJ y productor sueco Elias Lunde, conocido artísticamente como Eli Tronic, presenta “Echo Of My Soul”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, que cuenta con la participación vocal de Elin Engdahl, es una pieza de música electrónica que aborda el amor en su sentido más amplio: ese sentimiento que no se desvanece con el paso del tiempo, sino que se fortalece con las dificultades y los desafíos compartidos.

“Echo Of My Soul” nace desde esa certeza de que hay vínculos que no entienden de calendarios, que se vuelven más sólidos cuanto más tormentas han atravesado juntos. La letra, interpretada por Elin Engdahl con una sensibilidad que ha caracterizado sus anteriores trabajos, convierte la experiencia compartida en una declaración de permanencia, en un eco que resuena más allá de las circunstancias. La producción de Eli Tronic envuelve esa voz en una atmósfera electrónica que combina la energía del EDM con arreglos más íntimos, creando un espacio donde lo festivo y lo reflexivo conviven sin estridencias.

Eli Tronic, con apenas dieciocho años, ya ha establecido una carrera prometedora en la industria musical. Con más de treinta canciones publicadas en Spotify y un álbum debut en el verano de 2024, su propuesta ha sabido moverse con soltura entre los distintos subgéneros de la música electrónica de baile, combinando elementos tradicionales con sonidos innovadores y experimentales. Su objetivo es claro: convertirse en un DJ de renombre mundial y devolver el EDM al primer plano de la escena musical.

La colaboración con Elin Engdahl aporta una dimensión especial al tema. La vocalista, que ya había trabajado con Eli Tronic en varias canciones que han sonado en programas de radio de varios países —incluyendo Nordic Rox, el espacio de SiriusXM conducido por Per Gessle, de Roxette—, demuestra una vez más su capacidad para dotar de emoción a producciones electrónicas sin perder la fuerza que el género requiere.

“Echo Of My Soul” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de amor y resistencia que Eli Tronic y Elin Engdahl han sabido construir con la madurez de quienes, a pesar de su juventud, entienden que los verdaderos vínculos se forjan en la adversidad. Una canción para quienes saben que el amor no se mide en tiempo, sino en la capacidad de seguir resonando a pesar de todo.

El artista Erlokoandalú presenta “Me he comprao un chanda”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza comercial de ska con un humor desbordante, narra la historia de una chica que decide apuntarse al gimnasio pero, cuando llega el momento de elegir entre la disciplina fitness y los placeres de la vida, se decanta por las tostadas de manteca colorá y el chicharrón. Una canción hecha con mucho cariño que celebra la resistencia a la cultura del cuerpo perfecto con la única arma que no falla: el sentido del humor.

El tema nace desde esa contradicción que todos conocemos: la buena intención de ponerse en forma que se desvanece en cuanto aparecen las tentaciones. La letra, cargada de imágenes costumbristas y un humor que conecta con lo más auténtico del sur, convierte la lucha interna entre el deber y el placer en un himno para quienes han decidido que la felicidad también está en una buena mesa. El ska, con su ritmo contagioso y su tradición de canción festiva, es el vehículo perfecto para un mensaje que no busca sermonear, sino celebrar.

Detrás de esta canción está Dj Alfon Jota, responsable de una propuesta que utiliza la inteligencia artificial como herramienta creativa para generar música con personalidad propia. El resultado es una pieza que suena a banda en directo, a fiesta de barrio, a esa energía que solo se consigue cuando el ritmo y el humor se dan la mano.

“Me he comprao un chanda” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de ska y alegría que Erlokoandalú ha sabido crear con la complicidad de quien sabe que la vida también es para disfrutarla. Una canción para quienes prefieren las tostadas al gimnasio, para quienes entienden que el verdadero ejercicio es no perder la sonrisa.

El artista californiano Henry Fleishman, basado en Los Ángeles, presenta “You’re It”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una colaboración con su pareja Melanie Gillott, fue escrita, grabada, mezclada y masterizada íntegramente en su dormitorio, un proceso artesanal que refleja la intimidad y la honestidad de una relación que ha encontrado en la música su forma de celebrarse.

“You’re It” nace como una declaración de amor en los primeros compases de una relación, ese momento en que dos personas descubren que lo que sienten va más allá de lo pasajero, que a pesar de las largas jornadas de trabajo y las dificultades del día a día, la conexión que comparten tiene la solidez de lo que perdura. La letra, sencilla pero cargada de verdad, habla de esa certeza que no necesita grandes gestos para afirmarse, esa sensación de haber encontrado a la persona con la que compartir la vida.

La producción, íntegramente casera, dota a la canción de una calidez difícil de replicar en estudios profesionales. Fleishman, que lleva más de una década produciendo música y ha escrito para artistas como Drake Bell, acreditado en su disco “Non Stop Flight”, demuestra que la tecnología actual permite que el talento y la emoción puedan capturarse en cualquier espacio, siempre que haya verdad detrás.

Henry Fleishman es un cantante, compositor, multiinstrumentista y productor musical con sede en Los Ángeles. Ha estado escribiendo canciones durante la mayor parte de su vida, y esta nueva entrega es un testimonio de su capacidad para transformar lo personal en universal. “You’re It” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de intimidad y certeza que Fleishman y Gillott han sabido capturar con la honestidad de quienes escriben desde la experiencia compartida. Una canción para celebrar los primeros aniversarios, para afirmar que cuando se encuentra a la persona adecuada, se sabe.

La artista bilbaína Lucía de la Puerta, referente absoluto para la generación Z y un icono de versatilidad que ella misma define como “mecatriz” —médica, cantante y actriz—, presenta “Vuelta Atrás”, su nuevo sencillo incluido en el EP “Vitamina”, lanzado en marzo de 2026. La canción, una balada pop con toques electrónicos, marca un punto de madurez en su carrera, alejándose de los ritmos urbanos que la consolidaron para adentrarse en un territorio más melancólico y emocional.

“Vuelta Atrás” nace desde la aceptación de la verdad, desde ese momento en que una persona deja de huir de sus miedos y decide enfrentarse a lo que siente. “He decidido aceptar la verdad y callar mis miedos”, canta Lucía, y la frase resume la esencia de un tema que habla de dejar de ocultarse, de reconocer que no hay vuelta atrás cuando alguien se ha instalado en el corazón. La letra, introspectiva y honesta, transita por ese territorio donde la duda y la certeza se enfrentan hasta que, por fin, una de las dos gana.

Musicalmente, la canción apuesta por una atmósfera que pone el foco en la interpretación vocal. Lejos de los reggaetones lentos y las bachatas que la hicieron conocida con temas como “Si no te cuida”, aquí Lucía despliega una faceta más contenida, dejando que su voz, llena de matices, guíe al oyente por una narrativa de autodescubrimiento. El estribillo, sencillo pero poderoso, funciona como un mantra de liberación: “Siento que no hay vuelta atrás, no puedo vivir huyendo”.

Lucía de la Puerta es la definición de la versatilidad moderna. Terminó la carrera de medicina mientras su carrera musical explotaba, compaginando el MIR con millones de seguidores en TikTok y una faceta como actriz que incluye su participación en la saga “A través de mi ventana” de Netflix. Su activismo LGTBIQ+ y su capacidad para abordar temas sociales desde la música —como hizo en “Si no te cuida”, una bachata escrita para ayudar a identificar relaciones de abuso— la han convertido en un referente que trasciende lo puramente musical.

“Vuelta Atrás” forma parte de “Vitamina”, un EP que busca reflejar una etapa más luminosa y optimista en su carrera, el cierre de un ciclo personal para abrir otro donde la aceptación y la alegría ocupen el centro. El tema ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de honestidad y autodescubrimiento que Lucía de la Puerta ha sabido capturar con la sensibilidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para quienes han decidido dejar de huir, para quienes saben que la verdad, aunque duela, siempre libera.

La artista madrileña Chezz, una de las figuras más frescas y prometedoras de la escena urbana y pop-rock española, presenta “Ganas de Pecar”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, que explora la dualidad de la tentación y el deseo, consolida su nueva era musical con una faceta más atrevida y directa, manteniendo esa autenticidad que la ha convertido en una de las voces más personales del panorama actual.

La canción nace desde esa urgencia del encuentro, del momento en que la presencia del otro transforma la realidad. “Hoy se ve distinta la ciudad desde que tú estás, todo es nuevo”, canta Chezz, y la frase resume la esencia de un tema que juega con la mirada como detonante, con esa atracción que convierte lo cotidiano en extraordinario. “En tus ojos veo las ganas de pecar”, añade, situando la tentación no como pecado, sino como celebración de un deseo que por fin se reconoce.

Musicalmente, “Ganas de Pecar” apuesta por la producción que ha caracterizado la evolución de Chezz: bajos potentes, ritmos urbanos que invitan al movimiento, pero con una limpieza sonora que demuestra su crecimiento técnico como productora integral. La voz, cargada de esa energía que la distingue, transmite la urgencia y el magnetismo que la letra requiere, creando un tema que se ha convertido rápidamente en himno de sus directos.

Chezz, nombre artístico de Lydia Sánchez, ha construido su carrera desde la autogestión más absoluta. Su salto a la fama llegó con una estrategia de marketing humana: salir a las calles de Madrid con unos cascos para pedir a desconocidos que escucharan sus canciones y grabar sus reacciones. La viralidad no tardó en llegar, pero lo que la ha sostenido es un talento que abarca desde la composición hasta la producción, pasando por una versatilidad que le permite moverse entre el rock, el country y la electrónica experimental. Sus referentes van desde clásicos como Amy Winehouse y Janis Joplin hasta figuras modernas como SZA o Travis Scott, una mezcla que explica la dificultad de encasillar su sonido.

“Ganas de Pecar” llega tras una trayectoria que ha ido creciendo desde temas como “Círculo Vicioso” o “BeReal”, y supone un paso adelante en su apuesta por un sonido más directo y enérgico. La letra, que habla de un amor que se sabía destinado antes de que ocurriera, juega con esa idea de la predestinación convertida en celebración: “Esto no es casualidad, todo esto estaba escrito en las hojas de un papel, en mi corazoncito”.

Chezz se ha convertido también en imagen de marcas como Ableton, un reconocimiento a su faceta como productora que añade valor a una trayectoria basada en la autenticidad y la independencia. Su lema personal, “Si hay algo que me da miedo, es ser normal”, resume el espíritu de una artista que ha hecho de la diferencia su bandera. “Ganas de Pecar” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de deseo y celebración que Chezz ha sabido capturar con la energía de quien no teme ser ella misma. Una canción para quienes entienden que pecar, a veces, es la forma más honesta de estar vivo.

El cantante y compositor mexicano León Larregui, líder de la agrupación Zoé, presenta “Manifiesto de un Tremendo Delirio”, su nuevo álbum ya disponible en plataformas digitales. El trabajo, compuesto por trece canciones, es una reflexión profunda sobre la pérdida, las distintas formas del amor y la manera en que el arte sigue siendo la mejor revolución, surgida de un proceso de introspección que lo llevó a mostrar uno de los lados más vulnerables de su carrera.

Las rupturas suelen ser procesos complejos que obligan a replantear las creencias y a ponerse cara a cara con las sombras y las luces, y bajo ese contexto nace este álbum. Las emociones que lo atraviesan ya se habían ido desvelando en sencillos como “Cometas”, “Bruma” y el reciente hit “Se Me Va”, piezas que anticipaban un trabajo donde la vulnerabilidad no se oculta sino que se convierte en materia prima. A estas composiciones se suma ahora “Amén”, el track elegido para abanderar el estreno del álbum, un tema cuyo sonido está en contacto con la luminosidad épica de la esperanza y se apoya en una instrumentación cercana al rock-pop psicodélico.

“Amén” funciona como un manifiesto dentro del manifiesto. En él, León Larregui canta sobre el poder sanador del arte, esa fuerza que puede ser vehículo para cambiar el mundo y también para transformar nuestro interior. La canción no es un lamento, sino una afirmación: incluso en las grietas más profundas del corazón, la luz es capaz de colarse para iluminarlo todo. Esa dualidad entre la herida y la posibilidad de curación recorre todo el álbum y encuentra en este tema su expresión más directa.

León Larregui ha estado acompañado en este proceso por músicos de primer nivel: Vincent Polycarpe a la batería, Victor Mechanik en guitarras y sintetizadores, y Fabrice Colombani en percusiones. El equipo de producción, un verdadero ensueño, está conformado por Remi Peral, Jack Lahana, Rob Coudert y Adán Jodorowsky, este último también encargado de grabar el bajo. Juntos han construido un universo sonoro que respeta la psicodelia que ha caracterizado la carrera de Larregui, pero que la expande hacia territorios más íntimos y personales.

“Manifiesto de un Tremendo Delirio” es, probablemente, la obra más significativa que León Larregui ha entregado hasta la fecha. Un trabajo que demuestra que la vulnerabilidad no es debilidad, sino el punto de partida para una creación más honesta y necesaria. El álbum ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de pérdida y esperanza que León Larregui ha sabido construir con la sensibilidad de quien ha atravesado la tormenta y ha encontrado en el arte la mejor forma de sobrevivir. Una obra para quienes creen que incluso en los momentos más oscuros, la luz siempre encuentra la manera de colarse.

El artista catalán Borja, nominado al Latin Grammy, presenta “Contigo”, el segundo single del EP que verá la luz el próximo mes de mayo. El tema, ya disponible en plataformas digitales, se erige como un auténtico himno al enamoramiento en su estado más vibrante, ese instante en el que todo parece posible, urgente y lleno de luz, consolidando la propuesta de un artista que entiende el pop como un espacio narrativo donde emoción y producción caminan juntas.

“Contigo” captura la euforia de querer compartir cada momento con alguien, elevando lo cotidiano a lo extraordinario. La letra, directa y luminosa, transmite esa sensación de que la presencia del otro transforma la realidad, de que lo sencillo se vuelve memorable cuando se vive en compañía. No hay dramatismos ni grandes metáforas abstractas; hay la verdad de quien ha sentido que la vida se ilumina cuando alguien entra en ella y decide quedarse.

Musicalmente, el tema apuesta por un pop elegante, cálido y atemporal que conecta tradición y modernidad con absoluta naturalidad. Escrito por el propio Borja junto a Zárate, y producido en un proceso creativo compartido entre Madrid y Miami, la canción refleja la dualidad geográfica que ha marcado su formación: los matices mediterráneos se funden con influencias internacionales para crear un sonido que suena a la vez cercano y universal. La base rítmica, impulsada por una batería sólida y expresiva, refuerza su potencial escénico y anticipa un repertorio diseñado para cobrar vida sobre el escenario.

Borja es un cantautor y productor de Barcelona que ha ido consolidándose como una de las nuevas voces con mayor proyección dentro del pop actual. Tras recibir una nominación como Mejor Nuevo Artista por su álbum debut “rimas del verbo amar”, logró colgar el cartel de sold out en sus conciertos de Madrid y Barcelona, y fue telonero de Karol G en Madrid durante su gira “Mañana Será Bonito”. En 2025 lanzó “cuando coincidimos”, un álbum profundamente personal que acumula millones de reproducciones y le valió el respaldo de medios como Rolling Stone en Español, que lo nombró “Artista Que Debes Conocer”.

Su propuesta musical se caracteriza por una sensibilidad melódica muy marcada, letras honestas y emocionales, y una cuidada producción que equilibra influencias del pop clásico con sonidos contemporáneos. Esta combinación le permite construir canciones cercanas, luminosas y con identidad propia, capaces de conectar tanto en escuchas íntimas como en el directo. Su universo artístico se mueve entre lo orgánico y lo moderno, donde guitarras cálidas, armonías vocales envolventes y arreglos elegantes conviven con una estética sonora actual que refleja una clara ambición internacional.

“Contigo” es la segunda muestra de un EP que promete consolidar a Borja como una de las voces más cautivadoras del nuevo pop en español. El tema ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de euforia compartida que el artista ha sabido capturar con la sensibilidad de quien entiende que el amor también es una cuestión de luz. Una canción para quienes han encontrado a esa persona con la que todo, hasta lo más simple, se vuelve extraordinario.

La cantante y compositora portuguesa Ella Nor, nombre artístico de Leonor Andrade, presentó en 2021 “Matahari”, un tema que marcó un punto de inflexión en su carrera y que hoy se mantiene como una de las piezas más emblemáticas de su evolución artística. El single, que rinde homenaje a la mítica espía y bailarina Mata Hari, utiliza su figura como metáfora de la mujer empoderada, misteriosa y que tiene el control absoluto de su propia narrativa.

La canción nace desde esa fascinación por las figuras que viven en la frontera entre lo real y lo legendario. Mata Hari, ejecutada en 1917 acusada de espionaje, se convierte aquí en un símbolo de la mujer que maneja sus propios secretos, que seduce sin entregarse del todo, que mantiene el poder incluso cuando parece vulnerable. “Tengo secretos que no puedo contar”, canta Ella Nor, y la frase resume esa dualidad entre lo que se muestra y lo que se oculta, entre el juego de la seducción y la defensa de la propia intimidad.

Musicalmente, “Matahari” apuesta por un pop oscuro con tintes electrónicos, una producción minimalista pero intensa que destaca la voz rasgada y profunda de la artista. Lejos de los arreglos recargados que dominan el pop comercial, aquí cada elemento sonoro tiene una función precisa: crear una atmósfera de tensión contenida, de misterio que se desvela a cuentagotas. El videoclip, una pieza de cine noir moderno, refuerza esa imagen de femme fatale contemporánea, alejándose definitivamente de la imagen de chica de concurso de televisión que había acompañado a Leonor Andrade en sus primeros años.

Ella Nor, nacida en 1994, comenzó a tocar el piano a los cuatro años y a los dieciséis ya componía su propia música. En 2014 alcanzó las semifinales de The Voice Portugal, y al año siguiente ganó el Festival da Canção con “Há Um Mar Que Nos Separa”, representando a Portugal en el Festival de Eurovisión de Viena. Su debut en solitario, “Setembro” (2016), mostró su versatilidad, pero fue su reinvención bajo el nombre Ella Nor la que le permitió explorar territorios más personales. En 2018 se unió al proyecto LEFTY, publicando el álbum “Andrómeda” y actuando en escenarios como el Heineken Stage del NOS Alive. Paralelamente, ha construido una sólida carrera como compositora para otros artistas, con temas como el éxito global “Valeria” de Dvicio.

“Matahari” es un tema ideal para quienes buscan artistas con una atmósfera oscura pero bailable, en la línea de Banks o con toques de Sevdaliza. La canción ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de misterio y empoderamiento que Ella Nor ha sabido construir con la sensibilidad de quien entiende la música como un espacio de transformación. Una metáfora perfecta para una artista que, como Mata Hari, ha sabido reinventarse y mantener el control de su propia historia.

El compositor británico Mike Nash-Whitmore, originario de Mánchester, presenta “Last Train Home”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza de rock/pop de corte directo, transmite un mensaje simple pero universal: la importancia de reconectar con las personas que nos importan antes de que sea demasiado tarde.

La canción nace desde esa urgencia contenida que todos conocemos: la de llegar a tiempo, la de no dejar para mañana lo que puede hacerse hoy, la de tender puentes que el tiempo y la distancia han ido erosionando. “Last Train Home” no es un tema grandilocuente ni rebuscado; es una invitación a tomar el tren de vuelta, a volver al origen, a recuperar los lazos que nos sostienen. La producción, fiel al espíritu del rock/pop más clásico, deja que la melodía y la letra ocupen el centro, sin adornos innecesarios.

Mike Nash-Whitmore es un compositor con una ambición clara: que sus canciones sean grabadas por otros artistas consolidados. Para ello, ha desarrollado un estilo versátil que abarca desde el pop y el rock hasta el funk, el folk e incluso la ópera. “Last Train Home” es la primera canción y el tema que da título a un nuevo álbum que mostrará la variedad de registros en los que se mueve, una carta de presentación de su habilidad como creador.

El tema ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de reencuentro y urgencia que Mike Nash-Whitmore ha sabido capturar con la honestidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para quienes saben que siempre hay un último tren, y que aún están a tiempo de subirse.

El artista Mark Soler presenta “Time to Go”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, que marca un giro creativo hacia un sonido country rock despojado y emocionalmente impulsado, se construye sobre la autenticidad de la instrumentación en vivo y la interpretación humana, alejándose de los elementos electrónicos que habían caracterizado sus trabajos anteriores.

La canción nace desde esa necesidad de volver a lo esencial, de dejar que las guitarras eléctricas —con las texturas inconfundibles de una Fender Stratocaster y la profundidad de una Gibson Les Paul— y una base sólida de bajo sostengan la emoción sin artificios. “Time to Go” canaliza una sensación de movimiento e introspección, invitando a la partida, al cambio, al impulso de los espacios abiertos. Su sencillez es intencionada: cada nota y cada progresión están al servicio del núcleo emocional de la canción, sin excesos que distraigan.

Esta dirección artística está profundamente ligada a la experiencia personal de Mark Soler. Durante una década vivió y trabajó como ingeniero de software en Austin, Texas, una ciudad cuya vibrante cultura de música en vivo, con su escena de bares donde el country, el rock y el blues se cruzan de forma orgánica, dejó una huella imborrable en su sensibilidad musical. La portada del single, que reproduce la vista desde su antigua casa en Austin, encapsula esa mezcla de nostalgia y movimiento hacia adelante que recorre todo el tema.

“Time to Go” supone un regreso consciente a los fundamentos: instrumentos reales, interpretación humana y expresión sin filtros. Es una pieza que respira, que se siente tocada por manos que conocen el oficio, que apuesta por la calidez del sonido analógico frente a la frialdad de lo programado. El tema ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de carretera y horizonte que Mark Soler ha sabido capturar con la honestidad de quien ha vivido la música desde dentro. Una canción para quienes sienten que ha llegado el momento de irse, de cambiar, de seguir el impulso de lo abierto.

La industria del pop en español se detiene ante el regreso triunfal de una de sus arquitectas más prolíficas. Paty Cantú, la cantautora y productora mexicana que ha definido el sonido de una generación, acaba de presentar al mundo su más reciente sencillo titulado "Todo Lo Que Está Mal". Disponible en todas las plataformas digitales desde pasado 26 de marzo de 2026, el tema no solo es una canción más en su repertorio, sino el manifiesto emocional de una artista que ha decidido soltar las riendas del perfeccionismo para explorar las sombras del romance moderno.

Tras el éxito de su anterior entrega, "Antes De Que El Mundo Se Acabe", Cantú cambia radicalmente de tercio para sumergirnos en una atmósfera mucho más densa e introspectiva. En esta ocasión, la tapatía se alía con los productores internacionales Andreas Stone Johansson y David Fremberg para construir un sonido que camina por la cuerda floja entre el pop de vanguardia y los tintes oscuros del synth-pop, logrando una textura sonora que se siente tan sofisticada como orgánica.

La narrativa de "Todo Lo Que Está Mal" es un ejercicio de honestidad brutal que resuena con cualquiera que haya vivido una relación magnética pero destructiva. La letra disecciona esa adicción emocional hacia lo que sabemos que no nos conviene; es el retrato de ese instante en el que la lógica pierde la batalla contra el deseo. Con versos afilados como "Contigo soy la versión más estúpida de mí" y la autodefinición de ser "la diabla con quien bailas en la oscuridad", Paty se aleja de la imagen de la víctima para posicionarse como una mujer consciente de su propia vulnerabilidad y de sus errores.

El impacto visual del sencillo no se queda atrás. El videoclip oficial apuesta por una estética minimalista donde la soledad y la espera son las protagonistas. A través de encuadres íntimos, la cámara captura a una Paty Cantú que transmite una melancolía palpable, reforzando el mensaje de que, a veces, estar con la persona equivocada es la forma más profunda de sentirse solo. Esta propuesta visual complementa a la perfección la dualidad de la canción: la belleza de la melodía enfrentada a la crudeza del mensaje.

Este lanzamiento llega en un momento clave de su carrera. Apenas unos días después del estreno, la artista subió al escenario del festival Tecate Pa'l Norte el pasado 28 de marzo, donde la recepción del público confirmó que "Todo Lo Que Está Mal" ya se perfila como uno de los himnos del año. Este sencillo actúa como la segunda gran pieza de un rompecabezas que será su próximo álbum de estudio, un proyecto que promete ser el más personal e independiente de su trayectoria.

Con este estreno, Paty Cantú reafirma que su relevancia en la música latina no depende de seguir tendencias pasajeras, sino de su capacidad innata para transformar el caos emocional en arte. "Todo Lo Que Está Mal" es, paradójicamente, todo lo que está bien en el pop actual: riesgo, talento y una verdad que duele al mismo tiempo que libera.

La cantautora venezolana Elena Rose presenta “TUTUTU”, su nuevo sencillo junto a Alleh, una colaboración que llega para marcar un nuevo momento dentro del afro-pop venezolano y consolidar la evolución artística de ambos. Disponible ya en todas las plataformas digitales, el tema combina deseo, atracción y una química inmediata sobre una base sonora ligera y envolvente.

Desde sus primeros compases, “TUTUTU” construye una narrativa que transita de la atracción inicial hacia una conexión más intensa. En este recorrido, Elena Rose muestra una faceta más directa, segura y conectada con su lado más sensual, evidenciando un crecimiento natural dentro de su propuesta artística. La vulnerabilidad que ha caracterizado sus composiciones en el pasado se transforma aquí en una expresión más decidida y consciente.

La unión entre Elena Rose y Alleh, dos de los nombres venezolanos con mayor proyección internacional, no estaba necesariamente en el radar del público, pero rápidamente se ha convertido en una de esas colaboraciones que generan conversación. El resultado es una canción que conecta desde la primera escucha, de esas que no necesitan explicación, sino que simplemente se sienten.

Este lanzamiento se enmarca en un contexto más amplio: una nueva ola de artistas venezolanos que están redefiniendo el sonido del pop latino a nivel global. “TUTUTU” se posiciona así como un reflejo de ese movimiento, aportando frescura, identidad y una visión contemporánea del afro-pop.

El estreno llega además en un momento especialmente significativo para Elena Rose, quien recientemente hizo historia al convertirse en la primera mujer latina en recibir el BMI Impact Award, consolidando su lugar como una de las compositoras más influyentes de su generación. Poco después, fue invitada especial en un evento liderado por Karol G junto a Con Cora, donde compartió escenario con otras mujeres destacadas de la industria.

Con una trayectoria impresionante, Elena Rose ha escrito éxitos para figuras como Daddy Yankee, Rauw Alejandro, Becky G, Selena Gomez, Jennifer Lopez o Christina Aguilera, demostrando su capacidad para crear hits que trascienden fronteras. Desde su debut como solista en 2020, ha logrado reunir millones de oyentes mensuales y colaborar con artistas como Sebastián Yatra, Mora, Danny Ocean o Young Miko.

Además, su impacto en vivo la ha llevado a compartir escenario con figuras como Alejandro Sanz y la propia Karol G, así como a participar en festivales internacionales de gran relevancia, consolidando su presencia global.

Como parte de este crecimiento, la artista llevará su música a Europa con su próxima gira, que incluirá paradas en ciudades como Oporto, Marbella, Berlín, Londres, París o Milán durante el verano de 2026, ampliando aún más su alcance internacional.

Con “TUTUTU”, Elena Rose no solo presenta un nuevo single, sino que reafirma su evolución artística y su capacidad para liderar nuevas tendencias dentro del pop latino, acompañada por una colaboración que ya está dando forma a un nuevo capítulo para el afro-pop venezolano.

“TUTUTU” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Elena Rose y Alleh, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista sevillano Beret presenta su nuevo single “Hablo de ti”, una balada melancólica que marca el inicio de una nueva etapa en su carrera tras el éxito de su último trabajo discográfico. Lanzado el 27 de marzo de 2026, el tema ha sido recibido como un esperado regreso a la esencia que lo convirtió en una de las voces más influyentes del pop urbano sentimental en España.

Francisco Javier Álvarez Beret, su nombre real, se ha consolidado como un referente gracias a su capacidad para mezclar géneros como el rap, el reggae y el pop, siempre acompañado de una lírica profunda, cargada de emociones y juegos de palabras. Desde sus inicios subiendo grabaciones caseras a YouTube, su autenticidad ha sido el eje de una carrera que despegó definitivamente con temas como “Lo Siento”.

“Hablo de ti” refleja precisamente ese espíritu original. Producida por Pablo Cebrián, la canción apuesta por una sonoridad más desnuda y emocional, donde la voz y la letra cobran un protagonismo absoluto. En ella, Beret explora la nostalgia de un amor pasado, esa sensación cercana a la “saudade” que permanece incluso cuando todo lo demás cambia.

El mensaje del tema gira en torno a la imposibilidad de olvidar a ciertas personas. A través de una narrativa íntima, el artista plantea cómo, por más que uno intente avanzar o centrarse en otros aspectos de la vida, hay recuerdos que siguen filtrándose en cada pensamiento cotidiano. Tal y como sugiere el propio título, cualquier intento de hablar de otra cosa termina inevitablemente en lo mismo: hablar de esa persona que dejó huella.

El lanzamiento ha generado una fuerte respuesta entre sus seguidores más fieles, quienes han celebrado este retorno a un sonido más acústico y crudo, muy en la línea de sus primeras composiciones. Para muchos, “Hablo de ti” supone reconectar con el Beret más vulnerable, ese que convirtió sus pensamientos en canciones capaces de acompañar a toda una generación.

Este nuevo capítulo llega en un momento de expansión internacional para el artista, que continúa cosechando éxitos con su gira Tour Lo Bello y lo Roto. El tour ha logrado agotar entradas en múltiples ciudades no solo en España, sino también en países como Argentina y Estados Unidos, además de abrirse paso por primera vez en importantes capitales europeas.

En los próximos meses, Beret llevará su música a Latinoamérica, con paradas confirmadas en Argentina durante mayo de 2026, visitando ciudades como Córdoba, Buenos Aires y Rosario. Posteriormente, formará parte de algunos de los festivales más destacados del verano en España, incluyendo eventos vinculados a LOS40.

Con “Hablo de ti”, Beret demuestra una vez más su capacidad para conectar con el público desde la honestidad emocional, reafirmando su lugar como una de las figuras clave de la música en español actual.

“Hablo de ti” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Beret, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista, compositor y productor Pepe Bernabé continúa dando forma a su nueva etapa creativa con el lanzamiento de “Tan Bien”, un single que profundiza en el universo emocional que ya comenzó a trazar con “Los Cinco Sentidos” y “Lo que daría yo”. Lejos de ser canciones independientes, estos temas forman parte de un mismo relato artístico donde la honestidad, la melodía y la emoción se sitúan en el centro.

En esta ocasión, Bernabé se aleja del desamor o la pérdida para explorar una sensación diferente: ese instante en el que, aunque todo parezca desordenado alrededor, por dentro existe una calma inexplicable. “Tan Bien” nace durante un viaje a Tailandia, en un momento de conexión personal en el que el artista se permitió vivir sin ruido externo ni necesidad de entenderlo todo.

“Es esa sensación de estar a gusto contigo mismo, sin pensar más allá, simplemente dejar que el momento ocurra”, explica el propio músico, resumiendo el espíritu de una canción que abraza la contradicción como parte de la experiencia humana. La idea central —“¿por qué sienta tan bien estando todo mal?”— no busca respuestas, sino invitar a aceptar ese vaivén emocional tan cotidiano.

Fiel a su estilo, Pepe Bernabé deja espacio para que el oyente haga suya la historia. “Tan Bien” puede interpretarse como una relación, un encuentro fugaz o incluso un momento íntimo de paz, demostrando una vez más su capacidad para construir canciones abiertas, cargadas de significado.

En el plano sonoro, el artista refuerza la identidad de esta nueva etapa con una producción cálida y profundamente melódica, inspirada en el pop clásico. Referencias como Mr. Blue Sky de Electric Light Orchestra sirven como punto de partida para una construcción donde el piano, la batería y la estructura acompañan la emoción sin imponerse.

A sus 30 años, Pepe Bernabé se consolida no solo como intérprete, sino también como uno de los productores más versátiles del panorama nacional. A lo largo de su trayectoria ha trabajado con artistas como Beret, Cepeda, Coti, Gonzalo Hermida, Nyno Vargas o Blas Cantó, una experiencia que le permite mantener un control creativo total sobre su música.

“Tan Bien” se presenta así como una pieza clave dentro de un proyecto más amplio, donde cada lanzamiento suma a un concepto de álbum cohesionado. Tras el impacto de “Los Cinco Sentidos”, que ya supera el millón de reproducciones, y la intensidad emocional de “Lo que daría yo”, este nuevo tema muestra una cara más luminosa e introspectiva del artista, sin perder la esencia que define su propuesta.

Desde sus primeros lanzamientos en 2018, Pepe Bernabé ha construido una trayectoria sólida dentro del pop español contemporáneo, combinando influencias del pop, el flamenco y sonidos mediterráneos. Su música acumula más de 40 millones de reproducciones en plataformas digitales y ha recorrido escenarios de toda España, incluyendo festivales como Jardins de Pedralbes, Big Sound Festival o Granca Live Fest.

En 2026, el artista se adentra de lleno en un sonido más personal, coherente con su momento vital y creativo. Y en ese camino, “Tan Bien” se convierte en un nuevo paso hacia ese lugar donde, aunque todo parezca caótico, algo dentro finalmente empieza a encajar.

“Tan Bien” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Pepe Bernabé, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Hay noches que se quedan grabadas, y la del pasado viernes en el Sant Jordi Club fue una de ellas. Más de 3.000 personas vibraron con Marlena en un concierto que ya forma parte de su historia del festival Guitar Bcn. El dúo madrileño, formado por Ana Legazpi y Carolina Moyano, logró llenar uno de los recintos más emblemáticos de la ciudad y lo hizo con un espectáculo que respiraba emoción, entrega y una complicidad palpable con el público.

Desde los primeros compases, quedó claro que Pies sin plomo es mucho más que el nombre de una gira: es una declaración de intenciones. Las canciones que han acompañado a Marlena en su meteórico ascenso sonaron con la fuerza de quien sabe que está viviendo un momento importante. Las luces, los visuales y la impecable banda que las arropaba hicieron del concierto una experiencia redonda, sin artificios, pero con una sensibilidad contagiosa.

Uno de los momentos más especiales llegó cuando interpretaron La gent que estimo del mítico grupo catalán Oques Grasses. La reacción fue inmediata: cientos de voces se unieron al estribillo, llenando el recinto de una emoción compartida que trascendió cualquier idioma. Fue un gesto bonito, sincero, que selló la conexión de Marlena con el público barcelonés.

Entre canciones, Ana y Carol no ocultaron su emoción. “Nunca nos hubiéramos imaginado ver el Sant Jordi Club así”, confesó Ana, mientras las luces del escenario iluminaban los rostros sonrientes del público. No hubo distancia entre artistas y espectadores, sólo la sensación de estar viviendo juntos algo irrepetible. 

La gira Pies sin plomo sigue recorriendo el país con la fuerza de quien pisa firme y vuela alto. Y lo de anoche en Barcelona no fue solo un concierto: fue una celebración del presente de Marlena y una promesa clara de todo lo que aún está por venir.

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

El músico y compositor chileno afincado en España Nacho Sarmiento presenta “Guardián”, su nuevo single, una pieza profundamente emocional que aborda la pérdida desde una perspectiva íntima y cercana. Disponible ya en plataformas digitales, la canción se posiciona como uno de sus trabajos más personales hasta la fecha.

Construida desde el piano y sostenida por una interpretación vocal delicada, “Guardián” se mueve entre el rock y el pop emocional, desarrollando un relato que nace de una experiencia real: la pérdida del hermano de un amigo del artista. A partir de esa vivencia, Sarmiento coescribe una letra cargada de sensibilidad, transformando el dolor en una obra que busca acompañar y conectar.

“Guardián nace desde una experiencia muy cercana. Es una canción que busca quedarse en ese lugar donde alguien ya no está físicamente, pero sigue presente de alguna forma”, explica el propio artista sobre el origen del tema. Esta idea se resume en su estribillo —“Solo me quedará tu espíritu guardián”—, una frase que encapsula el mensaje central: la permanencia simbólica de quienes, aunque ausentes, siguen habitando en la memoria y el corazón.

Musicalmente, la canción evoluciona desde una fragilidad inicial hacia una intensidad creciente, manteniendo siempre una conexión directa con la emoción. Este desarrollo sonoro acompaña el viaje narrativo del tema, reforzando su impacto y profundidad.

La producción ha estado a cargo de Raúl Céspedes y Martín Benavides, dos reconocidos músicos chilenos, y se ha llevado a cabo entre estudios de Santiago de Chile y Barcelona. Este proceso ha dado como resultado un sonido que combina la intimidad inicial con una mayor fuerza emocional, logrando un equilibrio entre lo minimalista y lo expansivo.

Con “Guardián”, Nacho Sarmiento continúa consolidando una nueva etapa artística marcada por una mayor introspección y un enfoque más centrado en la interpretación y el peso emocional de sus composiciones. Su propuesta, que mantiene raíces en el rock/pop, incorpora ahora matices más íntimos —como el protagonismo del piano—, ampliando su identidad sonora.

A lo largo de su trayectoria, el artista ha llevado su música a diferentes escenarios internacionales, con presentaciones en ciudades como Barcelona y Berlín, construyendo un camino sólido basado en la honestidad y la conexión emocional con el público. De cara a 2026, Sarmiento continuará lanzando nueva música y preparando presentaciones en vivo en Barcelona, impulsando así una nueva fase en su carrera.

“Guardián” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Nacho Sarmiento, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La banda madrileña Medias Pintas presenta “Mesa para uno”, el tercer adelanto de su próximo EP Dos Tazas, consolidando una narrativa que canción a canción dibuja un mapa emocional honesto y reconocible. Tras la calidez de “Bonita Casualidad” y el pulso nocturno de “Gato Negro”, el grupo se adentra ahora en su faceta más íntima y vulnerable.

El tema arranca desde la contención: una estrofa acústica desnuda, con la voz en primer plano, sitúa al oyente frente a la fragilidad del recuerdo. Poco a poco, la canción crece de manera orgánica hasta abrirse en un estallido de banda completa, construyendo un paisaje sonoro amplio y envolvente que acompaña la evolución emocional del relato.

“Mesa para uno” habla de la huella que deja la ausencia, de ese eco persistente que habita en los objetos cotidianos y en los pequeños gestos —un coletero olvidado, una sombra en el salón—, pero también del impulso necesario para seguir adelante. Medias Pintas transforma la nostalgia en movimiento, apoyándose en contrastes dinámicos y una sensibilidad melódica que conecta desde lo íntimo hacia lo expansivo.

La producción vuelve a estar en manos de Santi Capote (The Punch), quien refuerza una identidad sonora cada vez más definida, equilibrando con precisión lo acústico y lo eléctrico. El resultado es un sonido sólido, emocional y lleno de matices, que potencia la capacidad de la banda para emocionar sin artificios.

Con “Mesa para uno”, Medias Pintas reafirma su lugar dentro del indie rock nacional, apostando por la emoción honesta y una narrativa que pone el foco en las relaciones, la memoria y los procesos de reconstrucción personal.

Dos Tazas, que verá la luz próximamente, se perfila así como un trabajo coherente y profundo, donde cada canción suma una nueva perspectiva sobre aquello que nos une, nos rompe y nos transforma.

La estrella internacional Becky G vuelve a sacudir la escena musical con el lanzamiento de “MARATHON”, su nuevo single junto al emergente productor y artista elkan. Estrenado el 27 de marzo de 2026, el tema marca un punto de inflexión en la carrera de la artista, apostando por un sonido renovado que combina lo urbano con una estética más sofisticada y global.

Tras una etapa en la que exploró profundamente sus raíces regionales mexicanas, Becky G inicia ahora una nueva era artística caracterizada por la reinvención. “MARATHON” representa ese cambio de rumbo, recuperando su esencia más internacional sin perder la identidad que la ha convertido en una de las figuras más influyentes del panorama latino.

La colaboración con elkan ha sido clave en este proceso. El productor no solo participa vocalmente en algunos pasajes, sino que también construye el universo sonoro del tema desde cero. Su papel como multiinstrumentista —encargándose del bajo, la batería e incluso la flauta— aporta una textura orgánica poco habitual dentro del género, alejándose de los patrones más convencionales del reggaetón.

Conceptualmente, “MARATHON” utiliza la metáfora de una carrera de fondo para hablar sobre la vida, el éxito y la perseverancia. Becky G transmite un mensaje claro: no detenerse, mantener el ritmo y disfrutar del camino, incluso frente a los obstáculos. Esta narrativa se refuerza con una actitud de seguridad y empoderamiento que atraviesa toda la canción desde sus primeras líneas.

Uno de los elementos más destacados del single es su estilo bilingüe. Becky G fluye con naturalidad entre el inglés y el español, recuperando ese “Spanglish” que definió sus primeros éxitos, pero con una madurez artística evidente. Esta dualidad no solo amplía su alcance global, sino que también refuerza su identidad como artista multicultural.

El videoclip, rodado en Milán, refuerza visualmente el concepto del tema. Con una estética inspirada en la alta costura y las pasarelas, Becky G combina looks de lujo con una energía urbana, simbolizando su propia carrera dentro de la industria: una constante evolución en la cima. La frase “¿Quién es esa en el runway? Mamacita tan sexy” marca desde el inicio esa actitud de confianza que define esta nueva etapa.

A nivel sonoro, “MARATHON” destaca por su tempo medio-alto, lo que la convierte en una canción versátil, capaz de funcionar tanto en contextos de entrenamiento como en escucha cotidiana. La crítica ha puesto el foco en la producción de elkan, que logra integrar elementos electrónicos contemporáneos sin perder la esencia latina que caracteriza a Becky G.

Con este lanzamiento, la artista no solo presenta un nuevo single, sino que establece las bases de una etapa marcada por la ambición, la evolución y el control creativo. “MARATHON” no es solo una canción, es una declaración de intenciones: Becky G sigue corriendo su propia carrera, y lo hace a su ritmo, sin mirar atrás.

“MARATHON” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Becky G y elkan, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora argentina Yami Safdie da un paso decisivo en su carrera con el lanzamiento de “Cuéntame”, su nuevo sencillo junto al icónico artista español Alejandro Sanz, ya disponible en todas las plataformas digitales. La canción, cargada de emoción, nace de un encuentro tan inesperado como determinante que terminó convirtiéndose en una de las colaboraciones más especiales del panorama latino reciente.

Todo comenzó hace un año durante los Premios Lo Nuestro, cuando Yami decidió acercarse personalmente a Alejandro Sanz para compartirle una canción. Lo que parecía un gesto espontáneo terminó marcando un antes y un después en su trayectoria: el artista español no solo escuchó el tema, sino que decidió sumarse al proyecto, aportando su inconfundible sensibilidad interpretativa.

La conexión entre ambos artistas se consolidó rápidamente en el estudio, donde dieron forma a “Cuéntame”. Tras grabar sus voces, llevaron esa complicidad también al directo, compartiendo escenario en Argentina durante el mes de marzo, una experiencia que reforzó su vínculo artístico y que sirvió además como escenario para el rodaje del videoclip oficial.

El resultado es una pieza íntima y emotiva que acompaña a una canción concebida como una oda al amor en su forma más pura. “Cuéntame” se presenta como una composición universal, capaz de conectar con el oyente desde la honestidad y la emoción, con una sensibilidad que invita a convertirla en banda sonora de momentos significativos.

Este lanzamiento reafirma a Yami Safdie como una de las voces emergentes más cautivadoras del panorama latino actual, consolidando su crecimiento artístico y su capacidad para conectar con el público. Por su parte, Alejandro Sanz vuelve a demostrar su vigencia y su habilidad única para tender puentes entre generaciones, manteniéndose como una figura clave dentro de la música en español.

Paralelamente, el artista español se prepara para iniciar la tercera etapa de su gira “¿Y Ahora Qué?” por Estados Unidos, una serie de conciertos que lo llevará a ciudades como Chicago, Washington D.C., Nueva York, Miami, Dallas, Houston o Los Ángeles, entre otras. Además, continúa generando expectación con su nuevo proyecto escénico, “El Alma al Aire”, un ambicioso musical que rinde homenaje a sus grandes éxitos a través de una narrativa emocional y que podrá disfrutarse el próximo 1 de octubre en el Teatro Ocaso Coliseum.

Con “Cuéntame”, ambos artistas no solo firman una colaboración, sino que construyen un puente emocional entre generaciones y estilos, reafirmando el poder de la música para unir historias y sentimientos.

“Cuéntame” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Yami Safdie y Alejandro Sanz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista madrileña Cris Moné presenta su nuevo single “Así era nuestro amor”, una canción que transforma el dolor ajeno en una historia universal sobre el final de una relación. Inspirada por la ruptura de su mejor amiga, la cantante convierte esa experiencia cercana en un relato cargado de sensibilidad y honestidad. “Hace unos meses, mi mejor amiga me contó que la habían dejado… Estaba tan mal que me dolió como si fuera mío, así que escribí ‘así era nuestro amor’”, comparte la artista sobre el origen del tema.

Con este lanzamiento, publicado en marzo de 2026, Cris Moné reafirma su evolución artística, consolidándose como una de las voces más reconocibles dentro del pop melódico con influencias urbanas en España. Su propuesta, que fusiona pop, R&B y matices urbanos, se caracteriza por una fuerte carga emocional y una interpretación vocal que combina dulzura y potencia.

La canción se construye sobre una narrativa de nostalgia y aceptación. A través de una letra directa y vulnerable, la artista reflexiona sobre cómo una relación que alguna vez fue luminosa termina desvaneciéndose con el tiempo. “Así era nuestro amor”, en pasado, funciona como eje central de un mensaje que explora la entrega total y las consecuencias emocionales de apostar todo por alguien.

El sonido mantiene la esencia que ha definido su carrera, pero da un paso adelante con una producción más pulida y contemporánea. Este crecimiento artístico se percibe tanto en la construcción musical como en la profundidad de la interpretación, evidenciando una madurez que conecta especialmente con quienes han seguido su trayectoria desde sus inicios.

Cris Moné comenzó a ganar notoriedad a través de su canal de YouTube, donde sus versiones y colaboraciones acumularon millones de reproducciones. Entre ellas, destacan trabajos junto a Karen Méndez, JPelirrojo, Fase y Noan, que impulsaron su visibilidad dentro de la escena digital. Además, formó parte de la banda sonora de la adaptación española de la saga After con el tema “Después”.

A lo largo de los años, ha dejado atrás la etiqueta de “artista de covers” para construir una identidad propia basada en letras introspectivas y relatos emocionales sobre el amor y el desamor. Su constancia se refleja en una discografía amplia que incluye numerosos singles y colaboraciones, con canciones como “Llegará” o “No te puedo olvidar”.

La recepción de “Así era nuestro amor” está siendo especialmente positiva en redes sociales, donde tanto el videoclip como el audio están generando una fuerte conexión con el público. Sus seguidores destacan, una vez más, su capacidad para poner palabras a sentimientos complejos y conectar con el lado más sensible de quienes la escuchan.

“Así era nuestro amor” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Cris Moné, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.