El ídolo salsero Frankie Negrón vuelve a la industria musical con una nueva producción que promete marcar un antes y un después en su carrera. Con el lanzamiento de su más reciente sencillo, “Yo Volví”, el reconocido cantante y compositor puertorriqueño reafirma su lugar en la élite de la salsa contemporánea, demostrando que su historia musical continúa escribiéndose con determinación y excelencia.

Tras una trayectoria consolidada con grandes éxitos que lo han llevado a recorrer escenarios alrededor del mundo, Frankie Negrón regresa con una propuesta renovada, madura y poderosa. “Yo Volví” no es solo un título; es una declaración firme de presencia, evolución y compromiso con su público. El artista, que ha logrado posicionarse en la industria con innumerables hits que lo catapultaron a giras internacionales por América Latina, Estados Unidos y Europa, vuelve a la carga con la seguridad de quien sabe que su lugar en la música está más que ganado.

El nuevo sencillo es una salsa cargada de identidad, sabor tropical y fuerza interpretativa. Con arreglos modernos que respetan la esencia clásica del género, Frankie logra un balance perfecto entre tradición e innovación. La producción destaca por su energía vibrante, metales contundentes y una interpretación vocal que transmite seguridad, pasión y experiencia. Cada elemento sonoro está cuidadosamente dispuesto para crear una atmósfera que invita al baile sin renunciar a la profundidad que caracteriza al género.

Este nuevo posicionamiento artístico muestra a un Frankie Negrón más sólido que nunca, dispuesto a reconquistar las listas de éxitos y a conectar con una nueva generación de salseros sin perder la esencia que lo convirtió en referente del género. Su estilo romántico, combinado con su potencia vocal y carisma escénico, lo consolidaron como una de las figuras más queridas de la salsa moderna, y ahora, con este lanzamiento, demuestra que su música sigue vigente y que tiene mucho que aportar a la escena actual.

A lo largo de su carrera, Frankie Negrón ha construido un legado que incluye éxitos inolvidables que han marcado a generaciones enteras. Temas como “Princesa”, “Inolvidable” o “Amor pirata” forman parte del imaginario colectivo de los amantes de la salsa, y su regreso con nueva música no hace sino alimentar la expectación de un público que lo ha esperado con los brazos abiertos.

“Yo Volví” marca el inicio de una etapa prometedora en la carrera del artista, abriendo paso a futuros proyectos y presentaciones que, sin duda, volverán a poner a bailar al público. La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa energía arrolladora que solo un artista de la talla de Frankie Negrón puede ofrecer. Una declaración de que la salsa tiene rey para rato, y que ha vuelto para quedarse.

El compositor español CARRØ.m, un artista que crea melodías sin etiquetas y sin prisas, con la emoción como eje central de cada canción, presenta “Un par de salvajes”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema se despliega como un pop de intensidad romántica y nostálgica que retrata el recuerdo de un amor indomable, libre de normas y relojes, una historia de reencuentro con lo auténtico, con ese fuego que permanece bajo la superficie incluso cuando todo parece haberse enfriado.

La canción nace desde la necesidad de recordar quiénes fuimos antes de domesticarnos, antes de los silencios y las dudas. Es un homenaje a los amores imperfectos pero verdaderos, a esas historias que dejan huella y siguen latiendo con el paso del tiempo, demostrando que hay vínculos que no entienden de calendarios ni de distancias. CARRØ.m construye una narrativa lírica que transita entre la vulnerabilidad y la fuerza, evocando imágenes de juventud, riesgo y pasión, esos momentos en que el mundo era nuestro y no existía el reloj.

Musicalmente, “Un par de salvajes” combina una producción orgánica con una atmósfera cinematográfica. Las guitarras, con un carácter marcado, dialogan con una interpretación vocal honesta que transmite cada matiz de la letra sin necesidad de aspavientos. La construcción progresiva del tema va creciendo en intensidad hasta desembocar en un estribillo poderoso y emocional que atrapa desde la primera escucha y no suelta hasta el final.

Publicado en 2026, este lanzamiento consolida una nueva etapa artística para CARRØ.m, marcada por la coherencia estética y la búsqueda de una identidad sonora propia. Su propuesta, alejada de las prisas y las modas, apuesta por canciones que buscan la emoción sea cual sea el género, conectando con quienes han sentido alguna vez que el mundo era suyo y no existía el reloj.

Con “Un par de salvajes”, CARRØ.m reafirma su capacidad para crear música que trasciende etiquetas y que habla directamente al corazón. Un tema para quienes han amado sin reglas, para quienes guardan en la memoria ese amor que fue salvaje y que, aunque el tiempo pase, sigue latiendo bajo la superficie. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de nostalgia y pasión que solo un artista como CARRØ.m puede crear.

La artista emergente Emma García, conocida artísticamente como La Patrona, presenta oficialmente “Me cansé”, la canción que defendió como propuesta para el Benidorm Fest y que ahora comienza una nueva vida como lanzamiento dentro de su proyecto artístico. El tema, ya disponible en plataformas digitales, se despliega como un pop electrónico con sutiles matices flamencos que combina fuerza sonora, actitud y una narrativa honesta en primera persona sobre el momento de decir basta.

“Me cansé” aborda una ruptura definitiva provocada por el cansancio emocional y la falta de reciprocidad, retratando el instante exacto en que la protagonista toma conciencia del daño sufrido y decide marcharse sin mirar atrás. Pero el eje central del tema no es únicamente el desamor, sino algo más profundo: la recuperación del control emocional y del poder sobre la propia vida. Es una canción sobre la valentía de irse a tiempo, sobre entender que a veces el acto más revolucionario es simplemente poner límites y cumplirlos.

A lo largo de la letra aparecen recursos metafóricos de gran carga simbólica, como el cuchillo o la puñalá, imágenes que representan la traición y la herida interior que deja una relación desequilibrada. El relato se apoya también en escenas cotidianas de gran potencia visual, como la figura de la pareja inmóvil frente al televisor, que simbolizan la apatía, la rutina y el desgaste progresivo del vínculo. Son esos pequeños detalles, reconocibles para cualquiera que haya vivido una relación que se apaga, los que dotan a la canción de una honestidad desarmante.

Cuando la protagonista se arregla y sale a la noche, el gesto se convierte en un acto consciente de liberación. Es el momento en el que vuelve a sentirse viva, segura y dueña de sus decisiones, marcando el cierre definitivo de una etapa y el inicio de una identidad más libre y fortalecida. Esa transformación, de víctima a protagonista de su propia historia, es el arco narrativo que atraviesa toda la canción y la convierte en un himno para quienes han necesitado recuperar las riendas de su vida.

Emma García presentó “Me cansé” en directo tanto en el BeniOff Fest como en el Teatro Kapital, compartiendo cartel con artistas como Ana Nieto, Omar Samba, Vik Faded y Vibi Aura, consolidando así la proyección escénica de un tema que conecta desde la emoción y la determinación. Su paso por estos escenarios demostró que la canción tiene una fuerza especial en directo, donde la energía de la interpretación multiplica el impacto de la letra.

Tras su experiencia presentando la canción al Benidorm Fest, la artista compartió en redes un mensaje honesto y profundamente sano para otros creadores, poniendo en valor que el verdadero aprendizaje no reside en el resultado, sino en el camino recorrido, el trabajo con su equipo y el proceso creativo vivido. Para Emma, un “no” no define una carrera; cada paso, cada intento, cada canción forma parte del crecimiento personal y profesional. Esa filosofía, tan necesaria en un mundo a menudo obsesionado con el éxito inmediato, la convierte en un referente para quienes empiezan.

Con “Me cansé”, Emma García reafirma su identidad dentro del pop electrónico español y lanza un mensaje claro: la valentía de irse a tiempo también es una forma de victoria. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de liberación y empoderamiento que solo una artista con su sensibilidad puede crear.

La vida pasa deprisa en el universo de Error 97. Es lo que tiene rondar la veintena y llevar ya un tiempo siendo la gran promesa de la escena guitarrera madrileña. El cuarteto, formado por Álvaro (guitarra y voz), Fío (bajo y coros), Gonzalo (guitarra y coros) y Nicolás (batería), ya había publicado una colección de EPs y canciones sueltas que podrían constituir un grandes éxitos de toda una carrera, pero ellos no paran. ¿Por qué deberían hacerlo? Tienen carisma, hambre, talento, ambición y ganas de trabajar. Si os los habéis encontrado en un escenario ya sabéis de lo que son capaces. Si es cuestión de tenerlo o no tenerlo, ellos lo tienen a raudales .

Ahora llega el momento de condensar todo ello en su primer disco. 'Nadie nos recordará' irrumpe en el cerebro a velocidad supersónica, multiplicando todas las virtudes anteriormente expuestas. Grabado y producido por Randi Naranjo en Halley Music Hub (Madrid), con mezclas de Ignacio De las Cuevas y masterización de Julio Rodríguez Sangrador, el álbum ya está disponible en vinilo —con una cuidada portada obra de Karen Else— y en todas las plataformas digitales de escucha habituales.

Error 97 hablan de su vida sin subterfugios. De la realidad del barrio en 'Barrio del Pilar', un título que lo dice todo. De la angustia existencial en 'Rendirse' y 'Los mejores años de mi vida'. De pegarse hostiazos emocionales aunque no los quieras recibir en 'La hostia del siglo' y, por supuesto, en 'Tu yo de pequeño'. También hablan de amor en 'Mátame', con esa intensidad propia de la postadolescencia —que dura hasta los cien años más o menos, por si alguien tenía dudas—.

Canciones como 'Consuelo emocional', 'Todo pasa' o su himno más coreado, 'Nunca vuelvas a pisar Madrid', ya venían siendo reivindicadas por un público que corea sus letras a pleno pulmón en cada directo . En directo, su energía es arrolladora, con letras reivindicativas y sinceras que invitan al pogo y a la catarsis colectiva .

Para cerrar el disco, una de esas canciones que trascienden generaciones y fronteras geográficas: 'El gran recuerdo', directa al corazón. De Madrid al mundo, sin miedo a mostrarse vulnerables, sin miedo a asumir la responsabilidad de ser portavoces de su generación, quieran o no. Abriendo caminos sonoros a canciones que se mueven como equilibristas entre el rock, el punk y el pop.

Error 97, que ya ha compartido cartel con bandas como Carolina Durante, Muro María o Los Valientes , confirma con 'Nadie nos recordará' que la nueva escena guitarrera madrileña tiene un nuevo estandarte. Jóvenes, sí, pero con las ideas muy claras y una urgencia narrativa que atrapa desde el primer acorde.

El electro-latino vuelve a rugir con la fuerza de dos titanes. Juan Magán, el indiscutible “Rey del Electro-latino”, y Omar Montes, el artista más escuchado de España en los últimos años, han unido sus talentos en “Ayer La Vi (BPA26)”, un single lanzado el pasado 27 de febrero de 2026 que ya está dando mucho que hablar. Se trata de una reinvención de “Bailando Por Ahí”, el himno que catapultó a Magán a la fama mundial hace quince años y que ahora regresa actualizado para conquistar las pistas de baile de una nueva generación.

El sufijo “BPA26” no es casual: hace referencia directa a las iniciales del tema original (Bailando Por Ahí) y al año de este remake, 2026. La canción fusiona el inconfundible estilo electro-latino de Magán con el toque urbano y flamenco de Omar Montes, creando una mezcla explosiva que respeta la esencia del original pero la sitúa en el presente con una producción pensada para las pistas de baile actuales y, cómo no, para triunfar en TikTok.

La letra mantiene ese espíritu de encuentro casual y nostalgia que hizo grande al tema original. “Ayer lo vi, bailando por ahí, con sus amigas en una calle de Madrid, tan linda como el día que la conocí”, canta Magán, mientras Omar Montes aporta su flow característico en unas estrofas que actualizan el relato: “Ella es loca por ritmo latino, se prende en la pista bailando conmigo, en la rumba se toca, me mira y yo, electrónicamente encendido”.

El videoclip que acompaña al single es todo un homenaje a la cultura de redes sociales. Cuenta con la participación de algunas de las influencers más importantes de España, como Lola Lolita, Sofía Surfers, Marina Rivers y Shakira Martínez, quienes protagonizan una fiesta icónica junto a los dos artistas. Una celebración visual que refuerza la idea de que este tema nace para ser compartido, para bailarse en grupo, para convertirse en banda sonora de momentos colectivos.

El lanzamiento de “Ayer La Vi (BPA26)” no es casual. Responde al fenómeno viral que ha rodeado a la canción original en el último año, demostrando que el género que inventó Magán sigue más vivo que nunca y que sus melodías han atravesado generaciones con una vigencia asombrosa. Para Juan Magán, este 2026 está suponiendo una segunda juventud artística, una oportunidad para reafirmar su legado como pionero de la música urbana en español. Para Omar Montes, supone una nueva colaboración de altura que confirma su capacidad para adaptar el flamenco al reggaetón con un carisma arrollador.

Ambos artistas presentarán este tema y muchos otros éxitos en el Festival Electrolatino, que tendrá una de sus citas más importantes en el Movistar Arena de Madrid este próximo mes de abril. Una oportunidad única para disfrutar en directo de la energía de dos de los nombres más grandes de la música española actual.

“Ayer La Vi (BPA26)” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de nostalgia y fiesta que Juan Magán y Omar Montes han sabido crear. Una canción para recordar, para bailar y para demostrar que los himnos, cuando son de verdad, nunca mueren: solo se reinventan.

La artista emergente Miranda León, una de las voces con mayor proyección dentro del pop-rock y el pop alternativo en España, presenta “Contéstame”, su nuevo sencillo y un tema que marca un punto de inflexión en su carrera hacia un sonido más maduro y contundente. La canción, ya disponible en todas las plataformas digitales, se despliega como un vibrante tema de pop-rock con una base de guitarras eléctricas muy presente, alejándose del pop más acústico de sus inicios para abrazar una energía que recuerda a las bandas de los 2000 pero con una producción totalmente actual.

La letra de “Contéstame” aborda una de las experiencias más universales y frustrantes de la era digital: la ansiedad y la incertidumbre que genera la falta de comunicación, el famoso “ghosting” o las interminables esperas ante el teléfono sin recibir respuesta. Es un grito de frustración ante el silencio de la otra persona, un desahogo donde Miranda despliega toda su potencia vocal en un estribillo que funciona como catarsis compartida. La canción nace desde la experiencia real de esa desesperación que produce necesitar a alguien y no obtener respuesta, evocando sentimientos de vacío, ansiedad y pérdida con una honestidad desgarradora.

Musicalmente, el tema apuesta por un sonido de “banda de garaje” pulida, logrando un equilibrio perfecto entre la frescura de lo espontáneo y la calidad de una producción cuidada. El resultado es una canción que está funcionando muy bien tanto en radiofórmulas como en listas de reproducción de novedades indie-pop, confirmando que Miranda ha dado en la tecla con esta evolución sonora.

Miranda León, aunque comenzó a ganar tracción en redes sociales compartiendo versiones y pequeños fragmentos de sus composiciones, se ha consolidado como una artista de escenario con una propuesta que destaca por su estética cuidada y letras que conectan con las vivencias de la generación Z, moviéndose entre la vulnerabilidad y la energía del directo. Sus influencias, que van desde el pop clásico español hasta el pop-punk americano de principios de siglo, le otorgan un aire fresco y diferente a lo que suena habitualmente en el género urbano dominante.

Este 2026 está siendo el año de su explosión definitiva, participando en festivales de formato medio y ganándose el respeto de la crítica por su capacidad para escribir sus propias canciones y transmitirlas en directo con una intensidad arrolladora. Para presentar este nuevo trabajo, Miranda León ha puesto en marcha una gira que recorrerá algunas de las salas más icónicas de España.

Las primeras fechas confirmadas arrancan el 15 de marzo en la Sala El Sol de Madrid, continúan el 27 de marzo en la Sala Sidecar de Barcelona, y siguen en abril con conciertos el día 4 en la Sala Loco Club de Valencia y el 18 en la Sala Malandar de Sevilla, culminando este recorrido de primavera el próximo 9 de mayo en la Sala Cotton Club de Bilbao. Una oportunidad única para disfrutar en directo de una artista que entiende el escenario como el espacio natural donde sus canciones cobran todo su sentido.

“Contéstame” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de frustración y catarsis que Miranda León ha sabido capturar con la sensibilidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para quienes han esperado una respuesta que nunca llegó, y han encontrado en la música la única contestación posible.

El Suso, una de las voces más auténticas y queridas del flamenco-pop urbano en España, presenta “Y si lo sé”, su nuevo sencillo y una de las apuestas más fuertes del artista para este 2026. El tema, ya disponible en todas las plataformas digitales, consolida su estilo de rumba moderna con letras cargadas de sentimiento, explorando el arrepentimiento y la reflexión tras una ruptura o un error en una relación, todo bajo un prisma de superación y madurez que conecta directamente con las vivencias de la calle.

La canción se despliega como un ejercicio de honestidad brutal. Desde los primeros versos, El Suso se sitúa en un lugar de vulnerabilidad que no teme mostrar: “Hoy me desperté llorando, cosas de la vida que un día me marcaron”. Familiares y amigos que traicionaron, heridas que sangran y nunca sanan, preguntas que quedaron sin respuesta. Pero la canción no se queda en el lamento; avanza hacia la conciencia tardía de lo que se pudo haber hecho diferente. El estribillo, con su declaración central —“Y si lo sé hubiera puesto tierra de por medio, me hubiera apartado de los que me hundieron”—, funciona como un acto de sabiduría ganada a pulso, de aprendizaje extraído del dolor.

“Hoy tengo fortaleza para seguir creciendo y soy el que era, ya no me reniego”, canta después, dejando claro que el camino no ha sido fácil pero que el resultado es una versión más auténtica de sí mismo. Esa capacidad para mirar atrás sin autocompasión, para reconocer el daño recibido pero también la fuerza para seguir adelante, es precisamente lo que convierte “Y si lo sé” en una canción que conecta con quienes han vivido experiencias similares.

El tema incorpora además elementos profundamente personales que lo alejan de cualquier generalidad vacía. “Mis hijos mi fuente de inspiración, mi reina la reina de mi corazón, sé que desde el cielo me cuida mi Dios, a él me encomiendo en cada canción”, canta en un momento que revela las coordenadas vitales del artista: la familia como ancla, la fe como sostén, la música como escudo frente a los miedos.

Musicalmente, “Y si lo sé” mantiene el sello de identidad de El Suso con guitarras flamencas muy presentes, pero con una base rítmica más próxima al pop urbano actual. Es una canción diseñada tanto para la escucha íntima como para corear en sus conciertos, donde la comunión con el público alcanza cotas difíciles de igualar. La producción, cuidada pero sin artificios innecesarios, permite que la voz rasgada del artista ocupe el centro de la escena, transmitiendo esa mezcla de fragilidad y fiereza que lo define.

El Suso, natural de Salamanca, lleva años labrándose una carrera basada en la constancia y el boca a boca. Su música, que él mismo define como “flamenco de barrio”, es una mezcla perfecta de rumba, pop y tintes urbanos, con letras que cuentan historias reales sin adornos innecesarios. Muy respetado en el gremio, ha colaborado con artistas como La Húngara, Los Rebujitos o Maki, lo que le ha permitido llegar a un público muy amplio dentro del género sin perder nunca la esencia que lo hizo grande.

Actualmente, El Suso se encuentra en la carretera presentando sus nuevos temas con una gira para este 2026 que hará sus primeras paradas en marzo: el día 7 en la Sala El Tren de Granada, el 14 en la Sala La Trinchera de Málaga y el 21 en la Sala Shôko de Madrid. En abril, continuará con conciertos confirmados el día 18 en la Sala Custom de Sevilla y el 25 en la Sala Razzmatazz 2 de Barcelona. Una oportunidad única para disfrutar en directo de un artista que entiende el escenario como el espacio natural donde sus canciones cobran todo su sentido.

“Y si lo sé” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de arrepentimiento y superación que El Suso ha sabido capturar con la honestidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para reconocerse, para sanar y para recordar que, a veces, la fortaleza más grande nace de las heridas más profundas.

La artista Shara Pablos, una de las voces más prometedoras del pop-flamenco actual en España, presenta “Perdono pero no olvido”, su nuevo sencillo y el gran lanzamiento de este primer trimestre de 2026. El tema, ya disponible en todas las plataformas digitales, se despliega como una rumba-pop de corte moderno con una base rítmica muy marcada que invita al baile, pero con una letra cargada de melancolía y firmeza que ha resonado con fuerza en las listas de éxitos de música española.

La canción nace desde la experiencia de la traición y la necesidad de seguir adelante sin rencor. Como indica su título, “Perdono pero no olvido” es un himno a la dignidad, una declaración de principios sobre la madurez de saber perdonar para poder avanzar, pero marcando una línea roja clara: no permitir que esa persona vuelva a entrar en tu vida. Es un mensaje de empoderamiento emocional que ha calado hondo entre su público, que encuentra en la voz de Shara un reflejo de sus propias experiencias de desamor y superación.

Musicalmente, el tema destaca por el uso de guitarras españolas muy limpias combinadas con sintetizadores sutiles, logrando ese sonido “comercial” pero con “duende” que caracteriza a la nueva generación del pop-flamenco. La producción, cuidada al detalle, permite que la voz de Shara, dulce pero capaz de rasgarse en los momentos de mayor intensidad emocional, ocupe el centro de la escena y transmita con honestidad cada matiz de la letra.

Shara Pablos, con una trayectoria que mama directamente de las raíces andaluzas pero con una producción adaptada a los tiempos de TikTok y las plataformas digitales, se ha posicionado como una artista que le canta al desamor con una fuerza arrolladora. Su capacidad para transmitir sentimientos reales le ha permitido crear una comunidad muy fiel de seguidores que valoran su autenticidad y su compromiso con la verdad emocional.

Para este 2026 se rumorea que podría participar en un remix o colaboración con otros grandes del género como Maki o La Cebolla, algo que terminaría de lanzarla al gran público y confirmaría su posición dentro de la escena. Por ahora, Shara Pablos está recorriendo actualmente varias ciudades españolas para presentar su nuevo repertorio con una gira que promete llevar su música a todos los rincones.

Las fechas confirmadas para esta gira de primavera arrancan el 14 de marzo en el Teatro López de Ayala de Badajoz, continúan el 28 de marzo en la Sala M100 de Córdoba, y siguen en abril con conciertos el día 11 en la Sala Aliatar de Granada y el 25 en el Teatro Cervantes de Almería, culminando este recorrido el próximo 16 de mayo en el Gran Teatro de Huelva. Una oportunidad única para disfrutar en directo de una artista que entiende el escenario como el espacio natural donde sus canciones cobran todo su sentido.

“Perdono pero no olvido” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de dignidad y empoderamiento que Shara Pablos ha sabido capturar con la sensibilidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para quienes han aprendido que perdonar no significa olvidar, y que a veces el acto más valiente es poner límites y seguir adelante.

El cantante y compositor sevillano Miguel Vélez, nacido el 9 de noviembre de 1986 en el seno de una familia humilde de trabajadores, presenta “Primera Cita”, una de las canciones que mejor define su propuesta artística dentro del mundo de la balada. El tema, lanzado originalmente a finales de 2023, se ha convertido con el tiempo en una de sus cartas de presentación más potentes, acumulando reproducciones y el cariño de una comunidad de seguidores que no deja de crecer.

La trayectoria de Miguel Vélez es un ejemplo de constancia y amor por la música. Desde que en 2009 se subiera por primera vez a un escenario en el Auditorio Los del Río de Dos Hermanas, no ha dejado de intentarlo. Se ha presentado en varias ocasiones a programas como Operación Triunfo, Got Talent o Factor X, sin que la suerte le acompañara en esos intentos. Pero lejos de rendirse, siguió escribiendo, cantando y buscando su oportunidad.

Esa oportunidad llegó en 2025 cuando conoció a Álvaro Garrido, productor y compositor con quien comenzó a trabajar de manera estable. Desde entonces, han ido dando forma a un catálogo de canciones que incluye títulos como “Nací para perderte”, “Quemándome”, “Cuéntame” o “Lloverá”, varias de ellas acompañadas de videoclips y disponibles en YouTube, Spotify y todas las plataformas digitales. El próximo 13 de febrero de 2026 verá la luz por primera vez en estudio “Soledad”, un tema que Miguel lleva dentro desde sus inicios como compositor y que por fin podrá compartirse con el público.

“Primera Cita” explora los nervios, las expectativas y la magia de ese primer encuentro con alguien especial. La letra, llena de “mariposas en el estómago”, conecta con quienes disfrutan de las historias de amor naciente y convierten cada canción en la banda sonora de sus propios momentos. Es una balada que habla desde la verdad, desde esa mezcla de ilusión y vértigo que todos hemos sentido alguna vez.

Musicalmente, el tema cuenta con una base de guitarra acústica que guía toda la canción, acompañada de arreglos de percusión suaves que le otorgan un aire veraniego y ligero. La voz de Miguel, aterciopelada y llena de matices, destaca por sus giros vocales típicos del sur de España, aportando ese toque orgánico y auténtico que lo diferencia. La producción, cuidada y sin artificios innecesarios, permite que la interpretación ocupe el centro de la escena.

La canción ha tenido una gran acogida en plataformas como Spotify y TikTok, donde los usuarios suelen utilizar el audio para vídeos románticos o de “get ready with me” antes de salir. Pero lo que realmente distingue a Miguel Vélez es su cercanía con los seguidores. Acostumbra a interactuar mucho en los comentarios, respondiendo y creando un vínculo que va más allá de lo puramente musical. Esa comunidad fiel es la que ha sostenido y difundido lanzamientos como “Primera Cita”, convirtiéndola en un pequeño fenómeno dentro de su repertorio.

Además de su faceta artística, Miguel siempre ha participado en galas benéficas, contribuyendo con su granito de arena a causas sociales. Una forma de entender la música como algo más que entretenimiento, como una herramienta para ayudar y tender puentes.

“Primera Cita” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de ilusión y descubrimiento que Miguel Vélez ha sabido capturar con la sensibilidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para recordar que, a veces, el amor empieza con una simple cita.

El tenor sueco Ivanhoe traspasa los límites de la ópera pop moderna con su último proyecto, “Más allá del mar”, un ambicioso multilanzamiento que ve la luz con la colaboración de músicos de ocho países y la participación del compositor chileno Cristian Escalona y el productor musical Mario Díaz Bliachas. La obra, ya disponible en plataformas digitales, no es un sencillo al uso, sino un extenso trabajo que contiene seis versiones diferentes de la canción más dos pistas instrumentales, ofreciendo un viaje sonoro que oscila entre el synth-pop moderno y la ópera pop clásica .

Para capturar la profundidad emocional de la composición, Ivanhoe ha optado por presentarla en múltiples versiones que permiten al oyente experimentar la pieza desde diferentes perspectivas. Desde la grandiosa y cinematográfica hasta la más íntima y minimalista, cada interpretación revela una faceta distinta de una balada que habla de dejar atrás las viejas heridas y encontrar la luz en la oscuridad. “Más allá del mar” es, en esencia, un viaje por aguas cristalinas en busca de un recuerdo apagado, una reflexión sobre el coraje necesario para superar las adversidades del destino .

En el corazón de la producción reside la auténtica artesanía. Ivanhoe ha seleccionado cuidadosamente a músicos de todo el mundo para aportar un alma orgánica a la base electrónica. El resultado es un paisaje sonoro global creado por artistas de Chile, España, Costa Rica, Venezuela, Ucrania, Suecia, Túnez y Brasil, una verdadera alianza internacional que enriquece cada compás con matices únicos.

En varias de las versiones, el oyente puede disfrutar de cuerdas clásicas interpretadas por violín y viola, que aportan tonos melancólicos y esperanzadores entrelazando los sonidos clásicos y latinos. La guitarra española, por su parte, aporta una calidez auténtica que conecta con las raíces líricas de la canción. Las cuerdas en vivo y la guitarra española dotan a la producción de una presencia humana que realmente llega al corazón, contrastando y complementando a la perfección los sintetizadores de ópera pop moderna .

El hecho de que músicos de la Ucrania devastada por la guerra colaboren con colegas de Sudamérica, el norte de África y Europa aporta una dimensión extra de esperanza y unidad al proyecto, un tema que va de la mano con la letra de la canción sobre encontrar coraje en medio de la tormenta. Esta colaboración transfronteriza convierte “Más allá del mar” en un símbolo de cómo la música puede tender puentes allí donde la política levanta muros.

El video musical que acompaña la canción, creado por Chiki Márquez, refuerza la sensación de un viajero en busca de respuestas en el horizonte. Con su voz cálida y dramática, Ivanhoe lleva al oyente en un viaje a través de aguas cristalinas y vientos tormentosos, mientras las imágenes reflejan esa búsqueda de una memoria perdida y el coraje para sobrellevar los reveses del destino .

La letra, que incluye versos como “Al cielo, con timidez, pedí valor para sobrellevar el revés que el destino escribió”, condensa el espíritu de una obra que aspira a tocar las fibras más profundas de quien la escucha. La potencia de la voz clásica de Ivanhoe, un tenor con una trayectoria consolidada en la ópera pop, se fusiona aquí con un paisaje sonoro de vocación global, creando una experiencia única que trasciende fronteras y géneros.

Con “Más allá del mar”, Ivanhoe no solo ofrece una canción, sino una experiencia inmersiva que invita a recorrer los matices del sentimiento humano a través de seis miradas distintas sobre una misma composición. El multilanzamiento está disponible en plataformas digitales, esperando a quienes necesiten un canto de esperanza en medio de la tormenta.

El dúo Flores & McEwen, formado por Fran Flores y Patxi McEwen, presenta “Fui yo”, uno de los temas centrales de su álbum “El momento de las cosas sencillas”, un trabajo que los consolida como una de las propuestas más auténticas del pop-rock con raíces en España. La canción, ya disponible en plataformas digitales, se despliega como un ejercicio de introspección donde el protagonista asume la responsabilidad de sus propios fallos en lugar de buscar culpables externos, todo ello envuelto en una producción de rock clásico muy cuidada que apuesta por instrumentos reales y composiciones sólidas.

El sonido de Flores & McEwen bebe directamente de la herencia del rock en castellano de finales de los años ochenta y los noventa, evocando a bandas emblemáticas como Los Rodríguez o M-Clan por su enfoque en guitarras orgánicas y estructuras bien trabajadas. Lejos de cualquier artificio o tendencia pasajera, el dúo construye su propuesta sobre los cimientos de lo que ellos mismos denominan “el oficio musical”: canciones que respiran verdad, que suenan a grupo tocando en una habitación y que conectan con las experiencias cotidianas sin necesidad de grandes aspavientos.

“Fui yo” es un ejemplo perfecto de esa filosofía. La letra, cargada de honestidad y sin autocompasión, aborda ese momento en que uno se mira al espejo y reconoce sus errores, asumiendo las consecuencias sin intentar desviar la mirada. Es una canción sobre la madurez, sobre ese instante en que dejar de culpar al mundo y asumir la propia responsabilidad se convierte en el primer paso para cualquier cambio real. La interpretación vocal, contenida pero llena de matices, transmite esa mezcla de vulnerabilidad y fortaleza que la letra requiere, mientras las guitarras construyen una atmósfera cálida que envuelve sin estridencias.

El álbum “El momento de las cosas sencillas” profundiza en esa misma línea. Un trabajo que reivindica lo pequeño, lo cotidiano, esos instantes que a menudo pasamos por alto pero que encierran la verdad de la vida. Flores & McEwen demuestran con cada canción que no hace falta inventar nada nuevo cuando se domina el oficio y se tiene algo que contar. Su propuesta, alejada de las modas urbanas y los sonidos prefabricados, encuentra su fuerza precisamente en esa resistencia a lo efímero, en esa apuesta por lo que perdura.

Con “Fui yo”, el dúo ofrece una pieza que brilla por su sencillez y por ese aire de artesanía musical que los caracteriza. Una canción para quienes entienden que el rock, cuando es auténtico, sigue siendo el mejor vehículo para contar lo que llevamos dentro. El tema ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de guitarras y verdad que solo Flores & McEwen saben crear.

Miguel Sáez, el artista gaditano nacido en San Fernando, presenta “El Primero”, un sencillo que no solo supone un nuevo lanzamiento musical, sino una reivindicación histórica de su papel como pionero en la introducción del reggaetón en España . Con este tema, Miguel Sáez no mira al pasado con nostalgia, sino con orgullo, recordando a la industria y al público que los caminos que hoy recorren muchos, alguien tuvo que abrirlos primero.

“El Primero” es una declaración de principios que alza la voz para recordar un capítulo fundamental en la historia de la música urbana nacional: Miguel Sáez fue el primer artista español en apostar por el reggaetón cuando el género aún no tenía presencia en el panorama mainstream del país . En un momento en el que el sonido urbano latino apenas comenzaba a cruzar fronteras, este gaditano dio el paso, abrió camino y sembró una semilla que hoy se ha convertido en una industria consolidada.

Nacido en una familia con profundas raíces musicales —su madre cantaba flamenco y su padre era compositor de comparsas de carnaval—, Miguel Sáez comenzó a cantar con tan solo nueve años acompañado de una guitarra . A los dieciséis compuso su primera canción, “Un día más”, que luego incluiría en su álbum debut homónimo publicado en 1998 . Dos años después, “Que Locura” consolidaría su presencia musical con temas como “Mala mujer” que comenzaron a sonar con fuerza.

Pero fue en 2008 cuando Miguel Sáez dio el paso que cambiaría la música urbana en España. Con su disco “Mi Flow” (Mi estilo), se convirtió en el primer artista español que se atrevía a grabar un álbum de reggaetón, haciéndolo suyo y aportándole su toque personal con esas raíces gaditanas que lo caracterizan . El disco, compuesto íntegramente por él, incluía doce temas y contó con un videoclip para su primer single “Chicas locas”. Un año después, “Mi Reggaeflow” y “La vida es una historia” consolidaron las bases de un estilo inexplorado en el país hasta ese momento .

Miguel Sáez no solo ha destacado como intérprete, sino también como un prolífico compositor para otros artistas. Le avalan éxitos como “Como quererte” para Yolanda Ramos, “Excúsame” para Raúl, “Quiero besarte” para Roser, o “Andaluces disparando cante” para Sergio Contreras, entre muchos otros . Artistas de la talla de Dyango o Agüita Salá también han contado con composiciones suyas en sus discos .

Además, ha ejercido como descubridor y mentor de numerosos artistas emergentes, entre los que se cuentan Mario Mendes, 4Babys, Nacional Cuarta, Treik, Alex y Josema, Adan Carmona, Yoanys Star, Rikcha, Izan y Marko, Montoya y Egyptian Gipsy, entre muchos otros . Su labor como impulsor de nuevos talentos añade una capa más a su legado dentro de la música urbana española.

Su contribución a la música ha sido reconocida internacionalmente, recibiendo en 2024 el Premio VIP Latin Awards en Los Ángeles (EE. UU.), además del Premio Latino al Mejor Single junto a K-Narias en la VII edición de estos galardones .

Actualmente, Miguel Sáez se encuentra inmerso en su gira “Tour Old School & New School”, compartiendo escenario con Khiara y ofreciendo un espectáculo que incluye fuegos, confeti, bailarines y una puesta en escena pensada para hacer vibrar al público . Mientras recorre los escenarios, prepara su próximo lanzamiento que promete convertirse en otro éxito en una carrera que ya suma más de dos décadas de trayectoria ininterrumpida .

Con “El Primero”, Miguel Sáez no solo presenta una canción, sino que reivindica su lugar en la historia de la música española. El tema, que ya está disponible en plataformas digitales, invita a sumergirse en esa memoria colectiva del reggaetón patrio y a reconocer a quien, cuando nadie apostaba por el género, decidió abrir camino para que otros pudieran recorrerlo.

La artista gaditana María Carrasco, una de las voces más sólidas del pop con raíces flamencas en España, presenta “Sexto Sentido”, su nuevo sencillo y una de las piezas centrales de su etapa actual. La canción, ya disponible en todas las plataformas digitales, se despliega como una balada pop de producción cuidada que resalta su voz quebrada y llena de matices, manteniendo siempre ese “pellizco” gaditano que la hace única y reconocible desde la primera nota.

“Sexto Sentido” habla sobre la intuición en las relaciones y esa capacidad de percibir lo que no se dice con palabras. La letra, compuesta por la propia María junto a David Parejo, transita por ese territorio donde los gestos, las miradas y los silencios comunican más que cualquier discurso preparado. “Ya había preparado la conversación, y ahora que te tengo enfrente voy a alejarme de todo el ruido para que siempre bailes conmigo”, canta en un momento que resume a la perfección esa rendición a lo espontáneo, a lo que surge cuando las defensas bajan y la conexión real puede producirse.

El tema forma parte de una etapa en la que María está explorando nuevas sonoridades y colaboraciones para su próximo proyecto discográfico. Una fase de investigación musical que no renuncia a la esencia que la ha definido desde sus inicios, pero que abre la puerta a territorios inexplorados donde su voz, siempre reconocible, encuentra nuevos contextos donde brillar.

María Carrasco, nacida en 1995 en Torrecera (Cádiz), se dio a conocer siendo una niña en el programa Veo Veo y se convirtió en una figura habitual de Menuda Noche. Desde entonces, ha recorrido un largo camino que la ha llevado a evolucionar desde el flamenco más puro hacia un sonido pop andaluz moderno y maduro. A lo largo de sus más de veinte años en la industria, ha acumulado discos de oro, millones de reproducciones en plataformas y más de mil quinientos conciertos realizados, consolidándose como una artista que canta con la verdad y conecta profundamente con su público.

Su capacidad para transmitir emoción sin necesidad de artificios la ha convertido en una de las voces más queridas del panorama musical español. “Sexto Sentido” es una prueba más de esa honestidad: una canción que habla de la intimidad, del deseo de conocerse más allá de lo evidente, de esa conexión que algunos llaman química y otros intuición, pero que todos reconocen cuando la experimentan.

Actualmente, María Carrasco se encuentra inmersa en una fase de promoción de este nuevo material, aunque ya ha estado realizando fechas de su gira “Inmune al Dolor”. Para este 2026 se espera que anuncie nuevas citas para presentar sus canciones más recientes en formato acústico y con banda completa, ofreciendo a su público la oportunidad de disfrutar en directo de esa voz que tantas emociones ha regalado a lo largo de los años.

“Sexto Sentido” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de intimidad y descubrimiento que María Carrasco ha sabido capturar con la sensibilidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para dejarse llevar, para confiar en esa voz interior que a menudo sabe más que la razón, y para recordar que, a veces, lo más importante no se dice: se siente.

El artista gaditano Andrés Morales, conocido artísticamente como Andy, presenta “Solo”, su primer álbum de estudio en solitario, un trabajo profundamente personal que ve la luz a principios de 2026 y consolida su identidad musical independiente. El disco, que ya está disponible en todas las plataformas digitales, simboliza su capacidad para emprender un nuevo vuelo artístico tras más de dos décadas de trayectoria sobre los escenarios.

El álbum “Solo” representa un proyecto íntimo donde Andy ha buscado expresar sentimientos que en etapas anteriores no había podido volcar con total libertad. El primer avance de este trabajo fue “Marioneta”, su single de presentación lanzado el pasado 10 de noviembre, una canción que da voz a un desamor que se transforma en liberación y que simboliza su renacimiento artístico. Le siguió “Poquito a poco” en enero, y ahora el tema que da título al disco, “Solo”, consolida una propuesta musical que mantiene su esencia de pop con raíces andaluzas y voz aflamencada, pero con una producción más moderna y personal que refleja su nueva libertad creativa.

Las letras de sus nuevos temas abordan emociones universales desde una perspectiva honesta y directa. “Marioneta”, con frases como “quién eres tú para jugar con mis sueños”, ha conectado profundamente con un público que valora la autenticidad y la capacidad de transformar la experiencia personal en arte. En entrevistas recientes, Andy ha confesado que este nuevo proyecto le ha permitido explorar territorios emocionales que antes permanecían inexplorados, ofreciendo una visión más completa de su universo artístico.

Con su carrera en solitario, Andy tiene claro que esta nueva etapa le pertenece por completo. “Ahora soy libre y si cometo un error, es mi error”, ha declarado, dejando claro que la independencia creativa es el valor fundamental de este nuevo capítulo. La respuesta del público no se ha hecho esperar, y los primeros singles ya acumulan millones de reproducciones en plataformas digitales.

Para presentar este nuevo trabajo, Andy ha puesto en marcha el “Solo Tour”, una gira que arranca este mismo mes de marzo de 2026 y que recorrerá toda España con más de 40 conciertos programados. El tour comenzó el pasado 6 de marzo en La Línea de la Concepción (Cádiz), en el Palacio de Congresos, y continuó el 7 de marzo en Granada.

La gira de Andy para este 2026 arranca con fuerza en marzo visitando el Auditori de Girona el día 13 y el Palacio de Congresos de Valencia el 20, para continuar en abril con actuaciones en el Auditorio Mar de Vigo el 11, el Teatro Rialto de Madrid el 20, el Palacio de Congresos de A Coruña el 24 y el Teatre Coliseum de Barcelona el 29 dentro del Suite Festival. El mes de mayo será igualmente intenso con citas en el Palacio de Congresos de Badajoz el día 1, el Cartuja Center de Sevilla el 13, el Auditorium de Mallorca el 22 y el Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid el 31, dando paso a un mes de junio que recorrerá el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo el 13, el Fórum Evolución de Burgos el 19 y el Palau Firal y Congressos de Tarragona el 20, culminando este espectacular recorrido el 25 de septiembre en el emblemático Gran Teatro Falla de su Cádiz natal.

En estos conciertos, Andy no solo presentará los temas de su nuevo álbum “Solo”, sino que también repasará algunos de los temas más emblemáticos de su trayectoria, ofreciendo un reencuentro con su público desde una perspectiva más íntima y personal. Las entradas para la mayoría de las fechas ya están disponibles a través de los canales oficiales.

“Marioneta”, el single que abrió esta nueva etapa, fue compuesto por Raúl Cabrera y producido por Juanma Leal, quien también ejerce como director musical de la banda que acompaña a Andy en esta nueva aventura. La canción fusiona la esencia pop con el inconfundible sello andaluz y la voz aflamencada que caracteriza al artista, logrando un sonido fresco, emocional y profundamente personal que sienta las bases de lo que será su carrera en solitario.

Con “Solo”, Andy demuestra que está más que preparado para emprender el vuelo en solitario. Un álbum y una gira que simbolizan su independencia artística y su capacidad para reinventarse, manteniendo la esencia que lo ha convertido en una de las voces más queridas del panorama musical español.

El icónico dúo sevillano Sombra y Luz, formado por Joaquín González y José Luis Barrero, ha lanzado “Con Mi Gente”, su nuevo single que ya está disponible en todas las plataformas digitales desde el pasado 28 de febrero. El estreno, que coincidió con la celebración del Día de Andalucía, marca un hito en la trayectoria de unos artistas que llevan 42 años llevando la rumba y el sentimiento por toda España .

El tema, editado bajo el sello Ocean Music, llega acompañado de un videoclip dirigido por 90 Milímetros y producido por Francisco Carmona, con la autoría de Josué Algaba, Jesús Gallardo y Miguel Vilches. La canción es una declaración de principios, una dedicatoria emocionada a ese público que ha acompañado al dúo desde sus inicios en la ya mítica sala La Trocha de Sevilla, donde todo comenzó a principios de los años ochenta .

“Con Mi Gente” respira el espíritu de una carrera construida sobre el cariño de los seguidores. Sombra y Luz, conocidos por éxitos que forman parte del imaginario colectivo como “Abuela”, “Vente Conmigo” o “Échale Carbón”, han querido con este nuevo lanzamiento devolver todo el amor recibido durante más de cuatro décadas sobre los escenarios. La canción habla de ese vínculo irrompible con quienes han coreado sus temas generación tras generación, de la complicidad que solo el tiempo y la constancia pueden construir.

La trayectoria del dúo sevillano es sencillamente incontestable. Con más de tres millones y medio de casetes vendidos en toda España —un soporte que marcó una época y que ellos dominaron como pocos— y cinco discos de oro en su haber, Sombra y Luz se han convertido en un referente indispensable de la rumba andaluza. Su capacidad para conectar con el público, para contar historias de la vida cotidiana con esa mezcla de gracia y sentimiento que los caracteriza, les ha permitido mantenerse vigentes a lo largo de los años sin perder nunca la esencia que los hizo grandes .

El lanzamiento de “Con Mi Gente” viene precedido por el éxito de su anterior single, “Déjame Vivir”, que superó los tres millones de reproducciones en YouTube y demostró que la música del dúo sigue tan viva como siempre. Ahora, con esta nueva propuesta, Sombra y Luz continúan su gira “40+2”, una celebración de sus más de cuarenta años de carrera que los está llevando por toda la geografía española y que los mantiene “imparables y más activos que nunca”, como ellos mismos afirman .

El estreno del tema tuvo un adelanto muy especial una semana antes de su lanzamiento oficial. Joaquín González, uno de los componentes del dúo, fue el encargado de presentar la canción en exclusiva en el programa “¡Olé mi Gente!” de Sergi Adell en Radiolé, demostrando una vez más que la emisora sigue siendo el altavoz elegido por los grandes artistas para conectar con su público .

“Con Mi Gente” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de rumba y sentimiento que solo Sombra y Luz saben crear. Una canción para celebrar, para recordar y, sobre todo, para compartir con esa gente que ha hecho posible que, después de 42 años, el dúo sevillano siga siendo el mismo que un día empezó a soñar en La Trocha.

El artista gaditano O’Cristo presenta “La buena estrella”, el último adelanto de su esperado álbum debut “Un cantautor debe morir”, que verá la luz el próximo 6 de marzo. Se trata de una balada folk de vocación experimental que confirma la personalidad artística de un proyecto que bebe de la tradición para reinventarla sin miedo, situando a O’Cristo como una de las voces más personales y comprometidas de la nueva escena indie pop nacional.

La canción nace desde la raíz más profunda. Una guitarra flamenca marcando un compás de alegrías de Cádiz que, casi sin proponérselo, deriva hacia terrenos folk. Ese germen terminó transformándose en una balada de corte íntimo y autoral, en la línea de artistas como Wilco, Bon Iver o Guitarricadelafuente, pero con una identidad profundamente arraigada en la Bahía de Cádiz. Esa dualidad, la de lo local y lo universal, la tradición y la vanguardia, atraviesa toda la pieza y la convierte en algo único.

Construida sobre la guitarra acústica, “La buena estrella” pone en primer plano la voz y la palabra, otorgando todo el peso emocional a la interpretación. Sin embargo, la producción amplía el horizonte sonoro con una riqueza de matices que convierten la escucha en un viaje imprevisible. Sintetizadores envolventes, pedal steel, slides, glitches, sampleos, ambientes y percusiones que aparecen y desaparecen con naturalidad van tejiendo una trama sonora donde nada se detiene y cada compás ofrece un nuevo detalle para descubrir.

La letra aborda de forma metafórica el compromiso artístico y el proceso creativo. Habla de esa fuerza interior que empuja al artista a seguir creando pese a las dificultades de la vida adulta, la incertidumbre o la ausencia de reconocimiento. Es una reflexión honesta sobre la vocación, la fe en la obra propia y la necesidad de expresión como forma de resistencia. Una declaración de principios que resuena con fuerza en un momento donde la industria a menudo prioriza lo comercial sobre lo auténtico.

Con “La buena estrella”, O’Cristo anticipa un debut discográfico que no teme mirar de frente a su tiempo. Un trabajo que promete consolidar su posición dentro del panorama independiente y que ya cuenta con las primeras fechas de presentación en directo. Podremos empezar a disfrutar el nuevo álbum en concierto el 27 de marzo en Sevilla, en la Sala Malandar, y el 11 de abril en Madrid, en la Sala Clamore, con aún más fechas por anunciar en los próximos meses.

O’Cristo se perfila así como un artista que entiende la música como un espacio de exploración constante, donde las raíces no son un lastre sino un trampolín para saltar hacia territorios inexplorados. “La buena estrella” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese universo de guitarras flamencas y sintetizadores, de versos íntimos y paisajes sonoros expansivos. Una canción para creer, para resistir y para recordar que, a veces, la buena estrella no es la que brilla fuera, sino la que llevamos dentro.

El cantante y compositor brasileño Lisita presenta “De 0 a 100”, su nuevo sencillo lanzado el pasado noviembre, una pieza que fusiona ritmos latinos con rock y que marca el inicio de la promoción de su primer álbum de estudio, “Rocketonero”, programado para finales de 2026. El tema, escrito en español, fue la primera composición del artista tras su estancia en Colombia, país que eligió para revitalizar su creatividad y reconectar consigo mismo después de veinte meses de aislamiento durante la pandemia.

“De 0 a 100” nace desde una experiencia vital intensa. Tras un largo periodo de encierro, Lisita sintió la necesidad de lanzarse al mundo y encontrar nuevas fuentes de inspiración. Colombia, tierra de algunos de sus mayores ídolos de la música latina, se convirtió en el escenario perfecto para ese renacimiento. “Me prometí entregarme por completo, rendirme a la intensidad, pisar el acelerador para sentirme vivo de nuevo. Como buen Aries que soy, fui de 0 a 100 en pocos segundos”, explica el artista sobre el origen de una canción que respira esa energía contenida que finalmente encuentra su cauce.

La canción, que cuenta con una versión en portugués titulada “Acelera”, fue producida por Fábio Gomes, un nombre con experiencia contrastada en la música brasileña por sus colaboraciones con artistas como Liniker, Rael, Seu Jorge, Alarcón y Elza Soares. La producción logra un equilibrio perfecto entre la contundencia del reggaetón y la frescura del pop-rock, creando un sonido que suena a la vez familiar y novedoso. La energía vibrante del color naranja, que el artista ha adoptado como seña de identidad para esta nueva etapa, impregna también la propuesta visual que acompaña al lanzamiento.

La trayectoria musical de Lisita comenzó en 2013 bajo el nombre The Other, un proyecto creado durante su maestría en Arte y Cultura Visual. En 2017 inició oficialmente su carrera con el sencillo “Mão na massa”, parte del EP “Tem que começar”, producido por los ganadores del Latin Grammy Pedro Dash y Marcelinho Ferraz (conocidos por su trabajo con Jão, Anitta, Feid y Karol G), así como Douglas Moda (Luísa Sonza). Desde sus inicios, el artista ha explorado los géneros urbanos latinos, con el reggaetón como su principal sello rítmico.

Desde entonces, Lisita ha recorrido Brasil con una gira que lo ha llevado a presentarse en fiestas de diversas regiones del país. Ha tenido la oportunidad de cantar con CNCO en las oficinas de TikTok Brasil, ha sido telonero de artistas como IZA y Ludmilla, y ha compartido escenario con Gaby Amarantos, Johnny Hooker y MC Loma en el Desfile del Orgullo LGBTQIAPN+ de São Paulo, donde se presentó ante tres millones de personas. Una trayectoria ascendente que ahora encuentra en “Rocketonero” su proyecto más ambicioso.

“De 0 a 100” es solo el primer paso de un camino que promete consolidar a Lisita como uno de los artistas brasileños con mayor proyección internacional. Su apuesta por el español, su conexión con Latinoamérica y su capacidad para fusionar géneros lo sitúan en una posición privilegiada para conquistar audiencias más allá de las fronteras de Brasil. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa energía arrolladora que solo puede venir de quien ha estado encerrado demasiado tiempo y, por fin, ha encontrado la manera de acelerar.

El malagueño El Ñuki ha soltado la bomba. Su nuevo single “Bailar Conmigo” vio la luz el pasado 27 de febrero de 2026 y en solo unos días se ha convertido en la canción que no para de sonar en playlists, stories de Instagram y coches a todo volumen. Tras el triunfo de “Gustos” —que le valió el Premio al Mejor Talento Latino 2025 en los Premios Latino—, El Ñuki regresa con un tema directo, bailable y con mucha actitud que fusiona rock & roll clásico con energía festiva y un toque de despecho muy bien llevado.

La letra de “Bailar Conmigo” cuenta una historia universal y muy reconocible: el protagonista siente la música en las venas, la ciudad está de fiesta, las piernas le piden movimiento… pero la persona que quiere no quiere bailar con él. Lejos de quedarse lamentándose, el narrador pasa a la acción: copa en mano, inspiración a tope y cero dramas. “Si tú no me das amor bailo con otra y todo terminó”. Es un corte fresco, empoderado y con mucho humor irónico que cierra con un guiño irresistible cuando suena “un rock & roll” y la química parece encenderse al fin.

El videoclip que acompaña al single eleva la experiencia a otro nivel. Una fiesta loca en una piscina donde pasan cosas de todo tipo —gente saltando al agua, bailes desatados, momentos caóticos y divertidísimos—, con esa estética de luces, agua, risas y descontrol controlado que encaja perfecto con la vibra del tema. Es gracioso, visualmente potente y transmite exactamente esa sensación de “fiesta que pide más” que canta El Ñuki.

“Quería hacer una canción que te diera ganas de moverte aunque estés enfadado, que te recordara que la fiesta está en uno mismo y que, si no te quieren bailar contigo, pues… siguiente. Y el vídeo es puro cachondeo, como tiene que ser una buena noche que se desmadra”, explica el artista sobre este lanzamiento que ya acumula miles de streams y comentarios entusiastas en redes con el hashtag #BailarConmigo.

Con influencias claras de un rock con alma que siempre ha defendido, “Bailar Conmigo” consolida a El Ñuki como una de las voces más auténticas y divertidas del rock español actual. Canciones previas como “Mi Playa Ideal”, “Me Destruyes La Rutina” o “El Precio Del Amol” ya demostraban su capacidad para crear ganchos memorables; esta directamente invita a no parar de bailar.

El Ñuki es un músico independiente de Málaga que desde 2020 viene construyendo su proyecto en solitario. Su voz inconfundible, sus riffs con garra y sus letras sin filtros lo han convertido en una referencia fresca del rock en español. El reconocimiento obtenido con “Gustos” —galardonado como Mejor Talento Latino 2025— no ha hecho sino confirmar lo que sus seguidores ya sabían: que estamos ante un artista con una personalidad arrolladora y una capacidad única para conectar con el público.

“Bailar Conmigo” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de fiesta y libertad que solo un artista como El Ñuki puede crear. Una canción para bailar, para reír, para olvidarse de los dramas y recordar que, cuando la música suena, lo único que importa es dejarse llevar.

El Rojo, Néstor Meness y el influencer venezolano Marko han unido sus voces en “Libre”, un sencillo que se ha convertido rápidamente en un fenómeno viral y en un símbolo de unión para las comunidades cubana y venezolana dentro y fuera de sus países. Lanzado el pasado 23 de enero de 2026 bajo el sello Nexus Prime Studios, el tema aborda el dolor de la distancia, la añoranza familiar y el anhelo compartido de libertad, resonando con una fuerza inusitada en un contexto de especial sensibilidad política y social en la región .

El Rojo, cuyo nombre real es David Acosta, es un artista cubano que ha destacado en la escena urbana y del “reparto”, un género nacido en la isla. Aunque su estilo suele ser enérgico y bailable, en “Libre” muestra una faceta mucho más profunda y reivindicativa, demostrando su versatilidad como compositor, productor y músico. Su trayectoria internacional incluye colaboraciones con figuras clave de la música latina, y en este proyecto aporta toda su experiencia para construir un mensaje que trasciende lo meramente musical.

Néstor Meness, otro talento cubano en ascenso, complementa la propuesta con su capacidad para mezclar ritmos tropicales con letras que conectan directamente con la realidad de las calles y, en este caso, con el anhelo de cambio en su isla. Su voz y carisma aportan una dimensión emotiva que ha calado hondo entre los oyentes.

Marko, conocido mundialmente como uno de los influencers y comediantes venezolanos más grandes, ha utilizado siempre su plataforma para dar visibilidad a la crisis de su país. En esta colaboración, aporta la carga emocional y el sentimiento del exilio venezolano, sumando su voz a la de los artistas cubanos para crear un mensaje de unidad entre dos pueblos con historias paralelas de migración y lucha.

Juntos, El Rojo y Néstor Meness conforman además un dúo poderoso que fusiona raíces cubanas, sensibilidad social y una propuesta musical auténtica y contemporánea. Desde Miami, han unido la sólida formación musical y trayectoria internacional de El Rojo con la voz y el carisma de Néstor, una joven promesa que ha conectado con millones a través de canciones que nacen desde la experiencia real y la emoción genuina. Temas previos como “I220a”, “Me duele Cuba”, “90 Millas” y el propio “Libre” han logrado un fuerte impacto en el público y el respaldo de artistas y referentes de la música latina, posicionándolos como una de las colaboraciones más auténticas y relevantes de la nueva escena urbana latina.

La canción habla del dolor de la distancia y de la imposibilidad de volver a ver a quienes se han quedado atrás. La letra menciona a personas que “no pudieron abrazar a su madre en vida” o que “no podrán volver a verla”, y se posiciona como un clásico himno de esperanza para aquellos que sienten esa separación profunda . El estribillo, que funciona casi como un llamado o consigna, invoca la idea de libertad personal y colectiva con frases sobre correr y volar lejos del peso de lo que impide vivir libre, convirtiéndose en un símbolo de resistencia emocional compartido masivamente en redes sociales .

Musicalmente, el tema logra un equilibrio entre una balada sentida y ritmos urbanos que mantienen la fuerza del mensaje. La producción, cuidada y emotiva, permite que cada palabra llegue con claridad, reforzando el carácter de declaración de principios que atraviesa toda la pieza. En palabras de El Rojo tras el estreno: “Libre no es solo una canción, es un grito de los que soñamos con volver a abrazar a los nuestros”.

Desde su lanzamiento, el video oficial en YouTube ha acumulado millones de visitas, convirtiéndose en tendencia especialmente en Miami, Caracas y La Habana . En redes sociales, el tema ha generado reacciones emotivas y comentarios que reflejan experiencias directas de separación familiar y anhelo de cambio. Usuarios han expresado que la canción les removió emociones profundas, con mensajes como “llegó directo al corazón”, “ojalá un día se pueda gritar Libertad alto” y “gracias por apoyar a nuestros artistas cubanos reales” .

El lanzamiento llega en un momento de especial sensibilidad para las comunidades cubana y venezolana. A principios de enero de 2026, se produjo la captura del presidente venezolano Nicolás Maduro en un operativo de alto impacto mediático, intensificando las tensiones entre gobiernos y fuerzas externas en las narrativas de cambio político en la región . Además, según reportes recientes, la administración de Donald Trump evalúa medidas de presión sobre Cuba, incluida la opción de un bloqueo naval para frenar importaciones de petróleo hacia la Isla, en medio de tensiones geopolíticas más amplias .

En este clima informativo cargado de incertidumbre, “Libre” se ha transformado en un símbolo cultural que alimenta conversaciones que van más allá de la música hacia reflexiones sobre identidad, pertenencia y anhelos compartidos. La canción funciona así como una herramienta de activismo social que ha resonado fuertemente en la comunidad latina en el exilio, demostrando que el arte puede ser también un vehículo de expresión política y emocional.

“Libre” no es solo una canción; es una declaración de principios, un grito colectivo contra las dictaduras y a favor de la libertad de expresión y movimiento. La colaboración entre artistas cubanos y venezolanos simboliza la unión de dos pueblos con historias similares de migración y lucha, y el tema se ha convertido en un himno de esperanza y libertad que trasciende fronteras.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales a través de Nexus Prime Studios, invitando a sumergirse en esa atmósfera de añoranza y resistencia que El Rojo, Néstor Meness y Marko han sabido capturar con sensibilidad y oficio . Una canción para quienes sueñan con volver a abrazar a los suyos, para quienes llevan la patria en el corazón aunque estén lejos, y para recordar que, como dice el estribillo, nada es para siempre.

El artista Brian Saez presenta “Mi Granaína”, su nuevo sencillo y una balada pop de raíz andaluza que explora la intensidad de ese instante en el que una mirada basta para cambiarlo todo. El tema, ya disponible en todas las plataformas digitales, retrata la vulnerabilidad de quien se reconoce enamorado sin filtros, abrazando la emoción con frases directas y confesionales que convierten la admiración en poesía cotidiana.

La canción nace desde la experiencia del flechazo, de ese momento en que el tiempo parece detenerse y el mundo se reduce a dos personas que se cruzan. La letra no habla solo de amor, sino de inspiración: de cómo alguien puede iluminar un universo que antes parecía incompleto. Brian Saez construye una narrativa íntima donde cada palabra busca atrapar esa sensación de descubrimiento, esa mezcla de vértigo y certeza que acompaña a los encuentros destinados a marcar un antes y un después.

Musicalmente, el tema se mueve dentro del pop melódico con matices sutiles de identidad andaluza, dejando que la voz sea el eje central. La producción, cuidada y contenida, permite que la interpretación respire y que cada matiz llegue con claridad a quien escucha. Brian apuesta por la honestidad emocional y la intensidad contenida, ese sello característico que ha ido consolidando a lo largo de su trayectoria y que aquí alcanza una de sus expresiones más logradas.

El videoclip que acompaña al sencillo traslada la historia a un hotel, escenario donde se produce el flechazo entre un huésped y una recepcionista. Tras ese primer cruce de miradas, Brian sube a su habitación y comienza a escribir la canción. Al no tener bolígrafo, baja nuevamente a recepción, y en ese trayecto ambos imaginan, en paralelo, cómo sería su romance. Las escenas juegan con la frontera entre fantasía y realidad, creando una atmósfera onírica que culmina en un encuentro en el ascensor que deja la historia abierta: el espectador decide si fue imaginación compartida o el inicio de algo verdadero. Una metáfora visual perfecta para esa ambigüedad que a menudo acompaña a los comienzos del amor.

Con “Mi Granaína”, Brian Saez consolida una propuesta artística basada en la emoción real, la narrativa cercana y la capacidad de convertir un momento cotidiano en una historia universal. Su música, alejada de artificios innecesarios, conecta con quienes buscan en las canciones un reflejo de sus propias experiencias, un espacio donde lo personal se vuelve compartido y lo íntimo adquiere categoría de himno.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de miradas y encuentros que Brian Saez ha sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes creen que el amor puede empezar en cualquier sitio, incluso en la recepción de un hotel, incluso sin mediar palabra.