Desde Bayamón, Puerto Rico, surge una de las nuevas voces que está comenzando a llamar la atención dentro del movimiento urbano. Yovng Manota, conocido como “La mano que más pesa”, es un artista boricua de apenas 20 años, criado entre Puerto Rico y Orlando, Florida, que está construyendo un sonido auténtico capaz de conectar con una generación que busca música real, sin filtros ni artificios. Con el lanzamiento de “Ojos Rojos”, su nuevo sencillo, el joven cantante da el pistoletazo de salida a una nueva etapa en su carrera, respaldado por el sello Gogo Music, y se posiciona como uno de los talentos a seguir dentro de la nueva ola urbana.

“Ojos Rojos” aborda ese amor que cuesta soltar, esas noches sin dormir en las que los recuerdos persisten y la atracción sigue viva aunque el orgullo diga lo contrario. La canción se sumerge en la complejidad de los sentimientos que se niegan a desaparecer, en esa mezcla de nostalgia y deseo que muchos han experimentado pero pocos expresan con tanta claridad. El coro, honesto y directo, captura a la perfección esa dualidad emocional, convirtiendo el tema en un himno para quienes han amado y sufrido a partes iguales.

La producción mantiene una atmósfera nocturna y sensual, con un sonido que fusiona el reguetón con matices de hip-hop, creando una vibra íntima pero intensa que envuelve al oyente y lo transporta a ese territorio donde la razón y el corazón pelean sin tregua. Cada elemento sonoro está cuidado al detalle para sostener la emoción que la letra transmite, logrando un equilibrio difícil entre la contundencia rítmica y la delicadeza de los sentimientos.

Yovng Manota comenzó a grabar a los 17 años desde su propio espacio, sin grandes recursos pero con una mentalidad clara y una disciplina constante. Su crecimiento ha sido orgánico, fruto del trabajo y la perseverancia. A los 18, sus temas empezaron a circular con fuerza en redes sociales gracias a su forma directa de escribir, su entrega emocional y esa autenticidad que rápidamente conectó con miles de jóvenes que se sintieron identificados con sus letras. Su estilo nace de influencias del reguetón clásico y el hip-hop de los 2000, pero logra llevarlo a un territorio propio, con un delivery limpio y una narrativa que convierte cada canción en una experiencia visual.

Su reciente firma con el sello disquero Gogo Music marca un antes y un después en su carrera. Esta alianza apuesta por el desarrollo estructurado de su propuesta y su proyección tanto dentro como fuera de Puerto Rico, brindándole las herramientas necesarias para que su talento pueda llegar más lejos sin perder la esencia que lo define.

El apodo de “La mano que más pesa” no es casualidad. Cada verso que escribe tiene intención, emoción y una carga real que se siente genuina. Yovng Manota no busca ser uno más dentro del movimiento; su objetivo es representar a su generación con honestidad, crear un sonido que perdure y construir una carrera sólida basada en identidad y consistencia. No le interesan las métricas vacías ni las tendencias pasajeras; prefiere ir paso a paso, construyendo sobre cimientos firmes.

Con “Ojos Rojos”, una propuesta emocional y una estructura profesional detrás de su desarrollo, Yovng Manota da un paso al frente y demuestra que tiene mucho que ofrecer. El tema ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de noches sin sueño y amores que pesan más de lo que deberían. Una canción para quienes entienden que, a veces, lo más difícil no es amar, sino aprender a soltar lo que ya no nos hace bien. La invitación es a seguirlo en sus redes como @yovngmanota y descubrir por qué su mano empieza a pesar en la escena urbana.

La cantautora costarricense Melany Cubero estrena “Invisible”, su segundo álbum de estudio, un trabajo conceptual de ocho canciones que explora todo aquello que no se ve pero nos sostiene. El disco, disponible desde el 20 de febrero de 2026, sumerge al oyente en una atmósfera envolvente que transita por los territorios del pop, el soul y el R&B, fusionando elementos electrónicos con interpretaciones vocales que oscilan entre la intimidad más delicada y la potencia más arrolladora.

El álbum se despliega como una invitación a la introspección, a mirar hacia dentro y reconocer esas fuerzas invisibles que nos mantienen en pie incluso cuando todo parece derrumbarse. Con una producción cuidada que privilegia los matices y las texturas sonoras, “Invisible” construye un universo propio donde lo etéreo y lo tangible se encuentran, donde la música se convierte en vehículo para explorar las emociones que no siempre encuentran palabras.

Con este lanzamiento, la artista fortalece su posicionamiento dentro de la nueva escena alternativa centroamericana, apostando por una identidad musical que incorpora mensajes más luminosos sin perder la profundidad que la caracteriza. La propuesta estética acompaña el concepto: una narrativa visual sutil y minimalista que remite a lo etéreo, creando una experiencia integral donde cada elemento —sonido, imagen, texto— dialoga en armonía.

La pasión innata de Melany Cubero por el arte la llevó por el camino de la música, convirtiéndose en cantante, compositora y productora de su propio concepto. Con una voz prodigiosa e imponente, letras profundas y melodías creativas, revela de manera misteriosa algunos de sus sentimientos más íntimos. Amante del soul y el R&B, ha dejado que sus canciones fluyan bajo el modelo de intérpretes y compositores brillantes como Mariah Carey, Fiona Apple, Amy Winehouse y otros referentes que han marcado su formación artística.

Su primer trabajo discográfico fue “Oscura Luz”, un LP de once canciones lanzado en 2016 que ya apuntaba las cualidades que desarrollarían más adelante. Le siguió “O.L.V.A. (Deluxe)”, un EP publicado en 2019 que recopilaba remixes y nuevas versiones de algunas de sus composiciones, mostrando una evolución en su sonido y una voluntad de experimentación que ahora encuentra su culminación en “Invisible”.

“Invisible” se presenta como una obra conceptual en el sentido más profundo del término. Las ocho canciones que lo componen están unidas por un hilo conductor temático y sonoro que las convierte en piezas de un mosaico mayor, pero cada una puede ser disfrutada también de manera independiente. La producción, cuidada al detalle, crea atmósferas que envuelven al oyente y lo transportan a ese espacio interior donde las certezas se desdibujan y las preguntas más importantes encuentran eco.

Con este álbum, Melany Cubero se posiciona como una artista con proyección regional, capaz de construir universos estéticos propios y de conectar con una audiencia que valora la autenticidad, la introspección y la innovación sonora. “Invisible” se convierte así en una obra adaptable a playlists de pop alternativo, electrónica indie y propuestas femeninas emergentes en Latinoamérica, demostrando que la música centroamericana tiene mucho que decir en el panorama contemporáneo.

El disco ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese viaje hacia lo invisible que Melany Cubero ha construido con sensibilidad y oficio. Una obra para quienes entienden que lo más importante, a menudo, no se ve.

El pasado 19 de febrero, Natalia Lacunza recaló en Paral·lel 62, la sala anteriormente conocida como BARTS, en la que fue la quinta parada de su actual gira de salas, iniciada el 15 de enero en la Sala Capitol de Santiago de Compostela. La cita, además, formaba parte del Banco Mediolanum Festival Mil·lenni, consolidando la noche como uno de los eventos destacados del ciclo barcelonés. A sus lados, como ya es costumbre, estuvieron Teresa Gutiérrez, más conocida artísticamente como Ganges, a los teclados y Paula Ruiz, alias Paula Mira, al bajo. Las tres colaboran de forma estable desde 2020 y se han convertido en una pieza clave para trasladar al escenario la identidad sonora de sus canciones.

Desde el primer minuto quedó claro que no sería un concierto al uso. Sin largas pausas ni discursos extensos salvo un brindis con el público, la cantante apostó por un formato muy directo: canción tras canción, sin apenas tregua, dejando que la música fuese el verdadero canal de comunicación con el público que llenaba su teléfono móvil de manera constante con clips de canciones de la artista. El repertorio arrancó con un claro protagonismo de su último trabajo, N2STAL5IA, cuyos temas fueron desgranándose con intensidad, marcando el pulso inicial del concierto.

A medida que avanzaba el concierto, Natalia Lacunza fue equilibrando el setlist con canciones más reconocidas de etapas anteriores, logrando que la sala coreara con la misma fuerza tanto lo nuevo como lo ya consolidado. La estructura del show estuvo medida al detalle: un arranque directo, seguido de tramos más calmados que permitieron bajar revoluciones pero sin perder atención. Fue en ese tramo medio donde se produjo uno de los momentos de mayor conexión emocional, con la interpretación de Otro culito, coreada con complicidad por un público entregado, si bien canciones como Cuestión de suerte son temas que siempre hacen animar al público. 

La recta final llegó por todo lo alto cuando sonó PREFIERO, tema para el que Natalia Lacunza invitó al escenario a María Escarmiento. La aparición desató la euforia colectiva: la pista, completamente llena, estalló en saltos y gritos, todos los móviles se alzaron al aire en función grabado, convirtiendo el cierre en una auténtica celebración compartida que recordar.

Lo que quedó patente es que Natalia Lacunza ha encontrado una fórmula sólida y que funciona sobre el escenario, y que Barcelona es lugar de éxito para ella. La cantante combina distintos ritmos y tempos, jugando con la brevedad característica de las canciones actuales, sin renunciar a espacios donde desplegar matices vocales, íntimos y emocionales pero con letras juveniles y cercanas. Mantener la atención constante de un público mayoritariamente joven no es tarea sencilla, pero la artista demuestra dominar ese equilibrio entre inmediatez y construcción de atmósferas. En Paral·lel 62, volvió a confirmarlo.

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

La agrupación musical Zircon Skyeband anuncia el lanzamiento a nivel mundial de su nuevo EP, “Catch A Falling Star”, ya disponible en todas las principales plataformas de streaming. Este trabajo de cinco canciones, publicado el pasado 31 de enero de 2026, sumerge al oyente en paisajes sonoros cautivadores donde las voces vibrantes, las melodías de trompeta y los impresionantes riffs de guitarra se combinan para crear una atmósfera de calidez y alegría contagiosa.

El EP se despliega como un viaje musical que demuestra la notable habilidad de la banda para infundir pasión y destreza en cada interpretación. Desde la pista que da título al trabajo, “Catch A Falling Star”, irradia una calidez juguetona que invita a cantar a pleno pulmón. Las voces principales hipnotizan mientras los coros brillan en un intercambio lúdico con el ritmo, creando una experiencia musical irresistible que atrapa desde la primera escucha.

Uno de los momentos más destacados del EP es su versión de “Careless Whisper”, el clásico originalmente lanzado por Wham! (George Michael y Andrew Ridgeley). La reinterpretación de Zircon Skyeband brilla con creatividad y presenta algunos giros sonoros inesperados, junto a una sección final adicional que resulta puro deleite. Una muestra de cómo la banda consigue honrar el original mientras imprime su sello personal, convirtiendo el tema en algo fresco y sorprendente.

Pero no todo son versiones. Zircon Skyeband también está construyendo un legado significativo con sus composiciones originales, como demuestra “Rather Walk Beside You”. Este tema presenta su característico sonido despojado pero elegante, rebosante de emoción genuina, un estilo inconfundible y una narrativa lírica auténtica que bebe directamente de la vida real. Una canción que funciona como declaración de principios y como ejemplo de hacia dónde quiere ir la banda.

El tema “I Saw the Light” se erige como otro de los momentos cumbre del EP. Un experto de la industria lo resumió a la perfección: “Con sus melodías soñadoras, expresión sincera y una producción brillante, 'I Saw The Light' es un retrato profundo de la revelación del amor que permanece en el oyente mucho después de que la última nota ha sonado”. Una descripción que captura la esencia de una canción que trasciende lo meramente auditivo para convertirse en experiencia emocional.

La versión de “Cut Across Shorty” demuestra la versatilidad de la banda y su capacidad para atraer a oyentes de todo el mundo con un clásico querido, maravillosamente reimaginado. Una muestra más de cómo Zircon Skyeband está creando su propio espacio dentro del universo musical con sus reinterpretaciones imaginativas de temas conocidos, cada una imbuida de su atractivo único.

Zircon Skyeband está generando un impacto creciente en la escena musical, dejando una huella duradera con sus melodías hipnóticas, armonías brillantes, letras sinceras y ritmos innovadores. Su presencia se extiende también al ámbito visual, con una creciente base de seguidores en YouTube gracias a sus creativos videoclips. Con el lanzamiento del video para “Catch A Falling Star”, la banda completa ahora una impresionante lista de trece vídeos, una colección que convierte a oyentes ocasionales en seguidores devotos, fotograma a fotograma.

Las entrañables historias que construyen en cada entrega visual refuerzan la conexión con un público que valora la autenticidad y el cuidado artesanal. Una forma de entender la música como experiencia integral, donde el sonido y la imagen dialogan en igualdad de condiciones.

“Catch A Falling Star” ya está disponible para streaming en Spotify, Apple Music, Amazon Music, YouTube y todas las plataformas donde los amantes de la música deseen descubrirlo. Una invitación a dejarse llevar por las vibrantes texturas sonoras de una banda que demuestra, tema tras tema, que su capacidad para crear aventuras musicales inolvidables es verdaderamente mágica. Los interesados en mantenerse conectados con todas las novedades de Zircon Skyeband pueden seguirles en Facebook para acceder a avances exclusivos y ser los primeros en escuchar la inspiración que está por venir.

AKIBA' LKIMISTE, el proyecto del artista independiente originario de Valencia, España, presenta “DU ROCK DU SEXE”, su nuevo sencillo y una propuesta que abraza una energía mucho más cruda y directa de lo que nos tenía acostumbrados. El tema, lanzado bajo la denominación CUAL by AKIBA'LKIMISTE, refuerza la imagen de un creador que no teme mezclar idiomas, conceptos provocativos y actitud transgresora, manteniéndose fiel a su filosofía de independencia creativa absoluta.

La canción se despliega como un estallido de autenticidad. Tal y como su título anticipa, “DU ROCK DU SEXE” apuesta por una energía rockera y sin concesiones, alejándose de los territorios más melódicos y emocionales que el artista ha explorado en otras entregas como “Reviens”. Aquí hay una actitud diferente, más desafiante, más física, que conecta con la esencia más primaria del rock y lo fusiona con esa identidad personal que atraviesa toda su obra.

AKIBA' LKIMISTE se define como autor, compositor e intérprete, y su propuesta musical es difícil de encasillar en un solo género. Se mueve con comodidad entre el latin pop y el rock oriental, construyendo un universo sonoro propio que bebe de múltiples influencias pero suena a algo nuevo. Sus letras, principalmente en francés a pesar de sus raíces españolas, aportan una capa adicional de originalidad a una propuesta que ya de por sí desafía cualquier intento de clasificación sencilla.

Detrás de este proyecto hay un artista totalmente autodidacta que gestiona él mismo todo su proceso creativo, desde la composición hasta la producción. Esa independencia radical le otorga una libertad poco común en la escena actual: la de seguir sus impulsos sin tener que rendir cuentas a nadie, la de explorar territorios arriesgados sin miedo al fracaso comercial. “DU ROCK DU SEXE” es precisamente eso: una canción que nace desde el impulso, desde la necesidad de expresar algo que no admite medias tintas.

El artista utiliza la denominación CUAL by AKIBA'LKIMISTE para ciertos lanzamientos o directos, una suerte de sello personal que distingue sus propuestas más experimentales o transgresoras. Este single se enmarca dentro de esa línea, mostrando una faceta más descarnada de un creador que ya había dado muestras de su versatilidad en otras entregas.

Si “UN” funcionaba como una declaración de identidad y un homenaje a su vínculo vital con la música, y “Reviens” exploraba ese rock oriental con matices de pop latino, “DU ROCK DU SEXE” viene a completar el retrato de un artista poliédrico que no se conforma con repetir fórmulas. Su versión en vivo de “Phœnix” ya había mostrado su capacidad interpretativa sobre el escenario, pero este nuevo tema apunta más alto: quiere ser un puñetazo sobre la mesa, una afirmación de presencia.

AKIBA' LKIMISTE está construyendo su base de seguidores desde la honestidad y la autogestión, un camino lento pero sólido que le otorga un aire muy auténtico en la escena actual. En un mundo donde a menudo se prioriza la estrategia sobre la verdad, su propuesta resuena con quienes buscan algo diferente, algo que no suene a prefabricado.

La banda malagueña Efecto Mariposa presenta “Querencia”, una de las canciones incluidas en su álbum “40:04” editado en 2009, que ahora recupera en una nueva versión con la colaboración de Shuarma, vocalista de Elefantes. Este lanzamiento no solo supone un reencuentro artístico entre dos de las voces más emblemáticas del pop español, sino que también funciona como aperitivo de lo que será la celebración de sus 219.000 horas de vuelo, el próximo disco conmemorativo de sus 25 años de trayectoria que verá la luz en abril.

“Querencia” está dedicada a esa persona en la que siempre encontramos consuelo, esa que incondicionalmente está a tu lado, sobre todo cuando más necesitamos sanarnos, pero también con la que deseas compartir los momentos bonitos. La canción, que originalmente formaba parte del repertorio del grupo, adquiere en esta nueva versión una dimensión especial gracias al encuentro de dos sensibilidades que comparten una misma forma de entender la música como vehículo de emociones.

No es la primera vez que ambas voces se cruzan. Ya lo hicieron en “Problema existencial” no hace tanto tiempo, y ha sido maravilloso que Shuarma haya querido estar de nuevo con ellos, esta vez celebrando las 219.000 horas de vuelo. La banda confiesa sentir admiración total por Elefantes y por Shuarma por la forma que tiene de emocionar con su voz y personalidad interpretando, además de ser preciosa la amistad que siguen forjando a día de hoy gracias a la música.

Por su parte, Shuarma cuenta cómo ha sido la colaboración en “Querencia”: “Hace un tiempo me llamaron mis amigos de Efecto Mariposa para pedirme si quería colaborar con ellos en la canción, cosa que me hizo mucha ilusión. A mí me gustan mucho sus canciones; creo que tienen canciones de pop, no sé, sencillamente perfectas, melodías maravillosas. Y, además, los aprecio personalmente muchísimo”. Sus palabras reflejan la naturalidad con la que surge este encuentro, fruto del respeto mutuo y de una amistad que la música ha ido consolidando con los años.

Este lanzamiento anticipa la llegada de “219.000 Horas de Vuelo”, el nuevo disco con el que Efecto Mariposa celebrará sus 25 años de carrera. El álbum verá la luz en el mes de abril y promete reunir canciones emocionantes y emocionales que ya forman parte del imaginario colectivo de nuestro país, que exhiben esa característica fragilidad que sabiamente compatibilizan con un músculo sonoro lleno de unos estribillos coloristas que refuerzan su grandeza.

Efecto Mariposa es, sin duda, uno de los principales exponentes del pop adulto, fresco, inteligente y de impecable factura. Sus singles cuentan con más de 15 millones de reproducciones en las principales plataformas digitales y sus videos superan el millón de visitas, haciendo evidente que la banda es un referente del pop en lengua castellana cuya música trasciende fronteras.

La celebración tendrá su momento culminante en directo. El próximo 22 de mayo, Efecto Mariposa presentará “219.000 Horas de Vuelo” en La Sala del Movistar Arena de Madrid, un concierto que promete repasar lo mejor de su trayectoria y celebrar un cuarto de siglo de música compartida. Las entradas ya están disponibles para este evento que se perfila como una cita ineludible para los amantes del pop de calidad.

Además de esta fecha, la gira de aniversario llevará a la banda por distintos puntos de la geografía española. El 11 de enero estarán en Palencia, el 6 de febrero en el Invernia Fest de Pontevedra, el 14 de marzo en Puerto Llano, el 4 de abril en el Festival de Jávea (Alicante), y el 22 de mayo en Madrid. Una extensa serie de conciertos que acercará su música a los seguidores de toda España.

“Querencia” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de consuelo y complicidad que Efecto Mariposa y Shuarma han sabido construir. Una canción para quienes entienden que la música, cuando es auténtica, puede ser el mejor refugio en los momentos difíciles y la mejor compañía en los días felices.

Tras “Las Damas y el vagabundo”, el tema con el que participó en el Benidorm Fest 2026 de la mano de Julia Medina y que mantiene su posición octava en el top viral de España, María León estrena “Culpable”, su primer sencillo en solitario. Se trata de una canción que aborda el empoderamiento femenino desde una perspectiva íntima y poderosa, mostrando las distintas versiones de una misma que es necesario dejar atrás para colocarse en el primer lugar.

El tema, compuesto por la propia María León junto a Sofía Thompson y Ole Aguilar, cuenta además con la producción de esta última. Bajo este contexto, “Culpable” despliega una historia intensa sobre las facetas que uno mismo tiene que sacrificar para poder alcanzar la libertad. Con una letra ingeniosa y muy directa, la canción enseña la fuerza interna necesaria para evolucionar ante un amor complicado: “Culpable, así me declaro yo, culpable, porque nunca he estado mejor, culpable, de escapar de mi prisión, culpable, culpable, culpable. Tuve que matar las versiones de mí, volverme a amar para sobrevivir”.

El estribillo funciona como una declaración de principios, como un acto de asumir la responsabilidad sobre la propia liberación. No hay victimismo ni autocompasión; hay la certeza de que, a veces, para avanzar hay que tomar decisiones difíciles, incluso si eso implica dejar atrás partes de uno mismo que ya no sirven. Esa mirada, la de quien se hace cargo de su destino y acepta las consecuencias de sus elecciones, convierte la canción en un himno para todas aquellas personas que han tenido que reconstruirse desde los cimientos.

El lanzamiento viene acompañado de un imponente videoclip grabado en México bajo la dirección de Vecerra. En él, vemos a María León interpretar “Culpable” mientras aparecen tres versiones distintas de la artista, representando las diferentes facetas narradas en la historia. Un recurso visual que refuerza la idea central del tema: la multiplicidad de identidades que habitan en cada persona y la necesidad de integrarlas o despedirse de ellas para seguir creciendo.

Esta canción llega en un gran momento para María León, ya que deja ver su imponente evolución conservando lo mejor de su esencia y su poderoso estilo, a través de los cuales ha conquistado a todos sus fanáticos dentro y fuera de México. Una evolución que no es casualidad, sino el resultado de una trayectoria sólida construida sobre los escenarios y en los estudios de grabación a lo largo de más de dos décadas.

María Elizabeth León Herrera nació un 14 de febrero en Guadalajara, Jalisco. A los cinco años comenzó sus estudios de piano y un año después escribió “Mamá”, su primera composición. A la par de la música, inició sus estudios de ballet a los tres años, complementándolos después con danza contemporánea y jazz. En su adolescencia, movida por su deseo de hacer comedia musical, su madre la impulsó a audicionar para Pop Star, el reality show de Televisa en el que resultó una de las cinco ganadoras.

En 2003 se convirtió en vocalista de Playa Limbo, una experiencia que le permitió comenzar a imaginar y preparar su lanzamiento como solista. En 2014 hizo su debut teatral en el exitoso musical “Hoy No Me Puedo Levantar”, al que ingresó interpretando el personaje de Ana para, cinco meses después, convertirse en María, la protagonista de la historia. Ese mismo año se coronó como ganadora del reality show “Bailando Por Un Sueño”, plataforma en la que pudo exhibir sus grandes dotes como bailarina.

Su carrera sobre los escenarios del teatro musical continuó con su participación en “Chicago”, donde dio vida a Roxie Hart. Posteriormente se puso nuevamente bajo la piel de María en “Hoy No Me Puedo Levantar… Hasta Siempre”, actuación con la que fue galardonada en los Premios Metropolitanos de Teatro como Mejor Actriz Principal en un Musical, convirtiéndose en la primera actriz en ser nominada dos veces en la misma terna gracias a su trabajo en “Chicago”, puesta que fue galardonada con el premio a Mejor Obra Musical. En 2023 volvió al teatro formando parte de algunas funciones de “Mentiras El Musical”, donde dio vida a Lupita, y como Sandy, la icónica protagonista de “Vaselina Timbiriche”.

En 2016 anunció su salida de Playa Limbo para lanzarse como solista. Desde entonces ha publicado dos producciones discográficas: la primera, un EP llamado “Inquebrantable”, y la segunda, un álbum de estudio lanzado en 2022 titulado “Alquimia”. Ha participado en importantes programas de televisión, siendo coach en La Voz Kids 2022, campeona de Mira Quién Baila en la cadena Univisión de Estados Unidos, juez en Pequeños Gigantes 2020 y, ese mismo año, ganadora de ¿Quién es la Máscara?

En julio de 2023 dio a conocer “Hola, me llamo María”, un exitoso sencillo con el que regresó al género pop, seguido de “Ayer Lloré”, al que añadió un toque urbano y un dance video que aportó un sonido movido al lanzamiento. En ese mismo mes se estrenó la cinta “Wish” de Disney Pictures, donde prestó su voz a la princesa Asha.

Su segundo disco solista incluye éxitos como “Pedir permiso” con Edwin Luna y la Trakalosa de Monterrey, “Mudanza de hormiga” con Gloria Trevi, “Alquimia” con Rubén Albarrán y la Bruja de Texcoco, y “Te quedas sin mí” con Yuri, entre otras grandes personalidades.

Comenzó 2024 con presentaciones de “Vaselina” en la República Mexicana, concluyendo con su participación como Lupita en “Mentiras”. En 2025 dio a conocer un nuevo concepto al lado de Yahir, con quien siempre ha compartido una química inigualable. Bajo el nombre de “Fuego”, lanzaron temas inéditos así como un cover de “Hoy tengo ganas de ti”, el tema de Alejandro Fernández que se convirtió en la canción principal de la serie de Netflix “Pecados Inconfesables”. La gira Fuego ha visitado ya muchos estados de la República Mexicana y logró el sold out en el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México.

“Culpable” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa declaración de libertad y autovaloración que María León ha sabido construir con la honestidad y la potencia que la caracterizan. Una canción para quienes entienden que, a veces, la única salida es mirarse al espejo y declararse culpable de quererse por fin.

El reconocido artista sevillano Nolasco anuncia el lanzamiento de “Tienes sed”, el tercer single y último adelanto de su próximo álbum “Henko”, que verá la luz el próximo 20 de marzo. Este nuevo sencillo, que ya está disponible en todas las plataformas digitales, viene acompañado del estreno de un videoclip oficial en el canal de YouTube del artista, completando así el tríptico de presentación de un disco que promete ser uno de los más personales y arriesgados de su carrera.

“Tienes sed” se presenta como la carta más transgresora del proyecto “Henko”. En ella, Nolasco fusiona una base de rumba-tango con ritmos y sonidos de Break hop de los años 70, creando un collage sonoro que resulta a la vez vintage y moderno, urbano y profundamente sureño. La producción, a cargo del propio Nolasco con Víctor Rosa como ayudante, refleja la búsqueda constante de un artista que lleva más de veinte años redefiniendo su sonido sin perder nunca su esencia.

“’Tienes sed’ es una canción sobre la química y el cuidado”, explica Nolasco. “Habla de esa conexión especial entre dos personas, de la elegancia en el detalle y de regar el jardín del cariño. Musicalmente, quería que sonara como un tema de los 70 encontrado en una cinta perdida, pero con el pulso de hoy. Es uno de los cortes más arriesgados y personales del disco”. Sus palabras desvelan la intención de una pieza que mira al pasado con nostalgia pero late con la energía del presente.

La letra, cargada de metáforas a compás, gira en torno a la sed compartida y la intuición del deseo, culminando en el verso que da título al tema: “Tienes sed de mi ser, yo lo sé, lo presiento…”. Una declaración que funciona como un juego de complicidades, como un reconocimiento tácito de esa atracción que no necesita palabras para manifestarse.

“Tienes sed” es el tercer single de un álbum que ya ha mostrado dos caras muy diferentes: la versión flamenca y mediterránea de “Mi historia entre tus dedos”, lanzada en noviembre de 2025, y la rumba luminosa y vital de “Las leyes del destino”, publicada en enero de 2026. Con este nuevo lanzamiento, Nolasco completa el tríptico de adelantos que definen el universo diverso y cohesionado de “Henko”, cuyo lanzamiento está previsto para el próximo 20 de marzo.

El álbum, cuyo título hace referencia al concepto japonés de cambio transformacional, promete ser un viaje íntimo a través de once canciones que exploran el flamenco, el pop, el rock y fusiones inesperadas, grabado entre estudios de Sevilla y Cádiz y escenarios únicos como el Castillo de San Sebastián. Un trabajo que profundiza en la idea de transformación personal y que se perfila como una obra fundamental en su discografía.

Nacido en El Viso del Alcor en 1976, Nolasco comenzó su carrera actuando en pequeñas salas, primero como percusionista y luego como vocalista y compositor. En 2007 lanzó su primer disco, “Como te dé la gana”, que lo catapultó a la escena nacional con éxitos como “Las cosas pequeñitas”. Desde entonces, ha construido una carrera sólida y única, caracterizada por la fusión de flamenco, pop, rock y sonidos electrónicos.

Con más de 1.200 conciertos a sus espaldas, Nolasco ha seguido explorando nuevos horizontes musicales. Discos como “12 noches en blanco y un final por escribir” (2008), “Off” (2010), “El color de la felicidad” (2012), “Nuevos atardeceres” (2013) y “Fuego en el cielo” (2017) han consolidado su estilo personal. Su último trabajo, “Petricor” (2023), lo mostró en su faceta más madura, fusionando géneros como el folk y la electrónica, y colaborando con artistas de la talla de Cherisse Osei y Diego Carrasco. Un disco inspirado en los olores y sensaciones que conectó profundamente con su público gracias a su versatilidad y autenticidad.

Ahora, inmerso en la presentación de su noveno álbum, Nolasco sigue manteniendo la ilusión y la energía que lo han acompañado desde el principio, demostrando que su conexión con el público y su capacidad para reinventarse siguen siendo el motor de su carrera.

Para presentar “Henko” en directo, el artista sevillano ha anunciado las primeras fechas de una gira que promete llevar su nueva música a los escenarios más emblemáticos. El 10 de abril actuará en el Cartuja Center de Sevilla, el 11 de abril en la Sala Góngora de Córdoba y el 19 de abril en la sala Galileo Galilei de Madrid, con más fechas aún por confirmar. Una oportunidad única para disfrutar en vivo de un artista que entiende el directo como el territorio natural donde sus canciones cobran todo su sentido.

La artista Sole Giménez anuncia este 20 de febrero el lanzamiento de “Ser Humano”, el primer adelanto de su nuevo trabajo discográfico, previsto para publicarse en primavera. Tras la edición de su último disco “¡Celebración!”, grabado en directo en el Palau de les Arts de Valencia y con el que celebró cuatro décadas de trayectoria musical, la regresa con una canción inédita que pone el foco en la esencia del ser humano y en aquello que nos une como especie.

La canción, escrita por Pedro Guerra y compuesta y producida por Pablo Cebrián, se despliega como una invitación a la reflexión en un mundo cada vez más acelerado y deshumanizado. “Ser Humano” reivindica los valores que nos definen en positivo: la empatía, la sensibilidad, la capacidad de amar, de cuidar y de construir juntos. En un tiempo marcado por la distancia y el individualismo, el tema propone una pausa, un recordatorio de que estamos hechos para compartir y para dar lo mejor de nosotros mismos.

Sole Giménez confiesa que la primera vez que escuchó la canción se emocionó profundamente. “Sentí que era una canción necesaria, sobre todo en estos tiempos, porque pone en valor la dignidad del ser humano, aquello que nos distingue en positivo, que nos iguala y nos une. Tenemos tanto de bueno que es triste ver que se nos olvida y nos distanciamos cuando realmente estamos hechos para compartir, para dar lo mejor de nosotros mismos, pues es ahí donde de verdad brilla nuestra humanidad. Darle voz y que sea la primera canción que presentamos de este nuevo disco me hace inmensamente feliz”, explica la artista, resumiendo en sus palabras la emoción que atraviesa todo el tema.

El videoclip que acompaña a la canción ha sido rodado en la sierra de Madrid bajo la dirección de David Labajos. El paisaje se convierte en un escenario de gran fuerza visual, combinando naturaleza y simbolismo para subrayar el carácter reflexivo de la pieza. Las imágenes, cuidadosamente compuestas, funcionan como una extensión natural de la música, creando una experiencia inmersiva que invita a la contemplación y al recogimiento.

Este primer adelanto marca el inicio de una nueva etapa artística para Sole Giménez. Un proyecto de canciones inéditas que verá la luz en primavera y que promete seguir profundizando en la emoción, la honestidad y la conexión con el público que siempre han definido su carrera. Además, este nuevo trabajo irá acompañado de una extensa gira que recorrerá las principales capitales españolas. Valencia es la primera fecha confirmada y será en el Palau de Les Arts el próximo 5 de julio, un escenario especialmente significativo para la artista y para quienes han seguido su trayectoria a lo largo de los años.

Con “Ser Humano”, Sole Giménez demuestra una vez más que la música puede ser mucho más que entretenimiento: puede ser también un espacio de encuentro, un lugar desde el que recordar lo que realmente importa. La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa reflexión compartida sobre nuestra humanidad y sobre todo aquello que, a pesar de las diferencias, nos sigue uniendo. Las entradas para su concierto en Valencia ya están disponibles a través de su página web www.solegimenez.com.

La joven cantante Amalia, artista ucraniana residente en Valencia, presenta “Happy in Mind”, su nuevo sencillo y una pieza de pop cálido y edificante construida en torno a una idea tan sencilla como poderosa: la felicidad nace desde dentro. Con su suave positividad, su melodía pegadiza y su mensaje limpio y directo, la canción trae una ligereza refrescante a quien la escucha, invitando a conectar con esa fuente interna de bienestar que todos llevamos dentro.

El tema se despliega como un estallido de luz y energía positiva. Desde los primeros compases, la producción de dance-pop contemporáneo envuelve al oyente en una atmósfera vibrante y optimista, mientras la voz clara y sincera de Amalia transmite con naturalidad ese mensaje de empoderamiento personal. El estribillo, memorable y contagioso, se instala en la memoria desde la primera escucha, convirtiendo la canción en un himno generacional para quienes buscan en la música un espacio de alegría y afirmación.

“Happy in Mind” no es solo una canción; es una declaración de principios. En un mundo a menudo dominado por la prisa y la ansiedad, el tema propone una pausa luminosa, un recordatorio de que la felicidad no es algo que se encuentra fuera, sino algo que se cultiva dentro de uno mismo. Esa idea, expresada con la frescura y la sinceridad propias de una artista joven pero con las ideas muy claras, resuena con fuerza en un público que busca en la música no solo entretenimiento, sino también guía y consuelo.

Amalia es una joven cantante ucraniana que ha encontrado en Valencia su hogar y el lugar desde el que construir su carrera musical. Con una trayectoria que combina lanzamientos de pop contemporáneo con actuaciones en directo en festivales y eventos culturales, la artista va consolidando paso a paso su presencia en la escena. Su música fusiona el sonido pop internacional con un fuerte deseo de inspirar confianza, positividad y fortaleza interior en los oyentes más jóvenes, convirtiéndola en una voz a tener en cuenta dentro del género.

Su propuesta artística se aleja de la complejidad innecesaria para centrarse en lo esencial: melodías que atrapan, mensajes que calan y una interpretación honesta que conecta sin necesidad de artificios. “Happy in Mind” es un ejemplo perfecto de esa filosofía: una canción que suena fresca, que se disfruta de principio a fin y que deja en quien la escucha una sensación de bienestar que perdura más allá de sus tres minutos de duración.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de luz y positividad que Amalia ha sabido construir con la sensibilidad de quien entiende la música como un puente hacia lo mejor de nosotros mismos. Una canción para bailar, para sonreír y para recordar que, al final, la felicidad siempre ha estado donde tenía que estar: en nuestra propia mente.

DELHATRIBU, artista que emerge desde la escritura y la poesía para dar el salto a la música tras años componiendo para otros, presenta “Una droga que se te parezca”, su nuevo sencillo y una pieza que fusiona el rap con el pop latino y la balada suave con una sensibilidad lírica muy cuidada. Se trata de una canción donde los versos elaborados y la profundidad del contenido ocupan el centro de la escena, demostrando que, cuando se viene del mundo de la palabra escrita, la fuerza de una canción reside precisamente en lo que se dice y en cómo se dice.

El tema se despliega con una honestidad que atrapa desde los primeros compases. La introducción, además, rinde tributo al mítico tema de The Police, un guiño que conecta la propuesta con la tradición del rock clásico antes de adentrarse en territorios más urbanos y contemporáneos. Esa mezcla de referencias, esa capacidad para transitar entre mundos aparentemente alejados, define a la perfección la identidad de un artista que no se siente cómodo en una sola etiqueta y prefiere explorar las fronteras entre géneros.

La letra es, sin duda, el corazón de la canción. Construida con el oficio de quien ha dedicado años a la escritura y la poesía, cada verso está medido, cada palabra elegida con cuidado, cada imagen pensada para resonar en quien escucha. La metáfora central —esa droga que se le parece a la persona amada— funciona como un hilo conductor que atraviesa todo el tema, explorando la adicción emocional, la dependencia afectiva y la dificultad de soltar aquello que, aunque nos haga daño, no podemos dejar de desear. No es una mirada complaciente ni un romanticismo fácil; hay en ella una hondura que invita a la reflexión y al reconocimiento de las propias contradicciones.

Después de varios años escribiendo canciones para otros artistas de diferentes géneros, DELHATRIBU ha decidido dar el paso de lanzar su propio proyecto. Un álbum donde fusiona el rap y el hip hop con otros estilos, creando un universo sonoro personal que bebe de múltiples influencias pero suena a algo nuevo. Si hubiera que destacar algo de este trabajo, serían sin duda las letras, el contenido, porque vienen de un lugar de honestidad y oficio que no se improvisa.

“Una droga que se te parezca” es el primer avance de ese camino que empieza a recorrer. Una canción que nace desde la humildad de quien se sabe empezando, pero también desde la seguridad de quien tiene algo que decir y sabe cómo decirlo. El artista confía en que guste, y pone toda su ilusión en este lanzamiento que marca el inicio de una nueva etapa.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa mezcla de ritmos y palabras que DELHATRIBU ha construido con mimo y sensibilidad. Una canción para quienes buscan en la música no solo melodía, sino también sustancia, verdad y poesía urbana.

La banda Invisibles, ese proyecto de rock que prefiere trabajar desde la sombra pero cuyo talento emerge con fuerza imparable, presenta “La Primera Vez”, su nuevo sencillo y una pieza que captura la esencia de una noche marcada por el deseo, el amor a primera vista y la pasión desbordada. Se trata de una canción nacida desde la experiencia directa, desde ese momento único en que la ventura y la atracción se funden en una sola madrugada, dejando una huella que la música se encarga de eternizar.

El tema se despliega con la energía característica de una banda que ha hecho de la melodía su bandera y de los estribillos pegadizos su seña de identidad. Desde los primeros acordes, “La Primera Vez” atrapa al oyente y lo sumerge en una atmósfera de electricidad contenida que termina por estallar en un estribillo volcánico, de esos que se graban a fuego en la memoria después de una sola escucha. La letra, directa y sin rodeos, narra ese encuentro fortuito donde las miradas lo dicen todo y el cuerpo pide lo que la boca aún no se atreve a pronunciar. Es una canción sobre el instante, sobre la magia de lo efímero, sobre la certeza de que algunas noches merecen ser vividas aunque no tengan futuro más allá del amanecer.

Invisibles es rock fresco, de ese que no se ve pero se siente. Un proyecto construido desde el trabajo en la sombra, desde ese talento que a menudo pasa desapercibido pero que cuando sale a la luz lo hace con una contundencia arrolladora. En su música predomina la melodía, abundan las ideas claras y mandan las ganas de hacer canciones que conecten con quien escucha sin necesidad de artificios ni complicaciones innecesarias. “De primera escucha, sales cantando del concierto todos los estribillos”, dicen quienes han tenido la oportunidad de verlos en directo. Y no es difícil creerlo.

Las salas de conciertos y las fiestas patronales saben ya de primera mano la fiesta que rodea a sus actuaciones. Invisibles ha conseguido algo que no está al alcance de todas las bandas: hacer disfrutar por igual a jóvenes y no tan jóvenes con un rock fresco en todos los sentidos, que mira al futuro sin olvidar las raíces y que se entrega sin reservas sobre el escenario. Su directo es embaucador, atrapa y hace partícipe al público de un espectáculo sin precedentes donde la energía fluye en ambas direcciones.

Pero la música es arte, y como tal, no hay palabras suficientes para expresar la belleza del mismo o la magnitud del producto referido, por muy diestro que sea el narrador. La música hay que vivirla en su estado natural: el sonido y la armonía. Por eso, Invisibles invita a conocer su buen hacer en estudio, conscientes de que ese es el primer paso para luego dejarse llevar por la experiencia transformadora del directo. “La Primera Vez” es una muestra perfecta de lo que son capaces de crear cuando se encierran a dar forma a sus ideas.

La banda no tiene miedo a fusionar el rock con lo que les brota del corazón. Y eso se nota en cada canción, en cada acorde, en cada estribillo que sale de sus instrumentos. Porque Invisibles es, ante todo, honestidad hecha música, rock sin etiquetas, servicio constante al oído de un consumidor que, a su vez, es también invisible hasta que la magia del directo lo convierte en parte activa del espectáculo.

“La Primera Vez” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa noche de deseo y pasión que la banda ha sabido capturar con la precisión de quienes conocen bien el territorio que pisan. Una canción para recordar que algunas primeras veces merecen ser cantadas a voz en grito.

Después de convertir las emociones profundas en su sello artístico, Celeste Sanazi regresa con “Suavecito”, un sencillo que transforma el final de una relación amorosa en un acto de amor propio, paciencia y reconexión personal. Se trata de una cumbia poderosa que nace desde la intimidad de una despedida para convertirse en una celebración rítmica de volver a encontrarse con uno mismo, demostrando que la música puede ser el vehículo perfecto para sanar.

La canción surgió tras el término de una relación de muchos años, un momento que la artista describe como “una aventura ambigua”: ese punto exacto donde los límites se desdibujan y reaprender a estar con uno mismo se vuelve un proceso delicado pero absolutamente necesario. De ahí brota el corazón del tema: volver a mirarse con ternura, reconstruirse desde dentro con la misma paciencia que se tendría con un ser querido. “Suavecito fue una composición para recordar que volver a amarse y reconocerse es un camino de paciencia y mucho amor”, comparte Celeste, resumiendo en una frase la esencia de esta propuesta.

Definida por la propia artista como “un abrazo sincero para reencontrarse con uno”, la canción invita a jugar de nuevo con el amor propio, a cuidarse con conciencia y a reconocerse sin prisa, entendiendo que los procesos internos necesitan su tiempo y su ternura. “Quisiera que quien la escuche vuelva al juego de saberse querer, de entender que volver a uno mismo también puede ser gozoso”, explica, dejando claro que la canción no busca el consuelo fácil, sino la celebración consciente de la propia valía.

El título no es casual. “Suavecito” representa esa forma empática y amorosa de reconstruirse tras una despedida, de tomar medidas internas para vivir con mayor plenitud, de avanzar sin violencia, con la suavidad de quien sabe que las heridas necesitan tiempo para cerrar. Es una declaración de principios, una forma de entender el autocuidado como un proceso delicado pero profundamente transformador.

Musicalmente, el sencillo marca un momento especial en su carrera. Se trata de una cumbia poderosa que juega con los contrastes emocionales de una manera magistral. El tema inicia con una atmósfera nostálgica, casi tanguera, acompañada por un bandoneón que evoca ese pasado que cuesta soltar, esa melancolía que se resiste a desaparecer. Pero drásticamente, apenas comienza, la canción se transforma en una celebración rítmica, en un estallido de energía que invita al baile y a la alegría. “La cumbia es muy de mis raíces. Me pareció hermoso contrastar la melancolía de una ruptura con la alegría de volver a amarse”, señala, explicando esa decisión estilística que convierte el tema en una experiencia única.

El tema fue producido junto a José “Sapo” González, en un proceso creativo tan artesanal como emocional. Muchas canciones del álbum —incluida “Suavecito”— nacieron únicamente de percusión improvisada y voz, en un formato desnudo que permitía explorar la emoción sin artificios, antes de transformarse en producciones completas. Ese origen tan orgánico se percibe en cada compás, en esa autenticidad que solo se consigue cuando la música nace desde lo más profundo.

“El reto fue emocional. Es una canción muy íntima. Hoy, cantarla y ver a esa Celeste que volvió a enamorarse de ella misma se siente muy bello”, confiesa la artista, emocionada ante un lanzamiento que representa mucho más que un sencillo. “Suavecito” es el testimonio de un proceso de sanación completado, la prueba de que del dolor puede brotar belleza y de que las despedidas, a veces, son el principio de algo mucho mejor.

El tema ya se encuentra disponible en plataformas digitales y forma parte del que será el primer álbum de Celeste Sanazi, un proyecto que define como “muy poderoso” y que marca un antes y un después en su carrera, tanto por su sonido pop latino festivo como por la profundidad emocional de sus letras. Además, cada sencillo contará con un audiovisual con narrativa cinematográfica, pensado para que el público no solo escuche la canción, sino que también la viva como una historia propia, identificándose con sus personajes y sus tramas.

“Suavecito es la canción perfecta para volverse a enamorar de uno mismo.” Un estreno que no solo se baila, sino que se siente, y que invita a todos a sumarse a esa celebración íntima de la propia valía. Porque, como demuestra Celeste Sanazi, a veces hay que perderse para encontrarse, y el reencuentro con uno mismo puede ser la fiesta más importante de todas.

La canción fusiona el corrido tumbado con el universo urbano de La Joaqui y refuerza su vínculo con la escena musical mexicana

La Joaqui estrena “Nada Personal” junto a Gabito Ballesteros, una canción que fusiona su impronta urbana y emocional con el universo del corrido tumbado, consolidando un cruce cultural entre Argentina y México que profundiza su expansión por el continente latinoamericano. El tema se construye a partir de guitarras acústicas, metales y una percusión sutil que sostiene el pulso, generando una atmósfera cadenciosa y melancólica donde las voces guían el relato. El resultado es una pieza que conecta el fraseo urbano argentino con la sensibilidad del regional mexicano, en una historia atravesada por el desamor y la nostalgia.

La canción se despliega como un diálogo íntimo entre dos mundos musicales que, aunque distantes en su origen, encuentran un territorio común en la emoción compartida. La voz de La Joaqui, con su característico flow callejero y su capacidad para transmitir verdad, se entrelaza con la interpretación de Gabito Ballesteros, uno de los nombres más relevantes del corrido tumbado contemporáneo. Juntos construyen una narrativa sobre el desamor que trasciende fronteras y estilos, demostrando que el sentimiento no entiende de etiquetas ni de geografías.

El lanzamiento profundiza el vínculo de La Joaqui con México y con la escena latina en su conjunto. Desde sus inicios en el under argentino, la artista construyó una identidad fuerte, orgánica y ligada a lo popular, con relatos reales de barrio y un lenguaje directo que conecta con quienes buscan autenticidad. Su recorrido fue clave para la popularización del RKT y la cumbia urbana en Argentina, aportando además una mirada femenina dentro de un territorio históricamente dominado por hombres y consolidando una narrativa propia, frontal y sin filtros.

“Nada Personal” se inscribe en esa misma lógica: una voz que entiende la música como un territorio latinoamericano compartido y que, lejos de romantizar el origen del barrio, lo reivindica como punto de partida creativo. El single reafirma su capacidad para moverse entre escenas, sonidos y públicos sin perder identidad, consolidando una etapa de cruces de estilos y expansión internacional que la sitúa como una de las artistas más versátiles del panorama actual.

Este cruce cultural se potencia también en los escenarios. En 2025, La Joaqui brindó un show solista sold out en el Foro Puebla y participó del festival Tecate Pa'l Norte, cuyo paso quedó registrado en una Gallery Session que capturó la energía de su directo. Su presencia en México no se limita a las actuaciones; ha desarrollado vínculos artísticos con referentes de la escena local que demuestran su integración en el tejido musical del país. Trabajó con Kenia OS en “San Turrona (RMX)” y en “Kitty”, tema que le valió el reconocimiento a Canción del Año en los TikTok Awards. Colaboró con Yeri Mua en “CHEKATE”, que forma parte del álbum “TU PATRONA DE LUJO”, y con La Receta para una nueva versión de “Querido Rey”, presentada en vivo en Tecate Pa'l Norte. También se sumó a Grupo Cañaveral en “Echarme al olvido”, donde fusionó su identidad urbana con la tradición cumbiera regional.

En los últimos años, La Joaqui ha aumentado su proyección internacional a través de colaboraciones con figuras de distintos lugares. Participó en “Muñecas” junto a TINI y Steve Aoki; trabajó con Ovy On The Drums en “Turra & Bandida” y “Bellaqueria”, donde además se sumó Myke Towers; formó parte de “Privado (Remix)” junto a Lucky Brown y De La Ghetto; se unió a Sevdaliza en “Heroína”; colaboró con Kevin AMF en “Rompecora”; participó en “M.A. Remix” junto a Lola Índigo, BM y Callejero Fino; y grabó “Ex” con Mau y Ricky. Una red de cruces que refuerza su presencia en la escena latina y demuestra su capacidad para adaptarse a distintos estilos sin perder su esencia.

“Nada Personal” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa fusión de universos que La Joaqui y Gabito Ballesteros han sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes entienden que la música no entiende de fronteras y que, a veces, lo más personal puede convertirse en lo más universal.

Sagittopia, el proyecto dance-pop afincado en España creado y gestionado íntegramente por el trío de producción FMD, ha lanzado “Play Me Slow”, su nuevo sencillo que cuenta con la colaboración de la vocalista Annattopia. El tema, ya disponible en todas las plataformas digitales, ofrece una propuesta que cumple exactamente lo que promete su título: una entrada suave y sedosa que poco a poco se transforma en algo mucho más salvaje e impredecible.

Detrás de Sagittopia se encuentran Fuchs, Marquesa y Delgado, un trío de productores y compositores con sede en España especializados en electropop, dance-pop y electrónica independiente. Cada tema del proyecto es escrito, producido y moldeado íntegramente por ellos, fusionando sabores sintéticos retro con la energía de club actual en una propuesta que suena a la vez nostálgica y completamente nueva. Además de su trabajo en Sagittopia, FMD ha colaborado con artistas como Strangers Anonymous, David Adavi y Paula Relan, consolidando una trayectoria sólida dentro de la escena electrónica.

La canción se despliega como un juego de seducción sonora. Comienza con versos aterciopelados que evocan el brillo de las luces de la ciudad, creando una atmósfera íntima y envolvente. Pero justo cuando el oyente se deja llevar por esa calidez, el tema gira y se convierte en algo completamente distinto: un estallido de energía donde el deseo y la complicidad se desatan sin reservas. Sueños de labios pintados, miradas cargadas de intención y un estribillo que convierte todo el encuentro en un juego que nadie quiere que termine.

La voz de Annattopia se desliza perfectamente en la mezcla. Su interpretación, a la vez confiada y provocadora, tiene esa cualidad magnética que hace que quieras acercarte un poco más cada vez que la batería cambia de ritmo. Annattopia, que ya había colaborado con el proyecto en temas como “Dancing In My Dreams” y “Here And Now” dentro del álbum “Hearttopia”, demuestra aquí una química especial con la propuesta sonora de Sagittopia, entendiendo al instante la dirección creativa y llevándola a un territorio aún más interesante.

“Play me slow, then play me wild / Love's a game, I like your style” es la frase que ya se ha instalado en la cabeza de quien la escucha después de una sola reproducción. Un verso que resume a la perfección la dualidad del tema: la tensión entre lo lento y lo intenso, entre el juego y la entrega.

Compuesto y producido íntegramente por FMD, el track mantiene la mezcla característica del proyecto: sintetizadores de inspiración ochentera combinados con la energía de club contemporánea. Pero esta vez hay algo diferente, una intimidad nueva que lo sitúa en un territorio intermedio entre la conversación de madrugada y el momento cumbre de la pista de baile. Esa dualidad lo convierte en una pieza única dentro del universo Sagittopia, ese mismo mundo que comenzó a tomar forma con el álbum “Hearttopia” publicado a principios de año.

“Este tema nació de esas noches en el estudio en las que no parábamos de decir ‘deja que respire primero, luego déjalo correr’”, explican desde FMD sobre el proceso creativo. “Queríamos algo que se sintiera como un preludio para la pista de baile: construcción lenta, gran recompensa y ninguna regla en medio. Annattopia lo entendió al instante y lo llevó a un lugar aún mejor”. Sus palabras reflejan la naturalidad con la que surgió una colaboración que, a juzgar por el resultado, tenía que ocurrir.

Sagittopia continúa así labrando su propio rincón dentro de la escena electrónica. Una propuesta musical que suena a luces de neón reflejadas en el asfalto mojado, a cintas de los ochenta sonando dentro de una nave espacial. Nostalgia y futuro fundidos en un mismo latido.

“Play Me Slow” ya está disponible en todas las plataformas habituales. Una canción perfecta para las listas de reproducción de antes de salir de casa o para esos momentos en los que necesitas que la noche se ralentice… justo antes de que se acelere de nuevo.

El artista mexicano 008RACCA, reafirmado por Spotify México como el rostro juvenil de la escena musical en el país, presenta “Amantes”, su nuevo sencillo y una propuesta que se sumerge en el lado más caótico y complejo del amor. Estrenado el pasado 12 de febrero, el tema se distancia del romance idealizado típicamente asociado a las fechas como el 14 de febrero para explorar, en cambio, la intensidad, la confusión y la atracción que surge cuando la pasión se antepone a la razón.

La canción se despliega como una inmersión en el territorio pantanoso de los amores prohibidos, de esas relaciones que desafían la lógica y se sostienen sobre el filo de lo que no debería ser. Lejos de cualquier idealización, “Amantes” retrata la complejidad emocional de quienes se mueven en los márgenes, de los triángulos amorosos y las conexiones que existen a pesar de todo. Es una pieza que no juzga, sino que observa y narra desde distintas perspectivas, permitiendo que cada oyente se identifique desde cualquier rol.

Musicalmente, “Amantes” se presenta como una propuesta alternativa y urbana que destaca por su sonoridad intensa y poco convencional. La producción, rica en matices, incorpora baterías potentes que marcan el pulso de la urgencia emocional, trompetas envolventes que añaden una capa de dramatismo y, como elemento distintivo, un fragmento del poema “Los amantes” de Julio Cortázar. Esta combinación crea una atmósfera cargada de sensibilidad y hondura, donde lo literario y lo musical dialogan en igualdad de condiciones.

El sencillo fue producido en colaboración con Vinco, productor chileno reconocido en la escena alternativa por su trabajo junto a Akriila, Emjay y Miranda Santizo, entre otros. Creada en septiembre de 2025 a partir de una experiencia real, la canción nació de la exploración sonora hasta encontrar en el piano su eje principal. La letra retoma vivencias de la secundaria de Racca y se nutre de la influencia poética de Cortázar, construyendo un relato que es a la vez personal y universal.

El video musical, concebido como una extensión natural de la canción, narra la historia de una joven que se debate entre la nostalgia y el deseo mientras intenta superar una relación confusa. Justo cuando los mensajes del pasado insinúan una posible reconciliación, la protagonista ya ha tomado una decisión definitiva. La narrativa culmina en un momento nocturno donde el amor y la culpa se entrelazan, dejando claro que, a veces, lo más difícil no es amar, sino saber cuándo dejar de hacerlo.

008RACCA se ha consolidado como una de las figuras más relevantes del panorama musical mexicano gracias a una autenticidad que le permite conectar orgánicamente con su audiencia. Su proyecto, caracterizado por una honestidad creativa sin concesiones, encuentra en “Amantes” una nueva expresión de esa misma coherencia. El artista no busca complacer ni ajustarse a lo esperado; prefiere explorar territorios incómodos, hablar de lo que duele y lo que confunde, y hacerlo desde un lugar que resulta profundamente humano.

“Amantes” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de dramatismo y sensibilidad que 008RACCA ha sabido construir. Una canción para quienes entienden que el amor no siempre es bonito, pero siempre, de una manera u otra, nos transforma.

El artista suizo de origen español Rico, cuyo verdadero nombre es Adrián, presenta “mEnamorE dETi”, su nuevo sencillo y una pieza que explora con sensibilidad y frescura ese territorio emocional del primer amor, ese que llega sin avisar, dura lo que unas vacaciones y deja una huella tan profunda como difícil de borrar. Se trata de una canción que mezcla la inocencia de la infancia con la intensidad de los primeros sentimientos, retratando una relación fugaz pero significativa, de esas que cuesta más reconquistar que recordar.

La canción se despliega como un susurro íntimo, una confesión a media voz que atrapa desde los primeros compases. La letra, escrita con esa mezcla de ingenuidad y hondura que caracteriza al artista, recorre los momentos compartidos, la magia de los días de verano, la certeza de que aquello fue especial aunque durara poco. Pero también aborda la dificultad de volver atrás, de recuperar lo que se perdió, de reconstruir un vínculo que el tiempo y la distancia han desdibujado. Hay en ella una nostalgia dulce, sin amargura, como la que dejan los recuerdos que duelen pero también alimentan.

Musicalmente, “mEnamorE dETi” se mueve en los territorios del reggaetón más melódico, con una producción cuidada que envuelve la voz de Rico en atmósferas cálidas y ritmos bailables. Pero el tema no se queda en la superficie del género; hay en él una búsqueda de matices, una intención de ir más allá de la fórmula para encontrar un sonido propio que refleje la personalidad poliédrica del artista. La mezcla de infantilidad y sentimiento adulto, de ligereza veraniega y profundidad emocional, crea un contraste que enriquece la propuesta y la aleja de lo predecible.

Rico, nacido el 9 de junio de 2001 en Lausana (Suiza) pero de origen español, es un artista ambicioso y apasionado que lleva la música en la sangre desde su adolescencia. A los 14 años empezó a escribir sus primeras barras, inspirado por varios artistas que admiraba por sus talentos como escritores y melodistas. Su curiosidad natural y su capacidad para integrarse en múltiples estilos musicales lo convierten en un creador difícil de encasillar, alguien que puede transitar del rap más puro a la música urbana más bailable sin perder su esencia.

Durante su adolescencia estuvo orientado principalmente hacia el rap, pero a los 20 años decidió dar un giro a su carrera y adentrarse en el mundo de la música urbana. Siempre había sentido admiración por el canto, y ese respeto por la melodía lo llevó a explorar un camino más amplio, donde pudiera desarrollar todas sus facetas artísticas. Empezó a activarse en el estudio, tuvo algunas apariciones en radio y en 2023 subió su primer EP, titulado “5 Razón”, acompañado de varios vídeos en su canal de YouTube, mientras esperaba la salida de su segundo proyecto, “5 Razón PT.2”.

En 2024, Rico publicó dos nuevos sencillos y actuó en varios escenarios, consolidando su presencia en directo mientras seguía trabajando en futuros proyectos. Su determinación y su entrega sobre el escenario le han permitido conectar con un público que valora la autenticidad y la emoción por encima de los artificios.

“mEnamorE dETi” es un paso más en esa dirección. Una canción que habla de amor, de recuerdos, de la dificultad de volver atrás y de la belleza agridulce de lo que fue y ya no será. Pero también de la esperanza de que, quizá, merezca la pena intentarlo de nuevo. El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa historia de verano, de primeros amores y de corazones que aún laten al ritmo de aquellos días.

La artista Mia Salazar, afincada en Estocolmo desde hace más de una década, presenta “Ajolote”, su nuevo sencillo y la primera entrega de un proyecto que promete desvelarse por partes. Se trata de una pieza que nace desde el duelo migratorio y la reconstrucción identitaria, una oda a la vulnerabilidad de quien deja atrás su hogar y debe aprender a regenerarse en un entorno completamente nuevo. Con esta canción, Mia inaugura una propuesta musical tan original como inesperada, donde las raíces mexicanas y andaluzas que trae de casa se fusionan con las influencias nórdicas adquiridas durante su largo exilio voluntario.

La canción se despliega como un autorretrato simbólico. El ajolote, esa criatura mexicana capaz de regenerar sus extremidades, se convierte en metáfora perfecta de la experiencia migrante: “Soy un ajolote en un país helado”. Desde ese primer verso, Mia sitúa al oyente en la dualidad que atraviesa toda su obra: la fragilidad de quien necesita ser sostenido —“me coges en tu mano, me cuidas de los malos”— y la fuerza regeneradora que permite sobrevivir a cualquier entorno, por hostil que sea. “Y si se me caen los brazos, me van a salir dos nuevos. Y si se me caen las piernas, me van a salir dos nuevas”. La capacidad de renacer, de recomponerse, de seguir adelante a pesar de las pérdidas, queda así enunciada con una claridad poética que conecta directamente con quien escucha.

El estribillo, con su repetición hipnótica de “Es demasiado tarde pa decir que no te quiero”, funciona como un ancla emocional que atraviesa toda la pieza. Ese “te quiero” no se dirige necesariamente a una persona; puede ser el hogar perdido, la identidad dejada atrás, el lugar al que quizá nunca se pueda regresar. Pero también puede ser la persona amada, la que sostiene, la que ayuda a sobrellevar el frío. La ambigüedad es deliberada y enriquece la experiencia de quien escucha, permitiendo múltiples capas de interpretación.

Musicalmente, “Ajolote” desafía cualquier intento de clasificación sencilla. Mia Salazar, que ha hecho del extranjero su forma de vida y allí ha compuesto, tocado y producido bajo sus propias reglas, arrastra sus canciones a terrenos poco complacientes pero mucho más interesantes. Su adolescencia, marcada por la escucha incesante de Pixies, Pavement y Radiohead, se deja sentir en esa valentía poco común para desacoplar una copla con un sintetizador desafinado, o para componer un huapango con toda su complejidad rítmica y hacerlo encajar en el territorio del trip hop con total naturalidad.

Escuchándola, parece normal que el espíritu de Martirio y Beth Gibbons convivan en la misma canción. Sorprende, pero no descoloca, que unas trompetas mariachis hagan pensar en el “Disintegration” de The Cure. Que un sonido frío y cortante que podrían haber parido Sigur Rós irrumpa en bulerías suena tan auténtico como original. Porque en la música de Mia Salazar todo parece conocido y extraño a la vez, familiar y radicalmente nuevo. Compone lejos del patrón actual sin renunciar a lo contemporáneo, y si hubiera que buscar un eslabón perdido entre Billie Eilish y Mecano, probablemente sería ella.

Sus canciones entran rápido; las melodías se quedan a la primera. Y sus letras están llenas de versos con pegada, con “barras” que golpean justo donde duele. Los versos surgen del duelo migratorio, pero abren un espacio donde puede reconocerse cualquiera que, en la búsqueda de un sueño, haya dejado atrás una identidad, un hogar, una respuesta a la pregunta “¿quién eres?”.

Mia canta con un carácter poco domesticado. Su timbre es único, su afinación impecable, y todo ello se mezcla con un fraseo libre que prioriza el matiz y la verdad emocional por encima del lucimiento. El resultado es una voz autoral, reconocible en cuanto entra, de esas que conmueven porque sabes que te están contando algo real. Algo vivido, algo sentido, algo que no admite impostura.

La artista lleva más de diez años en Estocolmo, y con el tiempo ha convertido lo que eran nuevas influencias en identidad. Una identidad que parte de las raíces mexicanas y andaluzas que ya traía de casa, pero que se ha ido transformando en contacto con el frío nórdico. Desde ahí, a través de un proceso creativo marcado por el duelo migratorio, nos entrega una obra que no se parece a nada de lo que suena hoy.

“Ajolote” es solo la primera entrega de un proyecto que se irá desvelando por entregas. Un canto a la vulnerabilidad migrante y una oda a la transformación. Después de esto, nada volverá a ser lo mismo. Porque, como repite la canción una y otra vez, ya será demasiado tarde para decir que no te quiero. Y en ese “demasiado tarde” se encierra toda la verdad de quien ha atravesado el fuego y ha salido transformada, dispuesta a regenerarse una y otra vez, como el ajolote, cuantas veces haga falta.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese universo de hielo y regeneración, de raíces y desarraigo, que Mia Salazar ha sabido construir con una honestidad y una originalidad fuera de lo común.

La banda suiza Heartwish, formada en 2020 por un grupo de músicos con décadas de experiencia sobre los escenarios, presenta “Good Times & Bad Times”, su nuevo sencillo y una pieza que encapsula a la perfección la esencia de un proyecto nacido no de la estrategia, sino de la pasión más pura por la música. El tema, que verá la luz el próximo viernes 20 de febrero de 2026, se despliega como un himno de resiliencia, una declaración de principios que recuerda que la vida se compone de luces y sombras, y que precisamente esa dualidad es lo que nos hace más fuertes.

La canción nace desde un lugar profundamente humano. Entre el sol y la tormenta, entre la esperanza y la duda, “Good Times & Bad Times” invita a seguir adelante incluso cuando el camino se vuelve accidentado. Habla de coraje, de perseverancia, de la certeza de que después de cada punto bajo la luz regresa. Es una canción pensada para acompañar, para fortalecer, para recordar que cada experiencia, por dura que sea, contribuye a nuestro crecimiento. Y sobre todo, para subrayar una verdad esencial: no tenemos por qué recorrer el camino solos. Juntos, mano a mano, incluso la senda más difícil se vuelve más llevadera.

Musicalmente, el tema responde a la identidad sonora que Heartwish ha venido construyendo desde sus inicios: una fusión de pop rock clásico con producción moderna y melodías contundentes. Las guitarras, los estribillos memorables y una interpretación vocal cargada de sentimiento se combinan para crear una atmósfera que es a la vez épica y cercana. La producción, a cargo de Urs Wiesendanger en los renombrados Powerplay Studios de Suiza, aporta la profundidad y calidad que caracteriza a todos los lanzamientos de la banda.

Detrás de Heartwish hay nombres con una larga trayectoria en la música. El compositor Juerg Weibel y el vocalista Ricardo Iglesias son los principales artífices de la identidad del grupo, junto a otros músicos experimentados como Claudio Cervino y Cyrill Messmer. Juntos han creado un proyecto que combina profesionalismo con entusiasmo genuino, alejado de las tendencias pasajeras y centrado en canciones que aspiran a perdurar.

Desde sus primeros lanzamientos —sencillos como “Get Away”, “Fly Away”, “The Lonely Heart”, “Fight” o “Little Things”—, Heartwish ha ido construyendo una presencia sólida dentro de la escena del rock independiente. Su álbum de 2025, “These are the Days”, captura la esencia de la banda: melodía, emoción y un mensaje claro. Y ahora, con “Good Times & Bad Times”, continúan explorando ese territorio donde la música se convierte en puente entre las personas, en vehículo para inspirar y elevar.

La banda suele definirse como alguien que no entrega ruido, sino sentimiento. Y ciertamente, en cada una de sus canciones se percibe esa intención de conectar, de llegar a quien escucha desde la honestidad y la emoción compartida. Los temas recurrentes en su obra —la amistad, la esperanza, la fortaleza personal, los recuerdos, los pequeños momentos significativos de la vida— resuenan con facilidad en el público, que encuentra en sus letras un espejo donde mirarse.

“Good Times & Bad Times” está dedicada a todos aquellos que saben que la vida tiene altibajos, y que precisamente eso es lo que la hace fuerte. Una canción para quienes están en la cima y para quienes luchan por regresar a ella. Para los que necesitan un recordatorio de que, pase lo que pase, la luz siempre regresa. El sencillo estará disponible en todas las plataformas digitales a partir del 20 de febrero, invitando a escuchar, sentir y dejarse llevar por la ola.

El cantautor sinaloense Joss Favela, conocido como “El Lujo de Sinaloa”, y la joven promesa regiomontana Fátima Campo presentan “Me Sobrabas Tú”, una nueva versión en vivo de uno de los temas más emblemáticos compuestos por Favela y popularizado originalmente por Banda Los Recoditos alrededor de 2016. Lanzada el pasado 16 de febrero de 2026, esta colaboración propone un aire fresco y más pasional al tema, convirtiéndolo en un dueto que celebra la liberación emocional y el empoderamiento tras una relación fallida.

La canción se despliega como un himno de liberación en toda regla. La letra, firmada por Joss Favela, aborda ese momento crucial en el que una persona se da cuenta de que no le faltaba nada para que la relación funcionara, sino que, en realidad, le “sobraba” la otra persona porque nunca supo valorar su entrega. Es una declaración de autoconocimiento y dignidad, un recordatorio de que a veces el problema no es lo que falta, sino lo que sobra. La frase que da título al tema condensa esa idea con una claridad aplastante: no era cuestión de carencia, sino de exceso de alguien que no merecía estar.

La versión en vivo aporta una dimensión nueva a la canción. Grabada sin los artificios del estudio, la interpretación respira autenticidad y emoción a flor de piel. La voz madura y melódica de Joss Favela se complementa a la perfección con la potencia y el sentimiento que Fátima Campo imprime a cada frase, creando un diálogo vocal que se siente orgánico, natural y profundamente conmovedor. La química entre ambos artistas ha sido uno de los aspectos más aplaudidos por la crítica y los seguidores, que destacan cómo sus estilos se fusionan sin esfuerzo para dar nueva vida a un tema ya de por sí emblemático.

Joss Favela no necesita presentación en el panorama del regional mexicano. Compositor de cabecera para artistas de la talla de Banda MS, Julión Álvarez o Natti Natasha, ha sido galardonado en múltiples ocasiones como Compositor del Año por la ASCAP, un reconocimiento que avala su capacidad para construir canciones que conectan con el público y resisten el paso del tiempo. Su faceta como intérprete, aunque quizá menos conocida que su labor como compositor, demuestra en esta colaboración una sensibilidad y un oficio que lo sitúan también como un artista a tener en cuenta sobre el escenario.

Fátima Campo, por su parte, representa la savia nueva del regional mexicano. Originaria de Monterrey, esta joven cantante se hizo viral desde niña, llegando a conmover con su voz a figuras de la talla de Vicente Fernández. Su participación en realities como La Voz Kids la dio a conocer al gran público, pero ha sido su constancia y su potencia vocal lo que la ha consolidado como una de las promesas más firmes del género. Con millones de seguidores en TikTok y YouTube, Fátima ha demostrado que su talento trasciende las plataformas digitales y que su estilo auténtico tiene recorrido más allá de la viralidad momentánea.

La unión de ambos artistas en “Me Sobrabas Tú” no es casual. Representa el encuentro entre la experiencia y la juventud, entre la solidez del compositor consagrado y la frescura de la nueva generación. Y el resultado, a juzgar por la acogida, no ha podido ser más acertado. La versión en vivo captura la esencia de lo que el regional mexicano puede ofrecer cuando se interpreta con verdad: emoción, potencia y una conexión directa con quien escucha.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de liberación y autovaloración que Joss Favela y Fátima Campo han sabido construir. Una canción para quienes han aprendido que, a veces, lo mejor que puede pasar es descubrir que lo que sobra pesa más que lo que falta.