El artista Jere presenta “Que Reviente el Sol”, el primer adelanto de “Apolo”, su sexto álbum de estudio, que verá la luz en septiembre de 2026. El tema, ya disponible en plataformas digitales desde el pasado 10 de abril, abre la puerta a un trabajo que marca una evolución en el sonido del artista hacia un rock alternativo contemporáneo, sin perder la intensidad emocional que siempre ha definido sus canciones.

“Que Reviente el Sol nace de una idea muy simple: hay momentos en los que todo puede estallar y, de repente, te das cuenta de que nada importa demasiado”, explica Jere. “Ni el ruido, ni el caos, ni lo que pase alrededor. Es una forma de decir que, cuando llegas a ese punto, todo lo demás pierde peso”. La canción, que empieza contenida y va creciendo poco a poco hasta explotar en el estribillo, está construida para acompañar esa sensación de liberación, para que la propia música sea el vehículo de una catarsis que el artista considera central en su nuevo disco.

Musicalmente, “Que Reviente el Sol” apuesta por una producción que refleja la evolución de Jere hacia un rock alternativo contemporáneo. La canción ha sido producida y masterizada entre La Cueva (Barcelona), Feelsing (A Coruña) e Inmersound (Argentina), un proceso creativo que amplía el enfoque sonoro del proyecto y aporta nuevas texturas. El videoclip, de estética futurista, ampliará el imaginario visual de un trabajo que, además, incorpora mezclas en Dolby Atmos, ofreciendo una experiencia de escucha más envolvente y tridimensional que refuerza el carácter cinematográfico del nuevo universo sonoro y visual de “Apolo”.

Con más de dieciocho años de trayectoria, Jere se ha consolidado como una de las voces más reconocibles del pop-rock en español. Su capacidad para combinar letras directas y emocionales con un directo intenso y cercano le ha permitido construir una relación sólida con su público y mantener una carrera constante dentro de la escena independiente. Durante 2025, el álbum “Cafeína” formó parte de su repertorio en festivales como Polifonik (Huesca), VID Festival (Ciudad Real), CanviRock (Barcelona) y Fortaleza Sound (Lorca). Ahora, en 2026, inicia una nueva etapa creativa con “Apolo”, su sexto álbum de estudio, que promete ser un punto de inflexión en su carrera.

“Que Reviente el Sol” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de liberación y estallido que Jere ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo único que se puede hacer es dejar que todo reviente. Una canción para los momentos en que nada importa demasiado, para quienes necesitan que la música les recuerde que el caos también puede ser una forma de libertad. Tras la publicación del disco, Jere presentará “Apolo” en directo a finales de año con conciertos en Barcelona y Madrid.

El artista barcelonés David Lo. Bueno, compositor, intérprete, cantautor y productor con una trayectoria musical que se remonta a 1991, presenta “El sueño de la vida”, su álbum debut ya disponible en plataformas digitales desde el pasado 10 de abril. La obra, que aúna la esencia del pop español con influencias mediterráneas, latinas y andaluzas, construye un sonido propio, luminoso y profundamente humano, reflejando las raíces culturales del artista y su mirada abierta hacia el mundo.

El disco llega acompañado de su canción principal, “Nana para el mar”, un tema que captura la calma y el misterio del Mediterráneo a través de melodías envolventes y letras que evocan la memoria, la infancia y el paso del tiempo. Con arreglos que fusionan guitarras de raíz flamenca, percusiones latinas y texturas electrónicas contemporáneas, el sencillo anticipa la riqueza sonora que el oyente encontrará a lo largo de las doce canciones del álbum. No es una canción para bailar, sino para dejarse mecer por las olas sonoras, para recordar la infancia, para sentir que el tiempo se detiene.

“El sueño de la vida” es un recorrido íntimo y festivo a partes iguales. Las doce canciones transitan entre la copla reinterpretada, el bolero moderno y el pop de vocación universal, reflejando las raíces culturales del artista y su mirada abierta hacia el mundo. Hay espacio para la celebración y para la introspección, para el ritmo que invita a moverse y para la balada que pide silencio. El propio artista lo resume con una claridad que desarma: “Quería hacer un álbum que haga sentir emociones. Que quien lo escuche disfrute con todas y cada una de las canciones”.

David Lo. Bueno es hijo de un músico de la escena pop y rock de los años sesenta, y la música ha sido siempre una parte esencial de su vida, tanto creativa como personalmente. Tras años de dedicación a tiempo parcial y diversos ciclos creativos, se encuentra actualmente ante una etapa de plena dedicación, materializada en el lanzamiento de este álbum. El sueño de la vida es el resultado de esa entrega total, un trabajo que refleja una trayectoria larga y una voluntad de seguir creando sin ataduras.

El álbum ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de memoria y celebración que David Lo. Bueno ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la música también puede ser un sueño compartido. Una obra para quienes buscan emociones, para quienes saben que el Mediterráneo es mucho más que un mar.

El sofisticado dúo de soul Raye & Marlowe regresa con “FREE”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, un dueto de soul de tempo medio que mezcla influencias clásicas de los años setenta con una claridad moderna, se construye sobre un expresivo juego vocal, armonías exuberantes y un ritmo cálido para explorar la identidad, el amor y la libertad emocional. Es, hasta la fecha, su lanzamiento más personal, un viaje interior que captura el momento de soltar las expectativas y elegir la conexión, la verdad y la presencia.

“FREE” nace desde ese territorio donde el alma se desprende de lo que la ata. El estribillo —“Free to be in love, free to be me”— funciona como la pieza central emocional y la impresión duradera de una canción que habla de la liberación como elección consciente. Lejos de los temas de romance y celebración que habían caracterizado sus lanzamientos anteriores, Raye & Marlowe proponen aquí una introspección serena, una afirmación de que la verdadera libertad no es la ausencia de ataduras, sino la capacidad de elegir a qué entregarse.

Musicalmente, “FREE” bebe de las tradiciones del Philadelphia Soul. El piano Rhodes, los sutiles acentos de viento y el estilo de llamada y respuesta inspirado en el gospel construyen una base cálida y elegante sobre la que se despliega el dinámico dueto entre el suave tenor de Kai Marlowe y el expresivo contralto de Indigo Raye. Las texturas de coro por capas y un gancho melódico memorable que perdura tras la primera escucha completan un sonido que es a la vez retro y contemporáneo, un homenaje a la era dorada del soul que no se queda en la nostalgia, sino que la actualiza con una producción limpia y una sensibilidad moderna.

Raye & Marlowe no son un dúo al uso. Formados en la intersección del espíritu de Leather & Silk, el proyecto captura esa química rara y brillante que solo surge cuando dos voces se encuentran en el momento justo. Su propuesta se concibe como un santuario de calidez en un mundo que avanza demasiado rápido, un espacio donde la sofisticación del soul de los años setenta y ochenta se encuentra con la intimidad de una conversación a media voz. Bajo la dirección creativa de Boulevard West Records, el dúo se aleja de la mera nostalgia para ofrecer algo más profundo: una carta de amor sonora al West Coast Soul, donde el desgarro de un contralto se funde con la suavidad de un tenor de soul.

Con “FREE”, Raye & Marlowe continúan su narrativa de “sophisticated soul”, combinando una composición atemporal con una producción contemporánea y un mensaje profundamente humano. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de liberación y elección que el dúo ha sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que la verdadera libertad empieza por dentro. Una canción para quienes buscan soltar lo que pesa, para quienes saben que amar también es una forma de ser libres.

El productor de música electrónica y DJ Lusinate presenta “Best Life”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza de house impulsada por brillantes acordes de piano, una línea de bajo funky y un groove contagioso, captura la esencia de la alegría, la gratitud y la renovación personal, ofreciendo una inyección de positividad en forma de sonido que ha sido mezclada y masterizada por el ingeniero nominado dos veces al Grammy, Luca Pretolesi.

“Best Life” nace desde un lugar paradójico: la dificultad. Lusinate compuso la canción cuando se sentía deprimido y atravesaba un mal momento, con la intención de elevar su vibración y, al mismo tiempo, ofrecer el mismo efecto sanador a quien la escuchara. “La música es medicina para el alma”, afirma el artista. “Hice esta canción cuando estaba deprimido y pasando por muchas cosas, para elevar mi vibración. Lo hice con la esperanza de que hiciera lo mismo para cualquiera que la escuchara”. Esa dualidad —la tristeza como punto de partida y la alegría como destino— recorre todo el tema, convirtiéndolo en una carta de amor a la vida y a la belleza de todo lo que la compone: los altibajos y todo lo que hay en medio.

Musicalmente, “Best Life” apuesta por un sonido que combina la calidez de los pianos con la energía de la pista de baile. El resultado es un tema que no solo suena bien, sino que se siente bien, con una producción pulida que equilibra la profundidad emocional y la diversión. El estribillo, directo y optimista, funciona como un recordatorio de que, sin importar lo que estemos atravesando, siempre hay algo por lo que sonreír.

Lusinate, cuyo nombre real es Hunter Brown, creció en un lugar donde la música electrónica de baile siempre fue importante. De adolescente asistía a las llamadas “massives”, fiestas gigantes cuya ubicación se revelaba la noche anterior por mensaje de texto. Esas noches, que recuerda como las mejores de su vida, lo llevaron a enamorarse tanto de la música que empezó a producir y nunca miró atrás. Tras escribir como ghost para otros artistas y subir sus temas a internet, firmó un contrato con MTV y produjo canciones originales para programas de la cadena, incluido el exitoso reality “Jersey Shore”, donde sus temas house se convirtieron en un elemento habitual en el momento de mayor popularidad del programa.

A pesar del éxito inicial, Lusinate deseaba actuar y decidió perseguir una carrera como DJ. “Amo estar en el escenario”, dice. “Es real. Lo único mejor que crear arte es dárselo a la gente y ver cómo reacciona. Es el momento en que todo se cierra y sientes que tu propósito se cumple. Vivo por eso”. Con “Best Life”, el artista continúa labrándose su propio camino en la escena dance moderna, combinando emoción conmovedora y producción de alta energía en un sonido distintivamente “feel-good”. Una serie de lanzamientos, shows y contenidos que se desplegarán durante el verano llevan años en desarrollo, y ahora que ha llegado, no tiene intención de irse. “Best Life” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de celebración y gratitud que Lusinate ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo más valiente es elegir la alegría. Una canción para recordar que siempre hay algo por lo que sonreír, para quienes necesitan un recordatorio de que merecen vivir su mejor vida.

La cantante barcelonesa Paula Relan presenta “You Are Not Alone”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza de deep house cargada de sentimiento, combina líneas de bajo cálidas y sintetizadores atmosféricos para crear un paisaje sonoro que es a la vez emotivo y bailable, con un mensaje poderoso de apoyo y resiliencia que atraviesa todo el track, consolidando a la artista como una de las voces más interesantes en la intersección entre el pop y la música de baile.

La canción nace desde ese territorio donde la soledad y la lucha interior se encuentran con la posibilidad de la esperanza. La letra sigue un viaje desde el aislamiento hacia la fortaleza, ofreciendo consuelo a cualquiera que se sienta perdido en momentos difíciles. “You are not alone / I’ll be your home / I’ll show you a way where you can smile again”, canta Paula, y la promesa simple pero firme del estribillo funciona como un mantra de acompañamiento, una declaración de que incluso en la oscuridad más profunda siempre hay alguien dispuesto a tender la mano. La interpretación vocal, sincera y vulnerable, se convierte en el eje emocional de un tema que busca llegar al corazón de quien lo escucha.

Musicalmente, “You Are Not Alone” apuesta por una producción que equilibra la profundidad emocional con grooves pensados para la pista de baile. Las líneas de bajo, cálidas y continuas, sostienen una estructura que invita al movimiento sin perder la intimidad. Los sintetizadores atmosféricos crean capas que envuelven la voz de Paula, mientras que los arreglos electrónicos construyen un paisaje sonoro que recuerda a las calles y clubes de Barcelona, ciudad natal de la artista, que han inspirado gran parte de su sonido. El resultado es una pieza que funciona tanto en la intimidad de los cascos como en la inmensidad de una pista de baile.

El single ha sido compuesto por Strangers Anonymous, el dúo germano-español conocido por fusionar melodías conmovedoras con texturas electrónicas, con quienes Paula Relan ha trabajado estrechamente en la composición de una larga serie de sencillos y EPs a lo largo de los últimos dos años. La producción ha corrido a cargo de FMD (Fuchs, Marquesa y Delgado), con el sello Feedback Music Division como respaldo. Esta colaboración constante ha permitido a la artista construir un sonido propio, reconocible y coherente, que bebe de las calles y los clubes de su ciudad natal y que ha ido ganando seguidores gracias a una estrategia de lanzamientos consistentes y actuaciones en directo que han demostrado su valía sobre el escenario.

Con su mezcla de profundidad emocional y grooves accesibles, “You Are Not Alone” se erige como un himno personal para los momentos difíciles y una invitación a encontrar la luz incluso en los tiempos más oscuros. El tema ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de consuelo y esperanza que Paula Relan ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo único que necesitamos es saber que no estamos solos. Una canción para quienes atraviesan la tormenta, para quienes necesitan un hogar donde refugiarse, para todos aquellos que buscan en la música un espacio de apoyo y resiliencia.

La cantautora colombiana Olga Lucía Vives, quien se encuentra en un momento clave de su carrera como solista tras el cierre de su ciclo con el grupo Ventino, presenta “Mundo Paralelo”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una balada de pop acústico con arreglos de cuerda, explora la idea de un universo alternativo donde las decisiones habrían sido diferentes, donde no se habría esperado hasta tan tarde para decir lo que se sentía y donde no se habría aferrado a lo que solo trajo dolor.

“En un mundo paralelo no hubiera esperado hasta tan tarde, no habría dicho que lo quiero y así no habría podido lastimarme”, canta Olga, y la frase resume la esencia de un tema que juega con la fantasía de lo que pudo haber sido para, al final, aceptar la realidad. No es una canción de arrepentimiento fácil, sino de asunción de responsabilidad: “Todo este desastre era inevitable, es culpa mía, lo sabía”. Esa honestidad, esa capacidad para mirar los errores propios sin buscar excusas, es lo que dota a la canción de su hondura.

Musicalmente, “Mundo Paralelo” apuesta por una instrumentación orgánica que permite que la voz de Olga, una de las técnicas vocales más pulidas de su generación, se despliegue de forma contenida y emocional. Las guitarras y los arreglos de cuerda crean una atmósfera íntima que acompaña la letra sin eclipsarla, mientras que la interpretación vocal transmite esa mezcla de fragilidad y fortaleza que la canción requiere. El resultado es una pieza que suena a la vez personal y universal, ideal para los momentos de introspección.

Olga Lucía Vives ha dejado atrás el pop comercial de su etapa en Ventino para abrazar un estilo mucho más personal, íntimo y vulnerable. Sus composiciones actuales nacen de sus propias vivencias y se mueven entre el pop acústico y los sonidos latinoamericanos orgánicos. En enero de 2026 lanzó “Para Mis Papás”, una balada sobre el miedo a ver envejecer a los padres, considerada por ella la canción más importante que ha escrito. También ha explorado otros territorios emocionales con temas como “Amiga”, donde habla del dolor de una amistad rota, y “Veneno”, su carta de presentación como solista sobre la toxicidad en las relaciones.

“Mundo Paralelo” sigue esa línea de honestidad brutal. La canción habla de conformarse con poco, de tener miedo a seguir el lado honesto, de desear retroceder pero reconocer que algunas cosas se hicieron bien. “Yo que fui injusta conmigo, no quería la verdad, pero ahora que lo entiendo no quisiera regresar”, canta, cerrando el círculo de una reflexión que no busca culpables externos, sino entenderse a uno mismo. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de introspección y aceptación que Olga Lucía Vives ha sabido capturar con la honestidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para quienes se han preguntado qué habría pasado si las cosas hubieran sido diferentes, para quienes entienden que a veces la culpa también es una forma de aprendizaje.

El dúo venezolano Chino y Nacho, en pleno proceso de consolidar su regreso definitivo, y la cantautora Joaquina, ganadora del Latin Grammy a Mejor Artista Nuevo en 2023, presentan “Maiquetía”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, un homenaje al Aeropuerto Internacional Simón Bolívar de Maiquetía, se aleja del reguetón festivo que popularizó al dúo para abrazar un sonido acústico y vulnerable, donde las guitarras y las cuerdas permiten que las voces sean las protagonistas absolutas.

“Maiquetía” nace desde el dolor de dejar atrás el hogar, la familia y los recuerdos, pero también desde la esperanza de volver. La letra explora la experiencia de la despedida, ese momento en que el aeropuerto se convierte en un umbral entre lo que se deja y lo que se espera encontrar. No es una canción política, sino profundamente humana: una carta de amor a un país y a quienes han tenido que emigrar, un reconocimiento a la diáspora venezolana que ha hecho de Maiquetía un símbolo compartido.

Musicalmente, el tema apuesta por una instrumentación orgánica que deja espacio a la emoción. Las guitarras acústicas y los arreglos de cuerda crean una atmósfera íntima, mientras que las voces de Chino, Nacho y Joaquina se entrelazan en un diálogo que transmite la carga de quien se va y la esperanza de quien espera el regreso. El videoclip, minimalista y emotivo, no necesita grandes efectos: la fuerza de ver a tres generaciones de artistas venezolanos unidos por un sentimiento común es suficiente para conectar con el espectador.

Chino y Nacho, conocidos mundialmente por éxitos como “Niña Bonita” o “Andas en mi Cabeza”, atraviesan un momento de madurez necesaria. Tras los altibajos de los últimos años y los problemas de salud de Chino Miranda, el dúo regresa con una propuesta que conecta con la realidad actual de su público. Joaquina, por su parte, aporta la sensibilidad poética y la voz melancólica que la han convertido en la joya del nuevo pop latino. Su presencia eleva la canción a un himno generacional, uniendo dos generaciones de artistas venezolanos en un mismo sentimiento.

“Maiquetía” ha sido un éxito inmediato en redes sociales, no solo por la calidad musical, sino por el valor simbólico de ver a estos artistas unidos. La canción ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de despedida y esperanza que Chino, Nacho y Joaquina han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que el aeropuerto también es un territorio del corazón. Una canción para quienes han tenido que irse, para quienes esperan el regreso, para todos aquellos que saben que Maiquetía es mucho más que un lugar.

El artista latino León, inmigrante, padre y soñador, presenta “Escala de Gris”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, que nace desde la experiencia de quien siente que falla al mismo tiempo en el trabajo, en casa y consigo mismo, aborda el duelo silencioso de perder la persona que se era antes de ser padre, ese momento en que se entierra sin funeral la versión de uno que dormía sin culpa y no miraba el reloj.

“No es una canción triste. Tampoco es feliz”, advierte León. “Fallo en el trabajo porque estoy pensando en casa. Fallo en casa porque estoy atrapado en el trabajo. Pero lo miro dormir y sé que fue la mejor decisión de mi vida”. Esa contradicción, esa tensión entre el agotamiento y la certeza de que valió la pena, recorre toda la canción. No hay respuestas fáciles ni consuelos baratos; hay la verdad de quien vive en esa escala de grises donde el blanco del amor y el negro del sacrificio se mezclan sin separarse.

Musicalmente, “Escala de Gris” apuesta por una instrumentación minimalista que va creciendo hasta un estribillo envolvente. Los sintetizadores analógicos y una base rítmica constante crean un aire casi hipnótico, ideal para escuchar con auriculares y sumergirse en esa atmósfera de introspección. La interpretación vocal de León, desnuda y llena de matices, transmite esa mezcla de cansancio y gratitud que define la experiencia de la paternidad temprana.

León nació en Latinoamérica y se fortaleció con la experiencia del inmigrante antes de ser transformado por la paternidad. Su música es la fusión entre el mariachi y el emo-punk, entre la pasión de un niño que creció con la escena punk y la herencia musical latina que lleva en la sangre. No busca solo hacer canciones pegadizas, sino crear atmósferas donde la lírica introspectiva y la estética visual vayan de la mano.

“Escala de Gris” rompe con la idea del blanco o negro, de lo bueno o lo malo. Habla de aceptar la ambigüedad, la incertidumbre y esos momentos de la vida donde no todo está claro. Es una oda a la aceptación de la complejidad emocional, a entender que los matices intermedios son, a menudo, los que definen nuestra existencia. La canción ha sido muy bien recibida por la crítica especializada por su honestidad brutal, considerada por muchos su trabajo más “desnudo” hasta la fecha, alejado de artificios y centrado en la interpretación vocal.

“Escala de Gris” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de vulnerabilidad y aceptación que León ha sabido capturar con la honestidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para quienes se han sentido atrapados entre el deber y el deseo, para los padres que miran a sus hijos dormir y saben que, a pesar de todo, fue la mejor decisión de sus vidas.

La artista Marta Cancela, ingeniera de formación y pianista clásica de conservatorio, presenta “Caminando por la vida”, su nuevo sencillo lanzado en marzo de 2026 y ya disponible en plataformas digitales. La canción, un tema sobre las personas que encontramos en el camino y las que dejamos atrás, habla de aceptar el cambio, de soltar y de avanzar con más ligereza, con un estribillo que resume su filosofía: “el amor es libre, déjalo fluir — c’est aussi la vie, aimer sans souffrir”.

“Caminando por la vida” nace desde esa necesidad de recordar que no todo lo que se va es una pérdida, que a veces soltar es la única forma de seguir adelante. La letra utiliza metáforas sobre viajes, trenes y encuentros fortuitos para hablar de la impermanencia de las relaciones y de la importancia de vivir el presente sin aferrarse. No hay amargura en la canción, hay una aceptación serena de que las personas llegan y se van, y que eso también está bien. El amor, cuando es libre, no ata, sino que fluye.

Musicalmente, “Caminando por la vida” apuesta por un sonido vitalista que mezcla ritmos que invitan al movimiento con una interpretación vocal cálida. La canción refleja la filosofía de Marta Cancela de “vibrar” con lo que hace, de transmitir optimismo incluso cuando se habla de temas profundos como la soledad o la pérdida. La producción, cuidada y actual, permite que la voz se despliegue con naturalidad sobre una base que equilibra la energía del pop con la calidez de las influencias mediterráneas.

La trayectoria de Marta Cancela rompe con el molde tradicional. Trabajó durante veinte años como ingeniera antes de dar el salto definitivo a la música profesional, pero lejos de ser una improvisada, tiene una formación sólida como pianista clásica, graduada en el Conservatorio de Madrid en 2003. Sus letras exploran temas profundos como la soledad, la tristeza o la violencia, pero siempre desde una perspectiva de esperanza, luz y optimismo. Escribe y canta tanto en español como en francés, lo que le da un aire internacional y ecléctico a su propuesta.

“Caminando por la vida” forma parte de una serie de singles que Marta ha ido presentando, como “Corazón Errante” o “Vámonos”, consolidando su nueva etapa artística tras su álbum “Renacer”. La canción es el ejemplo perfecto de que nunca es tarde para reinventarse, de que la música puede ser un camino de vuelta a uno mismo incluso después de décadas dedicadas a otra profesión. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de libertad y aceptación que Marta Cancela ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que caminar por la vida también es aprender a soltar. Una canción para quienes necesitan recordar que el amor no se posee, se fluye.

El artista Moses Montoya presenta “Brillo”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, lejos de esconder la herida, la exhibe, la transforma y la lleva al terreno del dance-pop para reivindicar el derecho a existir sin filtros ni disculpas. “Brillo es lo que pasa cuando te cansas de bajar el volumen de quien eres”, afirma Montoya. “Si el mundo no te hace sitio, haces sitio. Y haces ruido. Y haces luz”.

El origen del track no está en la épica sino en la crisis. “Brillo” nace en un momento personal complicado para el artista y convierte el desahogo en coreografía emocional. La pregunta no es “¿cómo salgo de esto?”, sino “¿cómo lo transformo en sonido?”. La respuesta: con actitud, fuerza vocal y una declaración pop que no pide permisos. El estribillo, directo y contundente, funciona como un mantra de empoderamiento, un recordatorio de que la vulnerabilidad también puede ser una forma de fortaleza cuando se exhibe sin complejos.

Musicalmente, “Brillo” recupera el ADN de la pista de baile de los años noventa y dos mil, con ecos del dance-pop más icónico y la contundencia vocal que caracterizó a artistas como Cher, Anastacia o Mónica Naranjo. El resultado es una mezcla entre nostalgia y renovación: electrónica con actitud, dramatismo pop y una energía que pide movimiento. La producción, a cargo del propio Moses Montoya junto al productor londinense NØVAIR, incorpora referencias de escuelas como Steelworks y Motoblanco, conocidas por fusionar pop y baile sin perder elegancia. Un detalle destacado es la inclusión del “Chorus Gama Black”, que suma un toque coral casi eclesiástico, como si el club se transformara en catedral pop por unos segundos.

La clave de “Brillo” no está en los nombres ni en la nostalgia, sino en el gesto: un single que reclama espacio, luz, volumen y presencia. En tiempos en los que todo se opina, se etiqueta y se mide, Moses Montoya propone algo que parece sencillo pero no lo es: ser. La canción es una declaración de intenciones, una afirmación de que el arte también puede ser una herramienta de resistencia y transformación.

“Brillo” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de empoderamiento y luz que Moses Montoya ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la fragilidad no es un defecto, sino el motor de la creatividad. Una canción para quienes necesitan recordar que su brillo no depende de la aprobación ajena, para quienes saben que el ruido también puede ser una forma de existir.

La artista dominicana Enemiga, una de las voces emergentes con mayor proyección dentro del pop latino, el reggaetón y la música urbana, presenta “Fuego en Mi”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, un tema que combina energía sensual con intensidad emocional, explora el deseo, la confianza y el fuego interior que todos llevamos dentro, con un gancho que atrapa desde los primeros segundos y una interpretación vocal cautivadora que promete convertirlo en un fijo de las listas de reproducción nocturnas.

“Fuego en Mi” nace desde esa necesidad de expresar la pasión que a veces no se atreve a nombrarse. La letra, directa y sin rodeos, habla de esa fuerza interior que emerge cuando uno se siente seguro de sí mismo, de esa energía que se convierte en fuego cuando la música y el cuerpo se encuentran. El estribillo, pegadizo y contagioso, funciona como una invitación a dejarse llevar, a sentir el ritmo y a conectar con esa parte de uno mismo que pide movimiento. La producción, pulida y moderna, combina ritmos infecciosos con una base sólida que sostiene una melodía diseñada para quedarse en la memoria.

Enemiga ha trabajado con su equipo durante casi dos años para llegar a este punto, y “Fuego en Mi” es solo el comienzo de una serie de lanzamientos que están por venir. Su álbum actual cuenta su historia desde la introducción hasta el final, una historia que ella considera cercana y que, está convencida, resultará contagiosa. La artista se siente preparada para construir una audiencia, y este tema es la puerta de entrada a un universo musical que promete seguir sorprendiendo. Producida, gestionada y firmada por WorkFlow Cafe Entertainment, bajo la dirección ejecutiva de Tony Brown, Enemiga cuenta con el respaldo de un equipo de productores de élite y socios de confianza que operan como un colectivo unido por una visión compartida, la lealtad y la pasión por la música.

Enemiga se define por su presencia vocal dinámica y sus interpretaciones emocionalmente cargadas, creando música que conecta ritmo, cultura y narrativa. Desde la energía infecciosa del reggaetón hasta el pop latino melódico y las vibraciones urbanas, su sonido resuena profundamente entre los oyentes de todo el mundo. Cada lanzamiento refleja su evolución como artista y su compromiso con traspasar los límites creativos dentro del panorama de la música latina. Con una discografía en crecimiento y un álbum recién publicado, Enemiga invita a sus seguidores a un viaje musical inmersivo que explora temas de amor, empoderamiento, pasión y autoexpresión.

“Fuego en Mi” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de pasión y energía que Enemiga ha sabido capturar con la honestidad de quien ha trabajado durante años para llegar a este momento. La artista tiene previstos lanzamientos adicionales y promociones en vivo para mayo de 2026, confirmando que su música y su ascenso apenas están comenzando. Una canción para las noches de baile, para la confianza que brota de dentro, para quienes saben que el fuego también puede ser una forma de expresión.

El artista canario Quevedo presenta “SCANDIC”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 20 de marzo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, un regreso al reggaetón clásico con una atmósfera luminosa y fresca, captura esa esencia de los planes de playa, la Semana Santa y las primeras escapadas al sur, convirtiéndose rápidamente en uno de los himnos del año.

“SCANDIC” nace desde esa necesidad de celebrar lo cotidiano, la fiesta, el romance fugaz y, sobre todo, la identidad canaria. Quevedo ha mencionado que la canción la tenía guardada desde el mayo pasado, y en ella se percibe esa frescura de lo que no ha sido sobreprocesado, de lo que conserva la espontaneidad del momento. El estribillo, pegadizo y directo, invita a levantar la copa y a bailar sin complicaciones, mientras que la letra juega con el contraste entre la “carita santa” y la maldad que se esconde detrás.

Musicalmente, “SCANDIC” apuesta por un sonido que recuerda los orígenes del reggaetón, con una base rítmica sólida y un flow que fluye con naturalidad. La producción, cuidada pero sin artificios, permite que la voz de Quevedo se despliegue con esa mezcla de desparpajo y vulnerabilidad que lo caracteriza. El videoclip, grabado en La Palma, muestra paisajes volcánicos y playas, reafirmando su compromiso con mostrar la belleza de las Islas Canarias al mundo.

Quevedo está en un momento de plena ebullición creativa en este 2026. Tras el éxito masivo de su segundo álbum, “Buenas Noches” (lanzado a finales de 2024), el artista ha vuelto con una energía renovada y una identidad visual y sonora muy marcada. Recientemente han aparecido lonas publicitarias en Madrid que sugieren que su próximo gran proyecto o disco podría titularse “EL BAIFO”, un término canario que significa “cabrito” y que refuerza su intención de seguir usando jerga y conceptos profundamente isleños. Además, “SCANDIC” no ha llegado solo: recientemente también estrenó “NI BORRACHO”, un merengue que ha funcionado muy bien en salas, demostrando que Quevedo no tiene miedo a experimentar con ritmos tropicales más allá del reggaetón puro.

Tras su retiro temporal en 2024, Pedro ha vuelto mucho más selectivo con sus colaboraciones y más enfocado en construir una carrera sólida y con “sentido de pertenencia”, alejándose del ruido mediático innecesario. “SCANDIC” es la confirmación de que Quevedo ha encontrado el equilibrio perfecto: música que suena global pero que mantiene el olor a salitre de su tierra. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de playa y fiesta que Quevedo ha sabido capturar con la honestidad de quien nunca ha olvidado de dónde viene. Una canción para los planes de verano, para las noches sin reloj, para quienes saben que lo malo también puede ser divertido.

La artista estadounidense Sabrina Carpenter presenta el videoclip de “House Tour”, el nuevo single de su aclamado álbum “Man’s Best Friend”, lanzado a finales de 2025. El tema, un synth-pop con aires de los ochenta, muy bailable y con esa letra afilada, pícara y llena de dobles sentidos a la que nos tiene acostumbrados, utiliza la metáfora de enseñar una casa para hablar de seducción, convirtiendo un plano de una vivienda en algo mucho más picante.

“House Tour” nace desde ese juego de palabras que Sabrina domina a la perfección. “I could take you to the first, second, third floor / And I promise none of this is a metaphor”, canta, y la promesa es, por supuesto, todo lo contrario. La canción es un ejercicio de doble sentido constante, donde la invitación a conocer una casa se convierte en una invitación a algo mucho más íntimo. El estribillo, pegadizo y provocador, se instala en la memoria desde la primera escucha, con esa mezcla de inocencia fingida y descaro que caracteriza a la artista.

Pero lo que más está dando que hablar es el videoclip, estrenado el pasado 6 de abril. No es solo un video, es un cortometraje lleno de estrellas que ha paralizado las redes. Sabrina interpreta a una especie de criminal seductora: la vemos causando estragos en una mansión, robando un premio Grammy y comportándose como una femme fatale del siglo XXI. Las invitadas de lujo son Margaret Qualley, protagonista de “La Sustancia”, y Madelyn Cline, de “Outer Banks”, que se suman a una trama con toques de humor negro y rebeldía que encaja con su nueva era más madura y atrevida.

Sabrina Carpenter está viviendo su mejor momento. Tras el éxito masivo de su anterior single, “Manchild”, que llegó al número uno global, “House Tour” apunta a ser la canción del verano. El álbum “Man’s Best Friend” ha sido aclamado por la crítica por su honestidad y su capacidad para mezclar el pop comercial con una actitud mucho más ácida y divertida. La artista viene de cerrar con éxito el Lollapalooza en varios países de Sudamérica y se prepara para ser cabeza de cartel en Coachella este mes, junto a artistas como Karol G.

“House Tour” ya está disponible en plataformas digitales, y su videoclip acumula millones de visitas en sus primeras veinticuatro horas. Sabrina ha pasado de ser una promesa a ser “la jefa” del pop actual, y este lanzamiento es la prueba de que su reinado no ha hecho más que empezar. Una canción para quienes disfrutan de las metáforas picantes, para quienes saben que una casa también puede ser un territorio de conquista.

En el ecosistema del género urbano español, donde todo se mueve a una velocidad de vértigo, hay nombres que destacan por saber madurar a fuego lento. Hoy hablamos con Ferroda, un artista que personifica esa transición tan necesaria desde el banco del parque hasta el estudio profesional. Criado en las calles de Fuencarral, Madrid, Ferroda ha pasado de las batallas de gallos improvisadas a los 14 años a consolidar su identidad con "Heridas", su primer álbum de estudio.

Bajo la producción del prestigioso B Chucks y con una estética visual impecable a cargo de Daniel Silloniz, este disco no es solo una colección de canciones; es la cicatriz de un proceso que comenzó en 2019. A sus 23 años, Ferroda se posiciona como una de las realidades más tangibles del panorama nacional. Hoy nos sentamos con él para desgranar su trayectoria, sus raíces y el peso de su nuevo trabajo.

Tus primeros recuerdos musicales nos llevan a los 14 años, bajando al parque a ver batallas de gallos. ¿Qué tenía ese ambiente de Fuencarral que te hizo pasar de ser un espectador a querer coger el micrófono por primera vez?

Hola, muy buenas. Pues realmente yo quise empezar desde los 11 años, pero a mis 14 años hice amistades importantes que me ayudaron a sacar el valor que me faltaba para empezar en este duro camino.
Quise coger el micrófono porque quería expresar mis sentimientos y compartir mi forma de pensar.
Luego de eso, descubrí que quería que la música fuese mi profesión y que quería vivir de ello.

Dices que empezaste a prepararte en casa a solas, siendo consciente de que el camino no sería fácil. En una época de éxito inmediato, ¿crees que ese tiempo de introspección y práctica privada fue lo que te dio la base técnica que tienes hoy?

 Así es, yo sabía que el camino iba a ser muy duro, no es como mucha gente se piensa. También tengo que decir que la gente en general cree que el éxito tiene que venir de forma inmediata, y no es así.
Obviamente, ese tiempo que yo dediqué en casa, a solas, me dio algo de valor extra para empezar, pero los conocimientos y la base son algo que he ido ganando con experiencias, y las que me quedan aún.

En 2020 grabaste tus primeros bocetos caseros, pero decidiste borrarlos más tarde como parte de tu evolución. ¿Qué buscabas proteger al eliminar ese contenido? ¿Sentías que ese "Ferroda" ya no te representaba?

Correcto, en 2020 grabé mis primeros bocetos en estudios caseros, pero decidí borrarlos y quedármelos para mí. Digamos que esos bocetos los tenía como un aviso de que yo empezaría en la música, pero no eran temas definitivos para mi carrera, y lo avisé desde el primer momento.
Lo que buscaba era hacer exactamente lo que decía desde el principio.

En 2021 llega tu firma y en 2022 se oficializa tu contrato. ¿Cómo cambia la mentalidad de un artista cuando deja de hacer música en su habitación para empezar a trabajar con una estructura profesional detrás?

Eso es, en 2021 firmé mi primer contrato bajo una importante compañía de España. No puedo decir el nombre por protección de datos y seguridad, pero partimos de que en ese momento la mentalidad y la forma de ver todo cambian bastante: quieres más y no te conformas hasta que aprendes a regular un poquito.
Llegué a obsesionarme mucho con los números en una época y, en el aspecto profesional, hay que tener cuidado con lo que se dice y con cada cosa que se hace.

El título de tu primer disco es corto pero muy potente. ¿Es "Heridas" un álbum terapéutico donde has volcado todo lo que te ha dolido durante estos años de ascenso en la música?

Sí, Heridas es mi primer disco. En él represento temas acerca de la depresión, la ansiedad, las pérdidas familiares o de amigos, e incluso la traición de quien no lo esperabas. También hablo de la hipocresía de la sociedad o la discriminación social.
Son conceptos tristes que han estado presentes en mi carrera y en mi adolescencia, una mezcla, digamos.

 Contar con B Chucks en la producción es jugar en las grandes ligas. ¿Cómo ha sido el proceso de encontrar un equilibrio entre tu esencia cruda de barrio y el sonido pulido y reconocido de uno de los mejores productores del país?

Contar con B Chucks es algo fundamental si quieres tener un sonido bien cuidado y, sobre todo, profesional. Lo recomiendo mucho como productor: es una gran persona, con valores, que no solamente produce muy bien, sino que también te ayuda, te guía y hace que mejores como artista y como persona.

Hoy en día, la música se entra tanto por el oído como por los ojos. ¿Qué importancia ha tenido la visión de Daniel Silloniz para que el espectador entienda visualmente lo que tú estás contando en las letras de este disco?

Daniel también es un pilar fundamental en nuestro equipo. Él no solamente hace vídeos, sino que los transforma en auténticas obras audiovisuales; lo plasma tal y como tú lo imaginas.
También es un gran artista que llegará muy lejos. Solo le puedo desear cosas buenas: ha hecho grandes cosas por nosotros.

Vas a lanzar copias físicas de "Heridas" por 12 €. En plena era del streaming y los algoritmos, ¿por qué para ti es tan importante que tus seguidores puedan tocar y poseer el disco físicamente?

Porque es algo que se ha perdido mucho y quiero hacer algo diferente. Yo soy de las personas que piensan que todo acaba volviendo y, obviamente, lanzar copias en físico lo veo como algo más tradicional y más clásico. Además, tengo comprobado que, si te valoran, van a ir a comprarlas, aparte de escuchar el disco en Spotify.

Muchos artistas olvidan sus raíces cuando empiezan a sonar fuerte. En tu caso, siempre llevas a Fuencarral por bandera. ¿Qué le debe tu música a tu barrio y qué le debe tu barrio a tu música?

Estoy de acuerdo. Muchos artistas olvidan sus raíces en cuanto suenan algo, pero no creo que me pase lo mismo. Me han llegado a decir en mi barrio que mi música aporta valores y composiciones que se están perdiendo hoy en día, como la pureza o un sonido más clásico. A mi barrio le debo el apoyo desde el inicio; siempre seremos Fuencarral 034. Incluso hay un colectivo que se llama FuenkaRap.

A pesar de tu juventud, llevas casi una década vinculado al rap. ¿Te sientes un veterano dentro de los "emergentes" o sientes que tu carrera no ha hecho más que despegar con este LP?

No solamente al rap, sino a su cultura y también a la música, porque me gusta experimentar más géneros. Me suelen decir que soy un veterano, y agradezco que me lo digan, pero yo siento que aún me queda mucho por avanzar y por evolucionar. Yo pienso que este LP ha sido un pasito.

Empezaste a ganar visibilidad con Instagram Reels en 2019. ¿Cómo se adapta un estilo que nació para ser "crudo y directo" en vídeos de 30 segundos a la narrativa más compleja y extensa de un álbum completo?

Hoy en día se pueden pensar muchas formas para sonar crudo y directo. Es cierto que la gente quiere temas más bien cortos, pero yo, a veces, he hecho temas más largos que la media habitual de hoy en día, sin perder la esencia.

Si escuchamos los temas que sobrevivieron de 2020 y los comparamos con el tracklist de "Heridas", ¿cuál dirías que es el mayor cambio en tu discurso? ¿De qué habla ahora Ferroda que no se atrevía a decir antes

El mayor cambio es la composición de mis letras. También ha mejorado la interpretación y la calidad del sonido. Antes era más cortito y me solía cortar y censurar más; hoy en día, nada de eso… hasta cierto punto, claro.

Con el disco ya en la calle y la respuesta del público siendo tan positiva, ¿cuál es el siguiente paso lógico? ¿Estás preparando ya el salto a los escenarios para defender estas "Heridas" en directo?

Por supuesto, está todo preparado. Además, ahora formo parte de un dúo musical con Alex Seguí. Vamos a hacer historia juntos; estamos trabajando mucho y pronto volvemos a los escenarios. Ahora, dos carreras se fusionan en una sola, con más potencia y más mensaje.

Para ese chico que hoy tiene 14 años y está en el parque viendo batallas de gallos igual que tú lo hacías, ¿cuál es el consejo más realista que le podrías dar basado en tu propia experiencia?

Le diría que, si quiere empezar, lo haga. Al principio no le van a apoyar, pero luego todo va cambiando. Hay que saber elegir entre los que están y los que han estado. Es un camino duro y muy difícil, pero se puede lograr con inversión, esfuerzo y disciplina.

Inspirada en el libro “Honrar la vida” de Tati Ballesteros, esta canción se presenta como una composición íntima y elegante, donde la lírica y la instrumentación dialogan con una carga emocional poco habitual en el panorama actual.

“Virmor” apuesta por una producción orgánica y cuidada, alejándose de lo superficial para conectar directamente con la sensibilidad del oyente. Escrita por Diego Cantero —alma creativa de Funambulista— junto a la propia Tati Ballesteros, la obra nace del encuentro entre la música y el pensamiento, trascendiendo lo estrictamente melódico para convertirse en una narración con identidad propia.

Para esta ocasión, Funambulista se rodea de músicos de reconocido prestigio que aportan una riqueza instrumental clave: Víctor Elías al piano, Josep Trescolí al chelo y Marino Sáiz al violín. El resultado es una atmósfera sonora envolvente, donde cada arreglo contribuye a la construcción de un mensaje honesto y profundamente evocador.

Con este lanzamiento, Funambulista reafirma su capacidad para crear piezas que perduran, apostando por la excelencia interpretativa y una identidad artística sólida que evoluciona sin perder su esencia.

El icónico grupo irlandés The Corrs volverá a los escenarios españoles en 2026 con una serie de cuatro conciertos exclusivos que tendrán lugar el próximo mes de agosto.

La formación integrada por Andrea, Sharon, Caroline y Jim Corr presentará un directo en el que repasarán algunas de las canciones más emblemáticas de su repertorio. Con su inconfundible mezcla de pop y folk celta, The Corrs se consolidaron como uno de los grandes fenómenos musicales internacionales de finales de los 90 y principios de los 2000, conquistando al público de todo el mundo con temas como Breathless, Runaway o What Can I Do.

Estas actuaciones suponen una oportunidad muy especial para volver a ver a la banda sobre el escenario y disfrutar en directo de un repertorio que forma parte de la historia reciente del pop.

Fechas confirmadas:

9 de agosto — Porta Ferrada Occident, Sant Feliu de Guíxols

11 de agosto — Auditorio de Castrelos, Vigo (Entradas próximamente)

13 de agosto — Tío Pepe Festival, Jérez de la Frontera

15 de agosto — Es Jardí, Mallorca

La cantautora mexicana Dalú, conocida como “La Niña de las Mil Canciones” y ganadora de La Academia en 2020, presenta “Final Feliz”, una de las piezas clave de su álbum “Luna”, lanzado originalmente en abril de 2025 pero con una fuerte promoción en este 2026. La canción, una balada pop con tintes melancólicos, explora la aceptación del fin de una relación desde una perspectiva madura y honesta, lejos de los cuentos de hadas que prometen finales felices para todos.

“Final Feliz” nace desde ese momento de lucidez en el que una persona entiende que, por mucho que haya luchado, la relación no va a funcionar. “Ya sabía que no serías mi final”, canta Dalú, y la frase resume la esencia de un tema que habla de dejar de idealizar el futuro con alguien, de reconocer que no todos los amores están destinados a durar para siempre. “Soy la chica ideal de alguien, pero no de ti”, añade, y esa declaración es un acto de liberación: la certeza de que no hay nada malo en uno mismo, solo que no era la persona adecuada.

Musicalmente, “Final Feliz” apuesta por una instrumentación cuidada que equilibra la potencia vocal de Dalú con una atmósfera envolvente de bajo y sintetizadores suaves. La producción de Carlos Hamm y la guitarra de Ayrton Suarez crean un espacio sonoro donde la voz puede desplegarse con naturalidad, desde la intimidad de los versos hasta la intensidad del estribillo. El resultado es una balada que suena a la vez íntima y expansiva, perfecta para esos momentos de reflexión.

Dalú, cuyo nombre real es María Fernanda Borunda, destaca en la industria por ser una cantautora prolífica. Ella misma escribe y compone sus temas, defendiendo siempre la visión de la mujer autora en el género pop y acústico. Tras su paso por el reality, ha logrado consolidar una carrera independiente bajo su propio sello, Dalumusica, alejándose de los moldes comerciales para centrarse en producciones más orgánicas y crudas. En este 2026, ha estado lanzando una serie de sesiones tituladas “Acústico Live 2026”, donde interpreta temas como “Inquebrantable” y “Mejor sola”, reforzando esa conexión íntima con su público “tiburón”, como llama a sus fans.

“Final Feliz” ha tenido un nuevo impulso recientemente, con su video oficial reafirmándose como uno de los favoritos del álbum “Luna” por su carga emocional. La canción es la respuesta de Dalú a los cuentos de hadas: una reflexión sobre la madurez de soltar y entender que no todos los amores están destinados a ser el “para siempre”, pero que eso también está bien. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de aceptación y liberación que Dalú ha sabido capturar con la honestidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para quienes han tenido que aceptar que su final feliz no era con esa persona, para quienes saben que soltar también es una forma de ganar.

Lérica, Daviles de Novelda y Marta Santos presentan “Agüita Clara”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una fusión perfecta de rumba moderna, pop y ritmos urbanos, celebra el amor sano y puro, utilizando la metáfora de los “ojos como agüita clara” para hablar de esa persona que trae calma y limpieza a la vida, que aclara el camino cuando todo parece turbio.

El tema nace desde esa necesidad de cantar a la serenidad, a la transparencia de un amor que no complica sino que resuelve. “Agüita Clara” es optimista, ideal para el buen tiempo, con un estribillo que se instala en la memoria desde la primera escucha y una producción que mantiene la esencia flamenca pero la actualiza con sonidos urbanos contemporáneos. No es una canción de desamor ni de drama; es una celebración de lo que fluye cuando se encuentra a la persona adecuada.

La colaboración reúne a tres fuerzas complementarias. Lérica, el dúo formado por Tony Mateo y Juan Carlos Arauzo, aporta esa estructura de pop pegadizo y la energía necesaria para que cualquier canción se convierta en un hit de radio. Con más de diez discos de platino y colaboraciones con artistas como Belinda, Omar Montes y Abraham Mateo, su experiencia es garantía de un sonido pulido y accesible. Daviles de Novelda, uno de los máximos exponentes del “flamenco flow”, añade el toque de calle y autenticidad con su voz rasgada y su capacidad para meter versos rápidos. Se hizo mundialmente viral con “Flamenco y Bachata”, y aquí demuestra que su estilo sigue evolucionando. Marta Santos, la gran revelación sevillana de los últimos años, aporta la parte melódica y emocional. Su voz tiene una pureza que encaja perfectamente con el concepto de “agua clara” de la canción. Empezó subiendo covers a redes sociales desde su pueblo, Villanueva del Río y Minas, y hoy ya cuenta con premios Odeón y Cadena Dial, con su primer disco “Poquito a Poquito” como un éxito rotundo.

“Agüita Clara” es una combinación muy equilibrada: la experiencia de Lérica, el ritmo de Daviles y el sentimiento de Marta. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de calma y celebración que los tres artistas han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que el amor también puede ser transparente. Una canción para el buen tiempo, para la playa, para esos días en que todo fluye.

El dúo jiennense Mengui y Carmelo, formado por los primos Antonio David Rodríguez Rodríguez y José Carmelo García Rodríguez, presenta “Mentiras”, su nuevo sencillo lanzado en abril de 2026 y ya disponible en plataformas digitales. La canción, una rumba con base rítmica moderna, aborda el clásico tema del desamor y la superación, con una letra que habla de cerrar la puerta definitivamente a quien intenta regresar: “ahora quieres volver a mi vida, lo siento, ya no creo en tus mentiras”.

“Mentiras” nace desde ese territorio donde el orgullo y el dolor se enfrentan. La letra, directa y sin concesiones, no deja espacio a la duda: ya no hay vuelta atrás, las mentiras han sido tantas que la confianza se ha roto para siempre. Es una canción de empoderamiento, de esos temas que se corean con la mano en el pecho, sabiendo que quien se fue no merece volver. El estribillo, pegadizo y contundente, funciona como un mantra de liberación.

Musicalmente, el tema sigue la estela del sonido que ha hecho populares a Mengui y Carmelo: flamenco urbano con mucho sentimiento, bailable pero con una letra cargada de reproche. La producción, que mantiene la esencia rumbera pero la actualiza con arreglos contemporáneos, permite que el dúo suene tanto en las fiestas del pueblo como en las listas de reproducción junto a los grandes del género.

Mengui y Carmelo son el ejemplo perfecto de cómo el talento rural puede saltar al mundo entero gracias a las redes sociales. Naturales de Hornos de Segura, un pequeño pueblo de la provincia de Jaén, empezaron de forma muy humilde subiendo vídeos cantando con una guitarra en TikTok por pura pasión. Su carisma y sus voces tan “de verdad” conectaron rápido con la gente, viralizándose en cuestión de días. Aunque comenzaron haciendo covers de clásicos, pronto empezaron a colaborar con artistas del género como Borja Rubio, moviéndose entre la rumba, el flamenco y la bachata flamenca.

Lo que más gusta del dúo es que no han perdido su esencia. Siguen sonando a las fiestas y reuniones de amigos, a esas noches de verano en el pueblo donde la música se comparte con cercanía. Pero detrás de esa naturalidad hay una producción profesional que les permite sonar en cualquier discoteca o lista de reproducción. El videoclip de “Mentiras” mantiene esa estética sencilla que les caracteriza, enfocándose en su interpretación y en esa cercanía que los hace sentir como “los chavales del barrio” —o del pueblo, en este caso.

“Mentiras” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de desamor y superación que Mengui y Carmelo han sabido capturar con la honestidad de quienes escriben desde la experiencia vivida. Una canción para cerrar puertas, para decir adiós sin mirar atrás, para recordar que las mentiras, por mucho que duelan, también liberan.

La cantante y compositora madrileña Alba Moreno presenta “Cómo explicarle”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 3 de abril y ya disponible en plataformas digitales. La canción, una balada con mucha fuerza que se mueve en el terreno donde el pop melódico se encuentra con el sentimiento flamenco, aborda la dificultad de aceptar la ausencia de la persona amada, ese momento en que el corazón se niega a entender lo que la cabeza ya sabe.

“¿Cómo explicarle al corazón que hoy te vas? ¿Cómo decirle que sin ti se puede vivir?”, canta Alba, y la pregunta sin respuesta recorre todo el tema. “Cómo explicarle” es una canción de ruptura pura y dura, de esas que duelen porque hablan desde la verdad de quien ha tenido que aprender a vivir con la ausencia. El estribillo, un grito contenido que crece desde la intimidad hasta la intensidad, funciona como una catarsis para quien lo canta y un espejo para quien lo escucha.

Musicalmente, el tema apuesta por una producción limpia donde la voz de Alba es la absoluta protagonista. Comienza de forma íntima, casi susurrada, y va creciendo en intensidad a medida que la letra se adentra en el dolor. La base flamenca, que la artista lleva en los genes, se percibe en el deje de su voz, en ese “quejío” que no necesita artificios para emocionar. La producción, cuidada y actual, permite que la interpretación respire y que cada palabra llegue con claridad.

Alba Moreno no es una recién llegada. Viene de una estirpe de artistas: su bisabuela fue una figura del flamenco que llegó a compartir escenario con leyendas como Camarón de la Isla y Paco de Lucía. Ese legado, ese arte que lleva en la sangre, se percibe en cada nota. Pero Alba es también una artista “esponja”, capaz de absorber influencias que van desde el piano de Ludovico Einaudi hasta el pop de Niña Pastori o los ritmos urbanos franceses de Tayc. Antes de este single, ya había dejado temazos como “DA LA LUZ” o “Goteras”, donde juega más con sonidos urbanos y reggaetón lento, demostrando su versatilidad.

Lo que ha hecho triunfar a Alba Moreno en este 2026 es su capacidad para conectar con una audiencia joven que busca algo más que un ritmo de discoteca. Busca historias, busca verdad. Su habilidad para pasar de un registro urbano a una balada desgarradora como “Cómo explicarle” la hace muy versátil, una artista capaz de habitar distintos mundos sin perder su esencia. “Cómo explicarle” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de dolor y catarsis que Alba Moreno ha sabido capturar con la honestidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para los días de lluvia, para cuando necesitas soltar un poquito de pena acumulada, para quienes saben que a veces el corazón no entiende de explicaciones.