La artista polifacética Lucía de la Puerta, uno de los fenómenos más interesantes del panorama artístico actual, presenta “GUAU”, su nuevo sencillo que ya disponible en plataformas digitales. El tema, un pop urbano de ritmo rápido con una base electrónica muy potente que coquetea con el tech-house y el reggaetón más moderno, juega con esa expresión de asombro y admiración desde una posición de poder, derrochando autoconfianza, actitud y un punto de irreverencia.

“GUAU” nace desde ese territorio donde la seguridad en una misma se convierte en el mejor accesorio. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una súplica de aprobación ni una declaración vacía, sino una afirmación de que llamar la atención no es un delito, de que pisar fuerte no es una osadía, de que pasarlo bien no necesita permiso. No es una canción de introspección ni de melancolía, sino de celebración, de ese momento en que entras en la pista y la energía cambia. El estribillo, pegadizo y lleno de esa energía arrolladora, funciona como un mantra de autoafirmación, una declaración de que cuando llegas, se nota.

Lucía de la Puerta se mueve con soltura en el pop urbano, el reggaetón y el pop comercial, destacando por lanzar canciones con letras muy directas, un toque canalla y estribillos extremadamente pegadizos. Aunque muchos la descubrieron inicialmente a través de las redes sociales, donde arrastra a una comunidad millonaria de seguidores gracias a su carisma, ha demostrado ser una artista total: actriz, creadora de contenido, influencer y, cada vez con más fuerza, cantante. La producción de “GUAU” está diseñada milimétricamente para ser contagiosa, con un drop en el estribillo muy discotequero ideal para festivales, donde la voz de Lucía juega con la sensualidad en las estrofas y con un tono mucho más enérgico en las partes principales.

Como es habitual en sus lanzamientos, el single ha nacido con un fuerte componente visual y coreográfico, lo que ha provocado que en plataformas como TikTok se vuelva viral casi de inmediato gracias a los retos de baile. “GUAU” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de actitud y celebración que Lucía de la Puerta ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo único que necesitas para brillar es creerte el “guau” antes de que te lo digan. Un himno para los que entran pisando fuerte, para todos aquellos que saben que la autoestima también se baila.

La artista María Oliva presenta “Buena Suerte”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales, compuesto por María Oliva, Noe y Hugo, bajo la producción de Hugo. El tema, una pieza que bebe de su experiencia en el flamenco pop más intimista y contemporáneo, está dedicado a esa persona que sabe mentir bonito pero ya no convence a nadie, un mensaje directo y sin rodeos que no deja espacio para las falsas promesas ni los discursos vacíos.

“Buena Suerte” nace desde ese territorio donde la paciencia se agota. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un lamento ni un reproche amargo, sino una despedida elegante y contundente, de ese momento en que le deseas buena suerte a quien te ha mentido porque ya no te importa lo que haga con su vida. No es una canción de rencor, sino de liberación, de ese instante en que te das cuenta de que quien miente bonito ya no tiene poder sobre ti. El estribillo, pegadizo y lleno de esa mezcla de ironía y determinación, funciona como un adiós definitivo, una declaración de que ya no hay vuelta atrás.

 María Oliva muestra desde muy pequeña inquietudes musicales e interpretativas. A la edad de diez años entonaba sus primeras canciones en el coro de su pueblo natal, La Roda de Andalucía. Allí mismo montó su primer grupo musical, actuando en multitud de eventos durante más de una década. Unos años más tarde, decidió dedicarse exclusivamente a su gran pasión, cantar. Se afincó en Málaga y complementó su experiencia artística con formación musical y vocal en la Academia de Pedro Gordillo.

En 2017 comenzó su carrera en solitario con la presentación de su primer trabajo discográfico, “Dime Luna”, ante más de dos mil personas, teniendo una gran aceptación por parte del público. En 2019 fue finalista en los Premios MIN con su tema “Cristales Rotos”. En 2020 su música empezó a sonar fuera de España, en más de veintitrés países. En 2022 colaboró con el artista brasileño Royer Matos en el tema “Dos vidas”, obteniendo un gran éxito en plataformas digitales.

Su trayectoria incluye reconocimientos como el Premio a la Mejor Saeta por Cadena Cope Marbella en 2016, el Premio a la Mejor Trayectoria Profesional por Cadena Cope Marbella en 2017, y el Premio Nacional Gaviota de Plata por la Organización Princesa Alexandra de Argentina en 2022. Su música se escucha en cadenas como Radio Olé y la radio pública de Andalucía, y ha sido promocionada en cadenas de televisión como Canal Sur, 101 TV y Canal Málaga.

“Buena Suerte” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de despedida y liberación que María Oliva ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces la mejor forma de terminar una historia es deseando buena suerte a quien ya no te importa. Un himno para los que han dicho basta a las mentiras bonitas, para todos aquellos que saben que la mejor venganza es la indiferencia.

El artista David Barrull, una de las voces más imponentes y respetadas que ha dado el flamenco-pop en la última década, presenta “Olvidé quererte”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 8 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza de una intensidad emocional arrolladora, explora un ángulo muy interesante del fin de una relación: el momento en que uno se da cuenta de que, por cuidar al otro o por perderse en la rutina, se ha olvidado de quererse a sí mismo. Es un canto a la recuperación de la identidad tras una ruptura, una reflexión sobre cómo el amor mal entendido puede llevar al olvido de la propia esencia.

“Olvidé quererte” nace desde ese territorio donde el desamor se convierte en autoconocimiento. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un reproche a la otra persona ni una súplica por volver, sino una confesión íntima de que el verdadero error fue dejar de lado la propia piel para abrazar la del otro. No es una canción de venganza, sino de redención, de ese momento en que la pérdida del amor ajeno se transforma en el reencuentro con uno mismo. El estribillo, contenido pero lleno de esa mezcla de fragilidad y determinación, funciona como una promesa personal, una declaración de que nunca más se va a olvidar de quien realmente importa.

David Barrull se le conoce por su dominio absoluto del “quejío” y por una técnica que le permite llevar el flamenco a terrenos del pop, el jazz o incluso el soul con una naturalidad asombrosa. En 2026, se encuentra en una etapa de plenitud, donde prima la calidad sobre la cantidad, seleccionando muy bien cada composición para que esté a la altura de su tesitura vocal. La producción de “Olvidé quererte” es exquisita y orgánica. Comienza con una instrumentación mínima que pone el foco en la voz de David, que suena más madura y llena de matices que nunca. A medida que el tema avanza, se incorporan arreglos que elevan la canción hacia un clímax épico, muy característico de las grandes baladas flamencas. Destaca el uso de la guitarra española, que dialoga constantemente con la voz de David, creando una atmósfera de confesión íntima.

Lo que hace especial a “Olvidé quererte” es la entrega de Barrull. No se limita a cantar la letra; la desgarra. Es un tema diseñado para lucir su rango dinámico, desde los susurros más delicados hasta los agudos potentes y rotos que son su marca de la casa. El single ha sido recibido con entusiasmo por la crítica especializada, que destaca cómo David consigue sonar clásico y moderno al mismo tiempo. “Olvidé quererte” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de introspección y recuperación que David Barrull ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces olvidarse de querer a otro es el primer paso para recordar cómo quererse a uno mismo. Un himno para los que han perdido la identidad en el amor, para todos aquellos que saben que el reencuentro más importante es con la propia piel.

El músico y compositor madrileño Saúl Aguado de Aza presenta “Relámpago”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, un estallido de energía pura, captura ese momento de claridad o shock emocional que lo cambia todo en un instante, con un sonido y un ritmo imparables que buscan conectar con el oyente desde el primer impacto, adelantando lo que será su nuevo álbum “El canto del poeta”, que verá la luz el próximo 14 de mayo.

“Relámpago” nace desde ese territorio donde un segundo puede redefinir una vida. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una reflexión pausada ni una meditación lírica, sino la captura de ese instante eléctrico en que la verdad se impone sin avisar, de ese momento en que la realidad te golpea y todo cambia. No es una canción de consecuencias, sino de instante, de ese relámpago que ilumina todo aunque dure una fracción de segundo. El estribillo, contundente y lleno de esa energía que no da tregua, funciona como un electroshock, una declaración de que hay momentos que no se explican, se sienten.

El nuevo álbum “El canto del poeta”, que se publica el 14 de mayo, combina una composición sincera con una refinada artesanía musical, prometiendo una exploración íntima de los temas más universales de la vida a través de un sonido que se mueve con fluidez entre el minimalismo delicado y los arreglos intrincados. La inspiración fluye de manera natural del mundo que rodea a Saúl. El artista se sumerge profundamente en la naturaleza, las experiencias personales, las relaciones compartidas y las amistades duraderas, mientras teje claras influencias literarias de poetas tanto contemporáneos como históricos.

Saúl Aguado de Aza es un artista multifacético cuyo trabajo se asienta sobre un raro equilibrio entre el rigor académico y la libertad creativa. Nacido en Madrid, se formó en los conservatorios de la ciudad, obteniendo un Título Superior en Piano antes de completar estudios avanzados en Composición. Sus créditos incluyen arreglos musicales para el álbum “Mayday” de Najwa Nimri y trabajo compositivo para cortometrajes. Su excelencia ha sido reconocida dos veces con el primer premio en el Concurso de Composición Manuel María.

“Relámpago” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de impacto y revelación que Saúl Aguado de Aza ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces un segundo es suficiente para cambiar todo. Un adelanto de un álbum que promete ser un canto poético a la vida, para todos aquellos que saben que los relámpagos no avisan, solo iluminan.

La banda GINEL presenta “Grita”, su primer single, ya disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza de indie soul atravesada por influencias reggae, funciona como carta de presentación de su álbum debut “Borde Vivo”, un proyecto marcado por el cuidado, la sensibilidad y la fuerza colectiva. La canción construye una atmósfera tan estremecedora como alentadora, combinando calma, introspección y una energía poderosa que invita a la liberación.

“Grita” nace desde ese territorio donde el instinto se convierte en canción. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un grito desgarrado ni una súplica, sino una llamada a la manada, un aullido de auxilio que espera ser escuchado y correspondido. “Si escucho tu canto lejos desde aquí, lo voy a repetir y lo voy a perseguir”, canta Marta Ge, y la frase resume la esencia de un tema que conecta con una idea de cooperación, cuidado y comunidad. No es una canción de soledad, sino de búsqueda compartida, de ese momento en que el grito de uno encuentra respuesta en otro. El estribillo, contenido pero lleno de esa energía que crece sin estridencias, funciona como una llamada, una declaración de que hay gritos que no se hacen solos.

La composición nació de una frase que Marta había anotado años antes. La misma noche, en la misma habitación, fueron surgiendo la letra a la vez que los arreglos. Marta estaba con su cuaderno y boli, la guitarra, un micrófono y una grabadora; Mateo saltaba del piano al bajo, del bajo a la guitarra y de la guitarra a la batería. Más tarde, en el proceso de grabación junto a Lev, León y Ramón, la canción se llenó de identidad con los vientos, el empuje del bajo y los arreglos de guitarra.

GINEL está formado por Marta Ge (compositora, vocalista y guitarrista), Mateo Vas (baterista y productor), León Sierra (bajista y coproductor), Lev Borovskyi (brass) y Ramón Paz (guitarrista). El disco fue grabado en Moba Studios en Madrid, y mezclado y masterizado en Londres por Oli Barton-Wood, ingeniero que ha trabajado con artistas como Tom Misch, Nubiyan Twist y Jordan Rakei. “Grita” es un tema profundamente conectado con la naturaleza, las sensaciones, la intuición y el instinto. Su esencia sitúa al oyente en un estado de calma e introspección, pero también despierta una fuerza física y emocional que activa y mueve.

La banda presentará “Borde Vivo” el próximo 20 de mayo en la Sala Villanos de Madrid, antes de la publicación del álbum en plataformas digitales. El concierto contará con la apertura de Mauro Samaniego y con artistas invitados como La Otra y Nico Saba. “Grita” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de calma, fuerza y búsqueda compartida que GINEL ha sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que el arte también puede ser una forma de reivindicación. Un himno para los que creen que los gritos no se hacen solos, para todos aquellos que saben que la manada también se construye cantando.

El músico y compositor madrileño Saúl Aguado de Aza presenta “El canto del poeta”, su nuevo álbum. El trabajo, que combina una composición sincera con una refinada artesanía musical, promete una exploración íntima de los temas más universales de la vida a través de un sonido que se mueve con fluidez entre el minimalismo delicado y los arreglos intrincados.

La inspiración para el álbum fluye de manera natural del mundo que rodea a Saúl. El artista se sumerge profundamente en la naturaleza, las experiencias personales, las relaciones compartidas y las amistades duraderas, mientras teje claras influencias literarias de poetas tanto contemporáneos como históricos. Estas fuentes no solo dan forma al núcleo emocional de las canciones, sino que a menudo proporcionan fundamentos líricos directos para sus composiciones.

El proceso creativo detrás de “El canto del poeta” refleja un equilibrio reflexivo de espontaneidad. Algunas pistas surgieron de largas tardes al piano, creando cuidadosamente armonías, acompañamientos y melodías, mientras que otras comenzaron con simples garabatos en un cuaderno que capturaban letras honestas y reflexivas. Los momentos de introspección tranquila, simplicidad y sinceridad emocional forman el corazón del álbum.

Saúl Aguado de Aza es un artista multifacético cuyo trabajo se asienta sobre un raro equilibrio entre el rigor académico y la libertad creativa. Nacido en Madrid, se formó en los conservatorios de la ciudad, obteniendo un Título Superior en Piano antes de completar estudios avanzados en Composición. Más tarde amplió su experiencia como técnico de sonido y productor musical, lo que le permitió dejar una huella temprana en la industria. Sus créditos incluyen arreglos musicales para el álbum “Mayday” de Najwa Nimri y trabajo compositivo para cortometrajes.

Su excelencia ha sido reconocida dos veces con el primer premio en el Concurso de Composición Manuel María. A través de su composición de canciones y su pop alternativo, Saúl Aguado de Aza crea un espacio sonoro donde la honestidad se convierte en una fortaleza. Su música sirve como un lienzo personal, utilizando la melodía y la lírica para limpiar viejas heridas y pintar versiones renovadas de uno mismo. Temas anteriores como “No camino a solas” y “La vida sigue” ya han establecido su compromiso con temas de resiliencia y el poder transformador de convertir los contratiempos en energía vital.

“El canto del poeta” ya está disponible en reserva y se publicará el 14 de mayo en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de introspección y belleza que Saúl Aguado de Aza ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la música también puede ser un canto poético a la vida. Un álbum para los que buscan algo más que entretenimiento, para todos aquellos que saben que las mejores canciones son las que nacen de la contemplación y la verdad.

La artista virtual Sofia Dartmore, completamente creada por inteligencia artificial, presenta “Soy el Fuego”, su primer single lanzado el pasado 28 de abril y ya disponible en más de veinte plataformas digitales a través de DistroKid. El tema, un reggaetón sensual que mezcla producción innovadora con inteligencia artificial, explora la emergencia del eterno femenino desde lo más profundo de una mujer que parece fuerte y dominante a primera vista, ofreciendo una mirada a la vulnerabilidad y el poder que conviven en el interior femenino.

“Soy el Fuego” nace desde ese territorio donde la fuerza y la fragilidad se encuentran. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una declaración de dominio ni una súplica, sino una afirmación de que el fuego que una lleva dentro no es solo para quemar, sino también para iluminar, de ese momento en que la mujer que parece inexpugnable deja ver la llama que la sostiene. No es una canción de sumisión ni de agresión, sino de revelación, de ese instante en que el eterno femenino emerge sin pedir permiso. El estribillo, pegadizo y lleno de esa energía cálida y bailable, funciona como un mantra de empoderamiento, una declaración de que el fuego no se apaga, se comparte.

Sofia Dartmore es una creación IA que se sitúa en el cruce de culturas: de madre española y padre inglés, basada en Francia. Su proyecto busca crear un universo latino auténtico y apasionado, accesible a todos los fans del reggaetón. El productor destaca que la inteligencia artificial permite construir ese mundo sonoro sin las limitaciones tradicionales de la producción musical, ofreciendo una nueva forma de entender la creación artística donde la tecnología y la emoción no están reñidas.

Con su ambiente cálido y bailable, “Soy el Fuego” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de ritmo y revelación que Sofia Dartmore ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el fuego no es solo destrucción, sino también luz. Un himno para las que guardan un volcán dentro, para todos aquellos que saben que la fuerza femenina también se puede bailar.

La cantautora Ernestina, una de las voces más cautivadoras y prometedoras del pop de autor en español este 2026, presenta “Diciembre”, su nuevo sencillo lanzado en la primera mitad de mayo y ya disponible en plataformas digitales. La canción, a pesar de su título invernal, llega con una calidez necesaria para esta primavera, funcionando como una metáfora del frío emocional, de esos momentos en que una relación se queda congelada en un punto del pasado y de la dificultad de avanzar cuando los recuerdos te anclan a una estación específica.

“Diciembre” nace desde ese territorio donde la nostalgia se convierte en un paisaje helado. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un lamento desgarrado ni una súplica por volver, sino una constatación de que el tiempo pasa y hay relaciones que se quedan detenidas en una fecha concreta, de ese momento en que el frío no es solo meteorológico, sino también emocional. No es una canción de rencor, sino de aceptación, de ese instante en que reconoces que diciembre ya pasó, pero tú sigues atrapado en él. El estribillo, contenido pero lleno de esa melancolía que no se convierte en drama, funciona como un suspiro, una declaración de que hay estaciones que duelen más que otras.

Ernestina apuesta por la honestidad brutal. Su música no busca grandes artificios, sino la conexión emocional a través de letras muy personales y una voz que destaca por su calidez y sus matices nostálgicos. Su estilo bebe del pop alternativo, con reminiscencias de la nueva ola de cantautoras que mezclan instrumentos orgánicos como la guitarra acústica con texturas electrónicas sutiles y modernas. “Diciembre” comienza de forma muy íntima, casi susurrada, generando una sensación de cercanía inmediata con el oyente. A medida que avanza, se van sumando capas de sonido que le dan una profundidad indie-pop muy envolvente.

La crítica ha destacado la capacidad de Ernestina para crear una atmósfera nebulosa y melancólica, perfecta para días de lluvia o momentos de introspección. El videoclip, con una estética visual muy cuidada, utiliza colores apagados y escenarios naturales que refuerzan ese sentimiento de soledad y reflexión que destila la canción. “Diciembre” se está posicionando como un tema de culto entre los seguidores del pop alternativo, consolidando a Ernestina como una artista que no necesita gritar para ser escuchada. Su fuerza reside en la vulnerabilidad de sus composiciones. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de melancolía estacional y aceptación que Ernestina ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces el frío no se combate, se habita. Un himno para los que se han quedado atrapados en un diciembre eterno, para todos aquellos que saben que el tiempo pasa, pero algunas fechas se quedan grabadas.

Las artistas Lorena Santos y David Jiménez presentan “Le Pido”, su nuevo sencillo lanzado en mayo de 2026. El tema, que une a dos figuras que representan a la perfección la evolución del flamenco-pop hacia sonidos más urbanos y comerciales, es una oración al destino o a una fuerza superior para que una relación se mantenga o para que esa persona especial regrese, moviéndose entre la súplica romántica y el ritmo bailable con una energía que lo posiciona como uno de los grandes éxitos de la temporada.

“Le Pido” nace desde ese territorio donde la vulnerabilidad se convierte en plegaria. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una declaración grandilocuente ni una súplica desesperada, sino una conversación íntima con el destino, de ese momento en que le pides a algo más grande que tú que cuide lo que sientes. No es una canción de rendición, sino de esperanza, de ese instante en que el miedo a perder se transforma en una petición sincera. El estribillo, pegadizo y lleno de esa mezcla de fragilidad y deseo, funciona como un mantra repetido, una declaración de que el amor también se implora.

Lorena Santos, la artista sevillana, es una de las voces más queridas en las redes sociales y plataformas digitales. Se ha especializado en un estilo que mezcla el pop con giros flamencos, destacando por su voz dulce pero con mucha fuerza. Es conocida por saber interpretar el desamor y el empoderamiento femenino con una naturalidad que conecta muy rápido con el público joven. David Jiménez aporta el contrapunto masculino con una voz rasgada y llena de sentimiento, dominando el arte de la balada rítmica y aportando ese toque de calle y verdad a sus colaboraciones. Juntos, crean una química vocal muy equilibrada.

La base es un pop-urbano con matices flamencos, donde las palmas y las guitarras españolas se mezclan con un beat actual que invita al movimiento. La producción busca ese equilibrio entre lo orgánico y lo digital, permitiendo que las voces de Lorena y David luzcan en los estribillos, que son especialmente pegadizos. Bajo el sello Krik Music, este single se posiciona como una de las canciones que más van a sonar en las listas de éxitos locales y en las celebraciones de esta temporada, gracias a su energía positiva a pesar del trasfondo nostálgico de la letra.

La estructura de “Le Pido” está diseñada para el directo. Es el tipo de canción que el público canta a pleno pulmón, especialmente en esa parte final donde las voces de ambos se entrelazan con más intensidad. “Le Pido”, invita a sumergirse en esa atmósfera de súplica y esperanza que Lorena Santos y David Jiménez han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que a veces lo único que queda es pedirle al destino que no se equivoque. Un himno para los que han amado con miedo a perder, para todos aquellos que saben que la vulnerabilidad también puede ser una forma de valentía.

La artista española Caluu C. forma parte del esperado lanzamiento de “After Hour The Mixtape”, el ambicioso proyecto dirigido por el DJ y productor Saot ST, que vio la luz el pasado 3 de mayo en todas las plataformas digitales. Este nuevo volumen del reconocido formato reúne a decenas de artistas y productores de las Islas Canarias, apostando por una renovación completa de talentos y estilos, y consolidándose como uno de los proyectos colaborativos más relevantes de la escena urbana nacional.

La participación de Caluu C. llega en un momento clave de su carrera. El reciente lanzamiento de su single “TETE”, el pasado 17 de abril, ha generado un notable impacto en redes sociales, superando las 300.000 visualizaciones en Instagram y posicionándose como uno de los contenidos virales del momento dentro de su comunidad. Este crecimiento sostenido durante los últimos meses ha contribuido a generar una gran expectación en torno a su figura, impulsando una excelente acogida de su presencia en el proyecto.

Criada en Fuerteventura, Caluu C. desarrolla un sonido propio en el que fusiona R&B, afrobeats y pop, con una clara vocación internacional. Su trayectoria incluye hitos como el éxito de “PEÓN” junto a Dani J, que superó el millón de reproducciones en Spotify, así como el reconocimiento de su EP “BOXXXITO” en playlists editoriales. Su evolución artística se refleja en lanzamientos como “LUNA”, “CORA BLINDADOS”, “SI QUISIERAS” o “NO LOVE”, donde explora nuevas sonoridades y refuerza su identidad.

En los últimos años, su presencia en proyectos audiovisuales como la serie “Urban: La vida es nuestra” y colaboraciones recientes como “Por Teléfono No” junto a Karetta el Gucci o “QUÉ MÁS” han consolidado una etapa más madura y conectada con su audiencia. Este contexto ha permitido a Caluu C. consolidarse como una de las artistas emergentes con mayor proyección de las Islas Canarias, destacando por su capacidad para conectar con el público joven y adaptarse a las tendencias actuales del panorama urbano.

Tras el impacto de su anterior edición, “After Hour The Mixtape” regresa con una propuesta aún más diversa, reafirmando su papel como escaparate del talento emergente del archipiélago. Con su participación en el proyecto, Caluu C. continúa ampliando su alcance dentro de la escena urbana, formando parte de una iniciativa que no solo celebra el talento canario, sino que también proyecta su música hacia nuevos públicos a nivel nacional e internacional. El mixtape ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de colaboración y talento fresco que Saot ST y los artistas canarios han sabido construir. Un proyecto que demuestra que las Islas Canarias siguen siendo un semillero inagotable de nuevos sonidos y voces.

Los artistas Manuel Carrasco y La Pucci presentan “Cambiar”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 8 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una balada pop con una producción cuidada, es una reflexión sobre la evolución personal y la aceptación dentro de una relación, una oda a la madurez emocional y a la valentía que requiere dejar atrás viejas versiones de uno mismo.

“Cambiar” nace desde ese territorio donde el tiempo transforma y el amor se enfrenta a la prueba de aceptar a la persona que el otro se ha convertido. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una súplica para que todo vuelva a ser como antes, sino un reconocimiento de que todos cambiamos y de que el verdadero amor es el que se adapta a esas transformaciones. No es una canción de resignación, sino de valentía, de ese momento en que decides querer a alguien no por quien fue, sino por quien es ahora. El estribillo, contenido pero lleno de esa emoción contenida que estalla sin estridencias, funciona como una promesa compartida, una declaración de que el cambio no separa, sino que también puede unir.

Manuel Carrasco, el artista de Isla Cristina, demuestra en esta etapa de su carrera una generosidad artística increíble al colaborar con talentos emergentes. Su voz, siempre cargada de verdad y ese “quejío” pop tan suyo, sigue siendo un sello de calidad que garantiza emoción en cada nota. La Pucci, una de las artistas jóvenes más interesantes del momento, destaca por una voz con mucha personalidad y una fuerza escénica que ya ha llamado la atención de los grandes de la industria. Su estilo bebe del flamenco pero se atreve con el pop y los ritmos urbanos.

La canción comienza de forma acústica, permitiendo que la química entre las voces sea la protagonista absoluta. Conforme avanza, la producción crece con arreglos de cuerda y una percusión orgánica, creando esa atmósfera épica y emocionante que Manuel Carrasco domina tan bien. El contraste entre la voz experimentada de Manuel y la frescura con tintes flamencos de La Pucci aporta una riqueza de matices que hace que la canción se sienta muy completa.

Muchos fans están señalando que este tema recuerda al Manuel Carrasco más íntimo de sus primeros álbumes, pero con la sofisticación sonora de 2026. La unión con La Pucci parece haberle dado una energía renovada que le sienta fenomenal al tema. “Cambiar” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de evolución y aceptación que Manuel Carrasco y La Pucci han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que el amor verdadero no es resistirse al cambio, sino crecer juntos. Un himno para los que han cambiado y han sido cambiados, para todos aquellos que saben que querer a alguien es también querer a la persona en la que se convierte.

La artista catalana Nerea Rodríguez, conocida por su paso por Operación Triunfo 2017 y su exitosa etapa en el teatro musical, ha decidido romper con su imagen anterior para presentarse bajo un nuevo alter ego: Frígida Khalvo. El nacimiento de este personaje no es solo un pseudónimo, sino una declaración de intenciones. Con Frígida Khalvo, Nerea busca explorar una faceta mucho más transgresora, irónica y libre, alejándose del pop más dulce o convencional de sus primeros años.

El proyecto bebe mucho del art-pop, el electropop y la estética camp. Hay una clara intención de jugar con la moda, el surrealismo y la performance, recordando a artistas que utilizan la provocación como herramienta artística. El single “Somos Iguales”, lanzado el pasado 8 de mayo, es el pistoletazo de salida oficial para esta nueva identidad.

“Somos Iguales” es una crítica mordaz a la uniformidad de la sociedad actual. La canción habla de cómo, a pesar de que todos intentamos destacar o ser especiales, a menudo terminamos siguiendo los mismos patrones, consumiendo lo mismo y actuando de la misma forma. Es un himno a la contradicción humana, a esa paradoja de querer ser únicos dentro de un sistema que nos empuja a ser iguales. No es una canción de soluciones, sino de constatación, de ese momento incómodo en que te das cuenta de que tu supuesta rebeldía es también un producto más.

El sonido abandona las baladas clásicas para abrazar una electrónica industrial y oscura, pero con un estribillo pop extremadamente pegadizo. La producción destaca por el uso de sintetizadores pesados y una distorsión vocal que refuerza ese concepto de máquina o repetición que sugiere el título. El videoclip es fundamental para entender la propuesta: Frígida Khalvo aparece con una estética minimalista y fría, utilizando elementos visuales que refuerzan esa idea de producción en serie y falta de individualidad.

Con este cambio, Nerea se une a esa lista de artistas que deciden “matar” su imagen pública anterior para poder crear sin expectativas. “Somos Iguales” es la prueba de que se siente mucho más cómoda en el riesgo que en la zona de confort. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de crítica social y electrónica industrial que Frígida Khalvo ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces la mejor forma de destacar es admitir que, al final, todos somos iguales. Un himno para los que se rebelan contra la uniformidad, para todos aquellos que saben que la verdadera individualidad empieza por reconocer que también forman parte del rebaño.

Los artistas Pikete y Delarue presentan “Billetes”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La colaboración, que trasciende lo estrictamente musical para situarse en un plano ideológico definido, construye un relato crudo y honesto sobre la realidad de quienes crecen lejos de los privilegios. No es una canción que glorifique el dinero, sino que lo cuestiona desde una mirada consciente, donde los billetes se convierten en símbolo de esfuerzo, supervivencia y contradicción dentro de un sistema que empuja a muchos hacia los márgenes.

“Billetes” nace desde ese territorio donde el dinero no es un lujo, sino una necesidad. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una celebración vacía ni una crítica ingenua, sino una constatación de que para quien viene de abajo, los billetes representan el sudor, la lucha diaria y la contradicción de tener que sobrevivir en un sistema que no está hecho para ti. No es una canción de odio, sino de conciencia, de ese momento en que el orgullo de clase se convierte en una herramienta de resistencia. El estribillo, contundente y lleno de esa energía que mezcla la rabia y la determinación, funciona como un grito de pertenencia, una declaración de que los códigos de la calle son la única brújula que no falla.

Delarue, consolidado como uno de los pilares del nuevo hip-hop en España, aporta su característico peso lírico y credibilidad. Pikete reafirma su versatilidad y posicionamiento artístico, transitando con naturalidad entre lo introspectivo y lo combativo desde códigos urbanos como el freestyle y el trap. El resultado es un track directo y sin artificios, donde las barras funcionan como vehículo de denuncia, identidad y pertenencia.

Con una producción sobria y contundente firmada por Danni Ble, “Billetes” pone el foco en el mensaje. Es una reivindicación del origen, del trabajo invisible y de una identidad construida desde abajo. Un lanzamiento que conecta con la esencia más pura del género y refuerza el vínculo entre música y realidad social. Pikete continúa afianzando su capacidad para desarrollar un sonido propio que dialoga con las tendencias globales sin perder autenticidad, consolidándose como una de las voces emergentes más sólidas de la nueva generación urbana en España. “Billetes” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de conciencia de clase y códigos de calle que Pikete y Delarue han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que el hip-hop siempre ha sido la voz de quienes no tienen tribuna. Un himno para los que vienen de abajo, para todos aquellos que saben que los billetes no son el final, sino el reflejo de una lucha.

El músico granadino MontyBM presenta “La suerte”, su primer larga duración y uno de los artefactos sonoros más subyugantes de la temporada. El álbum, que llegará a las grandes superficies el próximo 22 de mayo en una cuidada edición de vinilo, es una inmersión profunda y elegante en el bolero, la cumbia y el son cubano, pasada por el tamiz de un artista que decide reivindicar la épica de lo cotidiano.

Bajo la producción de Daniel Molina en los estudios Fuente Oculta, el disco se despliega como un cancionero de resistencia emocional. El jazz y la canción ligera se abrazan a una raíz que late con la vigencia de los clásicos instantáneos. No hay artificios ni ejercicios de estilo. Lo que ha perpetrado MontyBM es un incendio controlado que quema con la elegancia del mejor bolero y la profundidad del son cubano.

La arquitectura del álbum se sostiene sobre la excelencia de una nómina de colaboradores que representa lo mejor de la escena granadina actual. Alfonso Alcalá al contrabajo, Jesús Santiago y Zeke Olmo en las percusiones, y Víctor Costela al piano arropan la voz y las cuerdas de José Antonio Montiel Casares. El artista se revela como un cronista imprescindible de las travesías humanas.

Desde la melancolía instrumental que desprende “Morena” hasta la punzada social de “El infierno”, el álbum transita por paisajes de amor y desamor con una honestidad literaria. El trabajo recuerda a la “épica de la normalidad” de figuras como Natalia Lafourcade o Daniel, me estás matando. La grabación buscó capturar la calidez del directo en espacios como La Mina.

Uno de los hitos del trabajo es “El mundo no me hace bien”, pieza que ya obtuvo el reconocimiento del Festival de Cine de Málaga como parte del cortometraje “Angoixa”. En el disco, se desdobla también en su versión catalana, “El món ens ha fet bé”, reforzando esa vulnerabilidad universal que atraviesa toda la obra.

La puesta de largo oficial de este catálogo de historias de sal y limón tendrá lugar el próximo 24 de mayo en la Casa de la Cultura de Maracena, Granada, a partir de las 18:30 horas. El concierto será una oportunidad para comprobar cómo este proyecto se convierte en un ritual de sanación a través del ritmo.

Con la salida inminente en plataformas digitales y su llegada física a las grandes superficies, MontyBM deja de ser una promesa de la escena granadina para consolidarse como el autor de uno de los discos más atrayentes y necesarios de este 2026. Es música para el baile pausado y la reflexión nocturna, una invitación a entender que vivir con la suerte, sea esta volátil o perenne, es, al fin y al cabo, el mayor de los aciertos. Todo en “La suerte” está pensado para perdurar: desde el diseño visual hasta unas letras que hablan de laberintos, edenes y hombres de piel de candado, construyendo una estética de elegancia atemporal que huye de las modas efímeras. El sur siempre ha guardado una relación mística con la otra orilla, y MontyBM se planta hoy en ese cruce de caminos para entregarnos una obra de artesanía sonora que la música de raíz seguía necesitando.

El artista dominicano Aron Luix, parte del sello AP Global Music, presenta “Tus Ojos”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una propuesta fresca y envolvente que transmite una vibra tropical, relajada y emocional, conecta desde lo simple y genuino, creando una atmósfera pensada para disfrutar, sentir y dejarse llevar.

“Tus Ojos” nace desde ese territorio donde la mirada se convierte en el único lenguaje necesario. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una declaración grandilocuente ni una promesa vacía, sino una confesión íntima sobre el poder de unos ojos que lo dicen todo sin necesidad de palabras. No es una canción de grandes gestos, sino de pequeños detalles, de ese momento en que una mirada basta para entenderlo todo. El estribillo, pegadizo y lleno de esa calidez tropical, funciona como un guiño cómplice, una declaración de que hay miradas que merecen ser cantadas.

El lanzamiento llega acompañado de un visualizer que complementa perfectamente esta esencia: una escena alrededor de una fogata entre amigos, evocando conexión, libertad y momentos reales. Las imágenes refuerzan esa sensación de cercanía y autenticidad que la canción transmite, como si la música fuera la banda sonora de una noche compartida sin artificios.

El sencillo fue producido por Reggi El Auténtico y Joshua Andrey Bracho, con composición del propio Aron Luix junto a Reggi El Auténtico. La producción combina melodías modernas con una esencia fresca y natural dentro de la música latina actual. Bajo el respaldo de AP Global Music, “Tus Ojos” continúa consolidando la propuesta artística de Aron Luix, apostando por una identidad auténtica y una conexión orgánica con su audiencia.

“Tus Ojos” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de buena vibra y emociones genuinas que Aron Luix ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo más simple es también lo más profundo. Un himno para los que creen que los ojos no mienten, para todos aquellos que saben que una mirada puede contener todo un universo.