La artista Malú ha estrenado este pasado viernes 20 de febrero de 2026 “Primer Amor”, su nuevo sencillo y una de las canciones más especiales y simbólicas de toda su trayectoria. Lejos de ser una balada romántica convencional dedicada a una pareja, el tema se revela como un ejercicio de introspección y amor propio, un reencuentro con esa niña interior que quedó olvidada en el camino de hacerse mayor y de las presiones de una carrera de casi tres décadas sobre los escenarios.

La canción se despliega como un diálogo íntimo con el pasado, con esa versión más pura de uno mismo que a menudo se pierde cuando la vida adulta impone sus reglas. La letra, cargada de honestidad y emoción a flor de piel, revela que el “primer amor” de Malú siempre fue ella misma, aunque lo hubiera olvidado en el trajín de los años. “Me costó, pero logré entender, a mi primer amor, que siempre he sido yo”, canta en uno de los versos más significativos, acompañada de referencias al espejo y a haber estado “jugando a hacerse grande” mientras dejaba de lado lo esencial.

El videoclip que acompaña al lanzamiento refuerza esa idea de retorno a las raíces con una estética íntima y cuidada. Las imágenes trasladan al espectador a ese espacio de reconciliación interior, donde mirarse al espejo con honestidad se convierte en el primer paso para recuperar la conexión con una misma. No hay artificios ni grandilocuencias; hay la verdad de quien ha aprendido que, a veces, lo más importante no está fuera, sino en el reflejo que nos devuelve la mirada.

El lanzamiento de “Primer Amor” coincide además con un hito histórico en la carrera de la artista. Malú está celebrando sus 28 años de trayectoria con una serie de siete conciertos consecutivos en la Plaza de Toros de Las Ventas de Madrid, una cita que comenzó precisamente este mismo fin de semana y que promete repasar lo mejor de su repertorio en un formato tan exigente como emocionante. Siete noches en uno de los escenarios más emblemáticos del país para celebrar siete veces veintiocho años de música compartida.

El tema se presenta como el tercer adelanto de su próximo disco de canciones inéditas, que llega tras otros sencillos recientes como “Todo sabe a ti” y “El intento”. Este nuevo trabajo marcará el inicio de una nueva era en su carrera, alejándose de la etapa de duetos de “A Todo Sí” para adentrarse en un territorio más personal y profundo. Críticos y fans coinciden en señalar que nos encontramos ante su etapa más humana y madura, donde las grandes producciones dejan paso a letras más crudas y una voz que, como ella misma reconoce en la canción, a veces “suena medio rota” pero es más suya que nunca.

El estribillo, con esa declaración repetida de “A mi primer amor, que sigo siendo yo”, funciona como un mantra de afirmación personal. Después de la caída, tras el apagón, lo que queda es la esencia, esa versión de una misma que el mundo nota aunque no siempre sepa nombrar. “Entera, mía y loca” resume ese estado de plenitud recuperada, esa aceptación de todas las partes que nos componen, incluso aquellas que parecen rotas o desordenadas.

“Me solté de tu mano, dejé de jugar, jugando a hacerme grande, dejé de saltar”, canta Malú en el puente de la canción, reconociendo ese momento en que la niña interior quedó rezagada mientras la adulta avanzaba sin mirar atrás. Pero el final es esperanzador: “Hoy volveré a buscar a mi primer amor”. Una declaración de intenciones que resume a la perfección el espíritu de una canción que es, ante todo, un reencuentro.

“Primer Amor” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa intimidad compartida que Malú ha sabido construir con la honestidad de quien lleva casi tres décadas contando su vida a través de canciones. Un tema para quienes entienden que, a veces, el amor más importante no es el que llega de fuera, sino el que nace de mirarse al espejo y reconocerse, por fin, en la propia mirada.

Laura Pausini está en el centro de todas las miradas. La artista italiana acaba de lanzar “Mariposa Tecknicolor” este pasado viernes 20 de febrero de 2026, una vibrante reinterpretación del clásico de Fito Páez que se presenta como el segundo gran adelanto de su nuevo proyecto discográfico. El tema, lejos de ser una versión convencional, sorprende con una producción mucho más rockera de lo habitual en su repertorio, mostrando una faceta de su voz que a menudo queda oculta tras las famosas baladas que la han convertido en un icono internacional.

La canción se despliega como un torrente de energía y color. Laura ha querido rendir tributo a la música argentina y a Fito Páez, uno de los cantautores más influyentes de habla hispana, en una versión que respeta la esencia del original pero la lleva a un territorio propio. La producción, más eléctrica y contundente, permite a la artista explorar registros vocales distintos, demostrando una vez más su versatilidad y su capacidad para sorprender incluso después de tres décadas de carrera.

El videoclip, rodado en Roma bajo la dirección de Gaetano Morbioli, refuerza la idea de transformación y libertad que transmite la letra. Las imágenes, llenas de colores intensos y mariposas que revolotean en cada escena, crean una atmósfera onírica que acompaña a la perfección la energía del tema. Laura aparece radiante, en sintonía con ese espíritu de renovación que atraviesa todo el proyecto.

“Mariposa Tecknicolor” es la pieza central de “Yo Canto 2”, el nuevo álbum de Laura Pausini que verá la luz el próximo 13 de marzo de 2026. Al igual que el primer volumen publicado en 2006, este disco se concibe como un homenaje a los cantautores de habla hispana que han marcado su vida y su carrera. Un viaje emocional por las canciones que la acompañaron desde sus inicios y que ahora reinterpreta con la madurez y la sensibilidad que solo dan los años.

El tracklist del álbum promete momentos memorables. Además del tema de Fito Páez, Laura incluirá sus versiones de “Antología” de Shakira, “Bachata Rosa” de Juan Luis Guerra, “Hijo de la Luna” de Mecano y “Hasta la Raíz” de Natalia Lafourcade, entre otras. Un repertorio que recorre distintos países y estilos, unidos por el hilo común de la canción de autor en español y por la capacidad de Laura para hacer suyas cada una de las canciones que interpreta.

El lanzamiento de este single coincide además con un momento especialmente intenso en la carrera de la artista. Hace apenas dos semanas, Laura actuó en la Ceremonia de Apertura de los Juegos Olímpicos de Invierno Milán-Cortina 2026 en el estadio de San Siro, un hito que la situó en el centro de la atención mundial. Y ahora, con el anuncio de su nuevo disco, confirma que este 2026 será un año de actividad frenética.

El “Yo Canto World Tour 2026/2027” llevará su música por los escenarios de medio mundo. La gira comenzará curiosamente en España, con un concierto en Pamplona el próximo 27 de marzo, para luego recorrer Latinoamérica con fechas ya confirmadas en Chile durante abril y México en mayo. Una oportunidad única para disfrutar en directo de esta nueva etapa creativa y de los grandes éxitos que han marcado su trayectoria.

La letra de “Mariposa Tecknicolor”, con sus imágenes poéticas y su mirada agridulce sobre la vida, cobra un significado especial en la voz de Laura. “Todos giran y giran, todos bajo el sol, se proyecta la vida, mariposa tecknicolor”, canta, mientras evoca recuerdos de infancia, sacrificios familiares y la melancolía de vivir sin una estúpida razón. La parte final, con ese “yo te conozco de antes, desde antes de ayer”, añade una capa de intimidad que conecta directamente con el oyente.

Este es, sin duda, un momento de renacimiento para Laura Pausini. Una celebración de sus raíces y de la música que ama, abordada con una energía renovada que promete emocionar tanto a sus seguidores de siempre como a quienes se acerquen por primera vez a su universo. “Mariposa Tecknicolor” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa explosión de color y rock que anticipa uno de los discos más esperados del año.

La artista emergente Andrea Prieto irrumpe en la escena musical de 2026 con “Siempre está lloviendo”, su nuevo sencillo y una pieza que explora con sensibilidad y hondura la melancolía que deja una relación pasada. La canción, lanzada en febrero, se despliega como un relato íntimo donde la lluvia se convierte en metáfora constante del estado emocional de una protagonista que observa desde la distancia cómo la vida de su antiguo amor sigue adelante mientras ella permanece atrapada en el recuerdo.

La letra construye un paisaje emocional reconocible desde los primeros versos. “Te he visto por ahí haciendo lo que siempre habías soñado”, canta Andrea, situando al oyente en ese territorio incómodo donde la felicidad del otro contrasta con el propio estancamiento. La distancia no es solo física, sino también vital: él se ha transformado, tiene un nuevo acento, nuevas costumbres, nuevas relaciones. Ella, en cambio, sigue anclada en el mismo lugar, en la misma ciudad donde siempre llueve, donde cada rincón grita el nombre de quien ya no está.

El estribillo funciona como un ancla emocional que atraviesa toda la canción: “Aquí siempre está lloviendo, cada rincón de la ciudad me grita tu nombre”. La lluvia, lejos de ser un mero elemento atmosférico, se convierte en símbolo de un estado interno que no cesa, de una tristeza que empapa todos los espacios y no encuentra modo de escampar. La protagonista queda atrapada en el recuerdo de esa última noche, preguntándose por qué a él la vida le cambió mientras ella sigue igual, estancada en el tiempo.

Musicalmente, “Siempre está lloviendo” se mueve en un pop melódico que pone el foco en la interpretación vocal. La producción, cuidada y atmosférica, envuelve la voz de Andrea en capas de sonido que refuerzan esa sensación de nostalgia urbana sin caer en el dramatismo excesivo. Hay en ella una contención elegante, una forma de dejar que la emoción respire sin necesidad de estridencias.

El videoclip oficial, que acompaña al lanzamiento, refuerza esta atmósfera de introspección y melancolía. Las imágenes, rodadas en espacios urbanos bañados por la lluvia, funcionan como una extensión natural de la letra, creando una experiencia visual que sumerge al espectador en ese mismo estado de ánimo que la canción transmite. La estética cuidada y la dirección de fotografía contribuyen a construir un universo propio donde el espectador puede habitar la emoción junto a la artista.

Andrea Prieto se perfila como una artista con una propuesta sólida dentro del pop contemporáneo, caracterizada por letras directas y emocionales que conectan con situaciones cotidianas de desamor y superación. Su enfoque, alejado de artificios innecesarios, busca la verdad emocional por encima de cualquier otra consideración. Las plataformas digitales y redes sociales están siendo el vehículo principal para lanzar su nuevo material, destacando por una producción visual cuidada que acompaña cada lanzamiento.

“Siempre está lloviendo” se presenta como una de sus apuestas más fuertes para posicionarse como una nueva artista a seguir en la escena actual. Una canción que habla de esos amores que dejan huella, de esas personas que se van pero permanecen en cada rincón de la ciudad, en cada gota de lluvia, en cada recuerdo que se niega a desaparecer. Para quienes han vivido esa experiencia, la canción funciona como un espejo donde mirarse; para quienes no, como una ventana a un estado emocional que, de una manera u otra, todos terminamos visitando alguna vez.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de melancolía y recuerdo que Andrea Prieto ha sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para días de lluvia, para noches de insomnio y para todos aquellos momentos en los que el pasado llama a la puerta y no tenemos más remedio que abrir.

El artista catalán Borja, nominado al Latin Grammy, presenta “Encima de la Mesa”, su nuevo sencillo y el primer adelanto oficial del EP que verá la luz el próximo mes de mayo. La canción se despliega como una carta de presentación que encapsula la energía más pura, luminosa y vibrante de su nueva etapa creativa, combinando sensibilidad, identidad y una clara vocación global que apunta a consolidarlo dentro de la nueva ola del pop español.

El tema nace de la fusión equilibrada entre tradición y modernidad. La calidez orgánica de las guitarras acústicas y los matices folk se entrelazan con una producción pop contemporánea que respira frescura y sofisticación. El resultado es un equilibrio sonoro cuidadosamente construido, donde lo clásico aporta emoción y lo actual suma dinamismo y proyección internacional. La producción bebe de guiños estéticos a los años ochenta que evocan nostalgia sin renunciar a una identidad sonora propia y actual, creando una atmósfera que resulta a la vez familiar y sorprendente.

“Encima de la Mesa” funciona como un himno al enamoramiento en su estado más intenso. La canción transmite esa fase en la que todo se siente posible, urgente y luminoso, capturando la euforia de querer compartir cada instante con alguien hasta convertir lo cotidiano en extraordinario. La narrativa emocional conecta con el oyente desde la primera escucha, reforzando el sello distintivo del artista: sensibilidad melódica, honestidad y una clara vocación pop que busca la verdad por encima de cualquier artificio.

El tema ha sido escrito por el propio Borja junto a Zárate, y producido en un proceso creativo compartido entre Madrid y Miami, dos ciudades que aportan influencias distintas y complementarias al imaginario musical del proyecto. Esta dualidad geográfica se refleja en la mezcla de matices mediterráneos y toques internacionales que definen la canción. La base rítmica, impulsada por una batería sólida y expresiva, refuerza su potencial escénico y anticipa un repertorio diseñado para cobrar vida sobre el escenario.

Con este lanzamiento, Borja no solo inaugura una nueva etapa artística, sino que consolida su posicionamiento dentro de la nueva generación del pop español: una corriente que apuesta por la emoción, el detalle sonoro y la autenticidad como pilares creativos. “Encima de la Mesa” es, en definitiva, una declaración de intenciones que combina sensibilidad, identidad y ambición global, y que anticipa un EP llamado a marcar un paso firme en la evolución del artista.

Borja se ha consolidado como una de las nuevas voces con mayor proyección dentro del pop actual. Cantautor y productor de Barcelona, nominado al Latin Grammy, es conocido por su lírica poética y su profundidad emocional. Escribe, graba y produce su propia música, fusionando el pop romántico con una narrativa sonora cinematográfica que transporta al oyente a universos íntimos y reconocibles.

Tras recibir una nominación como Mejor Nuevo Artista por su álbum debut “rimas del verbo amar”, logró el sold out en sus conciertos de Madrid y Barcelona, demostrando que su propuesta conecta con fuerza en directo. Además, fue telonero de Karol G en Madrid durante su gira “Mañana Será Bonito”, una experiencia que le permitió compartir escenario con una de las artistas más importantes del momento y confirmar su potencial ante audiencias masivas.

En 2025 lanzó “cuando coincidimos”, un álbum profundamente personal y rico en matices sonoros que explora la fugacidad de los encuentros que nos transforman. El trabajo acumula millones de reproducciones y recibió el respaldo de medios como Rolling Stone en Español, que lo nombró “Artista Que Debes Conocer”, un reconocimiento que avala la solidez de su propuesta y su capacidad para conectar con crítica y público por igual.

Su propuesta musical se caracteriza por una sensibilidad melódica muy marcada, letras honestas y emocionales, y una cuidada producción que equilibra influencias del pop clásico con sonidos contemporáneos. Esta combinación le permite construir canciones cercanas, luminosas y con identidad propia, capaces de conectar tanto en escuchas íntimas como en el directo. Su universo artístico se mueve entre lo orgánico y lo moderno: guitarras cálidas, armonías vocales envolventes y arreglos elegantes conviven con una estética sonora actual que refleja una clara ambición internacional.

Borja entiende el pop como un espacio narrativo donde emoción y producción caminan juntas, apostando siempre por melodías memorables y atmósferas que transmiten verdad. Cada lanzamiento confirma su compromiso con una identidad artística sólida y coherente, posicionándolo como un nombre emergente a seguir dentro de la nueva generación de pop en español.

“Encima de la Mesa” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de enamoramiento y luz que Borja ha sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes creen que el amor puede convertir lo ordinario en extraordinario.

El artista Vaza, afincado en Ucrania, continúa perfilando su característico sonido de dark R&B con el lanzamiento de “Fire” y “Hold On”, dos sencillos cargados de emoción que marcan un nuevo capítulo en su trayectoria artística y anticipan la llegada de su próximo álbum, “New Religion”. Ambos temas, ya disponibles en todas las plataformas digitales, sumergen al oyente en atmósferas densas, melodías sensuales y una producción cinematográfica que define a la perfección la identidad de un artista que entiende la música como un viaje a las profundidades del deseo y la transformación.

“Fire” se presenta como un tema seductor de combustión lenta, construido sobre una tensión emocional que atrapa desde los primeros compases. La canción habla de una atracción que resulta peligrosa e incontrolable, de ese deseo que quema y del que no siempre se puede escapar. La voz de Vaza, cargada de matices, se desliza sobre una base sonora hipnótica que envuelve al oyente y lo transporta a un territorio donde la pasión y el riesgo se confunden.

En contraste, “Hold On” revela una faceta más personal y emocional del artista. El tema se centra en la resiliencia, en la conexión con los demás y en la necesidad de aferrarse a la esperanza en momentos de incertidumbre. Una canción que, sin perder la intensidad característica de Vaza, apuesta por la vulnerabilidad como forma de fortaleza, demostrando que su propuesta abarca tanto las sombras más oscuras como los destellos de luz que las atraviesan.

Juntos, estos dos lanzamientos introducen la base conceptual de “New Religion”, el próximo álbum de Vaza, concebido como una narrativa oscura y cohesionada más que como una simple colección de canciones independientes. El proyecto representa una transformación tanto sonora como emocional, un espacio donde el amor, la tentación, la fe y el autodescubrimiento se entrelazan para construir un relato unitario que promete llevar al oyente a un viaje cinematográfico por las sombras.

El artista comenzó su camino musical escribiendo en ruso, pero posteriormente hizo la transición al inglés para alcanzar una audiencia internacional más amplia y poder expresar su visión sin barreras lingüísticas. Con un fuerte enfoque en la atmósfera, la narrativa y la identidad visual, Vaza se posiciona como un artista que valora la profundidad, el estado de ánimo y la coherencia artística por encima de las modas pasajeras.

“New Religion” ampliará este universo con ocho temas adicionales que prometen seguir explorando los territorios ya esbozados en estos primeros adelantos. Entre ellos, Vaza destaca algunos que prometen convertirse en piezas clave del proyecto. “Villain” se presenta como un tema agresivo y oscuro donde el artista abraza su lado más antiheroico: confianza fría, energía peligrosa y un sonido diseñado para las listas de reproducción nocturnas, con estribillos poderosos que golpean con fuerza. Por su parte, la canción que da título al álbum, “New Religion”, funciona como núcleo ideológico del proyecto: un himno atmosférico y sombrío sobre la fe, la tentación y la transformación interior, donde el amor y el dolor se convierten en una nueva forma de confesión.

La propuesta de Vaza bebe de influencias del R&B moderno y la estética pop contemporánea, pero las lleva a un territorio personal donde la vulnerabilidad y la confianza conviven en equilibrio. Su música, íntima pero poderosa, crea una experiencia auditiva que invita a la inmersión y a la repetición, descubriendo nuevos matices en cada escucha.

Gio del Barrio presenta “Raíz”, su nuevo sencillo y una pieza que nace desde el lugar más íntimo y personal que puede habitar un artista: la observación de sus propios hijos mientras juegan y sueñan. El tema, que surge de la pureza de esas miradas infantiles, se despliega como un regalo de un padre a sus hijos, una forma de acercarlos al mundo de la música y, con suerte, hacer que la amen tanto como él.

La canción tuvo un origen espontáneo y fresco. El riff de guitarra que la sustenta surgió mientras Gio improvisaba un día cualquiera, sin buscarlo, sin forzarlo. Esa naturalidad inicial se ha mantenido a lo largo de todo el tema, impregnando cada nota con la misma libertad con la que los niños juegan cuando nadie los observa. La letra, por su parte, nació directamente de la contemplación de sus hijos en movimiento, de esa capacidad que tienen para habitar mundos imaginarios con una entrega total.

“Raíz” es, en esencia, una canción sobre los orígenes, sobre aquello que nos sostiene y nos define incluso cuando crecemos y nos alejamos. La letra busca ser diferente, alejarse de los lugares comunes para conectar con una audiencia universal a través de la honestidad más básica. Habla de esa conexión fundamental que existe entre padres e hijos, de la transmisión de valores, de la música como herencia emocional.

El videoclip que acompaña al sencillo incorpora un elemento especialmente significativo: los hijos de Gio aparecen en su versión animada, preservando ese espíritu ligero y lleno de imaginación que inspiró la canción desde el principio. La decisión de animarlos responde al deseo de proteger su intimidad sin renunciar a hacerlos partícipes de un proyecto que, al fin y al cabo, está dedicado a ellos. Las imágenes animadas refuerzan esa atmósfera de sueño y fantasía que atraviesa todo el tema.

Gio del Barrio construye así una propuesta que trasciende lo meramente musical para convertirse en un testimonio vital. “Raíz” no es solo una canción; es un documento, una cápsula del tiempo que captura un momento de paternidad consciente y de amor en estado puro. Es la prueba de que la música puede ser muchas cosas a la vez: arte, juego, legado y, sobre todo, una forma de decir “te quiero” sin necesidad de usar esas palabras.

El artista se muestra disponible para proporcionar cualquier material adicional o detalle que pueda ser necesario, consciente de que esta canción, por su carácter tan personal, puede despertar el interés de quienes buscan en la música algo más que entretenimiento.

“Raíz” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de ternura y frescura que Gio del Barrio ha sabido capturar con la sensibilidad de quien observa a sus hijos jugar y entiende que ahí, en ese momento aparentemente trivial, está todo lo que realmente importa. Una canción para padres, para hijos y para todos aquellos que alguna vez han sido niños y recuerdan la magia de aquellos días.

Pk Project, el proyecto musical del productor Peter, presenta “Me Mulata”, el nuevo sencillo que forma parte de su cuarto álbum de estudio, un trabajo que reúne once emociones rastreadas alrededor del mundo. El disco, titulado “World Tracker”, se despliega como un viaje sonoro que atraviesa géneros y continentes, desde el dance y el house más potentes hasta atmósferas espaciales y vibraciones jazzy, invitando al oyente a perderse en el ritmo.

El álbum arranca con “World Tracker”, un tema que funciona como carta de presentación del sonido global que define el proyecto. Rápido y fluido, fusiona jazz y techno con una naturalidad sorprendente, demostrando que géneros aparentemente opuestos pueden encontrar un territorio común cuando la sensibilidad musical es la guía. La canción establece el tono de lo que está por venir: un recorrido sin fronteras donde cada pista ofrece una experiencia única.

“Stuck In A Dream” se adentra en territorios de R&B con vocación jazzy, una reflexión sonora sobre esos sueños que necesitan un empujón para hacerse realidad. “Heavy Load” cambia radicalmente de registro y se presenta como un gran tren de vapor en marcha, combinando disco, house y rock en una mezcla diseñada para mover el cuerpo sin remedio. La energía es arrolladora, la invitación al movimiento, irresistible.

El viaje continúa con “Aurora Says No”, otra incursión en el espacio exterior con un groove hipnótico, y “Brooklyn Techno”, un tema dance fresco que juega con la sonoridad del nombre más que con una referencia geográfica concreta. “Dogma Of The 80’s” aporta una capa de melancolía poderosa, combinando cuerdas clásicas con bases disco para evocar tiempos pasados con una mirada profundamente emocional.

“Low Gravity” propone un pequeño viaje al espacio, una pausa para días perezosos donde dejarse llevar. “Stranded In Jamaica” recupera la tradición del Steady-Rock jamaicano con vibras positivas que invitan a la celebración. Y “Song For Goska” emerge como uno de los momentos más personales del disco: dedicado a una mujer polaca enamorada del jazz, el tema es un homenaje en forma de melodía que captura la esencia de ese amor compartido por la música.

“Carried Away” transporta al oyente a un cielo azul y jazzy, mientras que “Condor's Groove” cierra el álbum con una propuesta fresca que combina vibraciones andinas con sensaciones relajadas de isla, un final perfecto para un viaje que ha recorrido el mundo sin moverse del estudio.

“Me Mulata”, el sencillo destacado, se inserta en este universo con personalidad propia, aunque la información disponible no detalla específicamente sus características. Lo que sí queda claro es que el álbum completo es una declaración de intenciones: Pk Project no se conforma con un solo género, sino que busca tender puentes entre tradiciones musicales diversas para crear algo nuevo.

Detrás de este proyecto está Peter, un músico que se define a sí mismo con una frase que resume toda una filosofía: “demasiado viejo para el rock'n'roll, pero demasiado joven para morir”. Amante de la batería, su verdadera vocación siempre fue ser productor musical. En 2016, cuando los ordenadores alcanzaron la potencia necesaria, decidió que era el momento de hacer realidad ese sueño. Así nació Pk Project.

El primer paso fue asegurar una identidad única, comprobando que los dominios pk-project.com y pk-project.de estuvieran disponibles. El primer año lo dedicó a familiarizarse con las herramientas digitales y a crear sus primeras canciones. Aunque tenía experiencia en grabación y mezcla analógica, el mundo digital le ofreció la posibilidad de crear música sin necesidad de grandes equipos técnicos, democratizando el proceso creativo y permitiéndole experimentar sin límites.

Como proyecto de estudio, Pk Project busca mezclar géneros como la electrónica y el dance con elementos de músicas latinas o africanas, incorporando instrumentos tradicionales y clásicos. El R&B y el funk también tienen un lugar destacado en esta propuesta que aspira a sonar como una banda real tocando con groove y profundidad. Todo ello, además, mezclado para ser escuchado en grandes altavoces, porque la música de Pk Project está pensada para sentirse en el cuerpo tanto como en el alma.

La artista española Caluu C. y el cantante dominicano J Capell presentan “QUIERO”, su nuevo sencillo y una propuesta vibrante cargada de ritmo que promete marcar un antes y un después en sus respectivas trayectorias. Producido por Kilo Beats, el tema se despliega como una fusión potente de sonidos urbanos actuales con una energía contagiosa que atrapa desde los primeros compases, destacando por su fuerza, frescura y una química artística que eleva esta colaboración a un nivel internacional.

La canción nace del encuentro entre dos mundos musicales que, aunque geográficamente distantes, encuentran un territorio común en la intensidad y la pasión por el género urbano. La voz de Caluu C., con su personalidad arrolladora y su carácter auténtico, se entrelaza con el flow versátil de J Capell, creando un diálogo sonoro que traspasa fronteras y conecta con una audiencia global. El estribillo, directo y pegadizo, se instala en la memoria desde la primera escucha, invitando a corear ese “QUIERO” que funciona como declaración de intenciones y como grito compartido.

J Capell ha logrado viralizar varias de sus canciones en países como Francia y Guinea, consolidándose como una figura clave dentro de la nueva ola urbana internacional. Su versatilidad y proyección global lo posicionan como uno de los talentos dominicanos con mayor impacto fuera de su país, capaz de adaptarse a distintos estilos sin perder la esencia que lo define. Su participación en “QUIERO” aporta una dimensión internacional que enriquece la propuesta y la sitúa en un mapa más amplio.

Por su parte, Caluu C. continúa demostrando por qué es una de las artistas españolas con mayor crecimiento dentro de la escena actual. Con éxitos que han logrado viralizarse y una presencia única que combina personalidad, carácter y autenticidad, la cantante sigue construyendo una identidad artística sólida y diferenciada. Esta colaboración ha sido interpretada como un movimiento estratégico y ambicioso que podría marcar un punto de inflexión en su carrera, abriéndole puertas más allá de nuestras fronteras y consolidando su nombre en el panorama internacional.

El videoclip de “QUIERO” fue rodado en Madrid y producido por Yourbercover, aportando una estética pasional, elegante y de gran calidad visual que refuerza la intensidad del tema. Las imágenes, cuidadosamente compuestas, funcionan como una extensión natural de la música, creando una experiencia inmersiva donde cada plano subraya la emoción que la letra transmite. La propuesta audiovisual acompaña perfectamente la fuerza emocional y rítmica de la canción, consolidando el lanzamiento como una apuesta integral y cuidada al detalle.

La producción de Kilo Beats merece una mención especial. El productor ha sabido construir una base sonora que sostiene el pulso del tema sin eclipsar nunca a las voces, permitiendo que la química entre los dos artistas fluya con naturalidad. Los graves contundentes, los sintetizadores envolventes y los ritmos bailables se combinan para crear una atmósfera que invita al movimiento y a la celebración.

Con “QUIERO”, Caluu C. y J Capell presentan una colaboración de alto impacto que combina talento, visión internacional y una producción sólida, reafirmando su lugar en la escena urbana actual. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa energía compartida que solo surge cuando dos artistas se encuentran en el momento justo y con la canción adecuada. Una apuesta que confirma que la música no entiende de fronteras y que, cuando la química funciona, el resultado puede ser explosivo.

El artista urbano Dalex presenta “Honguito”, su nuevo sencillo y una colaboración de alto calibre junto al reconocido cantante Farruko. El tema, que ya está disponible en todas las plataformas digitales, fusiona el reguetón con el R&B para dar como resultado un sonido moderno y envolvente que reafirma el estilo melódico y sensual que ha caracterizado al cantante dentro del género urbano. Este lanzamiento marca oficialmente el arranque de una nueva etapa en su carrera, ahora bajo el sello Serving Sounds, con el que apuesta por una evolución sonora más madura, competitiva e internacional.

La canción se despliega con un ritmo pegadizo que atrapa desde los primeros compases. La producción, cuidada y actual, envuelve la voz de Dalex en una atmósfera que respira sensualidad sin renunciar a la contundencia rítmica del reguetón. La colaboración con Farruko aporta una dimensión adicional al tema, sumando la experiencia y el flow de uno de los nombres más consolidados de la escena urbana internacional. Juntos construyen un diálogo vocal que fluye con naturalidad, demostrando la química artística que surge cuando dos talentos se encuentran en el estudio.

“Esta canción con Farruko es el arranque de algo muy grande”, ha expresado Dalex sobre este lanzamiento. Sus palabras reflejan la importancia que concede a esta colaboración, concebida como el primer paso de una nueva fase creativa que promete traer importantes novedades en los próximos meses. El artista ha preparado una serie de lanzamientos que incluyen colaboraciones con artistas de alcance internacional, tras un 2024 en el que trabajó junto a Justin Quiles, Sech, Lenny Tavárez y Dímelo Flow en el proyecto “The Academy: Segunda Misión”.

El estreno viene acompañado de un videoclip dirigido por Motta y grabado en las calles de Colombia. La estética visual, cuidada y vibrante, complementa a la perfección la energía seductora del tema, trasladando a imágenes esa mezcla de deseo y ritmo que atraviesa la canción. Las calles colombianas se convierten en el escenario perfecto para una historia de atracción y complicidad que refuerza el mensaje de la letra.

Pedro David Daleccio, conocido artísticamente como Dalex, es uno de los artistas latinos de música urbana y reguetón más influyentes y destacados de la actualidad. Su irrupción a nivel internacional llegó en 2018 con el éxito “Pa’ Mi” Remix junto a Rafa Pabón, un tema que alcanzó el puesto número 1 en el Global Viral 50 de Spotify en 17 países y el número 1 en el Top 100 de Apple Music en 4 países. La canción fue certificada 3x Platino por la RIAA y nombrada por Rolling Stone como una de las “Songs You Need to Know”. Poco después, Billboard lo reconocía como nuevo “Latin Artist on the Rise”.

En mayo de 2019, Dalex lanzó su primer álbum de estudio, “Climaxxx”, que permaneció durante 34 semanas consecutivas en la lista Latin Rhythm Albums de Billboard y fue nombrado por la revista Vibe como uno de los “Best Latinx Albums 2019”. El disco alcanzó la posición 13 en Billboard Top Latin Albums, consolidando su presencia en la escena global.

En 2021 presentó “Unisex”, un álbum que llegó al número 10 en Latin Rhythm Albums de Billboard y al número 14 en Latin Albums Chart. Además, alcanzó el número 2 en Top Albums Latin de iTunes y el número 7 en la lista general de Top Albums en todos los géneros, demostrando su capacidad para conectar con audiencias masivas sin perder su esencia.

En 2023, Dalex estrenó el EP “Reggaetón Sex”, continuando con su exploración de los sonidos urbanos y del reguetón. Y en 2024, como ya se ha mencionado, participó en “The Academy: Segunda Misión” junto a Justin Quiles, Sech, Lenny Tavárez y Dímelo Flow, un proyecto que consolidó aún más su estatus dentro de la escena musical latina.

Ahora, con “Honguito”, Dalex inicia una nueva etapa que promete llevar su carrera a cotas aún más altas. Bajo el paraguas de Serving Sounds, el artista se prepara para conquistar nuevos territorios y seguir demostrando por qué es considerado una de las voces más importantes del latin R&B contemporáneo.

“Honguito” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de sensualidad y ritmo que Dalex y Farruko han sabido construir con oficio y sensibilidad. Una canción para quienes entienden que la música urbana, cuando se hace bien, puede ser mucho más que un simple entretenimiento: puede ser también una declaración de intenciones.

Desde Bayamón, Puerto Rico, surge una de las nuevas voces que está comenzando a llamar la atención dentro del movimiento urbano. Yovng Manota, conocido como “La mano que más pesa”, es un artista boricua de apenas 20 años, criado entre Puerto Rico y Orlando, Florida, que está construyendo un sonido auténtico capaz de conectar con una generación que busca música real, sin filtros ni artificios. Con el lanzamiento de “Ojos Rojos”, su nuevo sencillo, el joven cantante da el pistoletazo de salida a una nueva etapa en su carrera, respaldado por el sello Gogo Music, y se posiciona como uno de los talentos a seguir dentro de la nueva ola urbana.

“Ojos Rojos” aborda ese amor que cuesta soltar, esas noches sin dormir en las que los recuerdos persisten y la atracción sigue viva aunque el orgullo diga lo contrario. La canción se sumerge en la complejidad de los sentimientos que se niegan a desaparecer, en esa mezcla de nostalgia y deseo que muchos han experimentado pero pocos expresan con tanta claridad. El coro, honesto y directo, captura a la perfección esa dualidad emocional, convirtiendo el tema en un himno para quienes han amado y sufrido a partes iguales.

La producción mantiene una atmósfera nocturna y sensual, con un sonido que fusiona el reguetón con matices de hip-hop, creando una vibra íntima pero intensa que envuelve al oyente y lo transporta a ese territorio donde la razón y el corazón pelean sin tregua. Cada elemento sonoro está cuidado al detalle para sostener la emoción que la letra transmite, logrando un equilibrio difícil entre la contundencia rítmica y la delicadeza de los sentimientos.

Yovng Manota comenzó a grabar a los 17 años desde su propio espacio, sin grandes recursos pero con una mentalidad clara y una disciplina constante. Su crecimiento ha sido orgánico, fruto del trabajo y la perseverancia. A los 18, sus temas empezaron a circular con fuerza en redes sociales gracias a su forma directa de escribir, su entrega emocional y esa autenticidad que rápidamente conectó con miles de jóvenes que se sintieron identificados con sus letras. Su estilo nace de influencias del reguetón clásico y el hip-hop de los 2000, pero logra llevarlo a un territorio propio, con un delivery limpio y una narrativa que convierte cada canción en una experiencia visual.

Su reciente firma con el sello disquero Gogo Music marca un antes y un después en su carrera. Esta alianza apuesta por el desarrollo estructurado de su propuesta y su proyección tanto dentro como fuera de Puerto Rico, brindándole las herramientas necesarias para que su talento pueda llegar más lejos sin perder la esencia que lo define.

El apodo de “La mano que más pesa” no es casualidad. Cada verso que escribe tiene intención, emoción y una carga real que se siente genuina. Yovng Manota no busca ser uno más dentro del movimiento; su objetivo es representar a su generación con honestidad, crear un sonido que perdure y construir una carrera sólida basada en identidad y consistencia. No le interesan las métricas vacías ni las tendencias pasajeras; prefiere ir paso a paso, construyendo sobre cimientos firmes.

Con “Ojos Rojos”, una propuesta emocional y una estructura profesional detrás de su desarrollo, Yovng Manota da un paso al frente y demuestra que tiene mucho que ofrecer. El tema ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de noches sin sueño y amores que pesan más de lo que deberían. Una canción para quienes entienden que, a veces, lo más difícil no es amar, sino aprender a soltar lo que ya no nos hace bien. La invitación es a seguirlo en sus redes como @yovngmanota y descubrir por qué su mano empieza a pesar en la escena urbana.

La cantautora costarricense Melany Cubero estrena “Invisible”, su segundo álbum de estudio, un trabajo conceptual de ocho canciones que explora todo aquello que no se ve pero nos sostiene. El disco, disponible desde el 20 de febrero de 2026, sumerge al oyente en una atmósfera envolvente que transita por los territorios del pop, el soul y el R&B, fusionando elementos electrónicos con interpretaciones vocales que oscilan entre la intimidad más delicada y la potencia más arrolladora.

El álbum se despliega como una invitación a la introspección, a mirar hacia dentro y reconocer esas fuerzas invisibles que nos mantienen en pie incluso cuando todo parece derrumbarse. Con una producción cuidada que privilegia los matices y las texturas sonoras, “Invisible” construye un universo propio donde lo etéreo y lo tangible se encuentran, donde la música se convierte en vehículo para explorar las emociones que no siempre encuentran palabras.

Con este lanzamiento, la artista fortalece su posicionamiento dentro de la nueva escena alternativa centroamericana, apostando por una identidad musical que incorpora mensajes más luminosos sin perder la profundidad que la caracteriza. La propuesta estética acompaña el concepto: una narrativa visual sutil y minimalista que remite a lo etéreo, creando una experiencia integral donde cada elemento —sonido, imagen, texto— dialoga en armonía.

La pasión innata de Melany Cubero por el arte la llevó por el camino de la música, convirtiéndose en cantante, compositora y productora de su propio concepto. Con una voz prodigiosa e imponente, letras profundas y melodías creativas, revela de manera misteriosa algunos de sus sentimientos más íntimos. Amante del soul y el R&B, ha dejado que sus canciones fluyan bajo el modelo de intérpretes y compositores brillantes como Mariah Carey, Fiona Apple, Amy Winehouse y otros referentes que han marcado su formación artística.

Su primer trabajo discográfico fue “Oscura Luz”, un LP de once canciones lanzado en 2016 que ya apuntaba las cualidades que desarrollarían más adelante. Le siguió “O.L.V.A. (Deluxe)”, un EP publicado en 2019 que recopilaba remixes y nuevas versiones de algunas de sus composiciones, mostrando una evolución en su sonido y una voluntad de experimentación que ahora encuentra su culminación en “Invisible”.

“Invisible” se presenta como una obra conceptual en el sentido más profundo del término. Las ocho canciones que lo componen están unidas por un hilo conductor temático y sonoro que las convierte en piezas de un mosaico mayor, pero cada una puede ser disfrutada también de manera independiente. La producción, cuidada al detalle, crea atmósferas que envuelven al oyente y lo transportan a ese espacio interior donde las certezas se desdibujan y las preguntas más importantes encuentran eco.

Con este álbum, Melany Cubero se posiciona como una artista con proyección regional, capaz de construir universos estéticos propios y de conectar con una audiencia que valora la autenticidad, la introspección y la innovación sonora. “Invisible” se convierte así en una obra adaptable a playlists de pop alternativo, electrónica indie y propuestas femeninas emergentes en Latinoamérica, demostrando que la música centroamericana tiene mucho que decir en el panorama contemporáneo.

El disco ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese viaje hacia lo invisible que Melany Cubero ha construido con sensibilidad y oficio. Una obra para quienes entienden que lo más importante, a menudo, no se ve.

El pasado 19 de febrero, Natalia Lacunza recaló en Paral·lel 62, la sala anteriormente conocida como BARTS, en la que fue la quinta parada de su actual gira de salas, iniciada el 15 de enero en la Sala Capitol de Santiago de Compostela. La cita, además, formaba parte del Banco Mediolanum Festival Mil·lenni, consolidando la noche como uno de los eventos destacados del ciclo barcelonés. A sus lados, como ya es costumbre, estuvieron Teresa Gutiérrez, más conocida artísticamente como Ganges, a los teclados y Paula Ruiz, alias Paula Mira, al bajo. Las tres colaboran de forma estable desde 2020 y se han convertido en una pieza clave para trasladar al escenario la identidad sonora de sus canciones.

Desde el primer minuto quedó claro que no sería un concierto al uso. Sin largas pausas ni discursos extensos salvo un brindis con el público, la cantante apostó por un formato muy directo: canción tras canción, sin apenas tregua, dejando que la música fuese el verdadero canal de comunicación con el público que llenaba su teléfono móvil de manera constante con clips de canciones de la artista. El repertorio arrancó con un claro protagonismo de su último trabajo, N2STAL5IA, cuyos temas fueron desgranándose con intensidad, marcando el pulso inicial del concierto.

A medida que avanzaba el concierto, Natalia Lacunza fue equilibrando el setlist con canciones más reconocidas de etapas anteriores, logrando que la sala coreara con la misma fuerza tanto lo nuevo como lo ya consolidado. La estructura del show estuvo medida al detalle: un arranque directo, seguido de tramos más calmados que permitieron bajar revoluciones pero sin perder atención. Fue en ese tramo medio donde se produjo uno de los momentos de mayor conexión emocional, con la interpretación de Otro culito, coreada con complicidad por un público entregado, si bien canciones como Cuestión de suerte son temas que siempre hacen animar al público. 

La recta final llegó por todo lo alto cuando sonó PREFIERO, tema para el que Natalia Lacunza invitó al escenario a María Escarmiento. La aparición desató la euforia colectiva: la pista, completamente llena, estalló en saltos y gritos, todos los móviles se alzaron al aire en función grabado, convirtiendo el cierre en una auténtica celebración compartida que recordar.

Lo que quedó patente es que Natalia Lacunza ha encontrado una fórmula sólida y que funciona sobre el escenario, y que Barcelona es lugar de éxito para ella. La cantante combina distintos ritmos y tempos, jugando con la brevedad característica de las canciones actuales, sin renunciar a espacios donde desplegar matices vocales, íntimos y emocionales pero con letras juveniles y cercanas. Mantener la atención constante de un público mayoritariamente joven no es tarea sencilla, pero la artista demuestra dominar ese equilibrio entre inmediatez y construcción de atmósferas. En Paral·lel 62, volvió a confirmarlo.

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

La agrupación musical Zircon Skyeband anuncia el lanzamiento a nivel mundial de su nuevo EP, “Catch A Falling Star”, ya disponible en todas las principales plataformas de streaming. Este trabajo de cinco canciones, publicado el pasado 31 de enero de 2026, sumerge al oyente en paisajes sonoros cautivadores donde las voces vibrantes, las melodías de trompeta y los impresionantes riffs de guitarra se combinan para crear una atmósfera de calidez y alegría contagiosa.

El EP se despliega como un viaje musical que demuestra la notable habilidad de la banda para infundir pasión y destreza en cada interpretación. Desde la pista que da título al trabajo, “Catch A Falling Star”, irradia una calidez juguetona que invita a cantar a pleno pulmón. Las voces principales hipnotizan mientras los coros brillan en un intercambio lúdico con el ritmo, creando una experiencia musical irresistible que atrapa desde la primera escucha.

Uno de los momentos más destacados del EP es su versión de “Careless Whisper”, el clásico originalmente lanzado por Wham! (George Michael y Andrew Ridgeley). La reinterpretación de Zircon Skyeband brilla con creatividad y presenta algunos giros sonoros inesperados, junto a una sección final adicional que resulta puro deleite. Una muestra de cómo la banda consigue honrar el original mientras imprime su sello personal, convirtiendo el tema en algo fresco y sorprendente.

Pero no todo son versiones. Zircon Skyeband también está construyendo un legado significativo con sus composiciones originales, como demuestra “Rather Walk Beside You”. Este tema presenta su característico sonido despojado pero elegante, rebosante de emoción genuina, un estilo inconfundible y una narrativa lírica auténtica que bebe directamente de la vida real. Una canción que funciona como declaración de principios y como ejemplo de hacia dónde quiere ir la banda.

El tema “I Saw the Light” se erige como otro de los momentos cumbre del EP. Un experto de la industria lo resumió a la perfección: “Con sus melodías soñadoras, expresión sincera y una producción brillante, 'I Saw The Light' es un retrato profundo de la revelación del amor que permanece en el oyente mucho después de que la última nota ha sonado”. Una descripción que captura la esencia de una canción que trasciende lo meramente auditivo para convertirse en experiencia emocional.

La versión de “Cut Across Shorty” demuestra la versatilidad de la banda y su capacidad para atraer a oyentes de todo el mundo con un clásico querido, maravillosamente reimaginado. Una muestra más de cómo Zircon Skyeband está creando su propio espacio dentro del universo musical con sus reinterpretaciones imaginativas de temas conocidos, cada una imbuida de su atractivo único.

Zircon Skyeband está generando un impacto creciente en la escena musical, dejando una huella duradera con sus melodías hipnóticas, armonías brillantes, letras sinceras y ritmos innovadores. Su presencia se extiende también al ámbito visual, con una creciente base de seguidores en YouTube gracias a sus creativos videoclips. Con el lanzamiento del video para “Catch A Falling Star”, la banda completa ahora una impresionante lista de trece vídeos, una colección que convierte a oyentes ocasionales en seguidores devotos, fotograma a fotograma.

Las entrañables historias que construyen en cada entrega visual refuerzan la conexión con un público que valora la autenticidad y el cuidado artesanal. Una forma de entender la música como experiencia integral, donde el sonido y la imagen dialogan en igualdad de condiciones.

“Catch A Falling Star” ya está disponible para streaming en Spotify, Apple Music, Amazon Music, YouTube y todas las plataformas donde los amantes de la música deseen descubrirlo. Una invitación a dejarse llevar por las vibrantes texturas sonoras de una banda que demuestra, tema tras tema, que su capacidad para crear aventuras musicales inolvidables es verdaderamente mágica. Los interesados en mantenerse conectados con todas las novedades de Zircon Skyeband pueden seguirles en Facebook para acceder a avances exclusivos y ser los primeros en escuchar la inspiración que está por venir.

AKIBA' LKIMISTE, el proyecto del artista independiente originario de Valencia, España, presenta “DU ROCK DU SEXE”, su nuevo sencillo y una propuesta que abraza una energía mucho más cruda y directa de lo que nos tenía acostumbrados. El tema, lanzado bajo la denominación CUAL by AKIBA'LKIMISTE, refuerza la imagen de un creador que no teme mezclar idiomas, conceptos provocativos y actitud transgresora, manteniéndose fiel a su filosofía de independencia creativa absoluta.

La canción se despliega como un estallido de autenticidad. Tal y como su título anticipa, “DU ROCK DU SEXE” apuesta por una energía rockera y sin concesiones, alejándose de los territorios más melódicos y emocionales que el artista ha explorado en otras entregas como “Reviens”. Aquí hay una actitud diferente, más desafiante, más física, que conecta con la esencia más primaria del rock y lo fusiona con esa identidad personal que atraviesa toda su obra.

AKIBA' LKIMISTE se define como autor, compositor e intérprete, y su propuesta musical es difícil de encasillar en un solo género. Se mueve con comodidad entre el latin pop y el rock oriental, construyendo un universo sonoro propio que bebe de múltiples influencias pero suena a algo nuevo. Sus letras, principalmente en francés a pesar de sus raíces españolas, aportan una capa adicional de originalidad a una propuesta que ya de por sí desafía cualquier intento de clasificación sencilla.

Detrás de este proyecto hay un artista totalmente autodidacta que gestiona él mismo todo su proceso creativo, desde la composición hasta la producción. Esa independencia radical le otorga una libertad poco común en la escena actual: la de seguir sus impulsos sin tener que rendir cuentas a nadie, la de explorar territorios arriesgados sin miedo al fracaso comercial. “DU ROCK DU SEXE” es precisamente eso: una canción que nace desde el impulso, desde la necesidad de expresar algo que no admite medias tintas.

El artista utiliza la denominación CUAL by AKIBA'LKIMISTE para ciertos lanzamientos o directos, una suerte de sello personal que distingue sus propuestas más experimentales o transgresoras. Este single se enmarca dentro de esa línea, mostrando una faceta más descarnada de un creador que ya había dado muestras de su versatilidad en otras entregas.

Si “UN” funcionaba como una declaración de identidad y un homenaje a su vínculo vital con la música, y “Reviens” exploraba ese rock oriental con matices de pop latino, “DU ROCK DU SEXE” viene a completar el retrato de un artista poliédrico que no se conforma con repetir fórmulas. Su versión en vivo de “Phœnix” ya había mostrado su capacidad interpretativa sobre el escenario, pero este nuevo tema apunta más alto: quiere ser un puñetazo sobre la mesa, una afirmación de presencia.

AKIBA' LKIMISTE está construyendo su base de seguidores desde la honestidad y la autogestión, un camino lento pero sólido que le otorga un aire muy auténtico en la escena actual. En un mundo donde a menudo se prioriza la estrategia sobre la verdad, su propuesta resuena con quienes buscan algo diferente, algo que no suene a prefabricado.

La banda malagueña Efecto Mariposa presenta “Querencia”, una de las canciones incluidas en su álbum “40:04” editado en 2009, que ahora recupera en una nueva versión con la colaboración de Shuarma, vocalista de Elefantes. Este lanzamiento no solo supone un reencuentro artístico entre dos de las voces más emblemáticas del pop español, sino que también funciona como aperitivo de lo que será la celebración de sus 219.000 horas de vuelo, el próximo disco conmemorativo de sus 25 años de trayectoria que verá la luz en abril.

“Querencia” está dedicada a esa persona en la que siempre encontramos consuelo, esa que incondicionalmente está a tu lado, sobre todo cuando más necesitamos sanarnos, pero también con la que deseas compartir los momentos bonitos. La canción, que originalmente formaba parte del repertorio del grupo, adquiere en esta nueva versión una dimensión especial gracias al encuentro de dos sensibilidades que comparten una misma forma de entender la música como vehículo de emociones.

No es la primera vez que ambas voces se cruzan. Ya lo hicieron en “Problema existencial” no hace tanto tiempo, y ha sido maravilloso que Shuarma haya querido estar de nuevo con ellos, esta vez celebrando las 219.000 horas de vuelo. La banda confiesa sentir admiración total por Elefantes y por Shuarma por la forma que tiene de emocionar con su voz y personalidad interpretando, además de ser preciosa la amistad que siguen forjando a día de hoy gracias a la música.

Por su parte, Shuarma cuenta cómo ha sido la colaboración en “Querencia”: “Hace un tiempo me llamaron mis amigos de Efecto Mariposa para pedirme si quería colaborar con ellos en la canción, cosa que me hizo mucha ilusión. A mí me gustan mucho sus canciones; creo que tienen canciones de pop, no sé, sencillamente perfectas, melodías maravillosas. Y, además, los aprecio personalmente muchísimo”. Sus palabras reflejan la naturalidad con la que surge este encuentro, fruto del respeto mutuo y de una amistad que la música ha ido consolidando con los años.

Este lanzamiento anticipa la llegada de “219.000 Horas de Vuelo”, el nuevo disco con el que Efecto Mariposa celebrará sus 25 años de carrera. El álbum verá la luz en el mes de abril y promete reunir canciones emocionantes y emocionales que ya forman parte del imaginario colectivo de nuestro país, que exhiben esa característica fragilidad que sabiamente compatibilizan con un músculo sonoro lleno de unos estribillos coloristas que refuerzan su grandeza.

Efecto Mariposa es, sin duda, uno de los principales exponentes del pop adulto, fresco, inteligente y de impecable factura. Sus singles cuentan con más de 15 millones de reproducciones en las principales plataformas digitales y sus videos superan el millón de visitas, haciendo evidente que la banda es un referente del pop en lengua castellana cuya música trasciende fronteras.

La celebración tendrá su momento culminante en directo. El próximo 22 de mayo, Efecto Mariposa presentará “219.000 Horas de Vuelo” en La Sala del Movistar Arena de Madrid, un concierto que promete repasar lo mejor de su trayectoria y celebrar un cuarto de siglo de música compartida. Las entradas ya están disponibles para este evento que se perfila como una cita ineludible para los amantes del pop de calidad.

Además de esta fecha, la gira de aniversario llevará a la banda por distintos puntos de la geografía española. El 11 de enero estarán en Palencia, el 6 de febrero en el Invernia Fest de Pontevedra, el 14 de marzo en Puerto Llano, el 4 de abril en el Festival de Jávea (Alicante), y el 22 de mayo en Madrid. Una extensa serie de conciertos que acercará su música a los seguidores de toda España.

“Querencia” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de consuelo y complicidad que Efecto Mariposa y Shuarma han sabido construir. Una canción para quienes entienden que la música, cuando es auténtica, puede ser el mejor refugio en los momentos difíciles y la mejor compañía en los días felices.