El productor y compositor británico Danny L Harle estrena su nuevo single “Raft In The Sea” con la participación de la aclamada cantante y compositora Julia Michaels. La canción es el más reciente adelanto de su esperado álbum debut, Cerulean, que verá la luz el 13 de febrero de 2026 a través de XL Recordings.

Considerada una de las piezas centrales del disco, “Raft In The Sea” muestra una faceta distinta de Harle, alejándose de su característico maximalismo sonoro para sumergirse en una devastación silenciosa cargada de belleza frágil y eufórica. Construida sobre sintetizadores expansivos, armonías de combustión lenta y una marcada sensación de espacio abierto, la canción sitúa la voz de Michaels en primer plano, en su versión más cruda y melancólica. La interpretación transita entre la intimidad y la inmensidad, entre la soledad y la rendición emocional.

Sobre la colaboración, Harle ha explicado que se sintió profundamente honrado de trabajar con Michaels, a quien conoció inicialmente durante una sesión con Dua Lipa. Según el productor, quedó impactado al escucharla cantar una idea en el estudio y percibió en su voz una crudeza que no había sido explorada del todo en su propio repertorio. Con una intención similar a la que tuvo al trabajar con MNEK, Harle buscó resaltar esa melancolía y vulnerabilidad vocal. “Mientras hacíamos esta canción, le pregunté: ‘¿Puedes simplemente estar triste?’ Y ella respondió: ‘Por ti, Danny, sí.’ Su interpretación es simplemente increíble”, afirmó.

“Raft In The Sea” encarna el propósito artístico que atraviesa las 13 canciones de Cerulean: encontrar una verdad emocional y descubrir colores desconocidos en voces que el público cree conocer bien. Aunque Harle lanzó en 2021 el proyecto inmersivo Harlecore, el productor considera Cerulean como su verdadero debut de larga duración. “Este es mi álbum debut. De verdad lo es. Es el grande”, ha declarado, subrayando la magnitud personal y artística del proyecto.

El álbum se presenta como un viaje hacia paisajes sonoros vastos y ajenos, donde bajos demoledores y sintetizadores trance eufóricos conviven con armonías clásicas, diseño sonoro táctil y grabaciones de campo realizadas por el propio Harle, incluyendo el sonido de las olas rompiendo en la orilla. Inspirado por la película Stalker de Andrei Tarkovsky, el disco habita, según su creador, en el umbral entre los sueños y la realidad, persiguiendo una euforia melancólica que resulta megalofóbica en escala pero profundamente humana en esencia.

En su búsqueda de “las mejores melodías cantadas por las mejores voces”, Harle ha reunido un elenco de colaboradores que incluye a Caroline Polachek, Clairo, PinkPantheress, Oklou, además de la propia Julia Michaels y MNEK, junto a nuevas voces como kacha y aportaciones de sus hijas. Estas interpretaciones se desarrollan en un universo moldeado por influencias que van desde la cultura rave hedonista y la saga de videojuegos Dark Souls, hasta la ópera minimalista Einstein on the Beach de Philip Glass, así como compositores del Renacimiento y la era isabelina como Claudio Monteverdi, Thomas Tallis y William Byrd.

Nacido en el norte de Londres, Harle creció expuesto tanto a la composición de vanguardia como al pop de listas de éxitos, una dualidad que ha definido su lenguaje musical. Surgido del colectivo PC Music con el single “Broken Flowers” en 2013, se ha consolidado como uno de los productores más audaces del pop contemporáneo. A lo largo de su carrera ha trabajado con artistas como Charli XCX, Carly Rae Jepsen, FKA twigs, Florence + The Machine y Shygirl, además de ejercer como productor ejecutivo junto a Caroline Polachek en Pang y recibir una nominación al GRAMMY por su trabajo en Desire, I Want to Turn Into You.

“Raft In The Sea” continúa el camino trazado por los sencillos previamente publicados de Cerulean, como “Starlight (feat. PinkPantheress)”, “Azimuth (feat. Caroline Polachek)” y “Crystallise My Tears (feat. Oklou & MNEK)”, así como por los proyectos extendidos Starlight Divergence y Azimuth Divergence, en los que Torus y Rachika Nayar reinterpretaron su material para transformarlo en nuevas dimensiones sonoras. Con este lanzamiento, Danny L Harle reafirma que Cerulean no solo es su debut oficial, sino también su declaración artística más ambiciosa y emocional hasta la fecha.

Lucía de la Puerta se ha convertido en una de las artistas más polifacéticas y virales de la escena actual en España. Aunque muchos la descubrieron inicialmente a través de las redes sociales, su trayectoria ha demostrado que su talento va mucho más allá del universo digital. Cantante, actriz y médica de formación, Lucía representa a una generación que no entiende de etiquetas cerradas y que apuesta por la autenticidad como bandera.

Nacida en Bilbao en 1999, su perfil rompe moldes desde el primer momento. Antes de dedicarse de lleno al arte, destacó en el tenis de competición, una disciplina que le aportó constancia y disciplina. Siguiendo el consejo de sus padres, estudió Medicina, compaginando exámenes, prácticas y guardias con directos en redes sociales donde compartía canciones, pensamientos y fragmentos de su día a día. Sin embargo, la interpretación y la música siempre fueron su verdadera vocación, una llamada constante que terminó marcando el rumbo definitivo de su carrera.

En el ámbito audiovisual, ha participado en proyectos como la serie Skam España y la película A través de mi ventana, ampliando su perfil artístico y demostrando su versatilidad frente a las cámaras. Esta presencia en cine y televisión ha reforzado su conexión con el público joven, que la reconoce como una figura cercana y honesta.

Más allá de los focos, Lucía se ha consolidado como una voz relevante para la generación Z y el colectivo LGTBIQ+. Su forma directa de hablar sobre emociones, identidad, relaciones y vulnerabilidad la ha convertido en un referente que trasciende la música. Comparte sus luces y sombras sin filtros, generando una comunidad que encuentra en sus palabras un espejo donde verse reflejada.

En el plano musical, “Algo me falta” es uno de los temas que mejor encapsula su esencia. La canción profundiza en esa sensación de vacío que puede aparecer incluso cuando aparentemente todo está en orden. Con una letra íntima y confesional, aborda la nostalgia, el desamor y la búsqueda constante de identidad, convirtiendo la vulnerabilidad en una fortaleza creativa. El tema se integra dentro del universo que ha ido construyendo con sencillos como “Si no te cuida”, “Aire” o “Rencor”, piezas que desembocaron en su primer álbum de estudio, A lo callao, publicado en 2025.

Su sonido combina pop urbano, R&B y sutiles toques electrónicos, siempre con una prioridad clara: que la letra sea la protagonista. Cada canción funciona como un fragmento de diario abierto, donde el amor, el deseo, la rabia y la fragilidad conviven sin artificios. “Mi música es un reflejo de mis emociones. Hablo de amor, desamor, deseo, rabia… pero también de vulnerabilidad”, afirma la propia artista, subrayando esa coherencia entre vida y obra que la distingue.

A diferencia de otros perfiles surgidos en redes, Lucía ha sabido realizar una transición sólida hacia la industria musical. Pasó de cantar en directo desde su habitación mientras estudiaba Medicina a subirse a escenarios multitudinarios como el del Coca Cola Music Experience, consolidándose como una artista respetada y con identidad propia. Su crecimiento no ha sido fruto de una estrategia puntual, sino de un trabajo constante y una conexión real con su audiencia.

Hoy, Lucía de la Puerta no es solo un fenómeno viral, sino una creadora completa que ha construido un universo honesto y emocionalmente potente. Con “Algo me falta” y el recorrido que culmina en A lo callao, reafirma su capacidad para transformar experiencias personales en canciones que dialogan con toda una generación, demostrando que la autenticidad sigue siendo el mayor motor del éxito artístico.

Con solo 20 años, Clara Lema demuestra que las vivencias más intensas pueden transformarse en canciones capaces de marcar a toda una generación. Su nuevo single, “Erasmus”, es una fotografía emocional de los cuatro meses que cambiaron su vida para siempre: su estancia en Irlanda entre septiembre y diciembre de 2025, concretamente en Cork, una experiencia que la hizo crecer como artista y, sobre todo, como persona.

Durante ese periodo lejos de casa, Clara no solo compuso más que nunca, sino que aprendió a ser independiente, a buscarse la vida sola y a valorar profundamente las amistades que nacen cuando uno está fuera de su zona de confort. Aquellos vínculos, forjados entre planes improvisados, conversaciones eternas y despedidas anticipadas, se le han quedado grabados en el alma. A día de hoy mantiene amigos allí, algo que, según ella misma reconoce, demuestra lo auténtico y transformador que fue todo lo vivido.

De esa intensidad nace “Erasmus”, una canción que encapsula la nostalgia incluso antes de que la etapa terminara, el vértigo de saber que algo irrepetible está sucediendo y la música que acompañó cada momento. En esa banda sonora sentimental ocupó un lugar especial Carolina Durante, cuyas canciones se convirtieron en el telón de fondo de aquellos meses. Clara no esconde que, en algún momento de su carrera, le encantaría colaborar con ellos. También estuvieron muy presentes Fontaines D.C., conectando de manera natural con el espíritu irlandés que la rodeaba en Cork.

El título del tema tiene un significado muy concreto y simbólico. “+353” es el prefijo internacional de Irlanda, una manera sencilla pero cargada de emoción de resumir todo lo que representó esa etapa. Aunque el single se presenta oficialmente como “Erasmus”, ese guiño numérico condensa en tres cifras recuerdos, amistades y aprendizajes que marcaron un antes y un después en su vida.

Antes incluso de su lanzamiento oficial, Clara compartió un vídeo promocional en TikTok que terminó haciéndose viral. Lo que más le emociona es ver a otros jóvenes utilizar el audio con sus propios vídeos de Erasmus, convirtiendo la canción en una especie de himno colectivo. “Muchas veces no nos damos cuenta de lo intenso y especial que es vivir algo así hasta que pasa”, reconoce. Para ella, Irlanda ya forma parte de su identidad, y sus amigos no dudan en llamar a la canción “nuestro himno”.

Musicalmente, “Erasmus” es probablemente su tema más rockero hasta la fecha, pero también el más personal y el que más le toca la fibra. Clara, nacida el 26 de diciembre de 2004, comenzó su relación con la música desde muy pequeña, formándose en violín y piano, dos instrumentos que han sido fundamentales para desarrollar su sensibilidad artística. Esa base clásica se combina ahora con una energía joven y directa que encuentra en el pop rock su principal territorio, aunque promete explorar nuevos sonidos y géneros en el futuro.

En diciembre de 2024 dio el primer paso profesional con el lanzamiento de “SATURNO”, marcando el inicio de una etapa en la que dejó claro que venía dispuesta a romper moldes. Ahora, con “Erasmus”, reafirma su identidad artística y demuestra que es capaz de transformar una vivencia íntima en un relato universal.

Clara Lema viene a dar guerra, a emocionar y a dejar huella. Con una energía arrolladora, una honestidad desarmante y una historia que ya conecta con miles de jóvenes, esta artista madrileña está lista para consolidarse como una de las nuevas voces imprescindibles del panorama musical actual.

La artista francesa independiente Julie Rosali presenta “Libre”, un proyecto de 11 canciones que consolida su identidad como autora, compositora e intérprete en la encrucijada entre la chanson française, la pop emocional y las influencias latinas. Con una propuesta honesta y profundamente encarnada, la artista reafirma su compromiso con una música donde la voz y el texto ocupan un lugar central, sin renunciar a la riqueza de los matices sonoros y a los contrastes emocionales.

Julie Rosali construye su universo artístico desde la intimidad. Sus canciones, cargadas de sensibilidad, exploran la vulnerabilidad, la duda y la memoria afectiva, pero también el deseo, la afirmación y el renacer. “Libre” no es solo un conjunto de temas, sino un recorrido conceptual dividido en dos universos claramente definidos, tanto en lo visual como en lo emocional y musical.

El primero de ellos, el universo íntimo, se sumerge en una atmósfera introspectiva, melancólica y depurada. Aquí predominan las baladas y los tempos lentos o medios, con una clara raíz en la canción francesa. La instrumentación apuesta por arreglos sobrios donde el piano y la guitarra acústica acompañan una voz que se sitúa en primer plano, desnuda y expresiva. Este espacio representa el repliegue hacia el interior, los momentos de fragilidad, la ruptura y la soledad. Es el lugar donde la artista se muestra sin artificios, permitiendo que la palabra y la emoción respiren con libertad.

En contraste, el universo solar abre la puerta a la luz, al movimiento y a la vitalidad. Con una energía vibrante y encarnada, esta faceta del álbum se adentra en una pop con influencias latinas marcadas, interpretada tanto en francés como en español. Los ritmos se vuelven más presentes, el groove cobra protagonismo y la calidez melódica invita al cuerpo a acompañar lo que la voz expresa. Inspiraciones de bachata y reggaetón se integran de forma sutil y personal en el universo pop de Julie Rosali, aportando frescura sin perder coherencia artística.

Este segundo universo simboliza la danza, la libertad y la ligereza después de la tormenta emocional. Es la afirmación de una mujer que transforma la herida en impulso creativo y que encuentra en la mezcla cultural una forma de expansión. La dualidad entre lo íntimo y lo solar no se plantea como una oposición, sino como dos caras complementarias de una misma identidad artística.

Con “Libre”, Julie Rosali reafirma su lugar dentro de una nueva generación de artistas independientes que apuestan por propuestas auténticas y transversales, capaces de dialogar con la tradición de la canción francesa mientras se abren a sonidos contemporáneos y a influencias internacionales. El resultado es un trabajo coherente, sensible y luminoso que invita al oyente a atravesar la vulnerabilidad para alcanzar la libertad.

“Libre” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Julie Rosali, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La joven artista jerezana Pilu, afincada en Sevilla, presenta “Oxígeno falso”, un trabajo que marca un antes y un después en su trayectoria y que se erige como el retrato honesto de un proceso vital. Más que un simple conjunto de canciones, este primer EP se construye como una declaración generacional sobre la necesidad de desvincularse de lo impuesto, aprender a poner límites y encontrar un lugar propio desde el que crecer.

Desde niña, la música fue para Pilu una forma de entender el mundo. La creación se convirtió en refugio e impulso, aunque durante mucho tiempo permaneció en silencio, casi como un secreto que debía ocultar porque no era lo que se esperaba de ella. Ese conflicto interno atraviesa el concepto de “Oxígeno falso”, un título que simboliza ese aire que se respira por inercia, por presión o por miedo, hasta que se toma la decisión de dejar de hacerlo.

La evolución define su camino artístico, pero no como una transformación hacia lo novedoso o lo impuesto, sino como un regreso consciente hacia su esencia más pura. Pilu abraza su acento, los ritmos y compases de su tierra, el desparpajo y la naturalidad andaluza, todo ello sin recurrir al flamenco como etiqueta. Su propuesta se nutre de la identidad del sur sin caer en clichés, integrando ese pulso en una estructura contemporánea.

El EP, compuesto por seis canciones, no funciona como una simple recopilación de singles, sino como un relato cohesionado. Cada tema forma parte de un proceso: el momento en el que una joven artista decide frenar, escucharse y dejar de respirar un aire que ya no le pertenece. En sus letras hay claridad, sensibilidad y una mirada generacional que conecta con quienes también sienten la presión de encajar en moldes ajenos.

Musicalmente, “Oxígeno falso” mezcla canción de autora contemporánea con guitarras acústicas, españolas y eléctricas, bajos distorsionados, sintetizadores y beats que mantienen un sutil pero firme pulso andaluz. Esa combinación crea una atmósfera donde tradición e intimidad dialogan con texturas modernas, abriendo una grieta por la que comienza a emerger una identidad sonora propia dentro de la música española.

“Para mí innovar es volver a eso que siempre he sido y no he sabido ver”, afirma Pilu, dejando claro que su concepto de innovación no pasa por seguir tendencias, sino por reconocerse y mostrarse sin filtros. Esa filosofía atraviesa todo el proyecto y convierte el EP en una obra coherente y valiente.

Con “Oxígeno falso”, Pilu no solo presenta su carta de presentación discográfica, sino que inaugura una etapa en la que la autenticidad es el eje central. Un trabajo que respira verdad y que invita a quienes la escuchan a preguntarse qué aire están respirando y si realmente les pertenece.

“Oxígeno falso” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Pilu, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista y productor independiente CARRØ.m lanza su nuevo single “The Monsters Are My Friends”, una explosión de energía dance-pop que transforma la clásica narrativa de Halloween en un mensaje positivo de conexión, confianza y celebración de lo diferente. Con una propuesta electrónica vibrante y accesible, el tema ya se perfila como una apuesta ideal tanto para playlists temáticas como para sonar durante todo el año.

Lejos de recurrir al miedo como elemento central, la canción le da la vuelta al imaginario tradicional de Halloween. En lugar de presentar fantasmas, alienígenas o esqueletos como amenazas, los convierte en compañeros amigables, cómplices de diversión y símbolos de aceptación. “The Monsters Are My Friends” plantea una idea simple pero universal: aquello que nos hace distintos no nos separa, sino que puede convertirse en el puente que nos conecta con los demás.

Musicalmente, el single se apoya en un groove contagioso, sintetizadores brillantes y un ritmo constante diseñado para mantener la energía en lo más alto de principio a fin. Desde los primeros segundos, la producción invita a moverse, sonreír y dejarse llevar por una atmósfera festiva que combina espíritu lúdico y mensaje empoderador. La estructura dinámica y el pulso electrónico refuerzan su carácter pegadizo, convirtiéndolo en un tema pensado para la pista de baile y para liberar tensiones.

El concepto detrás de la canción también tiene una lectura más profunda. Al abrazar la figura del “monstruo” como algo positivo, CARRØ.m sugiere que las inseguridades, rarezas o particularidades personales pueden ser fuente de orgullo y fortaleza. En este sentido, el single no solo funciona como una pieza festiva, sino como una invitación a aceptar la propia identidad sin miedo ni prejuicios.

Aunque su estética encaja perfectamente en listas de reproducción de Halloween, su tono optimista y su energía luminosa le otorgan una vida más allá de la temporada. “The Monsters Are My Friends” se presenta como un recordatorio atemporal de que sentirse diferente no significa estar solo, y que la autenticidad puede ser motivo de celebración.

CARRØ.m, activo en la música desde principios de los años 2000, ha construido su trayectoria como artista y productor independiente apostando por temáticas universales, accesibilidad emocional y producciones electrónicas bailables. Su enfoque creativo busca conectar de forma directa con el oyente, priorizando melodías memorables y una energía que invite al movimiento.

Con este nuevo lanzamiento, el artista reafirma su capacidad para combinar entretenimiento y mensaje en una fórmula fresca y efectiva, demostrando que incluso los “monstruos” pueden convertirse en los mejores aliados cuando se trata de celebrar quiénes somos.

“The Monsters Are My Friends” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

El artista independiente Edward69Bomb presenta su nuevo single “Neo Christian”, una propuesta intensa y provocadora que ya se encuentra disponible en plataformas como SoundCloud, YouTube y otros servicios de streaming. Con este lanzamiento, el creador afincado en Nueva Orleans da un paso firme dentro de su evolución artística, consolidando una identidad que combina emoción cruda, producción de alta energía y una visión creativa sin concesiones.

“Neo Christian” se posiciona como una de las entregas más contundentes de su catálogo. El tema mezcla letras introspectivas con una producción vibrante para abordar cuestiones como la transformación espiritual, la fe en la era moderna y el renacimiento personal en un mundo marcado por el caos y la velocidad del cambio. La canción no se limita a una reflexión religiosa tradicional, sino que propone una reinterpretación contemporánea del concepto de fe.

“‘Neo Christian’ trata de redefinir lo que significa la fe en el caos actual”, explica Edward69Bomb. “No se trata de viejos dogmas, sino de una conexión renovada y personal con algo superior, despojada de pretensiones y reconstruida desde cero. Esta canción se siente diferente”. Con estas palabras, el artista subraya la intención profunda detrás del single: ofrecer una mirada honesta y directa sobre la espiritualidad desde la experiencia individual.

El lanzamiento llega tras una etapa especialmente prolífica para el músico, quien ha mantenido un ritmo constante de publicaciones en los últimos meses. Canciones como All Rise, Respect My Boundaries y Hands On Me, junto con el álbum Transformation 13, han ido configurando una discografía que se caracteriza por su resiliencia narrativa y su voluntad de romper moldes dentro del pop experimental y las sonoridades de alta energía.

En “Neo Christian”, esa esencia vuelve a estar presente. La producción apuesta por un sonido contemporáneo y dinámico que potencia la intensidad del mensaje, mientras la interpretación vocal mantiene el sello distintivo del artista: vulnerable, directa y cargada de autenticidad. La combinación entre reflexión espiritual y fuerza sonora convierte el tema en una experiencia que conecta tanto a nivel emocional como sensorial.

Edward69Bomb, artista independiente con base en Nueva Orleans, continúa construyendo un espacio propio dentro de la escena alternativa a través de Moon69child Publishing & Records. Su creciente discografía, que abarca singles, álbumes y contenidos visuales de carácter audaz, demuestra una trayectoria marcada por la perseverancia y una ambición creativa constante.

Con “Neo Christian”, el artista no solo entrega una nueva canción, sino que reafirma su compromiso con una música que desafía límites y plantea preguntas incómodas. En un panorama donde las etiquetas suelen encasillar, Edward69Bomb apuesta por la transformación, la introspección y la libertad creativa como motores de su propuesta.

“Neo Christian” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Edward69Bomb, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El panorama musical arranca el año con una de las colaboraciones más inesperadas y emocionantes hasta la fecha. Pablo Alborán y Antony Z han unido fuerzas en “Besos Dorados”, un single que se ha estrenado hoy, 11 de febrero de 2026, y que ya está generando un enorme revuelo por la potente mezcla de universos que representa. El encuentro entre el rey del pop melódico en español y una de las grandes promesas del urbano alternativo nacional ha dado como resultado una canción que respira Andalucía por los cuatro costados, pero con una visión contemporánea y arriesgada.

Para Pablo Alborán, este lanzamiento llega en un momento clave de su carrera. El artista malagueño se prepara para iniciar en apenas unas semanas su esperada gira “Global Tour KM0”, que arrancará en Chile y que lo llevará por distintos escenarios internacionales. Aunque sigue siendo una referencia indiscutible del pop romántico en español, Alborán ha demostrado en los últimos años una apertura creciente hacia nuevos sonidos y colaboraciones que amplían su registro artístico. “Besos Dorados” es una muestra clara de esa evolución.

Por su parte, Antony Z continúa consolidándose como una de las voces más interesantes del panorama urbano y alternativo español. Originario del barrio de La Caleta, en Granada, el artista ha construido una identidad propia mezclando soul, R&B y rap con un quejío andaluz muy característico. Para él, colaborar con Pablo Alborán ha sido “un sueño cumplido”, y este tema se presenta además como el último adelanto de su próximo disco, reforzando su proyección nacional.

“Besos Dorados” funciona como un homenaje a la Andalucía más auténtica. Aunque parte de la grabación tuvo lugar en una taberna castiza de Madrid, la esencia del sur impregna cada acorde y cada verso. El tema arranca con una guitarra española clásica que sitúa al oyente en el terreno más reconocible de Alborán, íntimo y melódico, para después romper con un estribillo de reguetón lento y elegante donde Antony Z despliega su naturalidad y estilo urbano con total fluidez. La fusión es orgánica, sin forzar territorios, y demuestra que ambos artistas han sabido encontrar un punto común.

La letra es una declaración de amor real y sin artificios. Frases como “Dime la verdad que yo lo dejo todo” o “Dime la verdad que yo lo vendo todo” resumen la intensidad de un sentimiento que no necesita lujos ni filtros para brillar. El estribillo, con ese recurrente “Besos Dorados, rayos de luz”, funciona como una metáfora de los pequeños momentos que iluminan la vida. La canción habla de intimidad, de conexión genuina y de ese amor que cura heridas pasadas: “Todo el daño que te han hecho deja de tener efecto / porque lo que tú me has dado ha enterrado el resto”. Es una oda a lo sencillo, a lo cotidiano, a lo que verdaderamente importa.

El videoclip, concebido casi como un cortometraje, acompaña esta narrativa con una estética muy cuidada y coherente con el universo visual de Antony Z. La pieza combina esencia de barrio con una elegancia sobria, reforzando el contraste entre lo urbano y lo romántico que define la canción. La dirección apuesta por imágenes cálidas, cercanas y simbólicas que subrayan ese concepto de amor auténtico y sin exhibicionismos, en sintonía con versos como “No se sube nada por el Instagram”.

El lanzamiento de “Besos Dorados” no solo marca un hito artístico, sino que también abre la puerta a posibles reencuentros en directo. Pablo Alborán iniciará su gira por España a partir de mayo de 2026, con fechas destacadas como el 8 de mayo en el Palau Sant Jordi de Barcelona, el 21 y 22 de mayo en el Movistar Arena de Madrid y el 12 de junio en el Icónica Santalucía Sevilla Fest. Además, el 6 de junio actuará en Málaga y el 26 de junio en Granada, ciudad natal de Antony Z, donde no se descarta que el artista urbano pueda aparecer como invitado especial, especialmente en estas citas andaluzas.

Con “Besos Dorados”, Pablo Alborán y Antony Z demuestran que la música no entiende de etiquetas rígidas. La unión entre pop melódico y urbano alternativo ha dado lugar a una canción luminosa, honesta y profundamente arraigada en el sur, que ya se perfila como una de las colaboraciones más comentadas y celebradas de este 2026.

El dúo venezolano Mau y Ricky ha encendido la escena musical con “Te Quiero”, su reciente colaboración junto al artista urbano/pop Kapo, un sencillo que no solo ha demostrado ser una canción pegadiza, sino que marca el inicio de una etapa totalmente nueva y más libre para los hermanos Montaner.

Después de cerrar el ciclo de su proyecto Hotel Caracas, Mau y Ricky decidieron regresar a sus raíces con un enfoque creativo renovado. Esta nueva fase, caracterizada por una mayor libertad artística, se ve reflejada en el lanzamiento de “Te Quiero”, estrenado en diciembre de 2025 bajo su propio sello Why Club Records, en alianza con Sony Music. Con este movimiento, los artistas buscan un sonido más orgánico y menos prefabricado, recuperando esa esencia musical que siempre los ha definido.

El tema “Te Quiero” destaca por su estilo de pop latino cálido y ligero, una mezcla de frescura y melodía que se aleja del reguetón más pesado para centrarse en una expresión emocional honesta del amor. La letra celebra un sentimiento sincero y sencillo, con frases que han conectado rápidamente con el público gracias a su honestidad y ligereza, como parte de una narrativa íntima y emocional.

La participación de Kapo ha aportado un toque fresco y vibrante al single, complementando a la perfección el estilo de Mau y Ricky y contribuyendo a que la canción se sienta ligera, moderna y emocionalmente resonante. La colaboración ha servido como carta de presentación del sonido que los hermanos quieren explorar en su próximo álbum, todavía sin título oficial, aprovechando esta etapa para rodearse de amigos y colaboradores cercanos.

Impulsado por su acogida en redes, “Te Quiero” vivió un fenómeno viral en TikTok, lo que llevó a Mau y Ricky a publicar oficialmente una versión acústica el 15 de enero de 2026. Esta versión más íntima ha reforzado la conexión con sus fans y ha demostrado la versatilidad emocional de la canción, mostrando otro rostro de una propuesta musical que busca tocar el corazón de quienes la escuchan.

El impacto de “Te Quiero” también se ha visto reflejado en el reconocimiento de la industria musical: el dúo ha recibido nominaciones en los Premio Lo Nuestro 2026 en categorías como Grupo o Dúo del Año (Pop/Rock) y Colaboración del Año (Pop/Urbano). Además, Mau y Ricky formarán parte del espectáculo de los premios, donde interpretarán el tema por primera vez en televisión.

Como parte de esta nueva etapa, los hermanos también han anunciado una serie de conciertos íntimos en España durante marzo de 2026, donde presentarán su nuevo material antes del lanzamiento oficial del álbum. Las fechas confirmadas incluyen Barcelona (5 de marzo), Valencia (7 de marzo) y Madrid (8 de marzo), ofreciendo a sus fans una experiencia más cercana y personal con su música.

Con “Te Quiero”, Mau y Ricky no solo han lanzado un hit que está resonando con fuerza tanto en plataformas digitales como en redes sociales, sino que también han abierto un capítulo vibrante y auténtico en su carrera, reafirmando su talento y su conexión con el público alrededor del mundo.

La superestrella colombiana y ganador de cuatro Latin Grammy, Silvestre Dangond, confirma su esperado regreso a España con su nueva gira “El Baile de Todos”, un recorrido que tendrá lugar en julio de 2026 y que promete convertirse en uno de los grandes acontecimientos musicales del próximo verano. El artista, considerado una de las figuras más influyentes de la música latina actual, continúa consolidando su proyección internacional tras años de éxitos, reconocimientos y giras multitudinarias.

Dangond se ha posicionado como una de las mayores estrellas globales gracias a su capacidad para fusionar la música folclórica colombiana con sonidos y tendencias contemporáneas, siendo además una de las figuras clave en la expansión mundial del vallenato. Su propuesta artística, que combina tradición, innovación y una poderosa presencia escénica, le ha permitido conectar con audiencias de distintas generaciones y territorios.

El regreso a España incluirá una cita muy especial el próximo 18 de julio en el Movistar Arena de Madrid, un concierto de gran formato que marcará su vuelta a la capital tras haber logrado un rotundo sold out en su última visita en 2025. Aquel lleno absoluto consolidó a Madrid como una plaza estratégica dentro de su trayectoria internacional y reafirmó la fuerte conexión que mantiene con el público español.

La gira, organizada por L.A. Rock Entertainment, recorrerá varias de las principales ciudades del país durante el mes de julio, ampliando así su presencia en uno de los mercados europeos donde su música ha experimentado un crecimiento notable en los últimos años. Tras el éxito de sus anteriores visitas, Dangond regresa con un espectáculo renovado que acompañará su más reciente trabajo discográfico, “El Último Baile”, uno de los proyectos más exitosos de su carrera.

El artista llega a esta nueva etapa tras obtener recientemente un Latin GRAMMY 2025 y sumar cuatro nominaciones a Premio Lo Nuestro 2026, reafirmando su vigencia y liderazgo dentro de la industria musical latina. A lo largo de su trayectoria ha alcanzado múltiples certificaciones de cuádruple platino, ha ganado tres Latin Grammy al Mejor Álbum de Cumbia/Vallenato, un Premio Lo Nuestro y un ASCAP, consolidando un palmarés que respalda su impacto artístico y comercial.

Entre sus mayores éxitos destaca “Cásate Conmigo” junto a Nicky Jam, tema que alcanzó el número uno en las principales emisoras de radio de Estados Unidos. Asimismo, sus colaboraciones con artistas como Sebastián Yatra, Emilia, Maluma y Carlos Vives se mantuvieron en lo más alto de las listas internacionales, demostrando su versatilidad y su capacidad para adaptarse a distintos estilos sin perder su esencia.

Tras el histórico éxito de su gira de estadios en Colombia —la más importante en la historia del país— y su actual recorrido por Estados Unidos, España se prepara para recibir uno de los tours más esperados del verano de 2026. “El Baile de Todos” llegará con las siguientes fechas confirmadas: 18 de julio en Madrid (Movistar Arena), 23 de julio en Málaga (Plaza de Toros La Malagueta), 24 de julio en Barcelona (BARTS Festival – Poble Espanyol), 25 de julio en Valencia (Conciertos de Viveros) y 26 de julio en Palma de Mallorca (Son Fusteret).

Las entradas para el concierto de Madrid estarán disponibles a partir del 10 de febrero a las 12:00 horas a través de Entradas.com, en lo que se anticipa como una de las ventas más destacadas de la temporada estival. Con una carrera que no deja de crecer y un espectáculo que promete ritmo, emoción y celebración colectiva, Silvestre Dangond se reafirma como uno de los grandes nombres de la música latina a nivel mundial.

DDKael irrumpe en la escena con “Tú me regalaste el mar”, una urban bachata de alcance universal que reafirma la sólida identidad artística del proyecto liderado por Filippo Fabbi. Concebida para superar fronteras lingüísticas y culturales, la canción se presenta como una propuesta contemporánea que combina tradición melódica e innovación sonora, consolidando el posicionamiento internacional de la banda.

DDKael es una formación fundada y dirigida por Filippo Fabbi, cantante, guitarrista, compositor y autor único de toda la música y las letras del proyecto. Junto a Fabio Rosina, Fabbi ha construido una propuesta autoral completa, con una visión clara y coherente pensada para un desarrollo artístico y discográfico a medio y largo plazo. La esencia del proyecto radica en la integración profunda entre palabra, composición y una voz altamente reconocible, elementos que definen una identidad sonora propia dentro del panorama actual.

En “Tú me regalaste el mar”, esa identidad se despliega a través de una sonoridad basada en ritmos de raíz latina, utilizados como un lenguaje accesible e inmediato, pero reinterpretados desde un enfoque compositivo personal. La canción se articula en torno a una melodía fuerte y fácilmente reconocible, núcleo central de su impacto emocional y de su capacidad para permanecer en la memoria del oyente.

El tema destaca por una escritura refinada pero accesible, con estribillos innovadores que introducen aperturas en tonalidades menores, generando un contraste emocional eficaz y poco convencional. Esta elección armónica aporta profundidad, sorpresa y una marcada personalidad, alejándose de los esquemas más previsibles del género y reforzando su singularidad dentro del pop latino contemporáneo. La guitarra, lejos de limitarse al acompañamiento, actúa como elemento estructural dentro de la composición, sosteniendo el desarrollo melódico y aportando cohesión narrativa.

Las letras, escritas íntegramente por Filippo Fabbi, representan uno de los pilares fundamentales del proyecto. En esta canción, la poética narrativa se construye a partir de imágenes intensas y emocionales que conectan de manera directa con el público. Versos como “Una lágrima que cae sobre el corazón / quema el alma otra vez” o “No puedo imaginar el mundo sin ti / un desierto sin final / un sol que no da luz” reflejan una sensibilidad que explora el amor desde la vulnerabilidad y la conciencia.

En el plano temático, “Tú me regalaste el mar” narra un camino de liberación personal y de amor plenamente asumido. La canción habla del cuidado hacia la persona amada, de la presencia constante, de la protección emocional y de la confianza en la vida. El amor no aparece idealizado, sino entendido como una fuerza real que acompaña, sostiene y permite crecer. La letra también evoca la necesidad de liberarse del peso de los secretos del pasado, dejando atrás aquello que limita e impide vivir con plenitud. En esa apertura se encuentra el núcleo más profundo del tema: la posibilidad de renacer y comenzar de nuevo con un amor auténtico, libre de culpas y ataduras.

Con este lanzamiento, DDKael consolida una propuesta que equilibra intimidad emocional y proyección internacional, coherencia artística y ambición sonora. “Tú me regalaste el mar” se posiciona como una canción sólida, transversal y perfectamente adaptable al mercado global, reafirmando el potencial de un proyecto que apuesta por la profundidad lírica, la originalidad armónica y una visión creativa clara y sostenida en el tiempo.

El artista independiente Welter Rasmussen presenta este 10 de febrero de 2026 su nuevo sencillo titulado “Aldeia”, una canción profundamente reflexiva que combina narrativa emocional con una producción moderna influenciada por la tradición del bolero. Desde Hudson, Massachusetts, Rasmussen continúa consolidando una propuesta artística basada en la autenticidad, la sensibilidad y la conexión con las raíces.

Interpretada en portugués, “Aldeia” explora temas universales como la memoria, la distancia y la fuerza silenciosa que ejercen nuestros orígenes a lo largo de la vida. La canción retrata la experiencia de dejar atrás algo significativo en la búsqueda de un propósito mayor, capturando esa dualidad entre avanzar y, al mismo tiempo, mantener intacto el vínculo con el pasado. A través de una interpretación vocal expresiva y una línea melódica atemporal, el tema logra transmitir nostalgia sin perder actualidad.

“‘Aldeia’ trata sobre de dónde venimos”, afirma Rasmussen. “Habla de los lugares, las personas y las emociones que permanecen con nosotros sin importar cuán lejos nos lleve la vida”. Esta declaración resume la esencia del sencillo, que convierte la experiencia personal en un relato con el que cualquier oyente puede identificarse.

En el plano sonoro, la canción se mueve entre el bolero, la música latina y el pop, logrando un equilibrio entre tradición y contemporaneidad. La producción, a cargo del propio Welter Rasmussen, destaca por su capacidad para preservar la emoción clásica del bolero mientras incorpora matices actuales que aportan frescura y profundidad. El resultado es un tema íntimo, nostálgico y al mismo tiempo vigente, que refleja la evolución artística del músico.

Como artista independiente, Rasmussen asume no solo la interpretación y la composición, sino también la producción del proyecto, reforzando su compromiso con una visión creativa coherente y honesta. “Aldeia” representa un nuevo paso en su desarrollo artístico, consolidando un estilo que apuesta por la emoción genuina y la calidad musical por encima de tendencias pasajeras.

El sencillo “Aldeia”, perteneciente al género Bolero / Latin / Pop y publicado bajo sello independiente, ya se encuentra disponible desde el 10 de febrero de 2026 en Spotify, Apple Music, Amazon Music, YouTube Music y en todas las principales plataformas de streaming, invitando al público a reconectar con sus raíces a través de una propuesta musical cargada de sensibilidad y profundidad.

DJ Mikkka vuelve a demostrar su capacidad para convertir cualquier época del año en una auténtica celebración con el lanzamiento de “Bam Bam”, un potente tema house que llega en pleno invierno para romper con el frío y llenar de energía las pistas de baile. Mientras afuera predominan los días grises y las bajas temperaturas, el productor alemán propone una descarga de ritmo caliente que invita a moverse desde el primer compás.

“Bam Bam” es, sin rodeos, un auténtico party banger. O como el propio concepto sugiere con guiño divertido, un verdadero “party bammer”. La canción está diseñada para funcionar en clubes, fiestas privadas y playlists dedicadas a levantar el ánimo, con una base house vibrante, dinámica y directa al cuerpo. Su estructura rítmica contundente y su carácter festivo convierten el tema en una apuesta clara por la evasión y la celebración en la temporada invernal.

La composición y la letra llevan la firma del propio DJ Mikkka, quien también asumió la producción y la mezcla del track en 2026. Esta implicación total en el proceso creativo refuerza la identidad sonora del proyecto y garantiza coherencia entre idea, ejecución y resultado final. El sonido destaca por su energía inmediata, bajos sólidos y una producción pulida que combina frescura contemporánea con una sutil esencia retro.

DJ Mikkka es un compositor, autor y productor alemán con una trayectoria que se remonta a la década de 1980, cuando comenzó como teclista en directo. Aquella experiencia sobre los escenarios marcó su sensibilidad musical y su comprensión del pulso del público, elementos que siguen presentes en sus producciones actuales. Con el paso del tiempo, su estilo evolucionó hacia el House y el EDM, territorios en los que ha consolidado una identidad sonora fresca, positiva y altamente reconocible.

Uno de los rasgos distintivos de su música es el gusto por las hooklines potentes, siempre con un ligero toque vintage que aporta personalidad y carácter a sus lanzamientos. Además, DJ Mikkka mantiene una dinámica constante de trabajo, publicando varios temas cada año y colaborando con frecuencia con otros músicos, lo que le permite ampliar su universo creativo y mantenerse activo dentro de la escena electrónica.

Con “Bam Bam”, el productor reafirma su capacidad para crear canciones pensadas para el disfrute colectivo, demostrando que no importa la estación del año: siempre hay espacio para una pista que invite a bailar. Este nuevo lanzamiento consolida su perfil como creador versátil y constante, y confirma que el invierno también puede sonar cálido, vibrante y absolutamente festivo.

Luis Salido da un nuevo paso firme en su trayectoria con el lanzamiento de “Las Vegas”, su sexto sencillo discográfico, una canción creada durante su estancia en la ciudad más grande del estado de Nevada, en Estados Unidos, coincidiendo con la celebración de los Latin Grammy 2025. Aquella experiencia internacional no solo marcó un hito en su carrera, sino que dejó una huella directa en la narrativa, el sonido y la actitud que definen este nuevo trabajo.

“Las Vegas” nace impregnada de la energía vibrante de una ciudad que respira espectáculo, ambición y luces infinitas. Esa atmósfera se traduce en una propuesta sonora que equilibra frescura y carácter, reflejando el impacto personal y profesional que vivió el cantautor durante esos días. La canción captura esa sensación de movimiento constante, de riesgo y de magnetismo que caracteriza a la icónica ciudad estadounidense, convirtiendo la vivencia en materia artística.

Desde su lanzamiento el pasado viernes, el sencillo ha comenzado a generar una notable repercusión internacional. Medios de comunicación tanto en Estados Unidos como en Latinoamérica han mostrado interés por la propuesta, mientras que el público ha reaccionado de forma especialmente positiva en plataformas digitales. En TikTok, “Las Vegas” ya acumula múltiples reacciones orgánicas, confirmando la conexión inmediata del tema con nuevas audiencias y consolidando el alcance global del artista.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip oficial grabado íntegramente en distintas localizaciones emblemáticas de Las Vegas. La pieza audiovisual refuerza el imaginario visual de la canción y potencia su concepto a través de una narrativa directa y cinematográfica, en sintonía con la estética y la intensidad del single. El videoclip fue producido por Alterna Records, aportando una cuidada factura visual que complementa la identidad sonora del proyecto.

En el apartado creativo, “Las Vegas” cuenta con una producción internacional desarrollada entre Estados Unidos, España y Colombia, subrayando el carácter global del lanzamiento. La composición estuvo a cargo de Luis Salido junto a Pando Secret Society, quienes además participaron como productores, y Mateo Ruiz. Esta alianza consolida un equipo creativo que define con claridad la identidad artística del proyecto, aportando coherencia, frescura y una visión compartida.

El propio Luis Salido ha destacado que se trata de la canción que más disfruta interpretar hasta la fecha y la que considera su favorita hasta el momento. El artista subraya especialmente el arreglo musical, que logra un equilibrio preciso entre sencillez y estructura sonora, permitiendo que la emoción y la energía fluyan con naturalidad sin perder solidez técnica.

La producción ejecutiva estuvo liderada por los puertorriqueños María Luna y Josué Ricardo Rivas, quienes aportaron su experiencia y visión estratégica para dar forma final al lanzamiento y potenciar su proyección internacional.

Con “Las Vegas”, Luis Salido continúa ampliando su catálogo musical, fortaleciendo su presencia fuera de sus fronteras y consolidándose dentro de la escena musical actual. Este nuevo sencillo no solo representa una evolución artística, sino también la confirmación de un proyecto que apuesta por la internacionalización, la autenticidad y la conexión directa con el público.

Bely Basarte se ha consolidado en los últimos años como una de las voces más reconocibles y queridas del pop melódico español. Su carrera es un claro ejemplo de cómo el talento surgido en la era digital puede evolucionar hacia una propuesta artística sólida, coherente y profundamente personal. Desde sus inicios en YouTube hasta su presente creativo, la artista ha construido un camino marcado por la honestidad, la sensibilidad y una conexión muy directa con su público.

Su trayectoria comenzó compartiendo versiones y canciones propias en plataformas digitales, donde su voz dulce y su forma íntima de escribir le permitieron crear una comunidad fiel que la acompañó desde el primer momento. Ese vínculo fue clave para dar el salto a proyectos de mayor envergadura, como cuando en 2017 Disney la eligió para poner voz a Bella en la versión en castellano de La Bella y la Bestia, un hito que amplió su reconocimiento más allá del ámbito musical independiente.

A lo largo de los años, Bely Basarte ha demostrado una evolución constante con discos como Desde mi otro cuarto, El camino que no me llevó a Roma y, más recientemente, Amor Letal, publicado en noviembre de 2025. En paralelo, también ha explorado otros registros formando parte del proyecto 30s40s50s junto a David Otero y Tato Latorre, donde se acerca a un sonido más rockero y experimental, mostrando una faceta distinta de su identidad artística.

Dentro de su último álbum, Amor Letal, destaca especialmente el tema “No pido tanto”, una canción que resume a la perfección el momento vital y creativo que atraviesa la artista. El single aborda de forma directa el amor propio, la dignidad emocional y la necesidad de poner límites en las relaciones. Lejos de idealizar el sacrificio extremo, la canción lanza un mensaje claro: perderse a uno mismo por otra persona no es una prueba de amor. Frases como “Si me pierdes, perderás a quien te quiso de verdad” funcionan como un mantra de autoafirmación y cierre de ciclo.

En lo sonoro, “No pido tanto” se mantiene fiel al pop que caracteriza a Bely Basarte, pero con una producción fresca y contenida que da todo el protagonismo a su voz y a una letra que se siente casi como una página de diario. La canción cierra el disco Amor Letal, un proyecto que la propia artista ha definido como un regreso a su esencia tras un proceso de búsqueda personal y profesional, en el que ha aprendido a escucharse y a priorizarse.

En declaraciones recientes, realizadas en febrero de 2026, Bely ha compartido que este último trabajo ha sido una especie de terapia personal. Las canciones nacen desde la sanación, el aprendizaje y la reconstrucción tras etapas de desamor, lo que explica la carga emocional y la honestidad que atraviesan tanto el álbum como “No pido tanto”.

Con este lanzamiento, Bely Basarte reafirma su lugar como una artista capaz de transformar experiencias personales en canciones que acompañan, reconfortan y ayudan a poner palabras a emociones compartidas por toda una generación.

“No pido tanto” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Bely Basarte, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.