La cantante y compositora independiente Briana Piedra, originaria de Portland, Oregón, lanza “Bad Habits”, su nuevo sencillo disponible en plataformas digitales. El tema, que marca una nueva etapa en su carrera, se despliega como una pieza de carácter cinemático y ambiental, descrita como “brumosa y melancólica”, que sumerge al oyente en una experiencia auditiva envolvente donde el R&B contemporáneo y el pop melódico se encuentran para explorar las complejidades de las relaciones y esos patrones de comportamiento que, una y otra vez, nos llevan a los mismos lugares.

“Bad Habits” construye su universo sonoro sobre una producción cuidada que privilegia la atmósfera por encima de cualquier estridencia. Las capas de sintetizadores, los ritmos contenidos y la voz de Briana, que se desliza entre la vulnerabilidad y el empoderamiento, crean un paisaje sonoro hipnótico que atrapa desde los primeros compases. La canción no busca el golpe de efecto inmediato, sino la inmersión gradual, la sensación de ir descendiendo a las profundidades de una relación marcada por la repetición de errores.

La temática aborda esa experiencia universal de reconocerse atrapado en dinámicas que se saben dañinas pero de las que cuesta salir. Los “malos hábitos” del título no son solo acciones concretas, sino patrones emocionales, formas de relacionarse que se repiten como un bucle del que la conciencia no siempre logra escapar. Briana explora ese territorio con una honestidad que no juzga, que observa y describe, creando un espacio donde el oyente puede reconocer sus propias contradicciones.

Briana Piedra ganó reconocimiento con su EP debut “Daydream” en 2021, que incluía temas populares como “Make You Mine” y “Floating”. Desde entonces, su evolución artística ha sido constante, explorando sonidos más audaces y seductores en canciones como “Hot Hot” (2023) y propuestas más introspectivas en “It Was Always You”. “Bad Habits” se sitúa en un punto intermedio, combinando la sensualidad de sus trabajos más recientes con la profundidad emocional de sus primeras composiciones.

Su capacidad para crear atmósferas etéreas y cinemáticas, utilizando su voz como vehículo para transmitir tanto fragilidad como fortaleza, la ha consolidado como una de las voces más interesantes del panorama independiente actual. Cada lanzamiento de Briana Piedra es una invitación a habitar un mundo sonoro propio, a dejarse llevar por texturas y emociones que rara vez se encuentran en la música más comercial.

“Bad Habits” ha sido elogiada precisamente por esa capacidad de sumergir al oyente en una experiencia envolvente. No es una canción para escuchar de fondo, sino para habitar, para dejarse llevar por sus capas y descubrir nuevos matices en cada reproducción. La producción, de carácter cinematográfico, crea una banda sonora perfecta para esos momentos de introspección en los que miramos hacia dentro y reconocemos nuestras propias contradicciones.

Con este lanzamiento, Briana Piedra reafirma su lugar como una artista que no teme explorar las zonas más complejas de la experiencia humana, envolviéndolas en un sonido bello y accesible que invita a quedarse. “Bad Habits” ya está disponible en plataformas digitales, esperando a quienes necesiten una banda sonora para sus propias contradicciones.

El productor sevillano ATK Epop presenta “Mi piel”, su nuevo sencillo que ya está disponible en plataformas digitales. El tema reúne a Amaia Pop, Davi Sanz y Andreas en una colaboración de alta intensidad que combina la fuerza del rock con sutiles arreglos electrónicos. El resultado es una canción directa y contundente, donde las guitarras fuzz toman protagonismo y la producción envuelve cada matiz con precisión y carácter, confirmando una vez más la capacidad camaleónica de ATK Epop para transitar géneros sin perder identidad.

“Mi piel” se construye sobre una base poderosa, pero encuentra su verdadero impacto en la interpretación vocal. Amaia Pop lidera el relato con una voz visceral y emocional, transmitiendo esa mezcla de vulnerabilidad y fuerza que la canción requiere. Davi Sanz y Andreas aportan matices que refuerzan el dramatismo de la historia, creando un entramado vocal que enriquece cada verso y cada estribillo.

La letra habla de deseo, descubrimiento y heridas que dejan marca, tanto física como emocional. Con versos como “Fuiste el primero en arrancarme la ropa, en ser el protagonista de mis sombras” o “Quien sea quien escribió este guion no sabe lo que sabe mi piel, se ha marcado en mi piel”, la canción evoca recuerdos que permanecen grabados, esas primeras experiencias amorosas que configuran nuestra forma de entender el amor y el deseo.

La mezcla de crudeza y vulnerabilidad, de pasión e introspección, recorre toda la pieza. No hay medias tintas ni concesiones: “Mi piel” es una canción que va directa al corazón, que no teme mostrar las cicatrices ni nombrar lo que duele. Esa honestidad, esa falta de filtros, es precisamente lo que la convierte en una propuesta tan potente.

La producción de ATK Epop, con guitarras fuzz que distorsionan y arrollan, crea un paisaje sonoro que envuelve y presiona, que no da tregua pero que sabe encontrar los espacios para que la emoción respire. Los arreglos electrónicos, sutiles pero presentes, aportan una capa adicional de textura, un contraste con la crudeza de las guitarras que enriquece el conjunto sin restarle contundencia.

El resultado es una canción que suena grande, intensa y sin concesiones, destinada a destacar tanto en directo como en playlists de rock alternativo y pop de alto voltaje. Cada elemento está en su sitio, cada matiz cumple una función, y la energía nunca decae desde el primer compás hasta el último.

ATK Epop demuestra una vez más su capacidad para reunir talentos diversos y construir propuestas sólidas. Su trabajo como productor, siempre al servicio de la canción y de los artistas que participan, ha dado como resultado una pieza que suena cohesionada a pesar de la variedad de voces y estilos. La identidad del proyecto no se diluye, sino que se potencia con las aportaciones de cada uno.

“Mi piel” se presenta como una de las piezas más potentes del catálogo reciente de ATK Epop, una muestra de su versatilidad y de su compromiso con una música que busca la emoción por encima de cualquier otra consideración. El tema ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa tormenta de guitarras y sentimiento que solo un productor con su sensibilidad puede crear.

Treinta años después de convertirse en una de las orquestas más influyentes del merengue puertorriqueño, Zafra Negra inicia una nueva etapa con el lanzamiento de “Pal Bailador”, su primer sencillo bajo el sello GOGO MUSIC. El tema, ya disponible en todas las plataformas digitales, marca el comienzo de un capítulo que combina legado, sonido fresco y una visión clara de conquistar el mercado musical latino a base de buen merengue.

El nuevo sencillo presenta un merengue de estructura clásica, con metales como protagonistas y una base rítmica sólida, pero con una producción actualizada para competir en el entorno digital. La canción mantiene el ADN instrumental que distinguió a Zafra Negra en los años 90, incorporando elementos contemporáneos que la hacen funcional para playlists tropicales, radio latina, fiestas y audiencias multigeneracionales.

La dirección musical del maestro July Heredia y la interpretación vocal de Ronny Soler logran un equilibrio entre tradición y energía moderna, reafirmando la vigencia del merengue dentro del panorama latino actual.

Más que un sencillo, “Pal Bailador” representa una estrategia de reposicionamiento. La agrupación busca reactivar su catálogo histórico, fortalecer su presencia digital y conectar con dos públicos clave: quienes vivieron la era dorada del merengue y las nuevas generaciones que consumen música tropical vía streaming.

El videoclip oficial fue grabado en la ciudad de Miami, uno de los principales epicentros audiovisuales del mercado latino, elevando la propuesta visual del lanzamiento a un estándar internacional. El video combina modernidad, alegría y una puesta en escena dinámica, acompañada de bailarinas que aportan ese toque enérgico y festivo característico del merengue. La producción transmite una atmósfera contagiosa que invita al público a bailar desde el primer acorde, logrando que quien lo vea y lo escuche sienta inmediatamente el impulso de moverse al ritmo de la canción.

Fundada en 1994 en San Juan por el maestro July Heredia, Zafra Negra surgió tras su paso por orquestas emblemáticas como La Gente del País, Aníbal Bravo, Orquesta Internacional, Jochy Hernández y Toño Rosario. El proyecto nació oficialmente luego de conversaciones con ejecutivos de Juan & Nelson, consolidándose rápidamente como una propuesta distintiva dentro del merengue boricua.

Durante su primera etapa, la orquesta alcanzó notoriedad con éxitos como “Lo Que No Conviene se Deja”, “Ajena” y “Sufriendo por Ella”, además de producciones discográficas que hoy forman parte del repertorio clásico del género: Zafra (1994), Vamo’ al mambo (1995), Con el machete en la mano (1997), Por el mismo camino (1998) y Juntos de nuevo (2001). Estas obras consolidaron su presencia en Puerto Rico, República Dominicana, Estados Unidos y Europa, obteniendo discos de oro, platino y reconocimientos en premios Casandra y Paoli.

Hoy, la agrupación está liderada por su fundador July Heredia y su cantante principal Ronny Soler, quienes encabezan una etapa enfocada en modernizar la propuesta sin perder la esencia tropical que los caracteriza.

El legado de July Heredia como arquitecto del sonido tropical

Además de su rol como fundador y director de Zafra Negra, July Heredia ha sido arreglista para figuras como Bonny Cepeda, Sergio Hernández, La Gran Manzana, Los Hijos de Puerto Rico, José Medina, Edwin Rivera y Henry Jiménez & Los Home Boys, ampliando su influencia en el sonido del merengue contemporáneo y consolidando su prestigio dentro de la industria.

“Pal Bailador” es, en esencia, una firme declaración de que el merengue sigue siendo un género competitivo, global y capaz de renovarse sin perder su identidad.

El cantautor dominicano Yenddi presenta “Yo No He Llorado”, su nuevo sencillo que ya está disponible en plataformas digitales. La canción, una bachata romántica moderna que aborda el desamor, el orgullo y las emociones que las personas ocultan después de una ruptura, combina las guitarras tradicionales dominicanas con una producción contemporánea suave y una narrativa honesta que conecta directamente con quien la escucha.

“Yo No He Llorado” se ha convertido en un éxito internacional para Yenddi, acumulando millones de reproducciones en YouTube y superando los diez millones de streams en YouTube Music. Este reconocimiento ha solidificado su presencia en el mercado digital, permitiéndole conectar profundamente con audiencias de Estados Unidos, Latinoamérica y el Caribe. El tema, que nace desde la experiencia emocional del desamor, resuena con cualquiera que haya vivido esa mezcla de orgullo y dolor que sigue a una separación.

La canción captura ese momento en que, a pesar de la tristeza, uno se niega a mostrar vulnerabilidad, ese “yo no he llorado” que es más un acto de resistencia que una verdad absoluta. La honestidad de la letra, combinada con la calidez de la producción, crea una atmósfera que envuelve al oyente y lo transporta a sus propias experiencias de desamor.

Yenddi, nacido en República Dominicana, se ha establecido como una de las voces creativas más influyentes de la bachata contemporánea. Su faceta como compositor le ha valido reconocimientos de gran calado, siendo el responsable de “La Asesina”, una canción que ganó el Premio Soberano como Mejor Bachata del Año. Este logro contribuyó a que Zacarías Ferreira se convirtiera en el primer artista dominicano de bachata en recibir un certificado de Álbum de Diamante por parte de la RIAA, alcanzando el estatus de 10x Platino en Estados Unidos.

Además de su éxito como compositor, Yenddi ha demostrado su valía como artista en solitario, acumulando millones de streams y construyendo una base de seguidores fieles que valoran su capacidad para emocionar a través de la música. Su estilo, que respeta la tradición de la bachata pero la actualiza con arreglos contemporáneos, lo sitúa en un lugar privilegiado dentro del género.

Actualmente, Yenddi se encuentra promocionando su último sencillo, “La Princesa”, que ha recibido comentarios positivos de los oyentes y marca una nueva etapa en su carrera. Este lanzamiento muestra su evolución como intérprete, con un sonido emocionalmente poderoso y auténtico que confirma su crecimiento artístico.

Con sede en Phoenix, Arizona, Yenddi continúa expandiendo su carrera internacional bajo el sello ACR Music, ofreciendo actuaciones en vivo pulidas y atractivas para conciertos, festivales, giras y eventos especiales en todo Estados Unidos y más allá. Su capacidad para conectar con el público, tanto en formato digital como en directo, lo consolida como uno de los artistas más completos de la bachata actual.

“Yo No He Llorado” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de desamor y orgullo que Yenddi ha sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes han llorado sin lágrimas, para quienes saben que a veces la mayor fortaleza es reconocer la propia vulnerabilidad.

La banda canadiense de grunge rock JBNG, liderada por el músico Jaben John Groome, presenta “Many Moons”, el primer adelanto de su ambicioso proyecto para 2026 titulado “Breathe”. El tema, producido por David Ziehr en los conocidos Echoplant Studios y programado para publicarse en marzo, es el primero de una serie de diez sencillos que se lanzarán consecutivamente cada mes, acompañados de versiones acústicas grabadas en estudio que verán la luz de forma paralela.

“Many Moons” cuenta con la participación especial de Dave Martone en las guitarras y el bajo, mientras que Matt Koopman se encarga de la batería. La canción mantiene la esencia grunge que define a la banda, con guitarras contundentes, una base rítmica sólida y la combinación vocal de Jaben Groome y Monique Angele, que aporta una dimensión adicional al sonido del grupo. La producción de David Ziehr consigue un equilibrio perfecto entre la crudeza propia del género y una calidad sonora que permite apreciar cada matiz.

La canción encabeza el álbum “Breathe”, el quinto trabajo conceptual de la banda, que promete ser uno de los proyectos más ambiciosos de su carrera. La decisión de lanzar los diez temas de forma mensual responde a una estrategia que busca mantener la conexión con el público a lo largo del año, ofreciendo contenido de calidad de manera constante y permitiendo que cada canción tenga su momento para respirar y ser apreciada en su totalidad.

JBNG, nacido como Jaben John Groome en Surrey, Canadá, es un músico que anteriormente se desempeñó como bajista colaborando con diversos artistas antes de fundar su propia empresa, JBNG Music Ltd., y comenzar a grabar sus trabajos en Echoplant Studios. Su sonido, definido como grunge rock, mantiene viva la esencia de las bandas de los noventa pero con un enfoque fresco y contemporáneo que los conecta con nuevas generaciones de oyentes.

La formación actual de la banda incluye a Jaben Groome en la voz, Monique Angele también en la voz, Tim Charman en la guitarra rítmica, Matt Koopman en la batería, Derrick Carroll como guitarrista líder y Rob Thomson en el bajo. Este sexteto ha logrado una cohesión envidiable, creando un sonido de banda que suena a grupo que lleva años tocando junto, con la energía y la precisión que solo el trabajo constante puede proporcionar.

Antes de este nuevo ciclo, la banda lanzó varios trabajos durante 2024 que han acumulado más de 100,000 reproducciones en Spotify. Su álbum debut, “meh”, apareció en abril de 2024, seguido de su segundo álbum de estudio, “run”, en noviembre del mismo año. A finales de 2024, publicaron las versiones “run unplugged” y “Run Live at the Biltmore”, demostrando su versatilidad y su capacidad para trasladar su propuesta a formatos más íntimos sin perder la esencia.

Este 2026, con “Breathe” y la serie de diez sencillos mensuales, JBNG se prepara para dar un salto cualitativo en su carrera. La combinación de canciones originales y versiones acústicas, la participación de músicos invitados de la talla de Dave Martone y la producción cuidada en Echoplant Studios apuntan a un proyecto destinado a consolidar a la banda como uno de los nombres imprescindibles del grunge rock actual.

“Many Moons” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de guitarras y emoción que JBNG ha sabido crear con oficio y sensibilidad. Una canción que marca el comienzo de un viaje musical que se extenderá a lo largo de todo el año.

Madrid suma una nueva cita musical a su calendario estival. Del 24 de junio al 8 de julio, el Parque Enrique Tierno Galván acogerá la primera edición de La Carbonería del Galván, un nuevo ciclo de conciertos impulsado por La Carbonería que nace con vocación de continuidad y una identidad clara: convertir el parque en un espacio para habitar la música.

En su estreno, este primer avance de cartel combina nombres consolidados con propuestas de marcado carácter autoral y festivo. Figuran artistas como Rodrigo Cuevas, referencia contemporánea del folclore reinterpretado y uno de los directos más singulares del panorama actual; Miss Caffeina, habituales de los grandes escenarios nacionales y representantes de una generación que ha llevado el pop alternativo a públicos masivos; Gigantes, el proyecto del tenor Zapata, que reunirá sobre el escenario a varios artistas invitados junto a una orquesta sinfónica; los incombustibles Gipsy Kings, cuya rumba ha traspasado fronteras durante décadas; Kiko Veneno, figura esencial del mestizaje musical en España; Albert Pla, siempre imprevisible y dueño de un universo escénico propio; Marwan, uno de los nombres más destacados de la canción de autor contemporánea. El conjunto configura un recorrido que va del pop al flamenco, del mestizaje a la canción íntima, con la voluntad de atraer a públicos distintos sin perder una identidad común.

Durante las próximas semanas se confirmarán más artistas que se subirán al escenario Banco Mediolanum del ciclo musical.

La Carbonería impulsa este nuevo ciclo con la idea de que cada noche tenga un pulso propio, apoyado en artistas de trayectoria sólida y directos con personalidad. Este nuevo ciclo de conciertos se suma a la oferta estival con la intención de construir una cita reconocible, donde el concierto sea el centro y la experiencia vaya más allá del escenario, con vocación de continuidad en próximas ediciones.

La Carbonería del Galván no es un festival al uso. Es un ciclo que entiende el concierto como experiencia completa.

En una ciudad que resignifica constantemente sus espacios, este proyecto recoge ese testigo y transforma uno de los grandes pulmones verdes del sur de Madrid en un escenario vivo. Aquí, el parque no decora: narra. Cada noche tiene su propio pulso y cada concierto funciona como un pequeño ritual al aire libre.

El recinto contará además con una propuesta gastronómica pensada para acompañar la experiencia musical, permitiendo que el público pueda recorrer el espacio, disfrutar del entorno y vivir la noche a su ritmo. Todo está diseñado para equilibrar excelencia artística, comodidad y energía de lugar.

El ciclo nace con la voluntad de consolidarse como una de las citas culturales del verano madrileño. El apoyo de Banco Mediolanum, Cerveza El Águila y Atresmedia como patrocinadores principales refuerza una apuesta que mira más allá de esta primera edición.

La Carbonería del Galván es una invitación a vivir Madrid desde la música. A reconectar con el espacio urbano.

El artista y compositor sevillano Demarco, conocido artísticamente como Demarco Flamenco, presenta “Contigo todo”, su nuevo single y el avance de su próximo EP. La canción, ya disponible en todas las plataformas digitales, habla de un amor sencillo, de los de siempre, de ese sentimiento que lo transforma todo cuando llega. Un tema que nace desde la alegría pero que deja entrever una sutil melancolía, marcada por el miedo a perder aquello que más se quiere. Con el piano como protagonista de una delicada y envolvente melodía, “Contigo todo” se convierte en una pieza especialmente emotiva que refleja el excelente momento creativo que atraviesa Demarco.

“Contigo todo” es una balada rítmica cargada de optimismo y romanticismo. La letra, cuidada y honesta, habla de esa entrega total a la pareja, de la plenitud que se siente cuando se encuentra a alguien que lo llena todo. Frases como “si te tengo cerca no me hace falta ni aire” o “creí que lo tenía todo hasta el día que te conocí” resumen esa idea de que el amor verdadero no necesita nada más, que la presencia del otro es suficiente para sentirse completo.

El estribillo, con su declaración repetida de “Dueña de mi inspiración, llenaste mi vida de color, eres alegría y corazón, te quiero a morir”, funciona como un mantra de gratitud y devoción. No hay grandes metáforas ni juegos complicados; hay la verdad de quien habla desde lo que siente, sin filtros ni artificios. Esa honestidad, esa capacidad para expresar lo universal desde lo personal, es una de las grandes fortalezas de Demarco como compositor.

El tema, sin embargo, no se queda solo en la celebración. Hay en él una sombra de melancolía, ese miedo a perder lo que se tiene, que lo dota de una profundidad adicional. No es solo una canción de amor feliz; es también una reflexión sobre la fragilidad de la felicidad, sobre la conciencia de que lo más valioso puede desaparecer y sobre la necesidad de valorarlo mientras está.

Musicalmente, “Contigo todo” mantiene el sello de identidad que ha hecho inconfundible a Demarco: guitarras españolas muy marcadas, una percusión cuidada y esa voz rasgada, con su característico “quejío”, que transmite verdad en cada frase. En esta ocasión, el piano toma un protagonismo especial, con una melodía delicada que envuelve la interpretación y le otorga una dimensión más íntima si cabe.

La producción, equilibrada y actual, permite que cada instrumento respire y que la voz ocupe siempre el centro de la escena. El resultado es una canción que suena a la vez tradicional y contemporánea, que respeta las raíces flamencas del artista pero las actualiza con arreglos modernos que la hacen accesible a todo tipo de públicos.

El videoclip que acompaña al lanzamiento ha llamado especialmente la atención por su cuidada estética. Demarco ha utilizado paisajes de la Montaña Leonesa como escenario principal, ofreciendo imágenes naturales espectaculares que contrastan con la calidez de su voz flamenca. Los paisajes verdes, las montañas imponentes y la luz cambiante crean una atmósfera visual que complementa a la perfección la emotividad de la canción, convirtiendo el vídeo en una experiencia sensorial completa.

La historia de Demarco es de esas que inspiran. Durante más de diez años, Marcos —que así se llama realmente— trabajó como repartidor de bombonas de butano en Utrera, su localidad natal. Mientras conducía su camión, componía letras y melodías en su cabeza, imaginando un futuro que parecía lejano. Gracias a las redes sociales y al apoyo de otros artistas como Maki, sus temas comenzaron a hacerse virales, y su primer disco, “Uno” (2017), se convirtió en un éxito arrollador impulsado por el himno “La isla del amor”.

Desde entonces, su carrera no ha hecho más que crecer. Su estilo, que mezcla la esencia del flamenco puro con el pop y los ritmos urbanos dentro de lo que se conoce como flamenco-fusión, ha conectado con un público amplio que valora su humildad y sus letras directas al corazón. “Contigo todo” es el último paso en esa trayectoria, una canción que reafirma su lugar como uno de los artistas más queridos del panorama actual.

El tema forma parte de la promoción de su próximo EP, que verá la luz en los próximos meses, y sigue la estela del éxito de su anterior trabajo, “Bonito”, lanzado a finales de 2025. Con “Contigo todo”, Demarco demuestra que su momento creativo no tiene límites y que su capacidad para emocionar sigue intacta. El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de amor y gratitud que solo un artista con su sensibilidad puede crear.

Fangoria, el dúo formado por Alaska y Nacho Canut, ha roto un silencio discográfico de diez años con el lanzamiento de “Me voy”, su nuevo single publicado ayer, 4 de marzo de 2026. Se trata de un tema completamente inédito que sirve como carta de presentación de su nueva era musical y que ya está disponible en plataformas digitales. El sencillo llega acompañado de un videoclip de estética cuidada, con iluminaciones rojizas y bolas de discoteca que simbolizan el cierre de una etapa y el inicio de otra .

“Me voy” es una canción de ruptura con dignidad, fiel al estilo que ha caracterizado al dúo a lo largo de su trayectoria. La letra habla de independencia, de tomar decisiones drásticas y de seguir adelante sin mirar atrás, pero con un ritmo diseñado para la pista de baile. Los versos que ya habían adelantado en su actuación del Benidorm Fest —“Tú te quedas, yo me voy, se terminó”— resumen esa filosofía de autoafirmación y libertad que atraviesa todo el tema . La crítica ha descrito el sonido como un punto intermedio entre la épica de ABBA y la sofisticación electrónica de Pet Shop Boys, dentro de la vena más normativa del electropop que el dúo ha cultivado durante décadas .

Musicalmente, la canción ha sido producida por Juan Sueiro y Matt Pop, este último conocido por sus remezclas para Erasure o Ace of Base. La composición lleva la firma de Olvido Gara, Nacho Canut, Mauro Canut y Fernando Delgado, manteniendo esa esencia que combina el pop electrónico con ciertos matices que algunos críticos han definido como una faceta “made in Spain” con raíces folclóricas, algo que siempre ha estado en el ADN del grupo desde discos como “La extraña viaje” o “Absolutamente” .

Este single es el primer adelanto de “La verdad o la imaginación”, el próximo álbum de estudio de Fangoria que verá la luz a finales de abril de 2026. Será su primer trabajo con material cien por cien nuevo desde “Canciones para robots románticos”, publicado en 2016. En el último año, Alaska había confirmado en varias entrevistas que el disco mostraría una faceta más luminosa y suave dentro de su universo electrónico, manteniendo ese punto intermedio entre lo underground y lo mainstream que siempre han defendido .

El videoclip, estrenado simultáneamente al single, juega con la separación física de los miembros del dúo, interrumpida por destellos de luz, hasta culminar con una enorme bola de discoteca en primer término. Un guiño a los años de La Movida en los que Alaska fue la gran reina de la escena musical nacional y una demostración de que el pasado siempre tiene hueco en el presente cuando se tiene la pericia de encajarlo .

Los fans ya han comenzado a reaccionar en redes sociales, agradeciendo que el dúo se mantenga fiel a sí mismo. Comentarios como “los reyes indiscutibles del electropop en español” o “una de las razones por las que amo a Fangoria es por ser tan leal a sí mismos” reflejan la acogida positiva de un tema que muchos consideran ya un clásico instantáneo .

Para presentar este nuevo trabajo, Fangoria ha anunciado las primeras fechas de una gira que comenzará en mayo. El 9 de mayo actuarán en la Sala Paral·lel 62 de Barcelona, y el 14 de mayo en The Music Station de Madrid . Además, están confirmados para el Fulanita Fest en Marenostrum Fuengirola el 30 de mayo, así como para el Festival Muralla Camp de Alcalá de Henares el 28 de agosto, junto a otros artistas como Nancys Rubias, Zapato Veloz y Chenoa .

Con “Me voy”, Fangoria demuestra una vez más que, aunque digan “me voy”, en realidad siempre están volviendo con más fuerza. La canción ya está disponible en plataformas digitales, esperando a convertirse en el nuevo himno de quienes entienden la ruptura como un acto de dignidad.

La artista independiente Candy Caroline se une al dúo de producción Vitamin T para lanzar “Move to the Beat”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La colaboración, que combina el cautivador estilo vocal de Candy Caroline con la producción electrónica de alta energía de Vitamin T, entrega un tema vibrante construido para las pistas de baile y las listas de reproducción más optimistas de todo el mundo.

“Move to the Beat” captura el espíritu del euro-house moderno y el nu-disco, combinando ritmos contundentes, melodías edificantes y grooves contagiosos que invitan a dejarse llevar y moverse al compás de la música. El tema encarna la energía universal de la cultura del baile, ese espacio donde el ritmo, el movimiento y la emoción conectan con audiencias de todos los rincones del planeta sin necesidad de palabras.

Vitamin T aporta una base electrónica poderosa, con sintetizadores brillantes, líneas de bajo pulsantes y beats pulidos listos para cualquier club. Sobre esta base, la voz de Candy Caroline se desliza con una presencia confiada y carismática que eleva la atmósfera eufórica de la canción, creando un equilibrio perfecto entre la fuerza de la producción y la calidez de la interpretación vocal.

La colaboración representa la fusión de dos mundos complementarios: la experiencia en producción de Vitamin T y la composición emocionalmente guiada de Candy Caroline, junto con su poderosa interpretación vocal. Juntos han creado un tema que celebra el movimiento, la positividad y el poder unificador de la música, demostrando que cuando dos talentos se encuentran con una visión compartida, el resultado puede superar cualquier expectativa.

Candy Caroline, conocida por su capacidad para conectar con el público a través de letras sinceras y una presencia escénica magnética, encuentra en la producción de Vitamin T el vehículo perfecto para llevar su mensaje a las pistas de baile. El dúo de producción, por su parte, demuestra una vez más su dominio de los sonidos electrónicos contemporáneos y su habilidad para crear paisajes sonoros que invitan al movimiento sin renunciar a la sofisticación.

Con su producción energética y su groove irresistible, “Move to the Beat” está llamada a resonar con los amantes de la música dance, electrónica y nu-disco de todo el mundo. Es una canción que no entiende de fronteras ni idiomas, que apela directamente al cuerpo y a ese instinto primario de moverse cuando la música llama.

El tema ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de energía y positividad que Candy Caroline y Vitamin T han sabido crear con oficio y sensibilidad. Una canción para bailar, para sentir y para recordar que, a veces, lo único que necesitamos es un buen ritmo para conectar con lo mejor de nosotros mismos.

La artista emergente Melixae lanza “Soy la misma”, su nuevo sencillo que ya está disponible en plataformas digitales. El tema, que se mueve dentro de una atmósfera de pop electrónico urbano, combina sensibilidad y actitud para abordar el proceso de cambio personal, esas etapas que nos transforman y la fuerza necesaria para mantenerse fiel a uno mismo a pesar de las experiencias vividas. Con una interpretación cercana y una producción actual, Melixae transmite un mensaje de fortaleza y crecimiento que conecta directamente con quien la escucha.

“Soy la misma” habla de afrontar las propias experiencias con valentía y de seguir adelante sin perder la esencia de quien eres. La letra, cargada de honestidad, reflexiona sobre cómo las vivencias nos moldean pero no tienen por qué definirnos por completo. Hay una fuerza tranquila en esa declaración de permanencia, en ese “soy la misma” que funciona como mantra de autoafirmación. La canción reconoce el cambio, el crecimiento, las cicatrices que deja el camino, pero afirma que en lo fundamental, en la esencia, se sigue siendo la misma persona que empezó el viaje.

Esa dualidad entre transformación y permanencia es el corazón del tema. Melixae consigue transmitir que no hay contradicción entre evolucionar y mantenerse fiel a uno mismo, que el crecimiento no implica renunciar a quien eres sino todo lo contrario: precisamente esa fidelidad a la propia esencia es lo que permite crecer sin perderse.

Musicalmente, “Soy la misma” apuesta por una producción de pop electrónico urbano que envuelve la voz de Melixae en una atmósfera moderna y cuidada. Las bases electrónicas, sutiles pero presentes, crean un paisaje sonoro que acompaña la evolución de la letra sin eclipsar nunca la interpretación vocal. La artista, con una voz cercana y llena de matices, consigue transmitir esa mezcla de vulnerabilidad y fortaleza que la canción requiere, emocionando en los momentos íntimos y elevándose en los estribillos.

El equilibrio entre lo electrónico y lo humano, entre la producción cuidada y la interpretación sincera, es uno de los aciertos del tema. La canción suena actual pero atemporal, pensada para sonar en plataformas digitales pero también para conectar en directo, donde la verdad de la letra puede desplegarse en todo su potencial.

Este lanzamiento supone un nuevo paso en el proyecto artístico de Melixae, una propuesta que apuesta por el pop electrónico urbano con carga emocional, letras sinceras y una identidad en construcción que busca conectar de forma directa con el público. En un panorama saturado de propuestas, la honestidad se convierte en un valor diferencial, y Melixae demuestra tenerla en abundancia.

La artista sigue así construyendo un camino basado en la autenticidad y la capacidad de emocionar. “Soy la misma” es una declaración de principios, una afirmación de que el crecimiento personal no tiene por qué significar pérdida de identidad, y de que la verdadera fortaleza reside en saber quién eres y mantenerlo incluso cuando todo cambia a tu alrededor.

El single ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de transformación y autenticidad que Melixae ha sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes han pasado por etapas difíciles y han salido fortalecidos sin dejar de ser ellos mismos.

El artista canario Adán Robayna lanza hoy “Quizás”, su nuevo sencillo que ya está disponible en plataformas digitales. El tema, una canción pop en español que explora los sentimientos de amor, incertidumbre y la tensión emocional que aparece cuando una relación alcanza un punto de inflexión, viene acompañado de su videoclip oficial, estrenado a las 18:00 (hora canaria) en YouTube.

“Quizás” nace de la desconfianza y las mentiras en una relación real. De esa pregunta constante que surge cuando los cimientos se tambalean: “¿Cómo hablar de amor sin saber qué hay entre tú y yo?”. La canción, escrita, compuesta e interpretada con el alma, reflexiona sobre esa ambigüedad que a veces se instala en las relaciones, sobre esa zona gris donde las certezas se desdibujan y las palabras pierden su significado.

La letra, cargada de honestidad, expresa esa duda existencial con versos como “Quizás te mienta, quizás no sea tu verdadero amor… tu meta, ni mi voz el canto de ese ruiseñor que vuela”. No hay respuestas definitivas en la canción, solo preguntas y la aceptación de que, a veces, la incertidumbre es lo único cierto. Esa vulnerabilidad, esa capacidad para mostrar las grietas sin pretender que no existen, es lo que convierte “Quizás” en una pieza especialmente conmovedora.

Musicalmente, “Quizás” se mueve dentro del pop español más melódico, con influencias del europop y el power pop que han ido definiendo la identidad artística de Adán Robayna. La producción, cuidada y actual, envuelve la voz en una atmósfera cálida que permite que la letra ocupe el centro de la escena. Las melodías, emocionales y pegadizas, se instalan en la memoria desde la primera escucha, creando ese equilibrio entre accesibilidad y profundidad que caracteriza al artista.

La interpretación vocal, sincera y llena de matices, transmite esa mezcla de duda y esperanza que la canción requiere. Adán consigue que cada palabra pese, que cada silencio hable, y que el oyente se sienta parte de esa historia de amor incierto.

El videoclip oficial, estrenado hoy mismo, complementa la dimensión emocional de la canción con imágenes que refuerzan esa atmósfera de incertidumbre y deseo. Rodado con una estética cuidada, el vídeo traslada al espectador a ese espacio íntimo donde las preguntas sin respuesta resuenan con más fuerza. Es una pieza visual pensada para sumergirse en la canción, para habitarla desde otra perspectiva.

Con este nuevo lanzamiento, Adán Robayna continúa dando forma a su identidad artística dentro del pop español. Natural de las Islas Canarias, el artista combina melodías emocionales con influencias del pop europeo y el power pop, creando canciones en español que exploran el amor, el desamor y las emociones cotidianas. Su estilo, directo y melódico, se centra en un pop sincero y accesible donde la voz y la letra juegan un papel protagonista.

Sus canciones buscan conectar con los oyentes a través de historias personales y sentimientos universales. En este 2026, Adán Robayna se encuentra inmerso en una etapa de lanzamientos que continúan perfilando su identidad, acompañados de videoclips que potencian la dimensión visual y emocional de su música.

“Quizás” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de duda y honestidad que Adán Robayna ha sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes han amado sin certezas, para quienes han sentido que a veces la única verdad posible es la pregunta.

Soul de Vienne, el colectivo internacional liderado por el compositor y productor Roman Schleischitz, lanza “Fear Without a Name”, su nuevo sencillo disponible en Plataformas Digitales. La canción, un himno soul de carácter cinematográfico, explora la manipulación emocional, el miedo silencioso y el momento en que la claridad irrumpe a través de la confusión, abordando una experiencia universal pero raramente nombrada: cuando el amor se convierte en control, cuando el silencio reemplaza a la honestidad y cuando el miedo se instala sin ser pronunciado.

“Fear Without a Name” combina texturas modernas de R&B con motivos de trompeta audaces y una voz femenina cargada de emoción. La estructura del tema, con versos contenidos que explotan en estribillos arrolladores, crea una experiencia sonora que resulta a la vez íntima y confrontacional. Esa dualidad, esa tensión entre la fragilidad y la fuerza, es precisamente lo que convierte la canción en un retrato tan preciso de las dinámicas de poder en las relaciones.

En el centro de la pieza se encuentra la vocalista Gwen Rakotomalala, originaria de Madagascar, cuya interpretación transita desde una fragilidad contenida hasta una intensidad arrolladora. Su voz carga con el peso emocional de una historia sobre el amor distorsionado por el poder y el miedo, transmitiendo con cada inflexión esa lucha interna entre callar y gritar, entre someterse y liberarse.

La característica firma de metales del proyecto llega de la mano del trompetista italiano Andrea Guerrini, cuyo fraseo melódico aporta urgencia y profundidad cinematográfica a la producción. La trompeta no es un mero adorno, sino un personaje más dentro de la narrativa, un contrapunto que dialoga con la voz y subraya los momentos de mayor tensión emocional.

El propio Roman Schleischitz, compositor y director musical, explica la intención detrás del tema: “A veces el miedo más peligroso es aquel que nadie nombra. Esta canción habla del poder, del silencio y de la línea invisible entre el amor y el control. Una vez que la ves, no puedes dejar de verla”. Sus palabras resumen la filosofía de un proyecto que no teme adentrarse en territorios incómodos para alumbrar verdades que muchos prefieren ignorar.

Gwen Rakotomalala añade una capa de profundidad con sus palabras en malgache: “Tsy fitiavana izany raha tahotra no mitoetra ao anatiny” (“No es amor si el miedo habita en su interior”). Una declaración que trasciende idiomas y culturas, recordando que el amor verdadero no puede coexistir con el miedo.

Soul de Vienne es mucho más que una banda; es una plataforma creativa donde músicos de toda Europa colaboran para compartir un lenguaje común de groove, emoción y elegancia. Nacido de la visión de Roman Schleischitz, el proyecto une a artistas consumados que aportan su talento para crear un sonido que resulta a la vez atemporal y contemporáneo, rico en calidez, autenticidad y narrativa musical.

Schleischitz, con estudios de órgano y piano jazz en el Conservatorio de Viena, aporta una combinación poco común de estructura y espontaneidad a su trabajo. Su formación en música sacra y popular configura un estilo técnicamente preciso pero emocionalmente abierto, creando una música pensada no solo para ser escuchada, sino para ser sentida.

Cada producción de Soul de Vienne celebra la instrumentación en vivo, los arreglos expresivos y un profundo sentido de conexión humana, donde los metales, las teclas y el ritmo se entrelazan para formar un paisaje vibrante y conmovedor. El resultado es un sonido que lleva el espíritu de Viena al mundo: sofisticado, sincero e inconfundiblemente humano.

“Fear Without a Name” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de tensión y claridad que Soul de Vienne ha sabido crear con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes han sentido el miedo sin nombre y han encontrado la fuerza para nombrarlo.

La joven cantautora Jade Robin, de 21 años y con doble nacionalidad francesa y australiana, presenta “Never Love Again”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, que ocupa un lugar muy especial en el corazón de la artista, fue la primera que escribió en su vida, cuando apenas tenía 15 años, después de vivir su primer desamor. Ahora, con la perspectiva que da el tiempo y una carrera emergente que comienza a despegar, Jade comparte esta pieza íntima con el mundo, ofreciendo una ventana a ese momento crucial en que el amor duele por primera vez.

“Never Love Again” nace de esa experiencia universal que todos recordamos: el primer amor que termina, la primera vez que alguien que significaba todo se convierte en un extraño. Jade, con la honestidad propia de una adolescente que intentaba comprender sus emociones, puso en palabras lo que sentía. “Fue la primera vez que intenté expresar lo que significaba perder a alguien que era tan importante para mí”, explica la artista. “Como adolescente, intentaba entender cómo algo tan genuino y hermoso podía volverse de repente tan doloroso”.

La canción captura esa perplejidad, esa mezcla de incredulidad y tristeza que acompaña al primer desengaño amoroso. No hay en ella la sofisticación de un adulto analizando sus sentimientos con distancia, sino la crudeza de quien está sintiendo por primera vez y aún no tiene las herramientas para procesarlo. Esa autenticidad, esa falta de filtros, es precisamente lo que convierte “Never Love Again” en una pieza tan especial.

La interpretación vocal de Jade Robin se describe por su crudeza y su capacidad para evocar nostalgia. Su voz, única y personal, transmite esa mezcla de fragilidad y fuerza que caracteriza a quienes se atreven a mostrar sus heridas. La producción, cuidada pero sin artificios innecesarios, permite que la voz y la letra ocupen el centro de la escena, creando una atmósfera íntima que envuelve al oyente.

A sus 21 años, Jade ha desarrollado una sensibilidad artística que le permite reinterpretar aquella canción de adolescencia con la madurez de quien ya ha recorrido un trecho, pero manteniendo la honestidad de aquel momento. El resultado es una pieza que suena a la vez a primer amor y a experiencia vivida, a recuerdo y a presente.

Jade Robin, que vive entre Sídney y París, comenzó su carrera musical con el lanzamiento de su primer sencillo, “It’s You”, el 7 de septiembre de 2025. El tema superó las ocho mil reproducciones en Spotify, demostrando que su propuesta conecta con un público que valora la autenticidad. Ahora, con “Never Love Again”, da un paso más en la construcción de su identidad artística, compartiendo esa primera canción que lo empezó todo.

La artista valora profundamente el feedback de quienes escuchan su música y confía en que sus experiencias personales, convertidas en canciones, puedan resonar en otros. Su doble nacionalidad y su vida entre dos continentes le aportan una perspectiva única, una mezcla de sensibilidades que se refleja en su forma de entender la música.

“Never Love Again” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de primer desamor que Jade Robin ha sabido capturar con la honestidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para recordar que el primer amor, aunque duela, también nos enseña quiénes somos.

El artista vallisoletano Gon Abril vuelve a la carga con “Me has obligado a pensar”, su nuevo sencillo que ya está disponible en todas las plataformas digitales. El lanzamiento, producido por Juan Ewan —reconocido por su trabajo junto a Dani Fernández, Marlon, Paul Alone o Yarea—, confirma la evolución artística de un creador que sigue consolidando su posición dentro del panorama indie pop-rock nacional. Con una letra cargada de sensibilidad y autenticidad, la canción aborda los problemas de inseguridad desde una perspectiva íntima y reflexiva, haciendo temblar esos miedos que a veces nos paralizan.

La capacidad de Gon Abril para poner palabras a lo que muchos sienten —pero pocos saben expresar— vuelve a ocupar un lugar protagonista en esta nueva composición. Sus letras, alejadas de la superficialidad y el ruido que a menudo dominan el panorama musical, se convierten en refugio para quienes buscan en la música un espacio de conexión genuina. “Me has obligado a pensar” funciona como un ejercicio de introspección, una invitación a detenerse y reflexionar sobre aquello que realmente importa, sobre esas relaciones y situaciones que nos empujan a mirar hacia dentro.

El tema llega después del éxito de su anterior sencillo “Lo Que Importa de Verdad”, que logró entrar en la playlist “Todo Indie” de Spotify y acumula más de cincuenta mil reproducciones en plataformas digitales. Un dato que confirma que la propuesta de Gon Abril está calando hondo en un público que valora la honestidad y la profundidad por encima de las modas pasajeras.

Gon Abril, nacido en Valladolid hace 27 años, es un artista, compositor y médico que ha sabido compatibilizar dos vocaciones exigentes sin renunciar a ninguna. A pesar de haber estudiado medicina, su verdadera pasión siempre fue la música. En 2015, subió a las redes sociales una versión de “Give me love” de Ed Sheeran que tuvo un gran éxito, y en 2018 escribió su primera canción. No fue hasta 2019 cuando publicó “Has sido tú”, y ese mismo año decidió dejar en stand by sus estudios para formarse en la música, lanzando en 2022 su primer EP.

Desde entonces, su trayectoria no ha hecho más que crecer. En 2024 presentó “Cotidiano”, un EP con el que trabajó su parte más personal y profesional para mostrar cinco canciones que han dejado huella en quienes las han escuchado. Cerró el año con un tema homenaje a su ciudad, Valladolid, demostrando su arraigo y su capacidad para emocionar desde lo local. Este 2025 ha dado un giro en su carrera con lanzamientos como “La Tormenta”, “Da Igual” y “2100”, además de realizar varios conciertos en su ciudad y en festivales que lo han consolidado como una de las jóvenes promesas del pop español.

Tras su actuación el pasado 28 de febrero en el Festival Ultreia, celebrado en la Sala del Movistar Arena, Gon Abril ya prepara nuevas fechas para un 2026 que se presenta cargado de directos en festivales. Su capacidad para crear un espacio íntimo y personal sobre el escenario, esa conexión casi terapéutica con el público, es una de las claves de su éxito. Cada concierto se convierte en un lugar seguro donde las canciones dejan de ser solo canciones para transformarse en experiencias compartidas.

Con “Me has obligado a pensar”, Gon Abril no solo presenta un nuevo tema, sino que reafirma su compromiso con una música que busca la emoción por encima de todo. Un artista que, desde Valladolid, está construyendo una carrera sólida basada en la honestidad y el talento. El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de reflexión y sentimiento que solo un creador con su sensibilidad puede ofrecer.

La cantautora Sonia Gómez presenta ‘Ella’, su nuevo sencillo que ya está disponible en todas las plataformas digitales. El lanzamiento llega en una fecha especialmente significativa, el Día Internacional de la Mujer, y se convierte en una emotiva carta de amor a todas las mujeres que han acompañado a la artista en su crecimiento personal y profesional. Con un sonido pop contemporáneo y una letra cargada de honestidad, ‘Ella’ pone en valor la sororidad y la resiliencia de esas figuras femeninas cuyo apoyo y ejemplo han sido fundamentales en su vida.

‘Ella’ nace de la experiencia vital real de Sonia Gómez y se dirige a su madre, su abuela, sus amigas y aquellas referentes artísticas que han sido inspiración a lo largo de su camino. La letra, compuesta por la intérprete junto a Héctor Hugo y Noe Sárez, rebosa honestidad en cada verso. Líneas como “si ella se viera tal y como la veo yo, transforma lo que era tan gris en luz y color; si ahora tú corres fue porque ella antes caminó” capturan la esencia de un mensaje que habla de legado, de reconocimiento y de esa cadena de mujeres que se sostienen unas a otras.

La canción consigue transmitir un mensaje cercano y universal de unión y empoderamiento femeninos. No es una pieza abstracta sobre la idea de la mujer, sino un retrato concreto y emocionado de esas personas de carne y hueso que han ido dejando huella en la vida de la artista. Esa capacidad para convertir lo personal en universal, para hablar de lo propio de manera que cualquiera pueda sentirse identificado, es una de las grandes fortalezas de Sonia Gómez como compositora.

Musicalmente, ‘Ella’ destaca por una interpretación vocal que transita con naturalidad desde la intimidad más contenida hasta la épica más arrolladora. La voz de Sonia Gómez, versátil y llena de matices, genera una conexión emocional inmediata que consigue grabarse en la memoria del oyente. El estribillo, potente y pegadizo, refleja esa fortaleza femenina que la artista tanto admira y se convierte en un momento catártico dentro de la canción.

La producción, a cargo de Tato Latorre, envuelve la voz en una atmósfera pop contemporánea que equilibra la calidez de los instrumentos orgánicos con la energía de los arreglos modernos. El resultado es una canción que suena actual pero que mantiene esa profundidad emocional que caracteriza a la artista. Además, el tema cuenta con la participación en los coros de amigas de la artista, como la periodista musical Cristina Boscá, añadiendo una capa extra de significado y cercanía al proyecto.

El lanzamiento de ‘Ella’ se enmarca en un momento especialmente importante para la artista. El próximo 28 de mayo, Sonia Gómez presentará su proyecto en solitario en La Sala del Movistar Arena, una fecha que promete ser histórica en su carrera. Será un concierto especial en el que la artista contará con invitados y amigos que la han acompañado durante estos años en su trayectoria musical, convirtiendo la noche en una celebración compartida de todo lo recorrido.

La elección de este espacio, uno de los más emblemáticos de la capital, confirma la proyección de una artista que lleva años construyendo una carrera sólida basada en la honestidad, el talento y la conexión genuina con su público. Las entradas para este concierto ya están disponibles, y todo apunta a que será una de las citas imprescindibles de la temporada.

Con ‘Ella’, Sonia Gómez reafirma su lugar como una de las voces más interesantes del panorama pop actual. Su capacidad para escribir desde la verdad, para emocionar sin caer en el sentimentalismo fácil y para construir canciones que funcionan tanto en la intimidad de los cascos como en la inmensidad de un gran escenario la convierten en una artista a seguir de cerca.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de reconocimiento y sororidad que Sonia Gómez ha sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para celebrar a esas mujeres que nos han hecho ser quienes somos, para recordar que siempre hay una ‘ella’ detrás de cada logro y para mirar al futuro con la fuerza de quienes caminaron antes.