El artista canario Quevedo presenta “SCANDIC”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 20 de marzo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, un regreso al reggaetón clásico con una atmósfera luminosa y fresca, captura esa esencia de los planes de playa, la Semana Santa y las primeras escapadas al sur, convirtiéndose rápidamente en uno de los himnos del año.
“SCANDIC” nace desde esa necesidad de celebrar lo cotidiano, la fiesta, el romance fugaz y, sobre todo, la identidad canaria. Quevedo ha mencionado que la canción la tenía guardada desde el mayo pasado, y en ella se percibe esa frescura de lo que no ha sido sobreprocesado, de lo que conserva la espontaneidad del momento. El estribillo, pegadizo y directo, invita a levantar la copa y a bailar sin complicaciones, mientras que la letra juega con el contraste entre la “carita santa” y la maldad que se esconde detrás.
Musicalmente, “SCANDIC” apuesta por un sonido que recuerda los orígenes del reggaetón, con una base rítmica sólida y un flow que fluye con naturalidad. La producción, cuidada pero sin artificios, permite que la voz de Quevedo se despliegue con esa mezcla de desparpajo y vulnerabilidad que lo caracteriza. El videoclip, grabado en La Palma, muestra paisajes volcánicos y playas, reafirmando su compromiso con mostrar la belleza de las Islas Canarias al mundo.
Quevedo está en un momento de plena ebullición creativa en este 2026. Tras el éxito masivo de su segundo álbum, “Buenas Noches” (lanzado a finales de 2024), el artista ha vuelto con una energía renovada y una identidad visual y sonora muy marcada. Recientemente han aparecido lonas publicitarias en Madrid que sugieren que su próximo gran proyecto o disco podría titularse “EL BAIFO”, un término canario que significa “cabrito” y que refuerza su intención de seguir usando jerga y conceptos profundamente isleños. Además, “SCANDIC” no ha llegado solo: recientemente también estrenó “NI BORRACHO”, un merengue que ha funcionado muy bien en salas, demostrando que Quevedo no tiene miedo a experimentar con ritmos tropicales más allá del reggaetón puro.
Tras su retiro temporal en 2024, Pedro ha vuelto mucho más selectivo con sus colaboraciones y más enfocado en construir una carrera sólida y con “sentido de pertenencia”, alejándose del ruido mediático innecesario. “SCANDIC” es la confirmación de que Quevedo ha encontrado el equilibrio perfecto: música que suena global pero que mantiene el olor a salitre de su tierra. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de playa y fiesta que Quevedo ha sabido capturar con la honestidad de quien nunca ha olvidado de dónde viene. Una canción para los planes de verano, para las noches sin reloj, para quienes saben que lo malo también puede ser divertido.
La artista estadounidense Sabrina Carpenter presenta el videoclip de “House Tour”, el nuevo single de su aclamado álbum “Man’s Best Friend”, lanzado a finales de 2025. El tema, un synth-pop con aires de los ochenta, muy bailable y con esa letra afilada, pícara y llena de dobles sentidos a la que nos tiene acostumbrados, utiliza la metáfora de enseñar una casa para hablar de seducción, convirtiendo un plano de una vivienda en algo mucho más picante.
“House Tour” nace desde ese juego de palabras que Sabrina domina a la perfección. “I could take you to the first, second, third floor / And I promise none of this is a metaphor”, canta, y la promesa es, por supuesto, todo lo contrario. La canción es un ejercicio de doble sentido constante, donde la invitación a conocer una casa se convierte en una invitación a algo mucho más íntimo. El estribillo, pegadizo y provocador, se instala en la memoria desde la primera escucha, con esa mezcla de inocencia fingida y descaro que caracteriza a la artista.
Pero lo que más está dando que hablar es el videoclip, estrenado el pasado 6 de abril. No es solo un video, es un cortometraje lleno de estrellas que ha paralizado las redes. Sabrina interpreta a una especie de criminal seductora: la vemos causando estragos en una mansión, robando un premio Grammy y comportándose como una femme fatale del siglo XXI. Las invitadas de lujo son Margaret Qualley, protagonista de “La Sustancia”, y Madelyn Cline, de “Outer Banks”, que se suman a una trama con toques de humor negro y rebeldía que encaja con su nueva era más madura y atrevida.
Sabrina Carpenter está viviendo su mejor momento. Tras el éxito masivo de su anterior single, “Manchild”, que llegó al número uno global, “House Tour” apunta a ser la canción del verano. El álbum “Man’s Best Friend” ha sido aclamado por la crítica por su honestidad y su capacidad para mezclar el pop comercial con una actitud mucho más ácida y divertida. La artista viene de cerrar con éxito el Lollapalooza en varios países de Sudamérica y se prepara para ser cabeza de cartel en Coachella este mes, junto a artistas como Karol G.
“House Tour” ya está disponible en plataformas digitales, y su videoclip acumula millones de visitas en sus primeras veinticuatro horas. Sabrina ha pasado de ser una promesa a ser “la jefa” del pop actual, y este lanzamiento es la prueba de que su reinado no ha hecho más que empezar. Una canción para quienes disfrutan de las metáforas picantes, para quienes saben que una casa también puede ser un territorio de conquista.
En el ecosistema del género urbano español, donde todo se mueve a una velocidad de vértigo, hay nombres que destacan por saber madurar a fuego lento. Hoy hablamos con Ferroda, un artista que personifica esa transición tan necesaria desde el banco del parque hasta el estudio profesional. Criado en las calles de Fuencarral, Madrid, Ferroda ha pasado de las batallas de gallos improvisadas a los 14 años a consolidar su identidad con "Heridas", su primer álbum de estudio.
Bajo la producción del prestigioso B Chucks y con una estética visual impecable a cargo de Daniel Silloniz, este disco no es solo una colección de canciones; es la cicatriz de un proceso que comenzó en 2019. A sus 23 años, Ferroda se posiciona como una de las realidades más tangibles del panorama nacional. Hoy nos sentamos con él para desgranar su trayectoria, sus raíces y el peso de su nuevo trabajo.
Tus primeros recuerdos musicales nos llevan a los 14 años, bajando al parque a ver batallas de gallos. ¿Qué tenía ese ambiente de Fuencarral que te hizo pasar de ser un espectador a querer coger el micrófono por primera vez?
Hola, muy buenas. Pues realmente yo quise empezar desde los 11 años, pero a mis 14 años hice amistades importantes que me ayudaron a sacar el valor que me faltaba para empezar en este duro camino. Quise coger el micrófono porque quería expresar mis sentimientos y compartir mi forma de pensar. Luego de eso, descubrí que quería que la música fuese mi profesión y que quería vivir de ello.
Dices que empezaste a prepararte en casa a solas, siendo consciente de que el camino no sería fácil. En una época de éxito inmediato, ¿crees que ese tiempo de introspección y práctica privada fue lo que te dio la base técnica que tienes hoy?
Así es, yo sabía que el camino iba a ser muy duro, no es como mucha gente se piensa. También tengo que decir que la gente en general cree que el éxito tiene que venir de forma inmediata, y no es así. Obviamente, ese tiempo que yo dediqué en casa, a solas, me dio algo de valor extra para empezar, pero los conocimientos y la base son algo que he ido ganando con experiencias, y las que me quedan aún.
En 2020 grabaste tus primeros bocetos caseros, pero decidiste borrarlos más tarde como parte de tu evolución. ¿Qué buscabas proteger al eliminar ese contenido? ¿Sentías que ese "Ferroda" ya no te representaba?
Correcto, en 2020 grabé mis primeros bocetos en estudios caseros, pero decidí borrarlos y quedármelos para mí. Digamos que esos bocetos los tenía como un aviso de que yo empezaría en la música, pero no eran temas definitivos para mi carrera, y lo avisé desde el primer momento. Lo que buscaba era hacer exactamente lo que decía desde el principio.
En 2021 llega tu firma y en 2022 se oficializa tu contrato. ¿Cómo cambia la mentalidad de un artista cuando deja de hacer música en su habitación para empezar a trabajar con una estructura profesional detrás?
Eso es, en 2021 firmé mi primer contrato bajo una importante compañía de España. No puedo decir el nombre por protección de datos y seguridad, pero partimos de que en ese momento la mentalidad y la forma de ver todo cambian bastante: quieres más y no te conformas hasta que aprendes a regular un poquito. Llegué a obsesionarme mucho con los números en una época y, en el aspecto profesional, hay que tener cuidado con lo que se dice y con cada cosa que se hace.
El título de tu primer disco es corto pero muy potente. ¿Es "Heridas" un álbum terapéutico donde has volcado todo lo que te ha dolido durante estos años de ascenso en la música?
Sí, Heridas es mi primer disco. En él represento temas acerca de la depresión, la ansiedad, las pérdidas familiares o de amigos, e incluso la traición de quien no lo esperabas. También hablo de la hipocresía de la sociedad o la discriminación social. Son conceptos tristes que han estado presentes en mi carrera y en mi adolescencia, una mezcla, digamos.
Contar con B Chucks en la producción es jugar en las grandes ligas. ¿Cómo ha sido el proceso de encontrar un equilibrio entre tu esencia cruda de barrio y el sonido pulido y reconocido de uno de los mejores productores del país?
Contar con B Chucks es algo fundamental si quieres tener un sonido bien cuidado y, sobre todo, profesional. Lo recomiendo mucho como productor: es una gran persona, con valores, que no solamente produce muy bien, sino que también te ayuda, te guía y hace que mejores como artista y como persona.
Hoy en día, la música se entra tanto por el oído como por los ojos. ¿Qué importancia ha tenido la visión de Daniel Silloniz para que el espectador entienda visualmente lo que tú estás contando en las letras de este disco?
Daniel también es un pilar fundamental en nuestro equipo. Él no solamente hace vídeos, sino que los transforma en auténticas obras audiovisuales; lo plasma tal y como tú lo imaginas. También es un gran artista que llegará muy lejos. Solo le puedo desear cosas buenas: ha hecho grandes cosas por nosotros.
Vas a lanzar copias físicas de "Heridas" por 12 €. En plena era del streaming y los algoritmos, ¿por qué para ti es tan importante que tus seguidores puedan tocar y poseer el disco físicamente?
Porque es algo que se ha perdido mucho y quiero hacer algo diferente. Yo soy de las personas que piensan que todo acaba volviendo y, obviamente, lanzar copias en físico lo veo como algo más tradicional y más clásico. Además, tengo comprobado que, si te valoran, van a ir a comprarlas, aparte de escuchar el disco en Spotify.
Muchos artistas olvidan sus raíces cuando empiezan a sonar fuerte. En tu caso, siempre llevas a Fuencarral por bandera. ¿Qué le debe tu música a tu barrio y qué le debe tu barrio a tu música?
Estoy de acuerdo. Muchos artistas olvidan sus raíces en cuanto suenan algo, pero no creo que me pase lo mismo. Me han llegado a decir en mi barrio que mi música aporta valores y composiciones que se están perdiendo hoy en día, como la pureza o un sonido más clásico. A mi barrio le debo el apoyo desde el inicio; siempre seremos Fuencarral 034. Incluso hay un colectivo que se llama FuenkaRap.
A pesar de tu juventud, llevas casi una década vinculado al rap. ¿Te sientes un veterano dentro de los "emergentes" o sientes que tu carrera no ha hecho más que despegar con este LP?
No solamente al rap, sino a su cultura y también a la música, porque me gusta experimentar más géneros. Me suelen decir que soy un veterano, y agradezco que me lo digan, pero yo siento que aún me queda mucho por avanzar y por evolucionar. Yo pienso que este LP ha sido un pasito.
Empezaste a ganar visibilidad con Instagram Reels en 2019. ¿Cómo se adapta un estilo que nació para ser "crudo y directo" en vídeos de 30 segundos a la narrativa más compleja y extensa de un álbum completo?
Hoy en día se pueden pensar muchas formas para sonar crudo y directo. Es cierto que la gente quiere temas más bien cortos, pero yo, a veces, he hecho temas más largos que la media habitual de hoy en día, sin perder la esencia.
Si escuchamos los temas que sobrevivieron de 2020 y los comparamos con el tracklist de "Heridas", ¿cuál dirías que es el mayor cambio en tu discurso? ¿De qué habla ahora Ferroda que no se atrevía a decir antes
El mayor cambio es la composición de mis letras. También ha mejorado la interpretación y la calidad del sonido. Antes era más cortito y me solía cortar y censurar más; hoy en día, nada de eso… hasta cierto punto, claro.
Con el disco ya en la calle y la respuesta del público siendo tan positiva, ¿cuál es el siguiente paso lógico? ¿Estás preparando ya el salto a los escenarios para defender estas "Heridas" en directo?
Por supuesto, está todo preparado. Además, ahora formo parte de un dúo musical con Alex Seguí. Vamos a hacer historia juntos; estamos trabajando mucho y pronto volvemos a los escenarios. Ahora, dos carreras se fusionan en una sola, con más potencia y más mensaje.
Para ese chico que hoy tiene 14 años y está en el parque viendo batallas de gallos igual que tú lo hacías, ¿cuál es el consejo más realista que le podrías dar basado en tu propia experiencia?
Le diría que, si quiere empezar, lo haga. Al principio no le van a apoyar, pero luego todo va cambiando. Hay que saber elegir entre los que están y los que han estado. Es un camino duro y muy difícil, pero se puede lograr con inversión, esfuerzo y disciplina.
Inspirada en el libro “Honrar la vida” de Tati Ballesteros, esta canción se presenta como una composición íntima y elegante, donde la lírica y la instrumentación dialogan con una carga emocional poco habitual en el panorama actual.
“Virmor” apuesta por una producción orgánica y cuidada, alejándose de lo superficial para conectar directamente con la sensibilidad del oyente. Escrita por Diego Cantero —alma creativa de Funambulista— junto a la propia Tati Ballesteros, la obra nace del encuentro entre la música y el pensamiento, trascendiendo lo estrictamente melódico para convertirse en una narración con identidad propia.
Para esta ocasión, Funambulista se rodea de músicos de reconocido prestigio que aportan una riqueza instrumental clave: Víctor Elías al piano, Josep Trescolí al chelo y Marino Sáiz al violín. El resultado es una atmósfera sonora envolvente, donde cada arreglo contribuye a la construcción de un mensaje honesto y profundamente evocador.
Con este lanzamiento, Funambulista reafirma su capacidad para crear piezas que perduran, apostando por la excelencia interpretativa y una identidad artística sólida que evoluciona sin perder su esencia.
El icónico grupo irlandés The Corrs volverá a los escenarios españoles en 2026 con una serie de cuatro conciertos exclusivos que tendrán lugar el próximo mes de agosto.
La formación integrada por Andrea, Sharon, Caroline y Jim Corr presentará un directo en el que repasarán algunas de las canciones más emblemáticas de su repertorio. Con su inconfundible mezcla de pop y folk celta, The Corrs se consolidaron como uno de los grandes fenómenos musicales internacionales de finales de los 90 y principios de los 2000, conquistando al público de todo el mundo con temas como Breathless, Runaway o What Can I Do.
Estas actuaciones suponen una oportunidad muy especial para volver a ver a la banda sobre el escenario y disfrutar en directo de un repertorio que forma parte de la historia reciente del pop.
La cantautora mexicana Dalú, conocida como “La Niña de las Mil Canciones” y ganadora de La Academia en 2020, presenta “Final Feliz”, una de las piezas clave de su álbum “Luna”, lanzado originalmente en abril de 2025 pero con una fuerte promoción en este 2026. La canción, una balada pop con tintes melancólicos, explora la aceptación del fin de una relación desde una perspectiva madura y honesta, lejos de los cuentos de hadas que prometen finales felices para todos.
“Final Feliz” nace desde ese momento de lucidez en el que una persona entiende que, por mucho que haya luchado, la relación no va a funcionar. “Ya sabía que no serías mi final”, canta Dalú, y la frase resume la esencia de un tema que habla de dejar de idealizar el futuro con alguien, de reconocer que no todos los amores están destinados a durar para siempre. “Soy la chica ideal de alguien, pero no de ti”, añade, y esa declaración es un acto de liberación: la certeza de que no hay nada malo en uno mismo, solo que no era la persona adecuada.
Musicalmente, “Final Feliz” apuesta por una instrumentación cuidada que equilibra la potencia vocal de Dalú con una atmósfera envolvente de bajo y sintetizadores suaves. La producción de Carlos Hamm y la guitarra de Ayrton Suarez crean un espacio sonoro donde la voz puede desplegarse con naturalidad, desde la intimidad de los versos hasta la intensidad del estribillo. El resultado es una balada que suena a la vez íntima y expansiva, perfecta para esos momentos de reflexión.
Dalú, cuyo nombre real es María Fernanda Borunda, destaca en la industria por ser una cantautora prolífica. Ella misma escribe y compone sus temas, defendiendo siempre la visión de la mujer autora en el género pop y acústico. Tras su paso por el reality, ha logrado consolidar una carrera independiente bajo su propio sello, Dalumusica, alejándose de los moldes comerciales para centrarse en producciones más orgánicas y crudas. En este 2026, ha estado lanzando una serie de sesiones tituladas “Acústico Live 2026”, donde interpreta temas como “Inquebrantable” y “Mejor sola”, reforzando esa conexión íntima con su público “tiburón”, como llama a sus fans.
“Final Feliz” ha tenido un nuevo impulso recientemente, con su video oficial reafirmándose como uno de los favoritos del álbum “Luna” por su carga emocional. La canción es la respuesta de Dalú a los cuentos de hadas: una reflexión sobre la madurez de soltar y entender que no todos los amores están destinados a ser el “para siempre”, pero que eso también está bien. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de aceptación y liberación que Dalú ha sabido capturar con la honestidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para quienes han tenido que aceptar que su final feliz no era con esa persona, para quienes saben que soltar también es una forma de ganar.
Lérica, Daviles de Novelda y Marta Santos presentan “Agüita Clara”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una fusión perfecta de rumba moderna, pop y ritmos urbanos, celebra el amor sano y puro, utilizando la metáfora de los “ojos como agüita clara” para hablar de esa persona que trae calma y limpieza a la vida, que aclara el camino cuando todo parece turbio.
El tema nace desde esa necesidad de cantar a la serenidad, a la transparencia de un amor que no complica sino que resuelve. “Agüita Clara” es optimista, ideal para el buen tiempo, con un estribillo que se instala en la memoria desde la primera escucha y una producción que mantiene la esencia flamenca pero la actualiza con sonidos urbanos contemporáneos. No es una canción de desamor ni de drama; es una celebración de lo que fluye cuando se encuentra a la persona adecuada.
La colaboración reúne a tres fuerzas complementarias. Lérica, el dúo formado por Tony Mateo y Juan Carlos Arauzo, aporta esa estructura de pop pegadizo y la energía necesaria para que cualquier canción se convierta en un hit de radio. Con más de diez discos de platino y colaboraciones con artistas como Belinda, Omar Montes y Abraham Mateo, su experiencia es garantía de un sonido pulido y accesible. Daviles de Novelda, uno de los máximos exponentes del “flamenco flow”, añade el toque de calle y autenticidad con su voz rasgada y su capacidad para meter versos rápidos. Se hizo mundialmente viral con “Flamenco y Bachata”, y aquí demuestra que su estilo sigue evolucionando. Marta Santos, la gran revelación sevillana de los últimos años, aporta la parte melódica y emocional. Su voz tiene una pureza que encaja perfectamente con el concepto de “agua clara” de la canción. Empezó subiendo covers a redes sociales desde su pueblo, Villanueva del Río y Minas, y hoy ya cuenta con premios Odeón y Cadena Dial, con su primer disco “Poquito a Poquito” como un éxito rotundo.
“Agüita Clara” es una combinación muy equilibrada: la experiencia de Lérica, el ritmo de Daviles y el sentimiento de Marta. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de calma y celebración que los tres artistas han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que el amor también puede ser transparente. Una canción para el buen tiempo, para la playa, para esos días en que todo fluye.
El dúo jiennense Mengui y Carmelo, formado por los primos Antonio David Rodríguez Rodríguez y José Carmelo García Rodríguez, presenta “Mentiras”, su nuevo sencillo lanzado en abril de 2026 y ya disponible en plataformas digitales. La canción, una rumba con base rítmica moderna, aborda el clásico tema del desamor y la superación, con una letra que habla de cerrar la puerta definitivamente a quien intenta regresar: “ahora quieres volver a mi vida, lo siento, ya no creo en tus mentiras”.
“Mentiras” nace desde ese territorio donde el orgullo y el dolor se enfrentan. La letra, directa y sin concesiones, no deja espacio a la duda: ya no hay vuelta atrás, las mentiras han sido tantas que la confianza se ha roto para siempre. Es una canción de empoderamiento, de esos temas que se corean con la mano en el pecho, sabiendo que quien se fue no merece volver. El estribillo, pegadizo y contundente, funciona como un mantra de liberación.
Musicalmente, el tema sigue la estela del sonido que ha hecho populares a Mengui y Carmelo: flamenco urbano con mucho sentimiento, bailable pero con una letra cargada de reproche. La producción, que mantiene la esencia rumbera pero la actualiza con arreglos contemporáneos, permite que el dúo suene tanto en las fiestas del pueblo como en las listas de reproducción junto a los grandes del género.
Mengui y Carmelo son el ejemplo perfecto de cómo el talento rural puede saltar al mundo entero gracias a las redes sociales. Naturales de Hornos de Segura, un pequeño pueblo de la provincia de Jaén, empezaron de forma muy humilde subiendo vídeos cantando con una guitarra en TikTok por pura pasión. Su carisma y sus voces tan “de verdad” conectaron rápido con la gente, viralizándose en cuestión de días. Aunque comenzaron haciendo covers de clásicos, pronto empezaron a colaborar con artistas del género como Borja Rubio, moviéndose entre la rumba, el flamenco y la bachata flamenca.
Lo que más gusta del dúo es que no han perdido su esencia. Siguen sonando a las fiestas y reuniones de amigos, a esas noches de verano en el pueblo donde la música se comparte con cercanía. Pero detrás de esa naturalidad hay una producción profesional que les permite sonar en cualquier discoteca o lista de reproducción. El videoclip de “Mentiras” mantiene esa estética sencilla que les caracteriza, enfocándose en su interpretación y en esa cercanía que los hace sentir como “los chavales del barrio” —o del pueblo, en este caso.
“Mentiras” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de desamor y superación que Mengui y Carmelo han sabido capturar con la honestidad de quienes escriben desde la experiencia vivida. Una canción para cerrar puertas, para decir adiós sin mirar atrás, para recordar que las mentiras, por mucho que duelan, también liberan.
La cantante y compositora madrileña Alba Moreno presenta “Cómo explicarle”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 3 de abril y ya disponible en plataformas digitales. La canción, una balada con mucha fuerza que se mueve en el terreno donde el pop melódico se encuentra con el sentimiento flamenco, aborda la dificultad de aceptar la ausencia de la persona amada, ese momento en que el corazón se niega a entender lo que la cabeza ya sabe.
“¿Cómo explicarle al corazón que hoy te vas? ¿Cómo decirle que sin ti se puede vivir?”, canta Alba, y la pregunta sin respuesta recorre todo el tema. “Cómo explicarle” es una canción de ruptura pura y dura, de esas que duelen porque hablan desde la verdad de quien ha tenido que aprender a vivir con la ausencia. El estribillo, un grito contenido que crece desde la intimidad hasta la intensidad, funciona como una catarsis para quien lo canta y un espejo para quien lo escucha.
Musicalmente, el tema apuesta por una producción limpia donde la voz de Alba es la absoluta protagonista. Comienza de forma íntima, casi susurrada, y va creciendo en intensidad a medida que la letra se adentra en el dolor. La base flamenca, que la artista lleva en los genes, se percibe en el deje de su voz, en ese “quejío” que no necesita artificios para emocionar. La producción, cuidada y actual, permite que la interpretación respire y que cada palabra llegue con claridad.
Alba Moreno no es una recién llegada. Viene de una estirpe de artistas: su bisabuela fue una figura del flamenco que llegó a compartir escenario con leyendas como Camarón de la Isla y Paco de Lucía. Ese legado, ese arte que lleva en la sangre, se percibe en cada nota. Pero Alba es también una artista “esponja”, capaz de absorber influencias que van desde el piano de Ludovico Einaudi hasta el pop de Niña Pastori o los ritmos urbanos franceses de Tayc. Antes de este single, ya había dejado temazos como “DA LA LUZ” o “Goteras”, donde juega más con sonidos urbanos y reggaetón lento, demostrando su versatilidad.
Lo que ha hecho triunfar a Alba Moreno en este 2026 es su capacidad para conectar con una audiencia joven que busca algo más que un ritmo de discoteca. Busca historias, busca verdad. Su habilidad para pasar de un registro urbano a una balada desgarradora como “Cómo explicarle” la hace muy versátil, una artista capaz de habitar distintos mundos sin perder su esencia. “Cómo explicarle” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de dolor y catarsis que Alba Moreno ha sabido capturar con la honestidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para los días de lluvia, para cuando necesitas soltar un poquito de pena acumulada, para quienes saben que a veces el corazón no entiende de explicaciones.
La cantautora guatemalteca Camila Orantes, una de las voces más brillantes del pop latino actual, presenta “gracias”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 19 de marzo y ya disponible en plataformas digitales. La canción, que forma parte de su proyecto “HISTORIAS DE NO AMOR <|3 (VOL 01)”, no es la típica canción de agradecimiento romántico, sino una reflexión sobre el cierre de ciclo, sobre agradecer lo vivido y lo aprendido desde la distancia que da el final de una relación que no pudo ser.
“gracias” nace desde ese territorio donde la madurez se impone al rencor. La letra, cargada de honestidad, no pide perdón ni exige explicaciones; simplemente agradece lo que fue y se despide con la cabeza alta. No hay amargura, hay la serenidad de quien ha entendido que algunas historias no están destinadas a durar para siempre, pero eso no las hace menos valiosas. La interpretación vocal de Camila, con esa voz “cremosa” que transmite fragilidad en los versos y seguridad en el estribillo, convierte la canción en una declaración de principios.
Musicalmente, “gracias” apuesta por un pop minimalista que permite que la letra ocupe el centro de la escena. La producción, a cargo de Claudio Trejo y Pablo Vamer, crea una atmósfera íntima que acompaña sin eclipsar, con arreglos justos que sostienen la melodía sin estridencias. El resultado es una pieza que suena a la vez delicada y contundente, perfecta para esos momentos de introspección en los que uno necesita poner punto y final a algo con elegancia.
Camila Orantes no es una artista improvisada. Su formación de élite, que incluye el programa de verano de la prestigiosa Berklee College of Music en Boston, se percibe en su dominio técnico y en su capacidad para construir canciones con una arquitectura sólida. Su estilo, un pop latino honesto con letras que parecen sacadas de un diario personal, se mueve entre la vulnerabilidad de las baladas y la frescura del pop moderno. Es una de las influencers y artistas más potentes de Guatemala, donde ha pasado de subir covers —muchos de ellos de su compatriota Ricardo Arjona— a liderar las listas con sus propios temas.
“gracias” es el motor de su EP “HISTORIAS DE NO AMOR”, un proyecto donde Camila explora el concepto del desamor no como un fracaso, sino como una historia que merece ser contada. Junto a temas como “la foto familiar” o “mi apodo”, este trabajo la consolida como una de las mejores compositoras de su generación en Centroamérica. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de cierre elegante que Camila Orantes ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo más maduro es agradecer y seguir adelante. Una canción para quienes necesitan cerrar ciclos con la cabeza alta, para quienes saben que el agradecimiento también puede ser una forma de despedida.
Las bandas Muñeca Rusa y Tigre y Diamante presentan “Un buen momento”, su nuevo single conjunto ya disponible en plataformas digitales. La canción, que nace de la relación de amistad entre ambos grupos y de un cruce artístico que va más allá de lo puntual, se mueve en un terreno de indie rock de guitarras con pulso melódico, tensión emocional y un estribillo directo que resume su sentido: “Si no querías esto, quizás no era un buen momento”.
El tema parte de una idea clara: la tendencia a mentirse a uno mismo para que todo siga en pie, incluso cuando ya hay señales de desgaste. La canción sitúa esa sensación en el contexto de una fiesta de disfraces, donde la contradicción emocional aparece de forma evidente. A partir de ahí, “Un buen momento” plantea una historia atravesada por la falta de honestidad, el orgullo y la necesidad de sostener una versión de los hechos que quizá ya no se cree nadie. No es una canción sobre la ruptura, sino sobre el momento previo, cuando todo empieza a desajustarse y aun así nadie termina de decir del todo la verdad.
Grabada en OVNI Studio, en Llanera, “Un buen momento” reúne de forma natural dos trayectorias distintas pero cercanas. Muñeca Rusa, banda gijonesa formada por músicos con recorrido previo en proyectos como Staytons y en la banda de directo de NOAN, ha ido construyendo una identidad propia entre el punk, el britpop noventero y el indie más crudo. Tigre y Diamante, por su parte, se ha consolidado como uno de los nombres más reconocibles del rock alternativo reciente, con una propuesta que combina garage, punk melódico, humor afilado y una creciente querencia por las melodías pop.
El cruce entre ambos grupos tiene continuidad más allá de esta canción. Andrey Fomchenko, voz y guitarra de Muñeca Rusa, se ha incorporado recientemente también a Tigre y Diamante, reforzando un vínculo artístico y personal que en “Un buen momento” encuentra una traducción natural. El resultado es una canción directa, reconocible y sin excesos, centrada en ese momento en que todo empieza a desajustarse y aun así nadie termina de decir del todo la verdad.
“Un buen momento” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de contradicción y desgaste que Muñeca Rusa y Tigre y Diamante han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que a veces lo más difícil no es irse, sino reconocer que el momento nunca fue bueno. Una canción para quienes se han quedado en fiestas que ya no querían celebrar, para quienes saben que mentirse a uno mismo es el disfraz más difícil de quitar.
La banda danesa Dead Star Talk presenta “Outta Luck”, el primer sencillo de su próximo tercer álbum, “Now Then Always Forever”, que verá la luz el próximo 4 de septiembre de 2026. El tema, ya disponible en plataformas digitales, marca el punto de partida de un ambicioso ciclo de doble álbum que se desarrollará a lo largo de exactamente doce meses, con el álbum espejo “Forever Always Then Now” completando el ciclo un año después de este primer lanzamiento.
“Outta Luck” es una canción onírica pero directa, psicodélica pero con los pies en la tierra. Habla de afrontar finalmente las consecuencias de haberse exigido al máximo sin medida. Mientras que las canciones posteriores del ciclo comenzarán a buscar una resolución, este primer adelanto se sitúa firmemente en el momento de la toma de conciencia: el punto en el que el impulso se transforma en ajuste de cuentas y el exceso ya no puede seguir esquivándose. No ofrece escapatoria ni resolución, sino claridad. Es el momento en que comienza la historia, antes de que la perspectiva cambie y emerja el optimismo.
Musicalmente, “Outta Luck” introduce el lenguaje sonoro central de la nueva etapa de Dead Star Talk. Las guitarras en capas crean una base difusa pero controlada, equilibrando atmósfera y precisión. La canción avanza con intención más que con urgencia, dejando espacio para que la tensión respire mientras se mantiene firme. Grabada con Flemming Rasmussen en Sweet Silence Studios en Copenhague, la canción refleja la filosofía sonora general del proyecto: a lo largo de ambos discos se utilizaron casi treinta guitarras diferentes, superpuestas meticulosamente para construir una arquitectura densa pero transparente, ocasionalmente ampliada con el saz turco, doblando sutilmente formas familiares hacia algo más personal.
En el núcleo de la canción está la dinámica entre Christian Holl Buhl y Günes Svarre Kocak. La voz más grave y áspera de Christian transmite peso y cansancio, mientras que la voz más ligera, limpia y casi angelical de Günes aporta elevación y contraste. Sus voces se entrelazan para formar una identidad vocal claramente polifónica, reflejada también en la interacción entre el rasgueo acústico de Christian y el trabajo expresivo de guitarra eléctrica de Günes. La banda se completa con Erik Ottar Jensen al bajo y Claus Nielsen a la batería.
“Outta Luck” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de toma de conciencia y claridad que Dead Star Talk ha sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que el exceso no puede seguir esquivándose. Una canción para el momento en que el impulso se transforma en ajuste de cuentas, para quienes saben que a veces la única forma de avanzar es asumir las consecuencias.
La artista Alicia Nurho presenta “Lumen Novum”, su nuevo trabajo ya disponible en plataformas digitales. El disco, que ella misma define como una puerta a su “muchness” —ese estado de esencia pura que el personaje de Mad Hutter lamentaba que Alicia hubiera perdido en “Alicia en el País de las Maravillas”—, es un territorio confuso para muchos pero la única vía posible para ella. Una guía para entender su universo musical neurodivergente, donde la electrónica oscura, el pop oscuro y la experimentación se dan la mano.
“Lumen Novum” llega tras “Vastatione”, trabajo con el que Alicia comenzó a crear universos nuevos, abriendo un camino a la producción electrónica oscura que culminó realizando el repertorio de su dúo con VERBOSE, “AVER”, en clave de pop oscuro y electrónica programática experimental. Desde 2020 hasta 2023, Nurho se formó en técnicas de ingeniería de grabación, producción y mezcla de manera autodidacta, con cursos privados y la mentoría de allegados profesionales como Carlos Bravo, Jaime Gómez Arellano y Nacho Angulo. Esta formación le ha permitido llevar a cabo la construcción íntegra de la producción artística de su obra, una capacidad influenciada por su férrea formación clásica desde los cinco años y su gran amor e interés por las grandes producciones de ballet y ópera.
En este nuevo trabajo se revela todo un camino de formación y autosuficiencia. Alicia ha creado tanto el contexto artístico en su totalidad —vestuario, artwork, diseño gráfico, historia, background, investigación— como el ámbito técnico —composición, producción, ingeniería de grabación, premezcla—. La mezcla y el máster corresponden a Nacho Angulo (Treeline Audio), cerrando un proceso donde la artista ha tenido el control absoluto sobre cada aspecto de su obra.
El uso de terminología sumeria en algunos pasajes del disco no es casual. No solo remite a una alusión cultural, sino que actúa como un tributo a la memoria histórica y al legado ancestral, caminos históricos que dejaron un profundo impacto en los sistemas de creencias, el pensamiento y las estructuras sociales que aún resuenan en nuestra actualidad. El conocimiento de los orígenes es esencial para comprender nuestras prácticas contemporáneas, y Alicia rinde homenaje también a las ancestras, mujeres cuyas huellas han quedado ocultas en la historia oficial, pero que sin duda jugaron un papel fundamental en el desarrollo de las primeras sociedades.
Las religiones, mitologías y costumbres de esa época no solo fueron una base para futuras civilizaciones, sino que se modificaron a lo largo del tiempo, adaptándose a nuevas realidades sociales y religiosas, pero conservando su huella indeleble en el presente. “Lumen Novum” se inscribe en esa tradición de rescate y reinvención, un trabajo que es a la vez íntimo y universal, personal y ancestral. El disco ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de oscuridad y belleza que Alicia Nurho ha sabido construir con la honestidad de quien entiende que la única forma de ser comprendido es mostrarse sin filtros. Una obra para quienes buscan recuperar su propio “muchness”.
El artista sevillano Galván Real, nombre artístico de Óscar Espinosa Castillo, presenta “Volveré”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una mezcla de pop melódico con ese quejío flamenco que lo ha convertido en una de las voces más personales del género, es una reafirmación de su compromiso con su público y con sus raíces, una promesa de reencuentro que resuena con especial fuerza en un año clave para su carrera: el de su gira del décimo aniversario.
“Y volveré a ese lugar donde este niño vio crecer, donde jugábamos sin miedo a envejecer”, canta Galván Real, y la frase resume la esencia de un tema que habla del paso del tiempo, de la pérdida de la inocencia y de la necesidad de volver a los orígenes. La letra, escrita por el propio artista, recuerda las noches frías en la plazuela, esa época en la que “éramos ricos sin saberlo”, y se convierte en un canto a la memoria como territorio de resistencia. No es una canción de despedida, sino de certeza: volveré, porque ese lugar sigue siendo mi hogar.
Musicalmente, “Volveré” mantiene la línea que ha hecho grande a Galván Real: una voz rasgada y profunda que transmite un sentimiento de piel, una producción exuberante y dramática diseñada para ser cantada a pleno pulmón. Producida por Joaquín Garzón, con mezcla y máster de Juan Manuel Castillo y guitarra de Sergio Gallardo, la canción combina la fuerza del flamenco con la accesibilidad del pop, creando un sonido que funciona tanto en la intimidad de los cascos como en la inmensidad de una plaza de toros llena.
Galván Real se ha consolidado como un gigante del flamenco pop y el sonido urbano con raíces en España. Autodidacta, se hizo a sí mismo produciendo sus primeros temas desde casa, lo que le valió una base de fans muy leal, los “galvanistas”, que lo sienten como uno más de ellos. Su música es exuberante, dramática y muy intensa, alejada del minimalismo de otros artistas emergentes, y está diseñada para emocionar sin complejos.
Este 2026 es un año clave para él porque está celebrando su gira del décimo aniversario, “10 Años Contigo”, que lo ha llevado de ser un fenómeno de YouTube a llenar plazas de toros y auditorios masivos. Entre las fechas confirmadas se encuentran lugares icónicos como la Plaza de Toros de Valencia, Badajoz, Tenerife y el Marenostrum Fuengirola. Además de “Volveré”, ha lanzado recientemente “Quizás No Lo Merezca”, demostrando que está en un momento creativo muy fértil para acompañar su gran gira.
“Volveré” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de nostalgia y promesa que Galván Real ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que volver a casa también es una forma de seguir adelante. Una canción para quienes recuerdan con cariño los lugares donde crecieron, para quienes saben que los sueños de niño no se olvidan.
La artista Onisco presenta “Stupid Song”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 31 de marzo y ya disponible en plataformas digitales. La canción, una pieza de art-pop e indie-folk que rompe con la estética del indie-pop actual, destaca por su honestidad brutal y su apuesta por la contención, esa cualidad tan escasa en un mercado lleno de canciones diseñadas para ser virales en quince segundos.
“Stupid Song” comienza de forma muy discreta, casi pidiendo permiso para entrar, y poco a poco va atrapando al oyente sin grandes estridencias. No hay clímax épicos ni alardes técnicos; hay una aceptación tranquila de la pérdida y la nostalgia, una serenidad que invita a la reflexión más que al movimiento. La canción se siente como si estuvieras en la habitación con Onisco mientras la compone, como si te estuviera contando un secreto o un pensamiento que acaba de tener.
La letra juega con la idea de querer detener el tiempo, con frases muy visuales como “el mar es solo un cielo bajo nuestros pies”, mezclando lo cotidiano con metáforas poéticas sobre la memoria y el amor que cambia con el tiempo. A pesar del título, la canción no tiene nada de estúpida; es una reflexión sobre la fugacidad de los momentos y la dificultad de aferrarse a lo que se va.
Onisco se mueve en el terreno de la anti-perfección. Su estilo es desarmante porque no busca impresionar a la fuerza. No necesita grandes producciones ni notas altas para emocionar; canta casi como si te estuviera hablando, con una voz conversacional que genera una cercanía inmediata. Esa apuesta por la honestidad por encima del artificio es lo que ha hecho que la crítica y el público abracen “Stupid Song” como algo refrescante.
“Stupid Song” es una canción de domingo por la tarde, de esas que tienen una calma melancólica que no te pone triste, sino que te hace reflexionar con serenidad. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de contención y honestidad que Onisco ha sabido capturar con la sensibilidad de quien entiende que a veces menos es más. Una canción para quienes buscan en la música un refugio de la vorágine, para quienes saben que las mejores canciones no necesitan gritar para ser escuchadas.
