El grupo tailandés 4EVE vuelve a prender fuego a las pistas de baile con su nuevo single Keep a Secret, una pieza vibrante de pop moderno que reafirma el estilo camaleónico y descarado de la girl band asiática. Compuesto por siete integrantes —Mind (líder), Jorin, Taaom, Hannah, Fai, Punch y Aheye—, el grupo sigue consolidando su nombre dentro del panorama pop internacional con una canción que mezcla sensualidad, actitud y un estribillo imposible de olvidar.

Producido bajo el sello XOXO Entertainment, con Daddy K como productor ejecutivo y un equipo de primera línea liderado por Brian Kennedy y Rob Persaud, Keep a Secret se presenta como un himno de empoderamiento femenino, picardía y complicidad entre chicas. La canción, que cuenta con una producción impecable y una base rítmica explosiva, juega con la idea del secreto compartido y la velocidad con la que los rumores pueden propagarse en una noche de fiesta.

Desde su primera estrofa, el tema deja claro su tono descarado y glamuroso: “Always late to the party, but the bouncer call me baby, sayin' haven’t seen you lately…”. Así comienza esta pieza que invita a moverse, a sonreír con complicidad y a formar parte de un universo en clave de confidencias, brillos y minifaldas. Con un estribillo que repite “How long can you keep a secret”, el grupo crea un código privado con su audiencia, reforzando ese vínculo cercano y divertido que ha convertido a 4EVE en uno de los fenómenos pop emergentes más seguidos del sudeste asiático.

La producción, firmada por Brian Kennedy y Rob Persaud, combina arreglos modernos con beats bailables y detalles electrónicos que acompañan a la perfección la actitud irreverente de las voces de 4EVE, dirigidas por SYPS, DANI, Chanyaphat Jiraatthiwatkul y Lukpeach. El resultado es una canción que equilibra lo pegadizo y lo estilizado, con una mezcla que mantiene cada detalle en su sitio y eleva la energía de principio a fin.

Keep a Secret también llega con una coreografía que promete viralizarse en redes y convertirse en tendencia, siguiendo la tradición de los lanzamientos anteriores de 4EVE, donde la danza y la estética visual juegan un papel protagónico. La canción, con su juego de complicidades y guiños entre amigas, invita a todas las oyentes a sumarse a este club secreto de confidencias, códigos y noches interminables.

Este nuevo single forma parte de la evolución de 4EVE, un grupo que desde su debut se ha caracterizado por su versatilidad musical, carisma escénico y letras que conectan con una generación que busca autenticidad y diversión sin complejos. Keep a Secret se suma así a una lista de éxitos que consolidan su propuesta fresca y global.

La canción ya está disponible en plataformas digitales, lista para convertirse en la banda sonora de las noches más atrevidas y divertidas. Para no perderse ninguna novedad, lanzamiento o coreografía viral, puedes seguir de cerca a 4EVE a través de sus redes sociales, donde las siete integrantes comparten contenido exclusivo, ensayos, videoclips y momentos detrás de cámaras de este fenómeno pop tailandés que sigue conquistando nuevos territorios.

Tripulante continúa escribiendo su propia historia con paso firme. El pasado 23 de mayo veía la luz Un acto de fe, su segundo álbum de estudio, un trabajo en el que el artista barcelonés se desnuda emocionalmente a través de diez canciones grabadas y producidas por él mismo en GuitarRec Estudio (Barcelona) y masterizadas por Tomi Pérez, conocido por sus trabajos junto a artistas como Carlos Sadness o Blaumut. Ahora, Tripulante da un paso más al frente con el lanzamiento del videoclip de “Un acto de fe”, tema que da nombre al disco y que se ha convertido en uno de los cortes más representativos de esta nueva etapa.

La pieza audiovisual, dirigida por Eloi Casellas de Luee Studio, mantiene fielmente la estética urbanita que envuelve todo el álbum. Con un juego de luces, sombras y colores que refleja a la perfección la dualidad emocional que recorre las canciones del disco, el videoclip se convierte en una declaración de intenciones visual, donde se respira la búsqueda de sentido en medio de la incertidumbre.

Este viernes 6 de junio no es un día cualquiera para el músico barcelonés. Además de estrenar el videoclip, Tripulante presenta esta misma tarde en Ultralocal Records, una conocida tienda de vinilos de Barcelona, las canciones de Un acto de fe en un evento cercano e íntimo que confirma la buena acogida de este proyecto. El álbum, editado bajo su propio sello Keepalive Records, ha logrado posicionar varios de sus singles de adelanto —“Un acto de fe”, “Decírtelo”, “Una señal” y “Actuar”— en listas editoriales tan relevantes como Fresh Finds España y Spotify Novedades Indie, consolidando su espacio dentro de la escena independiente nacional.

Tripulante es el proyecto en solitario de Vicen Martínez, guitarrista, compositor y productor que ha trabajado con nombres como Maldita Nerea, Sidonie, Pablo López y Nena Daconte. Desde 2013, cuando publicó su primer EP El brillo de la ciudad, Vicen decidió emprender una travesía personal alejada de los focos convencionales, apostando por una carrera independiente que se ha nutrido de honestidad, introspección y una búsqueda constante de identidad sonora. Con Un acto de fe, Tripulante no solo confirma esa inquietud creativa, sino que también se reafirma como uno de los nombres a seguir dentro del panorama indie español.

El videoclip de “Un acto de fe” ya se encuentra disponible en plataformas digitales, junto al resto de canciones del álbum. Para conocer más sobre Tripulante y estar al tanto de sus próximos pasos, se puede seguir su actividad en sus redes sociales.

Chloe Florence sigue consolidando su lugar como una de las voces más singulares y versátiles de la escena actual. Tras dejar su impronta el año pasado con una emotiva versión de Back To Black de Amy Winehouse, que obtuvo una excelente recepción en plataformas digitales, la cantante, artista visual y escritora vuelve a la carga con Log Off, un single que se presenta como una invitación a desconectar de las pantallas y reconectar con lo esencial.

Este nuevo lanzamiento llega tras dos potentes sencillos previos en 2025: Golden Hour y In Due Time, ambos elogiados por su capacidad de conjugar sensibilidad, texturas sonoras evocadoras y letras profundamente confesionales. En Log Off, Chloe Florence mantiene esa esencia, pero esta vez en clave luminosa y despreocupada, proponiendo una banda sonora perfecta para los días soleados y las tardes improvisadas entre amigos.

La canción, construida sobre una base de sintetizadores cálidos, acordes nostálgicos y una voz que envuelve, nace de una sesión sin pretensiones junto a amigos cercanos. “Escribí esta canción sin presión ni estrés, simplemente se dio. Quería crear algo que te hiciera querer bajar las ventanas del coche o llamar a tus amigos para quedar sin pensarlo demasiado”, comenta Florence sobre el proceso de composición. Esa libertad creativa se percibe en cada nota de Log Off, que consigue capturar con naturalidad ese impulso vital de dejar de lado las obligaciones digitales y disfrutar de lo que tenemos delante.

Más allá de su faceta como cantante, Chloe Florence ha demostrado ser una creadora integral. Sus canciones, pinturas, escritos y vídeos conforman un universo artístico personalísimo, donde las emociones se viven sin filtros y se exploran los matices entre el deseo, la desilusión y la búsqueda de claridad. En palabras de la propia artista: “A través de mi trabajo intento ofrecer a quien me escucha y me observa un espejo donde sentirse visto y comprendido. El arte, en su mejor versión, se convierte en brújula y refugio”.

Log Off no es solo una canción, sino una pequeña declaración de intenciones que nos recuerda que a veces lo mejor que podemos hacer es desconectarnos del ruido virtual y salir a vivir. Disponible ya en plataformas digitales, este nuevo single reafirma el talento de Chloe Florence como una voz imprescindible para quienes buscan sensibilidad, belleza y verdad en la música contemporánea. Para seguir de cerca sus próximos proyectos y descubrir todo su universo creativo, se puede encontrar más información en sus redes sociales.

Bad Gyal vuelve a marcar territorio en la escena urbana con el estreno de Da Me, un tema que reafirma su estatus como una de las artistas más potentes y transgresoras del panorama internacional. La catalana, que acumula ya 19 Discos de Platino y 5 Discos de Oro, no baja el ritmo y presenta una canción que combina su característico dancehall sensual con beats urbanos contundentes y letras cargadas de atrevimiento.

Con una trayectoria impecable que la ha llevado a colaborar con nombres como Rauw Alejandro, Karol G, Sean Paul y Quevedo, Bad Gyal mantiene su posición como referente de la nueva generación de artistas latinos y europeos. Da Me llega tras una serie de éxitos virales y una intensa gira internacional que ha llevado su sonido a los escenarios de Europa, Estados Unidos y Latinoamérica, consolidando su alcance global.

En Da Me, Bad Gyal vuelve a desplegar su lenguaje sin filtros y su erotismo elegante, con una letra que mezcla deseo, poder y descaro. “Él usa el arma con intención, me cambia de posición, le gusta que me ponga violenta” canta la artista, dejando claro que aquí manda ella. Con un estribillo pegajoso —“Da, da, da, da, da, dame al ritmo de la pista”— la canción se convierte en una declaración de control y placer femenino, adornada con un ritmo infeccioso que invita al perreo sin tregua.

La producción mantiene el pulso característico que ha definido su música estos años, con esa mezcla de dancehall, reggaetón y sonidos electrónicos que han hecho de Bad Gyal un fenómeno imparable. En esta ocasión, la artista vuelve a apostar por beats crudos y minimalistas que dan todo el protagonismo a su voz y a unas barras cargadas de actitud y sensualidad.

Además, Da Me no solo funciona como tema de pista, sino también como reflejo de esa Bad Gyal que conecta con su público a través de códigos propios y mensajes de empoderamiento sexual y libertad. Frases como “Propietario, tú no pagas renta, nah, cualquier tíguere no entra” vuelven a posicionarla como una voz con discurso en un género dominado históricamente por visiones masculinas.

Con este lanzamiento, Bad Gyal sigue adelantando material de su esperado álbum debut, previsto para los próximos meses, tras el éxito de su último EP que debutó en el top 10 global de Spotify y superó los 150 millones de reproducciones. Una apuesta segura que vuelve a demostrar por qué es una de las propuestas más valiosas de la escena urbana actual.

Da Me ya está disponible en plataformas digitales, lista para convertirse en la nueva favorita de los playlists de reggaetón, dancehall y club. Para no perderte nada de sus próximos lanzamientos, colaboraciones y giras, puedes seguir a Bad Gyal a través de sus redes sociales, donde comparte adelantos, videoclips y contenido exclusivo para su fiel legión de fans.

La cantante internacional de Pop, R&B y música latina Alexis Salgado, reconocida por sus dos apariciones en el Top 40 de Billboard, vuelve a escena con Pegaito, un vibrante sencillo que promete convertirse en el himno del verano de 2025. La artista, que ha sabido consolidarse como una de las voces más versátiles y carismáticas de la escena latina y pop internacional, apuesta en esta ocasión por una mezcla explosiva de ritmos y culturas que invita a celebrar la vida y el movimiento.

Pegaito no es solo una canción, es una auténtica fiesta global. Así lo define la propia Salgado, quien ha reunido para este tema a un elenco estelar encabezado por el artista viral The Singing Chef Dennis Fernandez y figuras consagradas como los ganadores del Grammy Marlow Rosado, Tony Succar y Alex Acuña. A ellos se suman los dinámicos productores KlubJumpers, Ricardo Martinez y Reinier Bonachea, que aportan su talento a una producción de sonido vanguardista, en la que conviven a la perfección los instrumentos en vivo y las texturas electrónicas de última generación.

El sencillo destaca por su fusión bilingüe de inglés y español, y una irresistible combinación de reguetón, cumbia, salsa y beats electrónicos. Esta amalgama de estilos consigue crear una experiencia musical fresca, dinámica y rica en matices, que conecta con públicos de diferentes edades y orígenes. El resultado es un tema que no solo invita a la pista de baile, sino que también celebra el orgullo cultural y la unidad a través de la música.

“Pegaito es más que una canción, es una fiesta global”, afirma Alexis Salgado. “Quería crear algo atemporal que uniera a las personas, y trabajar con este equipo increíble hizo ese sueño realidad”. La canción, que verá la luz oficialmente el 10 de junio de 2025, llega en el momento perfecto para animar el verano y promete causar sensación en las listas internacionales, los clubes y las plataformas digitales más importantes del panorama actual.

Con una trayectoria marcada por el atrevimiento artístico y su capacidad para romper barreras entre géneros, Salgado sigue consolidando su posición como referente en la evolución del pop americano, el R&B y el pop tropical latino. Su apasionada voz, su presencia escénica magnética y su compromiso con la fusión cultural la convierten en una de las artistas más interesantes y completas del momento.

Pegaito estará disponible a partir del 10 de junio de 2025 en plataformas digitales. Para más información sobre Alexis Salgado y sus futuros proyectos, se puede seguir a la artista a través de sus redes sociales.

Desde Caracas para el mundo, Jerry Di sigue escribiendo su nombre con letras doradas dentro del reggaetón romántico con el estreno de su más reciente sencillo Wapa, una canción que derrocha sensualidad, playa y esa energía vibrante que caracteriza al artista venezolano. Fiel a su esencia, Jerry vuelve a apostar por un tema donde el amor y la pasión se mezclan con ritmos cadenciosos, letras directas y un beat que invita a perderse entre la arena y el mar.

Wapa es una celebración al deseo y la conexión genuina entre dos personas. La canción destaca por una letra que dibuja imágenes de playas infinitas, noches bajo la luna y encuentros que comienzan en la arena y terminan en la intimidad. Con frases como “Si la beso, la luna se prende en llama, empezamos en la arena y terminamos en mi cama”, Jerry Di captura esa vibra veraniega que tantas veces ha sido la protagonista de sus éxitos.

El sencillo forma parte de la nueva etapa creativa del cantante, quien ha recorrido un largo camino desde sus inicios en agrupaciones como Calle Ciega y Dakota, hasta consolidarse como uno de los artistas venezolanos más influyentes del reggaetón actual. Tras su primer gran golpe con Culito Nuevo en 2018, Jerry no ha bajado la guardia, sumando colaboraciones con gigantes del género como Zion & Lennox, Piso 21, Farina y Justin Quiles, y entregando éxitos que se han posicionado en las playlists más importantes de la música latina.

En Wapa, Jerry mantiene su característico “flow elegante” que lo ha hecho destacar dentro de una escena saturada de fórmulas repetidas. La producción juega con sonidos caribeños, arreglos frescos y una estructura que se mueve entre lo clásico y lo moderno del reggaetón. Además, se nota la madurez lírica del artista, que continúa relatando sus vivencias, romances y filosofías de vida con un estilo relajado y sincero.

Este nuevo tema llega tras el éxito de ASILO COLLECTIONS, un viaje musical de cinco volúmenes donde Jerry abrió su alma para contar las experiencias que ha acumulado en los últimos años. Wapa podría considerarse una continuación de esa narrativa íntima y honesta, pero esta vez envuelta en un ambiente de disfrute, sol y deseo.

La canción ya está disponible en plataformas digitales, lista para convertirse en banda sonora de tardes en la playa, fiestas con amigos y momentos privados. Jerry Di sigue demostrando que el reggaetón romántico tiene espacio en la actualidad y que, con la fórmula adecuada, puede mantenerse fresco, atrevido y relevante.

Para no perderse sus próximos estrenos, colaboraciones y noticias sobre su carrera, se puede seguir al artista a través de sus redes sociales, donde comparte de cerca sus proyectos, pensamientos y detalles de su día a día. Wapa no es solo una canción, es una invitación a vivir sin preocupaciones, amar sin miedo y disfrutar cada momento al ritmo de Jerry Di.

La artista malagueña Julia Martín, bajo su alter ego Yulai Bombay, continúa desvelando capítulos de su segundo álbum con el lanzamiento de Full of Lies, un tema que se sumerge en las contradicciones emocionales de las relaciones contemporáneas y el dolor silencioso del abandono. Este tercer single se presenta como una declaración elegante y desgarrada a partes iguales, envuelta en ritmos de afropop y una interpretación vocal que transita entre la melancolía y la determinación.

Full of Lies aborda sin tapujos una de las realidades más comunes y menos habladas del presente emocional: el ghosting. La canción retrata la desconexión emocional, la frialdad disfrazada de indiferencia y esa amarga sensación de intuir que detrás de las sonrisas se esconden verdades no dichas. Con una letra honesta y directa, Julia convierte la herida en arte, creando un tema que, aunque dolido, no renuncia a la belleza sonora ni a su sensibilidad pop.

El videoclip que acompaña este single, dirigido por Martín de Arriba, potencia ese discurso emocional a través de una narrativa visual íntima y simbólica. Con una estética vibrante pero cargada de nostalgia, la protagonista de la pieza audiovisual transita por espacios que funcionan como metáfora de las apariencias artificiales en las que se refugian las relaciones vacías. La dirección de arte apuesta por colores saturados, luces de neón y atmósferas donde el dolor queda camuflado bajo una apariencia luminosa, replicando así la esencia misma de la canción.

Este lanzamiento forma parte de Yulai Bombay, el nuevo álbum de Julia Martín, un trabajo que funciona como un diario emocional donde la artista malagueña recoge despedidas, reconciliaciones internas, sobrecargas y pequeños reencuentros con la felicidad cotidiana. Bajo la producción compartida con Pablo Márquez y Gregorio Herreros, Julia ha tejido un sonido que cruza géneros como el neo-soul, el afro-pop, el jazz y el hip-hop, logrando una identidad sonora propia y coherente.

A lo largo del disco, la artista ha contado con colaboraciones de nombres destacados como Elphomega, Des Marks, SpokSponha y RJay, además de una emotiva colaboración póstuma con la voz de su abuelo paterno Pedro Casero en la canción Pena, que añade una dimensión íntima y conmovedora al conjunto.

Full of Lies llega para confirmar el momento creativo de Julia Martín, quien desde Málaga está construyendo una carrera sólida y honesta, alejada de los clichés y fiel a su instinto artístico. Con este single, Yulai Bombay reafirma su capacidad para contar historias personales que, sin embargo, resuenan de forma universal.

El tema ya está disponible en plataformas digitales y se perfila como uno de los cortes más emotivos y pegajosos del álbum. Para seguir de cerca sus próximos lanzamientos, colaboraciones y noticias, se puede seguir a la artista a través de sus redes sociales, donde comparte detalles de este proyecto vital y artístico que ha decidido contar con la verdad por delante.

El colectivo musical Soul de Vienne presenta My Life Is Mine, un single cargado de alma y determinación que se convierte en un canto de independencia para todos aquellos que, alguna vez, se han sentido presionados a ajustarse a lo que otros esperaban de ellos. Esta nueva entrega marca un paso firme en la trayectoria de la agrupación, combinando profundidad emocional con un groove contemporáneo que atrapa desde la primera escucha.

Compuesta y producida por Roman Schleischitz, líder de Soul de Vienne, la canción refleja una declaración universal: Esta vida es mía, y yo decido hacia dónde va. Con letras directas y una interpretación cargada de emoción, My Life Is Mine ofrece un mensaje claro a quienes buscan romper con las expectativas impuestas y reconectar con su propia voz. Su sonido mezcla influencias del soul clásico con matices modernos, creando una pieza versátil que se adapta tanto a un público que valora lo tradicional como a quienes buscan propuestas más actuales.

Soul de Vienne es un colectivo conocido por su enfoque flexible y su apuesta por la diversidad creativa. Bajo la dirección de Schleischitz, el proyecto reúne músicos de gran talento que se integran según las necesidades de cada obra, lo que permite explorar distintos estilos y sonoridades sin perder una identidad definida. Este modelo de trabajo ha dado lugar a una serie de producciones en las que conviven elementos del soul, jazz, pop, rock y música clásica, siempre con una fuerte carga emocional y un cuidado especial en los arreglos instrumentales, donde destacan las vibrantes secciones de metales.

El origen de este proyecto se encuentra en la pasión de Roman Schleischitz por la música, alimentada desde su juventud en escenarios como el mítico Jazz Pub Wiesen y enriquecida por su formación en órgano en el Conservatorio Diocesano de Viena, así como por sus estudios de piano jazz en el Conservatorio de Viena junto a maestros como Berthold Föger y Harry Gansberger. Esa versatilidad académica y artística se refleja en cada una de las composiciones de Soul de Vienne, donde conviven tradición, modernidad y una clara vocación por el mestizaje sonoro.

My Life Is Mine no solo destaca por su mensaje y su cuidada producción, sino también por su capacidad para conectar con oyentes de distintas generaciones. Es una canción que invita a la reflexión sin renunciar al ritmo, pensada para ser escuchada en cualquier contexto, desde una playlist personal hasta un gran escenario. Con este lanzamiento, Soul de Vienne demuestra una vez más su habilidad para convertir experiencias humanas en música sincera y accesible.

El single ya está disponible en plataformas digitales, sumándose a un catálogo que sigue creciendo y consolidando a Soul de Vienne como uno de los proyectos musicales más interesantes de la escena internacional. 

El músico irlandés John Gallen presenta Pornstar, el primer single de su esperado tercer álbum Triple7, una canción que mezcla ironía, crítica social y una buena dosis de empatía para hablar de uno de los fenómenos más comentados de los últimos tiempos: la exposición personal en internet a cambio de dinero fácil. Sin moralinas ni juicios, Gallen se pone en la piel de quienes venden su intimidad online, preguntándose por los motivos, las expectativas y las desilusiones que hay detrás de esa decisión.

Con este lanzamiento, Gallen continúa consolidando su particular manera de hacer música, a la que él mismo define como observation melody, una fusión de melodías cautivadoras y letras que observan con detalle y sin filtro los comportamientos humanos. Pornstar no es una canción de clichés. Es una reflexión envuelta en ritmo, donde el artista se cuestiona a sí mismo y a su entorno, dándole voz a quienes rara vez la tienen en el relato público.

La producción de Pornstar ha corrido a cargo de Billy Farrell, dos veces nominado al Grammy, con la colaboración de Tony Perrey en los legendarios Windmill Lane Studios de Dublín, un lugar cargado de historia musical que ha recibido a figuras como U2, The Rolling Stones o Van Morrison. Para John, grabar allí fue más que un honor, especialmente el momento en que firmó la pared de Studio 1 justo debajo de Bruce Springsteen. “Fue uno de esos pequeños gestos que te reconcilian con todo el esfuerzo y las horas dedicadas a este oficio”, comenta el artista.

El sonido de Pornstar es resultado de un proceso creativo muy particular. Gallen compone y graba las bases instrumentales en su estudio personal Coachhouse Blackhall, para luego llevarlas al equipo de producción y a su banda de ocho músicos, quienes aportan su toque en la etapa final de grabación. Para este proyecto, además, el mastering estuvo a cargo de Kevin Tuffy, elegido Ingeniero de Mastering del Año en Reino Unido en 2022, desde su estudio en Berlín.

Musicalmente inclasificable, John Gallen ha demostrado en sus dos anteriores discos —1970s y Rizla, Smokes Music & Wine, ambos número uno y dos en Irlanda— que es capaz de moverse entre el rock, el pop, el reggae, el hip-hop y la música clásica sin perder autenticidad. En este nuevo trabajo, sus influencias vuelven a cruzarse con naturalidad, desde los ritmos urbanos hasta arreglos con toques vintage.

Más allá de su presente, Gallen ya está trabajando en su cuarto álbum y, de momento, no tiene fechas previstas para volver a los escenarios. “El tiempo es limitado”, dice John. “Quiero dejar una obra que tenga sentido dentro de unos años. Ya habrá momento para girar y hacer que estas canciones respiren en directo”. Aun así, el músico dejó huella en 2024 con su potente directo junto a una banda de diez integrantes, tanto en Irlanda como en Estados Unidos.

El concepto de Triple7, según su creador, es un guiño a quienes se atreven a apostar por la vida. “Nada es perfecto, pero siempre hay una posibilidad”, resume Gallen. Y Pornstar, con su letra provocadora y su trasfondo existencial, es el mejor ejemplo de esa filosofía.

El single ya está disponible en plataformas digitales y forma parte de un álbum que promete ser uno de los más personales y arriesgados de la carrera de John Gallen. Para estar al tanto de todas las novedades del artista, puedes seguirlo en sus redes sociales.

Jack Horton continúa desvelando las canciones de su esperado EP Imperfections, y este mes llega una de las más especiales: Operator. Se trata de una versión reimaginada del emblemático tema de Jim Croce, originalmente lanzado en 1972, al que Horton aporta una nueva sensibilidad y matices personales que conectan con su propio viaje emocional y artístico.

El músico y compositor, conocido por fusionar una narrativa honesta con una cuidada ejecución instrumental, ha confesado que nunca se había planteado versionar a otro artista. Sin embargo, Operator fue la excepción. “Como compositor, siempre pensé que debía escribir mis propias canciones, pero quise aportar algo diferente a este tema, hacerlo mío sin perder su esencia”, explica Horton sobre su decisión de rendir homenaje a uno de los grandes referentes de la canción norteamericana.

Esta nueva versión de Operator mantiene la melancolía del original, pero la envuelve en un sonido más contemporáneo, con arreglos de piano y una interpretación vocal que subraya la vulnerabilidad del relato. Horton logra transformar una conversación telefónica de desamor en una reflexión atemporal sobre las despedidas y las cosas que quedan sin decir.

Operator es el tercer lanzamiento de Imperfections, un EP que Horton está presentando canción a canción desde abril y que verá su cierre en agosto. En este trabajo, el artista plasma un recorrido de emociones intensas, desde la liberación personal en Set Me Free hasta el amor sencillo y decidido de String Around My Finger, sin olvidar Never Know Why, un apasionado dúo con su colaboradora y pareja musical, Vesper Stockwell, y una nueva versión de su tema Space and Time.

Este proyecto sucede a The Tokyo Sessions, el EP anterior de Horton que recoge composiciones escritas en japonés durante su etapa en Tokio, y que tendrá su propia campaña de promoción en Japón a mediados de 2025.

Oregonés de nacimiento y afincado durante años en Tokio, Jack Horton es un artista que ha transitado por la abogacía, el servicio público y el mundo empresarial antes de regresar a su vocación original: la música. Pianista clásico de formación, su propuesta artística combina historias de vida con una sensibilidad instrumental capaz de emocionar en cada acorde.

El single Operator ya está disponible en plataformas digitales y forma parte de un EP que promete consolidar a Jack Horton como una de las voces más sinceras y versátiles del panorama actual. Para no perderte sus próximos lanzamientos y proyectos, puedes seguirlo en sus redes sociales.

Tres potencias de la música internacional acaban de unir fuerzas para presentar “Save My Love”, una colaboración que fusiona la sensibilidad pop de Ellie Goulding, la producción innovadora de Marshmello y la intensidad sonora de AVAION. El resultado es una canción que equilibra a la perfección la melancolía y la energía, convertida desde su lanzamiento en una de las propuestas más comentadas dentro de la escena electrónica actual.

Marshmello, uno de los productores más influyentes del panorama global, suma otro capítulo destacado a su trayectoria, caracterizada por romper fronteras de género y colaborar con grandes nombres de la industria. Con más de 13 mil millones de streams solo en Spotify y más de 40 millones de oyentes mensuales, el enigmático artista sigue demostrando su capacidad de reinventarse y conectar con públicos diversos. A esta fórmula se suma Ellie Goulding, la aclamada cantante británica que acumula 43 mil millones de reproducciones en todo el mundo y una carrera llena de éxitos, reconocimientos y activismo social. Completa el trío el productor alemán AVAION, que ha conquistado a la crítica y a sus seguidores con su sonido envolvente y emocional, logrando cifras millonarias en plataformas y listas globales.

“Save My Love” es una balada electrónica que habla sobre los amores que no se olvidan, los momentos que quedaron atrás y ese deseo persistente de guardar un lugar en el corazón para alguien especial. La letra, interpretada con la voz dulce y nostálgica de Ellie Goulding, refleja una mezcla de recuerdos y oportunidades perdidas, pero también deja abierta una puerta a la reconciliación y al amor incondicional. “I’ll save my love for you, just tell me if you’re ready, cause if you’re ready, I am too” resuena como un mantra para quienes se debaten entre el pasado y el presente.

El sonido de la canción destaca por su atmósfera etérea y su progresión envolvente, marcada por las bases características de Marshmello, los detalles instrumentales de AVAION y una interpretación vocal impecable que aporta una sensibilidad única. Es una pieza que, sin renunciar a su esencia dance, invita también a la reflexión y al recuerdo, conectando emocionalmente con la audiencia desde la primera escucha.

Ya disponible en plataformas digitales, “Save My Love” ha comenzado a escalar posiciones en playlists y charts de diferentes países, consolidando a este trío de artistas como protagonistas indiscutibles de la temporada. El videoclip oficial, publicado en YouTube, complementa a la perfección el tono melancólico de la canción, con imágenes que evocan memorias, paisajes emocionales y reencuentros pendientes.

Para más información sobre Marshmello, Ellie Goulding o AVAION y sus próximos lanzamientos, puedes seguirlos en sus redes sociales, donde comparten contenido exclusivo, adelantos de nuevos proyectos y detalles de sus giras y colaboraciones futuras.

Natalia, una de las voces más queridas y reconocidas del pop español, regresa con fuerza este 2025 para presentar su nuevo sencillo Tu Diosa, en colaboración con Rasel, referente indiscutible de la música urbana nacional. Juntos, firman una canción vibrante, pegadiza y con mucho carácter, que promete convertirse en uno de los himnos de la temporada.

Desde su irrupción en Operación Triunfo 2001, Natalia ha sabido ganarse un lugar privilegiado en la industria musical, reinventándose disco a disco y adelantándose a las tendencias. Con una trayectoria de más de dos décadas, hits multiplatino y millones de reproducciones acumuladas, la cantante gaditana ha hecho de su versatilidad su sello personal. Ahora, vuelve a apostar por una propuesta fresca y actual, de la mano de Rasel, para demostrar que sigue tan vigente como en sus inicios.

Por su parte, Rasel continúa consolidando su éxito tras una carrera repleta de temas que han traspasado fronteras. Desde su recordado Me Pones Tierno junto a Carlos Baute, hasta éxitos como Estas To Buena, La Consulta o Gitana, el sevillano ha llevado su particular mezcla de flamenco y música urbana a lo más alto, consiguiendo cifras millonarias en plataformas digitales y convirtiéndose en uno de los artistas más seguidos del género.

Tu Diosa es un tema que fusiona el pop melódico y sensual de Natalia con los tintes urbanos y el carácter sureño de Rasel. La canción habla del deseo, la complicidad y el empoderamiento femenino en una relación, con una letra directa y una producción actual que mezcla ritmos mediterráneos, beats urbanos y un estribillo de esos que se quedan grabados desde la primera escucha.

El videoclip, que acompaña este lanzamiento, mantiene la estética elegante y provocadora que ha caracterizado las últimas producciones de ambos artistas, presentando una historia de atracción, juego y poderío personal en un entorno nocturno y festivo.

Con Tu Diosa, Natalia y Rasel reivindican su capacidad para conectar con nuevas generaciones sin perder la esencia que los ha convertido en referentes de la música en España. Una colaboración que, sin duda, dará mucho que hablar en los próximos meses y que reafirma el buen momento creativo que atraviesan ambos intérpretes.

El tema ya está disponible en plataformas digitales. Para conocer más sobre Natalia, Rasel y sus futuros proyectos, se les puede seguir a través de sus redes sociales.

Nyno Vargas, uno de los artistas más singulares y respetados de la música urbana española, vuelve a emocionar a su público con el lanzamiento de Eterno, su nuevo sencillo. El valenciano, fiel a su estilo personal y a esa mezcla inconfundible de flamenco y música urbana que lo ha llevado a lo más alto, regresa con un tema que habla de amores que trascienden el tiempo y de sentimientos que, pese a todo, permanecen intactos.

Nacido en el barrio de Las 613 en Burjassot, Valencia, Nyno Vargas ha convertido su vida y su entorno en la mejor escuela musical. Creció escuchando a Camarón, antes de sumergirse en el hip hop y en las nuevas corrientes urbanas, lo que le permitió moldear una identidad propia que se ha mantenido intacta desde sus inicios en 2009 con la demo Desde Las 613, hasta su consolidación como uno de los nombres imprescindibles de la escena nacional.

Eterno mantiene ese sello inconfundible que caracteriza a Nyno: una base urbana elegante, toques flamencos en las guitarras y en las palmas, y una letra que nace desde la autenticidad y la emoción. En esta ocasión, el artista canta a ese amor que nunca se olvida, a esa persona que se queda tatuada en la memoria, sin importar cuánto pase el tiempo ni cuántas historias vengan después. Un tema que apela a la nostalgia y a los sentimientos profundos, pero sin renunciar a la energía y el ritmo que caracterizan sus producciones.

Este nuevo lanzamiento llega en un momento muy especial para el artista, que se encuentra cerrando una etapa histórica en su carrera. Tras el éxito de El Efecto Nyno, Esa Historia, Dicen De Mí y El Efecto Nyno Continuará, Nyno prepara para este año El Efecto Nyno FIN, el tercer y último capítulo de su emblemática trilogía discográfica. Un broche de oro que pondrá punto y final a una etapa, pero que servirá también como punto de partida hacia nuevos retos musicales.

Con Eterno, Nyno Vargas confirma una vez más su capacidad para emocionar, para contar historias cotidianas con una sensibilidad única y para mantenerse fiel a un estilo que ha sabido perfeccionar con el paso de los años, fusionando tradición y modernidad, flamenco y urbano, calle y poesía.

La canción ya está disponible en plataformas digitales. Para no perderse ninguna novedad sobre Nyno Vargas y sus próximos proyectos, se puede seguir al artista a través de sus redes sociales.

La cantante y compositora Hazz Cat acaba de lanzar su nuevo sencillo Amor de Estación, una balada pop cargada de nostalgia y sutileza que reflexiona sobre la naturaleza cambiante de las relaciones amorosas. Con raíces venezolanas y actualmente radicada en Islandia, la artista emergente continúa abriéndose camino en la escena musical independiente con una propuesta sonora que combina influencias del pop latino y sonidos contemporáneos.

Amor de Estación se inspira en esa sensación agridulce que queda cuando una historia de amor que parecía perfecta empieza a desdibujarse con el tiempo. A través de una producción melancólica y etérea, y una letra cargada de honestidad emocional, Hazz Cat transmite cómo incluso los sentimientos más intensos pueden tener fecha de caducidad. “La canción representa cómo todo en la vida pasa por ciclos, incluso el amor. A veces, aceptar el cambio es la única forma de seguir adelante”, comenta la artista sobre el mensaje detrás de su nuevo tema.

El sencillo destaca por su atmósfera íntima y una interpretación vocal delicada que conecta con quienes han experimentado amores pasajeros que marcaron una etapa, pero que inevitablemente se desvanecieron. Ideal para acompañar momentos de introspección o despedidas sentimentales, Amor de Estación encuentra su lugar en playlists como Romantic Pop, Latin Chill, Emotional Ballads o Nuevas Voces Latinas.

Con este lanzamiento, Hazz Cat reafirma su interés por explorar las emociones humanas a través de una estética sonora suave y emocionalmente honesta. Como artista independiente, continúa consolidando una identidad musical que refleja su fusión cultural entre Venezuela e Islandia, y su sensibilidad por capturar los matices de las relaciones humanas.

Amor de Estación ya se encuentra disponible en plataformas digitales. Para conocer más sobre Hazz Cat y sus próximos proyectos, se puede seguir a la artista a través de sus redes sociales.

“La Flama” no es solo un sencillo: es un testimonio encendido de parte del inicio de una prometedora carrera en el Hip hop. Rich Franco une fuerzas con la icónica Ximbo para emprender una historia de evolución, deseo y fuego interior. Lo que arranca como un relato íntimo, casi romántico, pronto revela su verdadera intención: rendir tributo a la única relación que nunca falla… la que tenemos con nuestra propia ambición.

Con un beat vibrante que invita al cuerpo a moverse desde el primer segundo, el track se construye con versos precisos, líneas sugerentes y un coro memorable que enciende el espíritu. “La canción es para quienes no olvidan por qué empezaron, pero tampoco se conforman con quedarse ahí”, comentó Ximbo, dejando claro que aquí no hay distracción, solo dirección.

La letra juega con el doble sentido para mostrar que, más allá del deseo por otra persona, existe un fuego más profundo: el impulso de crecer, de no rendirse, de volver con más fuerza. “La Flama es un recordatorio de que, cuando se tiene la ambición correcta, solo es cuestión de tiempo para conseguir los objetivos”, dice Rich Franco, mostrando su visión clara y decidida.

Aquí se cruzan generaciones, estilos y perspectivas. La energía fresca de Rich se entrelaza con la experiencia de Ximbo, construyendo un puente sonoro donde el deseo se transforma en poder mientras el beat engancha con un sonido clásico.

Este sencillo sigue consolidando la prometedora etapa de arranque para Rich Franco, en la que no solo afila su voz artística, sino que se posiciona como un narrador consciente de su entorno y de sí mismo. Cuando el fuego es real, no se apaga: transforma.