La cantante y compositora madrileña Barei presenta una nueva versión de “Vuela”, uno de los temas más emotivos y representativos de su último álbum de estudio, “TRECE”, publicado a comienzos de 2025. La artista rescata ahora esta canción en una reinterpretación muy especial junto al cantante y compositor David DeMaría, aportando una nueva dimensión emocional al mensaje original del tema. El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales.

Esta nueva versión cuenta con un arreglo renovado y más orgánico producido por Antonio Escobar, que intensifica la carga expresiva de la canción y potencia su carácter íntimo y profundo. La grabación de las voces de David DeMaría ha sido realizada por Jonathan Pons. El resultado es un diálogo a dos voces que transforma el tema original en una conversación compartida, donde las miradas y los matices vocales se entrelazan para crear una experiencia auditiva única.

Compuesta en su versión original por Rafa Vergara, Vicky Echeverri y la propia Barei, “Vuela” se ha consolidado como una de las piezas más simbólicas del universo emocional de “TRECE”, un álbum marcado por la transformación personal, la aceptación y el crecimiento interior. El disco, que significó el regreso de Barei al castellano tras años de proyectos en inglés, la volvió a situar en el mapa de la escena musical española, ganando visibilidad gracias a la rotación en la radiofórmula de su single “Ya no va conmigo”. Ese impulso la llevó a recorrer distintos escenarios del país durante el verano con cerca de una veintena de conciertos, consolidando esta nueva etapa artística.

Para Barei, el tema es uno de los más representativos del disco. “Habla de dejar volar desde el amor y el agradecimiento, de aceptar lo vivido y transformarlo. Es una canción que invita a elegir el amor incluso cuando hay miedo”. La artista sintió que esta nueva versión debía compartirse con alguien capaz de comprender esa profundidad emocional. “Sentí que David era la persona ideal para acompañarme en esta historia y ayudarme a transmitir esta forma de mirar las despedidas”, explica.

David DeMaría conectó de inmediato con el mensaje. “Lo que me enamoró de ‘Vuela’ es esa idea de que lo que nos une es más grande que nosotros mismos. Todos atravesamos cambios y aprendizajes, y la canción habla de seguir adelante desde el respeto y el cariño”. Sus palabras reflejan la comprensión instantánea que sintió hacia un tema que aborda las despedidas no como un final, sino como una transformación donde el amor puede prevalecer.

El nuevo arreglo, más orgánico y emocional, refuerza esa conexión entre ambos artistas y convierte la canción en un diálogo íntimo a dos voces. La producción, cuidada al detalle, permite que cada respiración, cada matiz, cada silencio ocupe el lugar justo, creando una atmósfera de recogimiento que invita a la escucha atenta y a la conexión con las emociones más profundas.

Con esta reinterpretación, “Vuela” crece y se transforma, acompañando a quienes atraviesan procesos de cambio y recordando que incluso en las despedidas puede prevalecer el amor. Barei amplía así el universo de “TRECE”, profundizando en su mensaje esencial: transformar lo vivido en aprendizaje y entender las despedidas desde el amor y el respeto.

El lanzamiento llega en un momento especialmente significativo de su carrera. En 2026 se cumplen diez años de su participación en Eurovisión con “Say Yay!”, donde hizo historia como la primera representante de España en cantar íntegramente en inglés. Una década después, Barei reafirma con este lanzamiento una etapa artística madura, honesta y en constante evolución, demostrando que su voz sigue teniendo mucho que decir.

Barei es una cantante y compositora madrileña conocida por su estilo pop con influencias anglosajonas, americanas y europeas. Aunque publicó su primer álbum en castellano en 2011, “Billete para no volver”, su carrera despegó en 2016 con el lanzamiento de su segundo álbum “Throw the Dice” y su participación en Eurovisión. Fue elegida por el público español, y aunque no ganó, dejó una huella importante en el certamen y en su carrera. Además de su trabajo como solista, Barei ha compuesto para artistas como Malú o Antonio José, y ha colaborado en temas como “Worry, Worry” con Porta, y “Las Chicas Buenas” con Chenoa.

Tras varios años alejada de la música, durante los cuales fue madre de mellizos, Barei regresó en 2024 con un proyecto más íntimo y sincero, cantando por primera vez en años en castellano. “TRECE” es el reflejo de ese proceso de transformación personal, de la capacidad de poner límites y de la importancia de priorizar el amor propio. Un disco lleno de energía, pero también de reflexión, que no deja indiferente a nadie.

“Vuela” en su versión junto a David DeMaría ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de amor y despedida que Barei ha sabido capturar con la sensibilidad de quien escribe desde la verdad. Una canción para quienes entienden que, a veces, dejar volar es el mayor acto de amor que podemos ofrecer.

La artista estadounidense Ava Max acaba de dar un golpe sobre la mesa. Su nuevo single, “KiLL iT QUEEN”, se estrenó apenas ayer, 25 de febrero de 2026, y supone el pistoletazo de salida a una etapa totalmente nueva en su carrera. Se trata de su primer lanzamiento como artista independiente tras haber dejado su antigua discográfica, Atlantic Records, en 2025, y la propia cantante ha declarado que esta canción representa “contar su historia a su manera”.

La canción se despliega como un himno pop de alta energía que corre a 178 pulsaciones por minuto, una velocidad que ya anticipa la intención de la pieza: hacer que el cuerpo se mueva y el ánimo se eleve. El tema fusiona el electropop brillante que ha caracterizado a Ava Max desde sus inicios con toques de ópera rock que evocan la grandeza de Queen, de ahí el guiño en el título. La producción, cuidada y expansiva, envuelve la voz de la artista en una atmósfera épica que refuerza el mensaje de la letra: pura actitud de empoderamiento, diseñada para que quien la escuche se sienta imparable.

El título del single no es casual. Muchos fans han señalado que parece un guiño estratégico a su gran éxito de 2020, “Kings & Queens”, pero con un aire mucho más maduro y con ciertas indirectas sobre su libertad creativa actual. Si aquel tema celebraba el poder femenino desde una perspectiva más genérica, “KiLL iT QUEEN” añade capas de significado personal: es la reina que toma las riendas de su propio destino, que rompe con lo que la ataba y que ahora, por fin, puede ser ella misma sin cortapisas.

Para entender la magnitud de este lanzamiento, hay que repasar la trayectoria de Ava Max en los últimos años. La artista saltó a la fama mundial con el imparable “Sweet but Psycho” y se consolidó como una de las voces más reconocibles del pop con álbumes como “Heaven & Hell” (2020) y “Diamonds & Dancefloors” (2023). Su tercer álbum, “Don't Click Play”, publicado en agosto de 2025, fue aclamado por sus fans, pero su promoción se vio afectada por las tensiones con su anterior sello discográfico, una situación que ahora queda atrás con este nuevo comienzo.

En cuanto a su identidad visual, Ava siempre ha sido reconocida por su característico corte de pelo asimétrico, el famoso “Max Cut”. Sin embargo, en esta nueva era de 2026, la artista está explorando una estética más vanguardista y personal, que acompaña la evolución sonora y la independencia creativa que “KiLL iT QUEEN” representa.

Con este lanzamiento, Ava Max inicia lo que muchos ya llaman su “era de renacimiento”. Una etapa donde la música, la imagen y el mensaje están alineados con su visión artística sin intermediarios. Para quienes disfrutan del pop bailable con voces potentes y un mensaje de “yo puedo con todo”, “KiLL iT QUEEN” llega como un soplo de aire fresco y una declaración de intenciones.

El single ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa energía arrolladora que Ava Max ha sabido canalizar con la fuerza de quien, después de años luchando, por fin puede decir lo que quiere a su manera. Una canción para sentirse reina, para levantarse después de cualquier caída y para recordar que, a veces, el mayor acto de rebeldía es simplemente ser uno mismo.

Cuando dos fuerzas del pop en español conectan, sólo pueden surgir colaboraciones destinadas a dejar huella. Así nace ‘Contacto de Emergencia’, el nuevo single que une por primera vez a Hermanos Martínez con los exitosos hermanos venezolanos Mau y Ricky, disponible desde este 25 de febrero en todas las plataformas digitales. Un lanzamiento que marca un nuevo capítulo para Hermanos Martínez al convertirse en su primera colaboración oficial, además de sumar otro trabajo de Mau y Ricky junto a un artista español en su creciente lista de alianzas internacionales.

El tema, que transforma la dependencia emocional en una potente metáfora sobre la dificultad de soltar el pasado, llega en plena proyección ascendente de Hermanos Martínez. La banda española, que ha sabido ganarse un lugar en el corazón del público con su propuesta fresca y cercana, encara un 2026 de grandes escenarios tras un 2025 que los llevó a recorrer toda España y colgar el cartel de ‘sold out’ en salas icónicas como La Riviera de Madrid. El año que tienen por delante incluye paradas ya confirmadas en festivales de primer nivel como el Festival Ciudad Raqueta, el próximo 19 de junio, y el Vive Latino, entre otros, consolidando su posición como una de las bandas con mayor proyección del panorama nacional.

Por su parte, Mau y Ricky, con miles de millones de reproducciones en plataformas digitales y una trayectoria que los ha convertido en referentes indiscutibles del pop latino contemporáneo, continúan redefiniendo su sonido en una nueva etapa artística marcada por la experimentación y las colaboraciones de alto calibre. Como parte de este impulso creativo, los hermanos venezolanos presentarán tres conciertos en España durante el mes de marzo: el día 5 en la Sala Bikini de Barcelona, el 7 en la Sala Peter Rock de Valencia y el 8 en la Sala BUT de Madrid, citas que prometen acercar su música al público español en formato íntimo pero con la energía arrolladora que los caracteriza.

‘Contacto de Emergencia’ llega para romper fronteras y posicionarse como uno de los lanzamientos más destacados del año. La canción aborda desde una perspectiva original y contemporánea ese lugar común de las relaciones: la dificultad de soltar, de dejar atrás lo que ya no está, de aceptar que ciertos vínculos solo existen ya en la memoria. Convertir esa experiencia en una metáfora tan poderosa como la del contacto de emergencia —ese número al que recurrirías si todo lo demás fallara— demuestra el oficio compositivo de unos artistas que entienden la música como un vehículo para nombrar lo que todos sentimos pero no siempre sabemos expresar.

Musicalmente, el tema combina la frescura melódica que caracteriza a Hermanos Martínez con el sello inconfundible de Mau y Ricky, creando una fusión que suena a la vez nueva y familiar. La producción, cuidada al detalle, envuelve las voces en una atmósfera que respira emoción sin renunciar a la energía bailable que ha hecho del pop latino un fenómeno global. El resultado es una canción con gancho inmediato, de esas que se quedan después de una sola escucha y piden ser coreadas a pleno pulmón.

Con ‘Contacto de Emergencia’, Hermanos Martínez dan un paso adelante en su carrera al estrenarse en el terreno de las colaboraciones de la mano de unos artistas que conocen bien ese camino. Para Mau y Ricky, supone una nueva oportunidad de seguir explorando su conexión con España y con el público español, que los ha acogido con los brazos abiertos desde sus primeros proyectos. Una unión que, a juzgar por el resultado, promete no ser la última.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa reflexión sobre la dependencia emocional y la dificultad de soltar que Hermanos Martínez y Mau y Ricky han sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes entienden que, a veces, lo más difícil no es encontrar a alguien, sino aprender a dejar ir cuando toca.

La Pegatina, la explosión de fiesta y mestizaje nacida en Montcada i Reixach, ha vuelto con muchísima fuerza este 2026 tras un necesario parón creativo. Y lo hace con “Con este fuego”, el segundo adelanto de su próximo álbum titulado “Fuegos del Barrio”. Un tema que muestra una faceta más reflexiva e introspectiva de la banda, sin perder la esencia que los ha convertido en un fenómeno global.

Los reyes de la fiesta “anaeróbica” comenzaron su andadura en 2003 como un proyecto de amigos llamado Pegatina Sound System, y lo que empezó como un juego se convirtió en una trayectoria imparable. Su música, un cóctel explosivo de rumba catalana, ska, merengue y punk gitano, ha conquistado públicos de más de 35 países, convirtiéndolos en habituales de festivales de todo el mundo. Ahora, tras un descanso necesario para recargar pilas, regresan con una propuesta que mantiene su sello pero incorpora nuevas texturas y una mirada más madura.

“Con este fuego” es una pieza central que define el imaginario de su nueva etapa. La canción habla sobre la incertidumbre del artista y el peso de esas mochilas emocionales que todos llevamos a cuestas. Aborda ese “instinto animal” que nos hace caer en los mismos errores, especialmente en el terreno del amor, como refleja el verso: “Si tú no quieres y yo no quiero, no sé por qué acabamos en jaleo”. Pero también invita a la necesidad de desprenderse del sufrimiento y buscar un nuevo punto de vista, “más de persona y menos de artista”, una declaración de intenciones que resume el espíritu de esta nueva etapa.

Musicalmente, el tema mantiene el sello inconfundible de La Pegatina, pero incorpora un marcado toque indie-folk que aporta una dimensión nueva a su sonido. Comienza de forma contenida, casi íntima, para luego estallar en ese fuego conceptual que da nombre a la canción y al disco. Es una evolución natural que demuestra que la banda no se conforma con repetir fórmulas, sino que sigue explorando territorios nuevos sin perder la identidad que los define.

La letra, cargada de imágenes poderosas, refleja ese viaje interior que propone la canción. “Vengo del barro ajeno, de la sospecha y de la distancia”, canta Adrià Salas, dejando claro que este es un tema de autorreflexión y crecimiento. “Regálate un nuevo punto de vista, más de persona y menos de artista, bájale el tono a tus pretensiones, despréndete del sufrir por errores”, aconseja después, convirtiendo la canción en un manual de vida tan sencillo como profundo.

“Con este fuego” llega justo después de su anterior adelanto, “Siempre nos tienes aquí”, consolidando un 2026 que promete ser el año del gran reencuentro de La Pegatina con su público. Y ese reencuentro se materializará sobre los escenarios, porque la banda ha anunciado una gira internacional con fechas ya confirmadas en España —destacando sus paradas en La Riviera de Madrid en mayo y el Poble Espanyol de Barcelona—, así como en México (Tecate Pal Norte), Estados Unidos, Francia y Países Bajos. Una oportunidad única para disfrutar en directo de esta nueva etapa y de todos los clásicos que han marcado su trayectoria.

“Con este fuego” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa reflexión sobre la vida, el amor y el paso del tiempo que La Pegatina ha sabido capturar con la honestidad de quienes llevan más de veinte años sobre los escenarios. Una canción para sentir, para pensar y, cómo no, para bailar cuando el fuego termina de encenderse.

La artista murciana María Gil, una de las figuras emergentes más destacadas del flamenco-pop en España, presenta “Dolió Quererte”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 30 de enero de 2026. El tema, que ya está disponible en todas las plataformas digitales, explora el desamor desde una óptica cruda y sin concesiones, hablando de esa ausencia que duele incluso cuando intentas convencerte de que ya no te importa la otra persona. Una pieza que mezcla la interpretación íntima del flamenco con una base rítmica moderna, consolidando a María Gil como una artista con identidad propia y una voz que apuesta por la verdad por encima de cualquier artificio.

María Gil, cuyo nombre completo es María Cava Gil, es originaria de Murcia y ha logrado hacerse un hueco en la industria musical fusionando las raíces del flamenco con sonidos urbanos actuales. Su música se caracteriza por ser directa y emocional, alejada de postureos o filtros, centrándose en narrativas de experiencias universales con las que cualquiera puede identificarse. Esa honestidad le ha valido cifras notables para una artista emergente, superando los 100.000 oyentes mensuales en Spotify y cosechando éxitos como “Bendito Amor” (2025), que superó las 200.000 reproducciones en poco tiempo.

“Dolió Quererte” profundiza en esa línea de autenticidad. La canción nace desde el desgarro de quien ha amado y ha perdido, pero también desde la conciencia de que ese dolor forma parte del proceso de sanar. La letra, cargada de imágenes que apelan a lo cotidiano, construye un relato íntimo donde la ausencia se hace presente en cada verso. La producción acompaña esa intención con una base que respeta el “quejío” flamenco pero lo envuelve en texturas contemporáneas, creando una atmósfera que resulta a la vez tradicional y moderna.

El lanzamiento del tema estuvo precedido de un momento especialmente emotivo que reforzó la imagen de María Gil como artista orgánica y cercana. Se hizo viral un vídeo donde compartía la canción por primera vez con su madre, capturando una reacción genuina que conectó con miles de personas en redes sociales. Ese tipo de gestos, que muestran a la persona detrás de la artista, son los que han ido construyendo una base de seguidores fieles que valoran la transparencia tanto como la música.

“Dolió Quererte” no es, sin embargo, la única canción que está sonando con fuerza en el repertorio de María Gil. En los últimos meses, fragmentos de otros temas como “¿Amor Verdadero?” han circulado por redes sociales, alimentando la expectación por lo que está por venir. Pero es este single de enero el que marca el rumbo de una carrera que no deja de crecer y que promete seguir dando sorpresas a lo largo de 2026.

La letra de “Dolió Quererte” dialoga además con otras composiciones de la artista que abordan el amor desde distintas perspectivas. Si en “Bendito Amor” celebraba el encuentro y la complicidad, aquí explora la cara opuesta de la moneda, demostrando un rango emocional que va de la luz a la sombra con una naturalidad envidiable. Versos como “Y aunque a veces el mundo me quiebre, tú me sostienes como si nada duele” o “Y si esto no es amor de verdad, entonces… ¿qué sería?” muestran a una compositora capaz de condensar sentimientos complejos en imágenes sencillas y directas.

Con “Dolió Quererte”, María Gil consolida su posición dentro del panorama del flamenco-pop español, un género que en los últimos años está dando grandes nombres y que encuentra en ella una de sus voces más prometedoras. Una artista que no necesita grandes producciones ni campañas millonarias para conectar con el público; le basta con una guitarra, su verdad y esa capacidad única para convertir lo personal en universal.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en ese viaje al desamor que María Gil ha sabido capturar con la sensibilidad de quien escribe desde la experiencia vivida. Una canción para quienes han amado, han perdido y, sobre todo, han aprendido a seguir adelante.

Antes del salón, el abismo. Javi Robles publica “Gran Cañón”, el tercer y último adelanto de “El salón de los rechazados”, el ambicioso disco conceptual triple que verá la luz el próximo 20 de marzo. Se trata de una canción sobre la distancia, el vértigo y ese instante en el que uno se asoma al abismo sabiendo que ya no hay marcha atrás, funcionando como cierre del preludio antes de adentrarse en los tres salones que articulan este trabajo.

El nuevo álbum de Robles propone un recorrido emocional y artístico inspirado en la historia del arte y en los artistas impresionistas maltratados, aquellos que fueron rechazados, ignorados o incomprendidos antes de cambiarlo todo. Cada salón es una etapa, una herida y una forma distinta de mirar. Una estructura conceptual que eleva el trabajo del músico navarro a cotas de ambición poco habituales en el panorama actual, apostando por una narrativa que trasciende la mera colección de canciones para convertirse en una experiencia unitaria y profunda.

“Gran Cañón” llega después de los anteriores adelantos, “Después puede que sea tarde” y “No te pido que perdones a este idiota”, que ya han comenzado a dejar huella antes incluso del lanzamiento oficial del disco. Los tres temas han entrado en playlists editoriales de Spotify, confirmando el interés que está despertando un proyecto que apuesta por la calidad lírica y la hondura emocional en un panorama a menudo dominado por la inmediatez.

Durante su premiere en México, donde pudo escucharse el álbum completo por primera vez, la crítica lo ha recibido con entusiasmo. Medios especializados como Corazón de Titanio no han dudado en catalogarlo como “el mejor trabajo de Javi Robles hasta la fecha” y “una obra maestra a nivel de letras y canciones”. Un reconocimiento que avala el trabajo de un artista que lleva años perfeccionando su oficio y que ahora entrega lo que muchos consideran su propuesta más redonda.

Javi Robles es un músico navarro que inició su carrera como cantante de Cero a la Izquierda, banda de rock con la que grabó tres discos de estudio. En 2018, tras la separación del grupo, comenzó su actividad en solitario, enfocando su propuesta al rock acústico, pop y folk. Artistas como Gerry Cinnamon, Brian Fallon o Frank Turner figuran entre las influencias de su música, donde laten letras cuidadas y plagadas de metáforas, como espejo de una generación de futuro incierto. Una trayectoria que ahora alcanza un nuevo hito con este disco triple que promete marcar un antes y un después en su carrera.

“Gran Cañón” funciona como la última puerta antes de entrar. Una canción que atrapa desde los primeros acordes y que sitúa al oyente en ese umbral donde todo está a punto de suceder. El vértigo del abismo, la distancia que separa lo que fuimos de lo que seremos, la certeza de que, una vez que miras al fondo, ya no puedes dejar de hacerlo. Todo eso cabe en una pieza que confirma a Javi Robles como uno de los compositores más interesantes del panorama nacional.

El 20 de marzo se abrirán los tres salones. Hasta entonces, “Gran Cañón” es la antesala de un trabajo que promete emocionar, remover y, sobre todo, demostrar que la música puede ser mucho más que entretenimiento: puede ser también un espacio para la reflexión, el arte y la conexión con lo más profundo de nosotros mismos.

El dúo vigués Fillas de Cassandra presenta “insolación”, el segundo avance de su próximo álbum “Tertúlia”, que verá la luz el próximo mes de abril. El single, disponible desde este viernes en las principales plataformas digitales, viene acompañado de un videoclip rodado en Vigo que emula una jornada de baile y éxtasis colectivo en el interior de un autobús, dando así continuidad a la narrativa iniciada en “saír á fresca”, su primer adelanto.

“Bla bla bla bla bla”. La referencia a la conversación acompañada de potentes bases electrónicas se convierte en el mantra con el que María SOA y Sara Faro vertebran su nueva creación. Con ella, las artistas manifiestan con rotundidad la necesidad de que el diálogo se sitúe mucho más allá de la palabra y se escurra a través del contacto físico, la danza, el sudor y el éxtasis colectivo. “Bailar hasta el borde de la insolación” es la propuesta que las artistas lanzan al público: quieren trasladar la sensación de sofoco y liberación que permanece en una misma tras una intensa jornada de danza con las amigas.

Del interés por explorar la sonoridad que recorre el baile hasta la extenuación, nace una pieza que el propio dúo define como “arremuiñada” —acurrucada, en gallego— y que simula girar sin cesar. Esta sensación de rueda y baile infinito la consiguen a través del cruce de ritmos como el funky brasileño o el breakbeat con herramientas de la música tradicional y armonías vocales. En una nueva vuelta de tuerca a las posibilidades de su universo sonoro, las viguesas apuestan por la convivencia entre las bases electrónicas, las armonías vocales y los instrumentos tradicionales, incorporando además, en este tema, una melodía compuesta por Gutier Álvarez basada en los corridos sanabreses.

Los ritmos híbridos, las voces, la poética, los “bla bla bla bla bla” y la música electrónica se entrelazan en esta “insolación” —cuyo nombre evoca a Emilia Pardo Bazán—, confirmando a “Tertúlia” como una propuesta rabiosamente contemporánea, reflexiva, ambiciosa y vanguardista, que expande el lenguaje creativo de Fillas de Cassandra y las sitúa como el proyecto más destacado de la nueva escena gallega.

El nuevo álbum del dúo vigués, producido en colaboración con Çantamarta y que publicará Altafonte, verá la luz el próximo mes de abril. La puesta de largo llegará el 9 de mayo en el Recinto Ferial de Pontevedra, con un espectacular concierto que marcará el inicio de la gira y que promete llevar la energía arrolladora de sus directos a los escenarios de todo el país.

El videoclip de “insolación”, que da continuidad a la pieza audiovisual de “saír á fresca”, está disponible en el canal de YouTube de las artistas. Su estreno tuvo lugar anoche en un escenario privilegiado: el Estadio de Balaídos, durante la celebración del partido de la Europa League entre el Real Club Celta de Vigo y el PAOK de Salónica. Ante más de 20.000 personas, el vídeo —dirigido por Santi Iglesias, Sergio Steel y las propias Fillas de Cassandra— cobró vida por primera vez, ofreciendo un adelanto de lo que será la propuesta visual de esta nueva etapa.

“insolación” nace en el final de “saír á fresca”: un encuentro inesperado en una parada de autobús de Vigo, del que surgen numerosas conversaciones, y que derivan en el inusual y festivo tránsito hacia el siguiente destino, cuya parada final es “Tertúlia”. Una narrativa audiovisual que promete seguir desarrollándose y que convierte cada lanzamiento en una pieza de un mosaico mayor, donde la música y la imagen dialogan en igualdad de condiciones.

Con “insolación”, Fillas de Cassandra confirman que su propuesta no admite etiquetas fáciles. Capaces de transitar del folclore gallego a la electrónica más bailable, de la poética más intimista al éxtasis colectivo, María SOA y Sara Faro se consolidan como una de las voces más originales y necesarias del panorama actual. El single ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de baile y liberación que solo ellas saben crear. Una canción para dejarse llevar, para sudar, para conversar con el cuerpo y, sobre todo, para bailar hasta el borde de la insolación.

Hablar de Melendi es repasar la historia del pop-rock español de las últimas dos décadas. Es un artista que ha sabido mutar de piel varias veces sin perder su esencia, y que ahora, en esta nueva etapa de su carrera, nos entrega “Fecha de Caducidad”, un sencillo que lo muestra en su faceta más introspectiva y emocional. El tema, lanzado a finales de 2025, se ha convertido rápidamente en una pieza fundamental de su repertorio actual, conectando con esa legión de seguidores —sus “guerreros”— que han crecido con él y que valoran su capacidad para contar historias cotidianas con las que cualquiera puede identificarse.

Ramón Melendi comenzó su carrera con un estilo canalla, marcado por la rumba, las rastas y letras directas sobre la vida en la calle. Canciones como “Con la luna llena” o “Caminando por la vida” lo convirtieron en un fenómeno de masas, pero con el paso de los años, su música ha evolucionado hacia un pop-rock melódico mucho más maduro y romántico. Ha vendido millones de discos y se ha consolidado como una de las figuras más queridas tanto en España como en Latinoamérica, con un estilo actual caracterizado por composiciones de letras cuidadas, a menudo autobiográficas, que conectan con un público muy amplio.

“Fecha de Caducidad” se inscribe en esa línea de madurez artística. La canción explora la vulnerabilidad en las relaciones, un tema que Melendi aborda con una honestidad desarmante. A diferencia de sus temas más fiesteros de antaño, aquí reflexiona sobre el miedo a que el amor se agote o tenga, como dice el título, una “fecha de caducidad”. Es una oda a vivir el presente antes de que el tiempo desgaste lo que sentimos, una invitación a cuidar lo que importa aunque sepamos que nada es eterno. La letra, cargada de imágenes que apelan a lo cotidiano, funciona como una confesión a media voz que cualquiera que haya amado puede hacer suya.

Musicalmente, el tema apuesta por una construcción que va de lo íntimo a lo expansivo. Predominan las guitarras acústicas al inicio, creando una atmósfera de recogimiento que luego rompe en un estribillo con mucha fuerza emocional. La voz de Melendi, aprovechando sus matices más graves y rasgados, adquiere un aire de confesión que dota a la interpretación de una credibilidad absoluta. Es como si el artista estuviera cantando solo para quien escucha, en la intimidad de una conversación que no admite testigos.

El videoclip que acompaña al tema refuerza esa misma idea. Con una estética sobria, alejada de artificios, pone el foco en el mensaje y en la interpretación del artista, demostrando que cuando la canción tiene sustancia, no hacen falta grandes producciones para emocionar. Cada plano, cada gesto, cada silencio está al servicio de la historia, creando una experiencia visual que complementa a la perfección la hondura de la letra.

Melendi suele decir que sus canciones son como un diario, y “Fecha de Caducidad” parece ser una de esas páginas donde admite que, aunque nada sea eterno, vale la pena cuidarlo mientras dure. Una declaración de principios que llega en un momento de madurez artística donde el asturiano demuestra que sigue teniendo mucho que decir y, sobre todo, muchas formas nuevas de decirlo.

El tema ha resonado con fuerza entre sus seguidores, que valoran esa capacidad para seguir evolucionando sin perder la esencia que lo hizo grande. Porque Melendi, a lo largo de más de veinte años de carrera, ha demostrado que la autenticidad no está reñida con el cambio, y que las canciones más verdaderas son aquellas que nacen de la experiencia vivida y se ofrecen sin trampa ni cartón.

“Fecha de Caducidad” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa reflexión sobre el amor y el tiempo que Melendi ha sabido capturar con la sensibilidad de quien ha vivido lo suficiente para saber de qué habla. Una canción para recordar que, aunque todo tenga un final, merece la pena vivirlo mientras dura.

El artista hispano-israelí David Adavi, de tan solo 19 años, ha lanzado “Mission Is Over”, su nuevo sencillo y una explosión de energía pop-dance que captura ese momento exacto en el que cierras los libros para siempre y decides que la vida es demasiado corta como para no desmelenarse un poco. El tema, producido por FMD (Fuchs, Marquesa y Delgado), el mismo equipo detrás de algunos de sus trabajos más audaces, ya está disponible en todas las plataformas digitales.

La canción se despliega como un estallido de libertad juvenil. Desde los primeros compases, “Mission Is Over” se presenta como la banda sonora perfecta para esos chats nocturnos después de los exámenes finales, donde los despertadores quedan destrozados, las alarmas eliminadas y los únicos planes son subir el volumen y dejarse llevar. El estribillo golpea con fuerza: “Mission is over, over, over-oh! Time to get stupid, let the good times roll”, una declaración de intenciones que funciona como himno generacional para quienes han terminado una etapa y están listos para comerse el mundo sin pedir permiso.

La producción de FMD imprime al tema una energía tensa y atmosférica, equilibrando la contundencia de las bases electrónicas con la calidez melódica que caracteriza a David Adavi. El resultado es una pieza que suena a la vez fresca y pulida, diseñada tanto para las pistas de baile como para los cascos en un viaje nocturno. La voz del joven artista, llena de matices y con una seguridad que sorprende a su edad, transmite esa mezcla de rebeldía y diversión que la letra requiere.

“Mission Is Over” llega poco después del lanzamiento de su álbum “Sweet Sins” (2026) y de una serie de colaboraciones destacadas que incluyen trabajos con Ann Seeza y Sagittopia, consolidando a David Adavi como una de las promesas más firmes del pop electrónico mediterráneo. Con apenas 19 años, el artista ha logrado construir un sonido propio que mezcla la calidez de sus raíces con los bordes afilados de la producción contemporánea. Una propuesta que evoca viajes nocturnos entre Barcelona y Tel Aviv, con las ventanillas bajadas y la música al máximo.

Este nuevo sencillo supone la declaración más clara hasta la fecha de que David Adavi ha terminado de jugar según las reglas de nadie. No más empollar, no más esperar permisos: solo libertad directa y un ritmo que invita al movimiento. Es el himno para quienes han terminado una misión —ya sean los estudios, una etapa vital o cualquier otra obligación— y están listos para celebrarlo por todo lo alto.

David Adavi es un cantante hispano-israelí de 19 años que fusiona vibrantes melodías mediterráneas con producción pop-dance contemporánea. Repartiendo su tiempo entre Barcelona y Tel Aviv, construye temas cargados de punch emocional y ganchos irresistibles. Tras sus colaboraciones en sencillos de Jupiter Pulse y su EP debut “Weekend Warrior” (2025), publicó a principios de 2026 el álbum “Sweet Sins”, donde exploraba temas como el deseo, el riesgo y la redención. “Mission Is Over” marca su último paso adelante: sin complejos, divertido y listo para poner banda sonora al siguiente capítulo.

“Mission Is Over” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de liberación y fiesta que David Adavi ha sabido capturar con la frescura de quien tiene toda la vida por delante. Una canción para celebrar, para bailar y para recordar que, a veces, lo mejor que puede pasar después de cumplir con las obligaciones es precisamente olvidarse de ellas.

La cantante española Martha Mateo estrena hoy “Empieza la magia”, su nuevo sencillo y una propuesta latin pop fresca y luminosa que ella misma ha compuesto. El tema, producido por FMD (Fuchs, Marquesa y Delgado), captura ese instante preciso en el que el esfuerzo de una carrera por montaña se transforma en flechazo: tres kilómetros, un dorsal en el pecho, el rojo carmín sutil y, de repente, todo encaja como si el universo hubiera estado esperando ese momento exacto para conspirar.

La canción nace inspirada en la Sierra de Alcaparaín y el ambiente de Carratraca, ese pueblo malagueño que ya ha acogido trails nocturnos y carreras por senderos exigentes. Pero lejos de limitarse a describir un paisaje, “Empieza la magia” cuenta una historia realista y profundamente romántica: despertarse sin alarma porque el cuerpo ya sabe que hoy es el día, conducir hacia la meta con el corazón acelerado, buscar entre la multitud y, cuando las miradas se cruzan, sonreír con descaro porque ahí, justo ahí, empieza todo. El viento se vuelve brisa, el bosque baila con la sonrisa del otro y los kilómetros se olvidan entre complicidad y amor de contrabando.

La letra, escrita por la propia Martha Mateo, despliega imágenes que apelan a los sentidos y a esa memoria emocional que todos guardamos de los encuentros inesperados. Hay en ella la emoción contenida de quien sabe que está viviendo algo especial, pero también la naturalidad de quien no necesita grandes aspavientos para reconocerlo. Los versos fluyen con la misma cadencia que una carrera de montaña: a veces intensos, a veces pausados, siempre avanzando hacia esa meta que no es la línea de llegada, sino el momento en que dos miradas se encuentran y deciden no separarse.

Musicalmente, “Empieza la magia” se despliega con un ritmo que invita a moverte desde el primer verso. La producción de FMD imprime al tema una calidez latina que se funde con toques pop actuales, creando una atmósfera perfecta para playlists de verano, road trips o simplemente para recordar que a veces el amor llega disfrazado de dorsal y zapatillas. La voz de Martha, cálida y expresiva, transmite con naturalidad esa mezcla de ilusión y complicidad que la letra requiere, haciendo que el oyente se sienta parte de la historia.

Martha Mateo es una cantante con raíces en Barcelona que lleva años construyendo un sonido personal basado en tres pilares: voz cálida, letras que cuentan historias cercanas y melodías que se quedan grabadas después de una sola escucha. Tras singles como “Una Estrella”, “Amuleto (Di mi nombre)” o “La hermana que encontré”, la artista sigue explorando emociones con naturalidad y gancho, demostrando que su propuesta no se agota ni se repite.

“Empieza la magia” es, sin duda, su apuesta más veraniega y directa hasta la fecha. Un himno para quienes creen que el amor puede empezar en cualquier kilómetro, en cualquier carrera, en cualquier momento en que dos desconocidos deciden dejar de serlo. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de senderos, dorsales y miradas cómplices que Martha Mateo ha sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para recordar que, a veces, lo más importante no es llegar a la meta, sino a quién encuentras en el camino.

El reconocido artista puertorriqueño Manny Manuel, una de las voces más emblemáticas de la música tropical contemporánea, presenta “Mi Persona Perfecta”, su nuevo sencillo y una propuesta musical profunda y emotiva que representa una nueva etapa creativa en su carrera. El tema, marcado por una colaboración intergeneracional, la exploración artística y una experiencia humana transformadora, estará disponible próximamente en todas las plataformas digitales.

“Mi Persona Perfecta es un tema que no solo trae música y letra, sino que también trae una experiencia muy hermosa detrás del mismo”, expresó el intérprete, quien destaca que este proyecto nació en un ambiente creativo completamente distinto a los que había experimentado anteriormente. La canción fue creada durante un campamento de compositores celebrado en Orlando, Florida, en los estudios del artista Jay Wheeler, donde Manny Manuel compartió por primera vez con una nueva generación de compositores, productores, ingenieros y creativos de la industria musical.

Ese espacio de creación intensiva se extendió por tres días, dando como resultado entre cinco y seis temas, de los cuales “Mi Persona Perfecta” es el primero en estrenar. Para Manny Manuel, esta vivencia marcó un antes y un después en su proceso creativo. “Nunca había estado en un campamento de compositores. Fue una experiencia nueva para mí, tanto por la dinámica de trabajo como por la oportunidad de compartir con una generación completamente distinta a la mía”, explicó el artista, quien comenzó su carrera como solista en la década de los 90.

El intérprete destacó la energía vivida durante el proceso como “incomparable e indescriptible”, resaltando la pasión, la intensidad y la manera en que los nuevos talentos conciben, sienten y desarrollan la música en la actualidad. “Fue sentir sus inquietudes, sus pensamientos, cómo ven la música y cómo la asimilan de una manera distinta a como yo la asimilé en mis comienzos”, añadió, subrayando el valor de ese intercambio generacional.

Desde el punto de vista lírico, “Mi Persona Perfecta” es una canción profundamente romántica y honesta, que habla de esa pareja única, irrepetible y esencial. “Es ese ser que llena tus espacios, tus días, con quien te sientes cómodo, pleno y bien. Eso es para mí ‘Mi Persona Perfecta’”, afirmó Manny Manuel, resumiendo en sus palabras la esencia de un tema concebido para celebrar el amor en su estado más puro.

El tema fue creado con una intención clara: transmitir amor genuino, buena vibra y una energía positiva que nace de una conexión auténtica entre quienes formaron parte del desarrollo del proyecto. “Es un tema hecho con mucho amor, con mucha energía y con una vibra muy especial. Eso fue exactamente lo que vivimos durante ese campamento”, recalcó el artista, emocionado por el resultado final.

La producción musical cuenta con el arreglo de Eliot “El Mago de Oz”, mientras que la composición estuvo a cargo de Omar “La Pluma” Cordero, compositores del equipo de Jay Wheeler, y el propio Manny Manuel, quien también aportó desde su experiencia y sensibilidad artística. Una conjunción de talentos que ha dado como resultado una pieza fresca pero arraigada en la tradición romántica que caracteriza al intérprete.

Este lanzamiento representa no solo un nuevo sencillo, sino el inicio de una serie de proyectos que surgirán de esta colaboración creativa, evidenciando la capacidad de Manny Manuel para reinventarse, evolucionar y mantenerse vigente sin perder la esencia que lo ha convertido en una figura clave de la música latina. El artista, que lleva más de tres décadas sobre los escenarios, demuestra con “Mi Persona Perfecta” que sigue teniendo mucho que decir y nuevas formas de decirlo.

En paralelo a este estreno, Manny Manuel se prepara para una gira por Europa en 2026 de la mano de la compañía Dn7, que lo llevará a recorrer el continente con un espectáculo que repasará sus más de treinta años de trayectoria. Una oportunidad única para que el público europeo disfrute en directo de una de las voces más queridas de la música tropical, en un show que promete combinar los clásicos de siempre con las nuevas canciones que están por venir.

“Estoy bien contento con el resultado. Espero que el público lo disfrute tanto como nosotros disfrutamos crearlo”, concluyó el artista, dejando la puerta abierta a que “Mi Persona Perfecta” se convierta en un nuevo clásico en el repertorio de quien lleva décadas emocionando con su voz y su carisma. El sencillo estará disponible próximamente en plataformas digitales.

El compositor y artista español CARRØ.m lanza “Qué suerte tenemos”, su nuevo sencillo y una propuesta de pop latino bailable que irradia energía luminosa y celebra el simple pero poderoso hecho de estar vivos. El tema, que ya está disponible en plataformas digitales, combina ritmo contagioso, producción actual y un estribillo coreable diseñado para conectar desde la primera escucha, consolidando la identidad de un artista que trabaja sin etiquetas ni prisas, guiado únicamente por melodías que buscan la emoción.

La canción se despliega como una declaración de optimismo y gratitud. Inspirado en la idea de que nacer ya es una victoria improbable, CARRØ.m construye un mensaje universal que invita a brindar por el presente, a adaptarse al cambio y a seguir adelante sin miedo. El estribillo, con su declaración central —“Qué suerte tenemos de estar hoy aquí”—, funciona como un gancho luminoso pensado para convertirse en momento colectivo, tanto en las listas de reproducción como en los directos, donde la energía compartida multiplica su efecto.

Musicalmente, “Qué suerte tenemos” se mueve con naturalidad en el territorio del pop latino bailable con influencia urbana. La producción equilibra un groove urbano y una base rítmica moderna con una estructura orientada a playlist comercial, radio y entornos festival o dancefloor. El resultado es una pieza que suena a la vez fresca y pulida, diseñada para conectar con una generación que busca optimismo, celebración y, sobre todo, momentos para compartir.

La letra, escrita por el propio CARRØ.m, huye de complejidades innecesarias para centrarse en lo esencial: la suerte de estar aquí, de sentir, de compartir el momento con los demás. No hay grandes metáforas ni mensajes crípticos; hay la honestidad de quien reconoce lo valioso de lo cotidiano y decide celebrarlo con una sonrisa. Esa claridad, esa apuesta por lo directo y lo luminoso, es precisamente lo que dota a la canción de su carácter universal y lo que permite que cualquier oyente, venga de donde venga, pueda sentirse identificado.

CARRØ.m, compositor español que trabaja sin el respaldo de grandes sellos ni la presión de las prisas, sigue así construyendo un catálogo basado en la emoción como único criterio. Su música, que ha explorado distintos géneros sin anclarse a ninguno, encuentra en “Qué suerte tenemos” una nueva expresión de esa filosofía: melodías que buscan tocar algo en quien las escucha, independientemente de la etiqueta que se les quiera poner.

El tema llega además en un momento donde el pop latino bailable vive una nueva edad de oro, y lo hace con una propuesta que apuesta por la luz y la celebración sin caer en la superficialidad. Porque detrás del ritmo contagioso y el estribillo coreable, hay una reflexión genuina sobre el valor de estar vivo y la importancia de compartir ese regalo con los demás.

“Qué suerte tenemos” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de optimismo y energía compartida que CARRØ.m ha sabido construir con sensibilidad y oficio. Una canción para cantar a pleno pulmón, para bailar sin complejos y para recordar que, pase lo que pase, siempre hay motivos para celebrar.

El artista argentino Diego Torres presenta su esperada gira “Mi Norte y Mi Sur – España ’26”, un tour que recorrerá siete ciudades españolas a partir del mes de abril y que marca un nuevo encuentro del cantante con su público en España. Madrid, Palma de Mallorca, Murcia, Barcelona, Sevilla, La Palma y Valencia serán las paradas de este recorrido donde Torres presentará en directo las canciones de su reciente álbum homónimo junto a los éxitos más emblemáticos de su trayectoria.

El álbum “Mi Norte & Mi Sur”, lanzado el pasado noviembre bajo el sello Sony Music, se ha convertido en el punto de partida de esta nueva etapa artística. Compuesto por once canciones, el disco incluye colaboraciones de lujo con artistas internacionales como Estopa, Miranda!, Edén Muñoz y Manuel Carrasco, demostrando una vez más la vocación del argentino por tender puentes entre géneros y culturas. Entre los temas más destacados se encuentra “Vas a quedarte”, una preciosa balada de amor y esperanza interpretada junto al onubense Manuel Carrasco; “La última noche” con Estopa; “Trepando paredes” con Miranda!; y la canción que da título al álbum, “Mi Norte & Mi Sur”, interpretada junto a Edén Muñoz, que combina el sello pop latino de Diego Torres con los sonidos del regional mexicano.

El disco refleja la energía renovada de Diego Torres tras varios años de giras, colaboraciones y exploraciones artísticas. Con esta nueva etapa, el ícono del pop latino se muestra más libre y curioso que nunca, experimentando con géneros como el pop alternativo, la bachata y los sonidos acústicos contemporáneos, sin dejar de lado la esencia emotiva y optimista que caracteriza su obra.

Las fechas confirmadas para la gira incluyen Madrid el 8 de abril en el G. Teatro Caixabank Príncipe Pío; Palma de Mallorca el 9 de abril en Trui Teatre; Barcelona el 12 de abril en la Sala Paral·lel 62; Sevilla el 14 de abril en el Cartuja Center CITE; y Valencia el 19 de abril en el Auditorio Roig Arena. A estas cinco ciudades se suman ahora Murcia y La Palma, cuyas fechas y recintos específicos se comunicarán próximamente.

Durante estos conciertos, Diego Torres no solo interpretará los temas de su nuevo álbum, sino que repasará los grandes éxitos que han marcado sus más de tres décadas de trayectoria. Canciones como “Color Esperanza”, convertido en un himno universal del optimismo; “Tratar de estar mejor”; o “Sueños”, entre muchas otras, formarán parte de un espectáculo diseñado para emocionar y hacer bailar a partes iguales.

Con más de tres décadas de experiencia en la industria musical, Diego Torres se ha convertido en uno de los artistas latinoamericanos más reconocidos en el mundo. Ha lanzado más de diez discos y ha vendido más de 20 millones de copias en todo el mundo, consolidándose como un referente del pop latino. Su trabajo ha sido reconocido con múltiples galardones, entre ellos dos premios Grammy Latinos y varios premios Billboard de la música latina. Además de su actividad musical, Torres es Embajador de Buena Voluntad de Unicef y colabora activamente en iniciativas contra la violencia sexual y en favor de la igualdad de género, demostrando que su compromiso con la sociedad va más allá de los escenarios.

Las entradas para las fechas ya confirmadas están disponibles a través de los canales oficiales como planetevents.es, livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés. Para los conciertos de Murcia y La Palma, la organización recomienda estar atentos a los canales oficiales, donde se comunicarán próximamente los detalles de la venta. Con esta gira, Diego Torres reafirma su compromiso con la música que emociona, inspira y une, ofreciendo a su público español la oportunidad de disfrutar en directo de un repertorio que combina lo nuevo y lo clásico, lo propio y lo compartido.

La artista Anne Akerman presenta “Open Your Heart”, su nuevo sencillo y una pieza musical vibrante y profundamente personal que combina influencias pop y jazz con una escritura sensata y emocional. La fecha elegida para el lanzamiento, el Día Internacional del Amor, no es casual: subraya el mensaje íntimo y universal de una canción que invita a abrirse al mundo y a la posibilidad de amar nuevamente después de experiencias vitales difíciles.

El tema se despliega como una exploración delicada de la reconstrucción interior. Anne Akerman aborda con sutileza los procesos de sanación emocional, la necesidad de liberarse de las heridas del pasado y la valentía que requiere dejarse llevar por nuevas experiencias afectivas. La letra, cargada de sinceridad y hondura, funciona como un espejo donde cualquiera que haya atravesado momentos de oscuridad puede reconocerse y encontrar consuelo.

La colaboración de Naomi Adriaansz al saxofón aporta una dimensión adicional al tema. Su instrumento ilumina la pieza con un timbre cálido y expresivo que dialoga con la voz de Anne, creando una atmósfera envolvente que refuerza el mensaje de apertura y esperanza. La producción, cuidada y llena de matices, permite que cada elemento respire y que la emoción ocupe siempre el centro de la escena.

Musicalmente, “Open Your Heart” transita con naturalidad entre el pop más accesible y la sofisticación armónica del jazz, dos mundos que Anne Akerman fusiona sin esfuerzo aparente. La base rítmica sostiene con elegancia las melodías, mientras la voz de la artista, expresiva y llena de matices, transmite con convicción ese viaje desde la vulnerabilidad hacia la fortaleza interior.

El lanzamiento del single en el Día de San Valentín refuerza la intención de la artista de hacer de la música un vehículo para conectar con los demás desde lo más auténtico. No se trata aquí del amor romántico en su expresión más comercial, sino de una concepción más amplia y generosa: el amor como apertura, como posibilidad, como fuerza sanadora que permite reconstruirse después de la tormenta.

Anne Akerman construye así una propuesta que trasciende lo meramente musical para convertirse en una invitación a la introspección y al reencuentro con uno mismo. “Open Your Heart” no es solo una canción; es un abrazo sonoro, un recordatorio de que, por muy cerradas que parezcan las puertas, siempre hay una rendija por la que puede colarse la luz.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, esperando a quienes necesiten escuchar que abrir el corazón, aunque asuste, es siempre el primer paso hacia cualquier forma de felicidad.

Alejandro Sanz y Elena Rose presentan el videoclip de “Rimowa”, una de las canciones más personales y queridas del álbum ¿Y ahora qué +?, publicado por el artista madrileño el pasado noviembre. Considerada por los fans como una joya oculta del proyecto, el tema encuentra ahora su expresión visual en una pieza dirigida por Gus Carballo y producida por Music Content Factory, donde la conexión honesta entre dos amigos y cómplices creativos se convierte en el centro absoluto de la narrativa.

La canción nació de la complicidad orgánica entre ambos artistas durante una sesión de grabación en 5020 Miami. La primera toma vocal de Elena Rose emocionó tanto al equipo que terminó formando la base de la versión final del tema, un momento mágico que ahora tiene su continuidad en este estreno audiovisual. Tal y como mostraron en una publicación conjunta en redes sociales, la colaboración surgió de manera natural, sin artificios ni estrategias premeditadas, y esa misma naturalidad es la que impregna cada fotograma del videoclip.

La grabación tuvo lugar en Madrid durante una lluviosa jornada de febrero. Lejos de suponer un obstáculo, el clima terminó aportando una textura emocional inesperada al resultado final, añadiendo un tono íntimo y melancólico que acompaña a la perfección el espíritu del tema. La lluvia, que en otras circunstancias podría haber sido un problema, se convierte aquí en un elemento narrativo más, en un cómplice silencioso que envuelve la escena y la dota de una atmósfera única.

El videoclip se construye en un espacio casi desnudo, minimalista, donde el peso recae en la interacción natural entre Sanz y Rose y en un elemento simbólico central: una maleta de ida y vuelta. Vacía en lo físico pero cargada de recuerdos, esa maleta actúa como eje emocional de la pieza, evocando viajes, despedidas, encuentros y la memoria compartida entre dos artistas que han recorrido caminos juntos. A través de miradas, silencios y una complicidad que se palpa, la pieza convierte la sencillez en una declaración poderosa de sentimientos, demostrando que no hacen falta grandes artificios cuando lo que se cuenta es verdad.

El estreno de “Rimowa” llega en un momento especialmente dulce para Alejandro Sanz, que continúa cosechando éxitos con su gira mundial ¿Y ahora qué?. Tras el arranque con sold outs en Bogotá y Quito, el artista ha emprendido la segunda etapa de una gira que recorre Latinoamérica y Estados Unidos con una demanda de entradas que confirma su vigencia y la conexión inquebrantable con un público que crece generación tras generación.

Las próximas fechas incluyen dos conciertos en Lima (25 y 26 de febrero en el Estadio Nacional), Santiago de Chile (28 de febrero en el Estadio Bicentenario La Florida), Rosario (4 de marzo en el Autódromo), Buenos Aires (6 y 7 de marzo en el Campo de Polo) y Córdoba (8 de marzo en el Estadio Kempes). En Estados Unidos, la gira arrancará en abril y mayo con paradas en ciudades como Las Vegas, Chicago, Washington, Newark, Brooklyn, Orlando, Miami, Dallas, Houston, Hidalgo, Highland, San José y Los Ángeles, llevando su música a los escenarios más emblemáticos del país.

En paralelo, sigue celebrándose el estreno de “Cuando nadie me ve”, la serie documental original de Movistar Plus+ que ofrece un retrato íntimo y sin precedentes de la vida personal y profesional de Alejandro Sanz. La producción acompaña al artista en un momento de profunda reflexión creativa y vital, mostrando el proceso detrás de sus nuevas canciones, la preparación de la gira y la dimensión más humana de un icono que, con más de 25 millones de discos vendidos, 24 Latin Grammy y 4 Grammy, sigue ampliando su legado sin perder la capacidad de emocionar.

Elena Rose, por su parte, se consolida como una de las voces más influyentes de la música latina actual. La cantautora venezolana, 14 veces nominada al Grammy y Latin Grammy, ha creado éxitos para gigantes de la industria como Daddy Yankee, Rauw Alejandro, Becky G, Selena Gomez, Jennifer Lopez y Christina Aguilera. Desde su debut como solista en 2020, ha conquistado a más de 12.8 millones de oyentes mensuales en Spotify y ha colaborado con artistas como Sebastián Yatra, Mora, Danny Ocean y Young Miko. Su tema “Caracas en el 2000”, junto a Danny Ocean y Jerry Di, se ha convertido en un himno para los venezolanos, alcanzando el número 1 en la radio del país y posicionándose en las listas de viralidad de 19 naciones. Su sencillo “Me Lo Merezco” es una declaración audaz de empoderamiento personal, y su colaboración con Boza en “Orion” entró en el Top 200 Global de Spotify y en el Top 100 Global de YouTube.

“Rimowa” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de complicidad y lluvia que Alejandro Sanz y Elena Rose han sabido capturar con la sensibilidad de dos artistas que se entienden sin necesidad de palabras. Una canción y un videoclip para recordar que, a veces, lo más importante no cabe en ninguna maleta.