Retumba la Tierra es la voz de una tierra que tiembla, que nos recuerda con fuerza la huella que dejamos en ella, pero también es un canto de esperanza: una invitación a reconectar, sanar y cuidar lo que aún podemos salvar, así describe el quinteto Calle Mambo esta poderosa canción.
Retumba la Tierra es la segunda canción que nos comparte Calle Mambo y es parte del que será su tercer álbum homónimo.
Se trata de una pieza rica en elementos musicales que les son propios al sonido del grupo que combina instrumentos y estructuras de los géneros tradicionales festivos de latinoamerica en un marco electrónico donde incluyen también raggas y fusiones únicas.
En Retumba la Tierra escuchamos gaita colombiana, ronrroco, cuatro venezolano, timbales, congas y percusión menor, bajo, tiple colombiano, cajónes y samples.
Para Calle Mambo este single no solo le da nombre a su tercer álbum que saldrá el 6 de junio, sino que además marca el pulso de todo su viaje musical fusionando sus raíces latinoamericanas con los sonidos ancestrales y los beats actuales.
Las letras de las canciones, como es el caso de Retumba la Tierra son llamados sociales, culturales, reflexivos, ambientales como es el caso de esta pieza.
La Peregrina, el primer sencillo que conocimos del grupo, nos habla de las rutas cuesta arriba, llena de riesgos de muchas mujeres cabezas de familia que en condiciones apremiantes salen a buscar el susutento familiar, esas peregrinas del mundo.
Retumba la Tierra se detiene en la reflexion del entorno ambiental, en la destrucción de pachamama:
¡Retumba la tierra! El sol que te quema, los bosques en llamas, se abren las venas. ¡Retumba la tierra! El agua se acaba, reclama el ecosistema. ¡Retumba la tierra! Son miles de vidas, sin salida, tierra herida.
El arte del sencillo es una gran y elocuente imagen que representa una figura ancestral conectada con la tierra, “simboliza un poco nuestra relación con la naturaleza y nuestro impacto sobre ella” comenta el quinteto chileno.
Retumba la Tierra tiene un video tan poderoso como la canción pues es una actuación en vivo y se vibra la energía que una canción como ésta nos comparte.
¿Cuántas veces has cerrado una puerta para no volver? ¿Cuántas veces has sentido que, en realidad, nunca hubo nada? Entonces haces la maleta, tomas un taxi y te vas de ese lugar que ya no te hace feliz. Así arranca la premisa de “Taxista”, el nuevo single de Gynebra, que desde hoy ya está disponible en plataformas digitales.
La cantante y compositora valenciana vuelve a demostrar su capacidad de convertir emociones cotidianas en canciones con identidad propia. Esta vez lo hace fusionando mambo y bachata en una historia de desamor marcada por un ex llamado “Cucaracho” y una taxista que aparece como inesperada salvación.
El videoclip, grabado de nuevo en el emblemático paisaje natural de El Saler (Valencia), es un tributo visual al cine español más icónico. Con guiños a Pedro Almodóvar y su inolvidable “Mujeres al borde de un ataque de nervios” y su famoso Mambotaxi (ahora conducido por una mujer), y también a la mítica escena de Penélope Cruz en “Jamón, Jamón” recorriendo una carretera desértica, Gynebra construye un universo visual y musical cargado de simbolismo y referencias que conectan con su audiencia.
A sus 21 años, Gynebra continúa dejando huella en la escena musical nacional. La artista, que lleva vinculada al arte desde los 8 años, se ha caracterizado por su versatilidad y valentía a la hora de hablar de sus emociones. Navega con naturalidad entre géneros como urbano, pop, reguetón y ritmos latinos, y ha sabido construir un espacio propio donde la música sirve como refugio emocional.
Con un primer disco en el mercado, “8 PEKADOS”, y reconocimientos como su candidatura a los Premios Goya 24 por la canción “Juntos” (compuesta para el documental “Dolor Impune” en la lucha contra el bullying) o su elección como Newcomer 2024 por VEVO España, Gynebra es ya una de las voces emergentes más prometedoras del panorama musical.
Además de su carrera musical, Gynebra destaca por su compromiso social como presidenta y fundadora de “KUKI”, una asociación dedicada a ayudar a niños y niñas enfermos o en riesgo de exclusión social a través del arte y la música.
“Taxista” ya puede escucharse en plataformas digitales, una canción para quienes necesitan cerrar puertas y atreverse a subirse a un taxi sin mirar atrás.
Para más información sobre Gynebra y sus próximos proyectos, síguela en sus redes sociales.
"Laura West, conocida artísticamente como WESTIE, es una artista multifacética que ha sabido fusionar el pop con sonidos electrónicos y urbanos, creando una identidad única en la escena musical. Su último EP, 'QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA', es un viaje introspectivo que oscila entre la luz y la sombra, explorando temas profundos como el autoconocimiento y las relaciones interpersonales. Con colaboraciones destacadas y una propuesta escénica enérgica, Laura se consolida como una voz fresca y auténtica. En esta entrevista, nos adentramos en su proceso creativo, sus influencias y los mensajes detrás de su música."
"QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA" es un EP muy personal. ¿Qué momento o experiencia detonó la creación de este proyecto?
Sinceramente, el año pasado atravesé un momento muy difícil, tanto a nivel personal como creativo. Pero fue precisamente esa crisis la que me impulsó a dar vida a este proyecto desde cero. Me apetecía crear un álbum en el que pudiera mostrar mi vulnerabilidad al mundo y, al mismo tiempo, hacer un ejercicio de introspección mientras lo creaba.
El EP comienza en un mundo idílico y luego desciende a sonidos más oscuros. ¿Cómo decidiste esta estructura narrativa?
Quería plasmar con total honestidad cómo me sentía en ese momento. Siempre me he sentido rodeada por una sociedad muy superficial, y fue justo hace un año, durante una temporada en la que pasaba muchos días sola en casa, sin ganas de socializar, cuando empezaron a aflorar mis sombras. Empecé a cuestionarme cosas que nunca antes me había planteado. Por eso me gustó la idea de que el proyecto empezara en un lugar idílico —como si fuera el cielo— y, acto seguido, cayera a la tierra, donde empezaría a afrontar todos los problemas más “terrenales”.
Colaboraste con artistas como Carmen Lillo y Laura Gibert, y productores como KFE y Scotty DK. ¿Cómo influyeron en el sonido final del proyecto?
En este proyecto he tenido el privilegio de colaborar con amigas y con algunos de los productores más talentosos de la industria. Todos ellos son personas increíblemente creativas que han aportado una riqueza inmensa al proyecto. Compartimos el mismo impulso por experimentar y jugar con los sonidos, y creo que juntos hemos conseguido una mezcla muy bien equilibrada.
Normalmente me cuesta colaborar con otros artistas, especialmente en un proyecto tan personal en el que hablo abiertamente de mis propios traumas. Pero tanto Carmen como Laura han sabido entender el concepto a la perfección, y para mí es un verdadero regalo que hayan querido aportar su voz y sensibilidad a algo tan especial para mi.
"Caramelo" habla de la dualidad entre la imagen perfecta y las inseguridades. ¿Cómo fue el proceso de escribir una canción tan honesta?
Todo empezó un día en terapia, cuando mi psicólogo me preguntó: ¿Tienes autoestima? Yo le respondí que sí, que al mirarme al espejo me gustaba lo que veía. Entonces me dijo que no hablaba de mi exterior, sino de mi interior. Y fue en ese momento cuando me di cuenta de que mi autoestima era mucho más frágil de lo que pensaba. Siempre he intentado alcanzar una cierta perfección externa, pero al mismo tiempo he buscado constantemente la validación de los demás, sintiéndome insegura en muchas ocasiones. Esta canción nace de esa reflexión, y plantea una pregunta esencial: ¿Nos estamos dando valor, solo por como nos vemos por fuera?
Tu música mezcla pop, electrónica y urbano. ¿Cómo defines tu evolución sonora desde tus inicios hasta ahora?
Siempre me ha atraído la música experimental y he intentado integrarla en mis canciones. Aun así, siento que con el tiempo mi sonido se ha ido definiendo cada vez más, encontrando así una identidad más madura y equilibrada. Tengo la suerte de escuchar música en distintos estilos y en varios idiomas, lo que me permite descubrir constantemente nuevos recursos que luego incorporo a mi propio proyecto.
¿Qué representa para ti el nombre WESTIE, tanto en tu música como en tu identidad?
En realidad, este nombre no lo creé de forma consciente, fue surgiendo poco a poco… y hoy en día me encanta. Siempre me he considerado una persona vergonzosa, algo antisocial y bastante insegura. Pero cuando aparece este alter ego, siento que me transformo. Es como si el hecho de tener un nombre artístico me permitiera salir de mí misma y actuar sin tanto juicio. Me da libertad para expresarme sin las barreras que a veces me impone mi parte más tímida.
Tus shows son conocidos por su alta energía y coreografías con las Westies. ¿Cómo surgió la idea de integrar el baile como parte esencial de tu arte?
Me encanta el arte en todas sus formas, y poder expresar lo que dicen mis canciones a través del baile es algo muy especial para mí. Me ayuda a conectar aún más con lo que estoy cantando, especialmente en los directos. En estos nuevos shows estoy incorporando acting y atrezzo, con la intención de que el público pueda sumergirse en mi universo creativo. Además, tengo que confesar que subirme al escenario con mis bailarinas —que también son mis amigas— me da una seguridad enorme. Me ayuda a estar más tranquila. Compartir esto con ellas lo hace aún más significativo: son recuerdos que nos van a acompañar siempre.
Has sido telonera de artistas como Bad Gyal y RVFV. ¿Qué aprendiste de esas experiencias y cómo influyen en tu propio escenario?
He tenido la oportunidad de cantar en lugares espectaculares, pero justo has mencionado los dos conciertos que más he disfrutado hasta ahora. La energía del público fue increíble y me sentí conectada a tope. Vengo de actuar en espacios muy pequeños, y todas esas experiencias me han servido como preparación para escenarios más grandes. Además, he aprendido muchísimo observando otros directos, siempre estoy dándole vueltas a cómo puedo seguir mejorando el mío.
Cantar en este tipo de eventos te forma de verdad: aprendes a sonorizarte bien, hablar con los técnicos de sonido, manejar lo que ocurre en el backstage y a adaptarte a cualquier imprevisto.
¿Cómo fue actuar en festivales como el Negrita Music Festival o el Holika? ¿Qué diferencia hay entre un festival y un concierto en sala?
Acabas de mencionar el mejor año de mi vida. Poder actuar en escenarios con tanta repercusión ha sido una auténtica locura. He tenido la oportunidad de viajar, de descubrir rincones y culturas únicas de este país, reírme a carcajadas con mi equipo y, sobre todo, crecer muchísimo como artista.
Los festivales te dan una visibilidad enorme, mucho mayor que un concierto en una sala privada, pero también conllevan el riesgo de enfrentarte a un público que quizá no conecte con tu música. Además, el tiempo de actuación suele ser más limitado, y no siempre puedes mostrar todas las capas de tu proyecto. En cambio, los conciertos en sala son mucho más íntimos y personales, pero el poder formar parte de un festival tan grande y de todo lo que conlleva, es una experiencia espectacular. Quien viene, lo hace porque realmente quiere escucharte, y esa conexión es muy especial.
Si tuviera que elegir… sinceramente, no sabría con cuál quedarme. Cada formato tiene su magia y también sus retos.
Además de cantar, eres compositora, productora y ghostwriter. ¿Cómo equilibras todos estos roles?
Al final todo es música y lo acabo incorporando en mi proyecto. Ahora mismo, estoy co-produciendo la mayoría de temas que voy a sacar después del álbum y estoy muy orgullosa de mi avance con la producción, ya que a veces estoy por la calle y me viene una idea y me voy directa a casa con el Ableton, no me hace falta pedir hora de estudio con un productor!!
¿Hay algún artista o género que te haya inspirado especialmente en este último EP?
Hay demasiados artistas… ya que he sacado recursos de muchísimos sitios distintos, pero si que a nivel sonoro te diría Rosalía, Fred Again…, Judeline, Artemas, emtre otros.
¿Qué mensaje quieres que lleven tus fans después de escuchar "QUIEN SOY CUANDO NADIE MIRA"?
Sé que para ellas soy una persona muy cercana, pero también reconozco que me cuesta abrirme del todo y dejarme conocer en profundidad. Con este álbum quiero regalarles una parte de mí, una que quizá nunca había mostrado del todo. A través de estas canciones podrán entender todo lo que viví y sentí el año pasado.
También quiero que sepan que ellas son una de las razones por las que sigo haciendo música. Me encantaría que este proyecto lo hagan suyo, que lo sientan cercano, y que pueda acompañarlas —como banda sonora— en muchas de sus propias historias.
El título del EP sugiere una exploración de la identidad. ¿Crees que la música te ha ayudado a entenderte mejor a ti misma?
Sin duda, he dedicado muchísimo tiempo a la música; ahora mismo es donde enfoco toda mi energía. Ese tiempo lo he aprovechado para hacer introspección y reconectar con las ganas y la ilusión que me impulsaron a empezar en este camino.
Siempre digo que, al escuchar la música de un artista, puedes intuir su personalidad y su forma de ver la vida en el momento en que creó ese trabajo.
Finalmente, ¿qué viene para Laura West? ¿Hay algún sueño musical o colaboración que te gustaría cumplir próximamente?
Mucha música. No quiero adelantar demasiado, pero tengo casi otro álbum terminado y, sinceramente, creo que es de lo mejor que he hecho hasta ahora.
Me encantaría seguir creciendo, darme a conocer aún más y poder ir a tocar con mi equipo por todo España. A nivel de Catalunya, uno de mis sueños sería colaborar con Julieta, y a nivel estatal, con artistas como Oddliquor, Judeline, Belén Aguilera o Soge Culebra.
La artista catalana Laura West regresa con fuerza y sin miedo a mostrarse vulnerable en “Quien Soy Cuando Nadie Mira”, su nuevo EP que ya está disponible en plataformas digitales. Este trabajo no es solo un álbum; es una experiencia sensorial, emocional y reflexiva que invita al oyente a sumergirse en sus propios claroscuros.
Desde su primer track, Laura West nos conduce a un universo sonoro etéreo, casi celestial, que poco a poco se ve envuelto por una narrativa más cruda y visceral. “Es un viaje introspectivo que empieza en un mundo ideal, pero pronto la realidad te obliga a mirar hacia dentro y enfrentarte a tus miedos”, cuenta la artista. El sonido evoluciona al ritmo de la historia, con una producción que pasa de paisajes sonoros delicados a beats enérgicos y oscuros, reflejando las batallas internas que todos, en algún momento, vivimos en silencio.
Para este proyecto, Laura West ha contado con la colaboración de voces femeninas potentes como Carmen Lillo (Madrid) y Laura Gibert (Cataluña), así como con productores destacados del circuito urbano y alternativo como KFE, Scotty DK, Franklin Dam y CCF Sounds, entre otros. Juntos, han creado un EP que trasciende géneros y etiquetas, fusionando pop electrónico, urban experimental y momentos de introspección pura.
Entre los temas más destacados del EP se encuentra “Caramelo”, una canción que se ha convertido en un verdadero himno moderno sobre la dualidad entre la imagen pública y las inseguridades personales. “Habla de cómo el ideal de belleza se convierte en una prisión emocional”, explica West. Con una producción de pop oscuro y beats contundentes, la canción conecta con una generación hiperconectada y obsesionada con las apariencias, ofreciendo un espacio sonoro para el autoconocimiento y la aceptación.
El videoclip de “Caramelo”, grabado, dirigido y editado por Fabricio Jiménez de Fames Lab, acompaña perfectamente la estética y el mensaje del tema, con una propuesta visual intensa y llena de simbolismo.
Laura West, también conocida como Westie, nació en Girona y ha sabido labrarse un nombre en la escena urbana nacional, llevando su sonido pop-electrónico a un terreno experimental y emocionalmente auténtico. Cantante, compositora, productora, ghostwriter y pianista, ha convertido su proyecto en un fenómeno en vivo gracias a su potente show junto a sus bailarinas, las Westies. Han recorrido escenarios como Sala Apolo de Barcelona, Negrita Music Festival, Holika, y han abierto conciertos para artistas como Bad Gyal, RVFV y próximamente para RELS B.
“Quien Soy Cuando Nadie Mira” confirma a Laura West como una de las voces más personales y honestas de la nueva generación de pop experimental con alma urbana. Un proyecto que, más allá de las etiquetas, se siente y se vive.
Ya disponible en todas las plataformas digitales. Para más información sobre Laura West, sus shows y próximos lanzamientos, síguela en sus redes sociales y no te pierdas lo que está por venir.
La cantautora Catalina Zaya presenta su nuevo single “Te Abrazo”, una balada pop luminosa y emotiva que invita a sentir la calidez de un abrazo que no ata, sino que libera. Más que una canción, “Te Abrazo” es una caricia musical que sumerge al oyente en una atmósfera de ternura, vuelo emocional y libertad interior.
Con una producción moderna y delicada, y una interpretación vocal que equilibra vulnerabilidad y fortaleza, Catalina Zaya explora el amor desde su gesto más sincero: el abrazo. Un contacto que, lejos de retener, impulsa a volar. “Imaginé qué le diría a alguien a quien no podía dejar ir. Y entendí que a veces no hace falta decir nada. Solo abrazarlo… no para sujetarlo, sino para dejarlo ir, y volar con él”, confesó la artista en una entrevista exclusiva.
El videoclip de “Te Abrazo” fue filmado en los paisajes de ensueño de Cartagena, Colombia, incluyendo la paradisiaca Isla Tierra Bomba y el imponente Castillo de San Felipe de Barajas. Un auténtico poema visual que narra una historia de amor y libertad entre puestas de sol, brisas caribeñas y siluetas dibujadas bajo cielos infinitos.
Cada escena refleja la emoción de la canción: abrazos que no necesitan palabras, miradas que hablan y momentos de calma compartida. Según Catalina Zaya, “Necesitaba un lugar con viento, agua y luz… todo lo que te hace sentir libre. Cartagena tiene alma. Respira historia y amor.”
Organizar el rodaje desde Dubái, con un equipo seleccionado a distancia y un viaje de casi 24 horas vía Ámsterdam, supuso un reto logístico. Pero como en todo buen proyecto que nace desde lo auténtico, las dificultades se transformaron en aciertos. Incluso una tormenta que obligó a cambiar de ubicación en la isla derivó en una playa perfecta con la ciudad al fondo.
En pantalla, la acompaña Alex Vasquez, modelo, bailarín y tiktoker colombiano, seleccionado no solo por su imagen, sino por la química y la confianza que requería la historia. “Fue mi primera experiencia real actuando, no posando, y con él fue natural. Sentir y vivir el momento.”
El estilismo y la dirección artística apuestan por lo esencial: ropa ligera, tejidos al viento, maquillaje mínimo. Un solo vestido combinado con distintos bañadores acompañó a Catalina Zaya entre escenas de fortaleza y playa. Movimientos suaves, como respiraciones, para mantener la esencia natural de la historia.
Para la artista, este lanzamiento significa “simplicidad, sinceridad y calidez”. Un recordatorio de que el amor no hay que controlarlo, sino vivirlo. “Si alguien ve el video y siente ganas de abrazar a quien ama, entonces hicimos todo bien”, expresó.
“Te Abrazo” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a todos a sumarse a esta experiencia emocional y tropical. Para más información sobre Catalina Zaya y sus futuros proyectos, no olvides seguirla en sus redes sociales y ser parte de su viaje lleno de música, romance y sabor caribeño.
La cantante y compositora Nereida presenta “Timeless”, una canción que nace desde lo más profundo de su corazón y se convierte en una conversación íntima con el tiempo, los recuerdos y las emociones que se resisten a desaparecer. Este nuevo single, ya disponible en plataformas digitales, muestra a una artista en estado puro, apostando por la sinceridad, la nostalgia y la sensibilidad como protagonistas.
“Timeless” surge de un momento de reflexión personal. Según cuenta Nereida, “Es una de las canciones más personales que he escrito. Nació en un instante de nostalgia por lo que fui y lo que soy ahora. Empecé a cuestionarme cómo el tiempo y los recuerdos transforman lo que sentimos. Me di cuenta de que hay cosas que permanecen, aunque todo lo demás cambie.”
La canción, compuesta junto al productor y compositor Álvaro Heredia (heerzo), ofrece una producción minimalista y cuidada, diseñada para no robarle espacio a la voz ni a la letra. Cada acorde funciona como un susurro, como un paisaje sonoro que acompaña sin interrumpir el relato emocional de la artista. “Quise que todo fuera lo más simple e íntimo posible, que la producción abrazara la voz y permitiera que las palabras respiraran”, explicó Nereida.
“Timeless” no solo es una canción, sino una reflexión en forma de música sobre los vínculos invisibles que nos atan a momentos, a personas y a versiones antiguas de nosotros mismos. La letra habla desde esa voz interior que todos reconocemos: la que se aferra a ciertos recuerdos, que nos lleva a preguntarnos qué permanece cuando todo a nuestro alrededor parece cambiar.
Nereida consigue transmitir esa mezcla de añoranza y serenidad con una interpretación vocal delicada, cargada de matices y honestidad. Su voz flota sobre la producción, construyendo un espacio sonoro que invita al oyente a detenerse, escuchar y encontrarse con sus propios recuerdos.
Este lanzamiento marca un punto importante en la carrera de Nereida, quien continúa consolidándose como una artista capaz de emocionar y conectar a través de la sencillez y la verdad. “Para mí, esta canción es como dejar una carta abierta al tiempo, a todo lo que fue y lo que sigue siendo dentro de mí”, comenta.
“Timeless” ya puede escucharse en todas las plataformas digitales, y promete convertirse en uno de esos temas que acompañan momentos de introspección y calma. Para más información sobre Nereida y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla en sus redes sociales y descubrir la música que vendrá.
Una canción que no pasa, porque algunas emociones, como los abrazos del recuerdo, son atemporales.
El músico y compositor Mark J SOLER ha anunciado el lanzamiento de su nueva obra instrumental “Hanami”, una delicada pieza de tres minutos que captura la fugacidad y el esplendor de la primavera en su máxima expresión. Inspirada en un paseo primaveral entre cerezos en flor junto al histórico Château de Versailles, esta creación es un tributo sonoro a la naturaleza y al arte de contemplarla.
“Hanami”, que toma su nombre de la tradicional costumbre japonesa de observar y disfrutar la floración de los cerezos, nació de un instante de asombro vivido por el artista en el Arboretum, un rincón poco conocido de naturaleza silvestre junto a los jardines del palacio. Según relata Mark J SOLER, “Tomé un par de fotos con el móvil, pero enseguida lo guardé. Me quedé allí, simplemente mirando. Quería absorber de verdad ese momento. Ya en el estudio, intenté trasladar esa sensación exacta a la música.”
El resultado es una composición instrumental que envuelve con melodías suaves y una atmósfera serena, invitando al oyente a detenerse, respirar y reconectar con el presente. “Hanami” funciona como una pausa sonora, un instante de calma y reflexión en medio del ruido cotidiano, y a la vez, un homenaje a la belleza que, como los pétalos de un cerezo, solo permanece un instante.
Disponible ya en plataformas digitales, esta pieza promete convertirse en la banda sonora ideal para aquellos que buscan momentos de introspección o sencillamente dejarse llevar por la poesía de la naturaleza.
Para más información sobre Mark J SOLER y sus futuros proyectos, puedes seguirle en sus redes sociales y descubrir las próximas sorpresas que prepara este talentoso compositor.
A veces la vida diaria puede parecernos monótona, sin color, insípida. Para ese tipo de ocasiones siempre viene bien redescubrir el placer de existir con esas canciones que te llevan a escenarios surreales donde la fiesta nocturna es infinita, esas vibras sonoras donde las aventuras citadinas y los encuentros pasionales ponen a latir el corazón a tope. Algo así como esa energía ochentera que transmitieran grandes temas como Lets Dance (David Bowie), This Must Be the Place (Talking Heads) y ahora Thunderbolt, de la banda sandieguina Atomic Sexies.
Fundada en la primavera de 2022 en San Diego, California, la banda Atomic Sexies es de esos proyectos que saben que la música es demasiado hermosa para reprimirla en un solo estilo, algo que dejan muy claro en su nueva entrega musical Thunderbolt. Con un estilo musical energizante que mezcla géneros como el rock pop británico, el glam, las vibras bailables de los 80s y letras que te motivarán a lanzarte por una aventura nocturna, el nuevo sencillo de los Atomic Sexies te transportará a esos años previos al Internet, cuando el estilo y los pasos de baile en la disco eran lo más importante.
Su portada es la primera puerta de entrada a esta dimensión, con un estilo que nos remite a los videojuegos de arcadia y los colores vaporwave, mientras que el sonido de Thunderbolt refleja exactamente lo que sus autores se propusieron que fuese: una carta de amor a David Bowie, influenciada por su era glam de Ziggy Stardust, así como algo de T.Rex y Talking Heads, en una mezcla de ritmos bailables y pegajosos.
Mezclada en Londres por Cameron Craig —productor que ha trabajado con artistas como Adele, Amy Winehouse, Tine Turner, Pulp— y masterizada en los mismísimos Abbey Road Studios —sí, los mismos donde los Beatles grabaran su legendario álbum— por Geoff Pesche —Gorillaz, Coldplay, Blur—, el tercer sencillo de Atomic Sexies sigue preparando el terreno para el lanzamiento de su próximo disco, del que ya han liberado previamente los temas Pleasure #5 y In Between y que verá la luz este 2025, en lo que promete ser un viaje musical atrevido y heterogéneo de eclecticismo sonoro que cautivará al público mexicano. De momento podemos ir adelantando la experiencia con Thunderbolt, disponible en plataformas digitales a partir del 25 de abril.
Además de este lanzamiento y tras su última visita a México en Noviembre del 2024, Atomic Sexies alista su regreso a los escenarios en este 2025, listos para dar una serie de shows en la capital del país y en distintas ciudades, mismos que estarán anunciando próximamente en sus redes sociales.
La escena musical latinoamericana sigue sumando voces auténticas y potentes, y una de las que más está dando que hablar es la de Caro Abadía. La artista panameña acaba de estrenar su nuevo single “Feel Me”, una canción que no solo invita a bailar, sino que también conecta con las emociones y reivindica el amor propio.
Con una propuesta fresca que fusiona el pop urbano con sonidos actuales y letras cargadas de fuerza, Caro se posiciona como una de las promesas más firmes de la nueva generación de artistas latinoamericanas. En “Feel Me”, su inconfundible voz se mezcla con una producción impecable a cargo de Bomber Music, creando un tema que promete convertirse en favorito de playlists y pistas de baile.
La letra y composición, firmadas por la propia Caro Abadía, transmiten un mensaje de autenticidad y valentía, invitando a escuchar el corazón y dejarse llevar. “Es una canción para que la gente se reconecte consigo misma, para recordar que no hay nada más poderoso que sentirte libre, dueño de tu historia y de tu energía”, comenta la artista.
“Feel Me” ya está disponible en plataformas digitales, donde los seguidores de Caro podrán disfrutar de este nuevo capítulo en su carrera. Además, quienes quieran estar al tanto de sus próximos lanzamientos, presentaciones y novedades, pueden seguirla a través de sus redes sociales, donde la artista mantiene una activa comunicación con su comunidad de fans.
Desde Panamá para el mundo, Caro Abadía confirma con este lanzamiento que su música ha llegado para quedarse, y que su mensaje de empoderamiento y conexión emocional seguirá resonando fuerte en cada canción.
La cantante sonorense Ingrid Contreras regresa este 2025 con un tema cargado de sentimiento y elegancia: “Dime”, una balada pop que promete tocar fibras profundas y convertirse en favorita entre los amantes de las canciones que hablan al corazón. Ya disponible en plataformas digitales, este nuevo sencillo confirma a Ingrid como una de las voces más auténticas y sensibles de la escena actual.
Originaria de Ciudad Obregón, Sonora, Ingrid Contreras ha construido su camino en la música como en un verdadero cuento de hadas. "Siempre fue mi meta lanzarme algún día como solista, pero no estaba tocando puertas. Pensaba que si era para mí, de alguna manera se iba a atravesar en mi camino. Y así sucedió", confiesa la artista de 28 años, que desde su debut ha dejado una marca muy personal dentro del género mariachi-pop y balada-pop.
“Dime” es una pieza íntima y melancólica, compuesta por Héctor León, Cesar Franco y Carlos Daniel Tomas, y producida por Saul Escoboza, que permite a Ingrid desplegar toda la potencia y calidez de su voz. La letra, cargada de preguntas sin resolver en una relación marcada por el silencio y la distancia emocional, encuentra en su interpretación la mezcla perfecta entre delicadeza y fuerza interpretativa, elementos que ya son parte esencial del sello de la cantante.
Desde su aparición en la escena musical, Ingrid Contreras ha sabido conquistar al público y la crítica. A finales de 2020, su sencillo “A quién quiero engañar” fue seleccionado para formar parte de la banda sonora de la telenovela de Televisa Quererlo Todo. Un año más tarde, su talento fue reconocido en los Premios Juventud 2021, donde recibió nominaciones en las categorías “La Nueva Generación Regional Mexicano” y “Mejor Canción Mariachi-Ranchera” por su éxito “Pobre Corazón”.
Con “Dime”, Ingrid vuelve a demostrar que su versatilidad y capacidad para conectar con las emociones del público siguen creciendo. La canción mantiene esa esencia romántica que la caracteriza, pero con una producción contemporánea que envuelve cada verso en arreglos elegantes y atmósferas envolventes, consolidando su propuesta como una de las más frescas y emotivas del pop en español.
La canción ya puede disfrutarse en todas las plataformas digitales, y la artista invita a sus seguidores a no perderse este nuevo capítulo de su carrera, además de mantenerse al tanto de próximos lanzamientos y presentaciones a través de sus redes sociales.
Ingrid Contreras reafirma con este lanzamiento que sigue escribiendo su propio cuento de hadas en la música, uno donde cada canción es un reflejo sincero de su voz y su corazón.
El artista madrileño Aaron Marqués, conocido por su habilidad para fusionar el flamenco con ritmos urbanos, acaba de lanzar su nuevo single "No podemos ser amigos", una colaboración junto al productor Kick Key y bajo el sello de Dimelo Hifi. Esta nueva canción promete ser un éxito en las pistas de baile, recuperando la esencia del reggaetón de antaño con un toque fresco y contemporáneo.
Aaron Marqués, de raíces andaluzas, ha sabido consolidarse en la escena musical con un estilo versátil que abarca desde el trap hasta la bachata, pasando por el merengue y el rap. Inició su carrera con temas como "Tú Perfume", donde mezclaba el flamenco con sonidos urbanos, y desde entonces no ha dejado de sorprender con colaboraciones innovadoras y ritmos contagiosos.
Con "No podemos ser amigos", Marqués demuestra una vez más su capacidad para reinventarse, apostando por un reggaetón pegajoso y directo, ideal tanto para el público más nostálgico como para las nuevas generaciones.
Producido por Kick Key, conocido por su trabajo en el género urbano, este tema combina percusiones envolventes, bajos potentes y letras intensas que hablan de una relación imposible. La química entre Marqués y Kick Key se hace evidente en cada compás, creando una canción que invita al movimiento desde el primer segundo.
"No podemos ser amigos" ya está disponible en todas las plataformas digitales, incluyendo Spotify, Apple Music, YouTube Music y Amazon Music, entre otras. Los seguidores del artista pueden esperar un videoclip próximamente, así como más sorpresas en su agenda musical.
Para estar al tanto de los próximos lanzamientos y proyectos de Aaron Marqués, no olvides seguirle en sus redes sociales. Con una carrera en ascenso y una creatividad sin límites, este artista promete seguir dejando huella en la industria musical.
Este 2025 arranca con ritmo veraniego gracias a Juls Del Real y Mitchell Stuurman, quienes acaban de estrenar su nuevo single “Sé Que Me Buscarás”, una canción que promete ser la banda sonora de las pistas de baile y las tardes junto al mar. Se trata de un tema pop dance con alma tropical, que combina la calidez vocal de Juls y la frescura de una melodía que invita a bailar y dejarse llevar.
“Sé Que Me Buscarás” es mucho más que una canción bailable. Desde su inicio, el tema atrapa con un beat alegre y envolvente que, en su segundo verso, se descompone en un cálido synth tropical que transporta al oyente a un atardecer en la playa, con las olas rompiendo de fondo y una copa en la mano. Juls, con letra en español, ofrece una interpretación luminosa y positiva, pensada para contagiar buen ánimo y levantar el espíritu.
Lo curioso de este lanzamiento es que Juls Del Real, artista madrileña nacida en 1992, y Mitchell Stuurman, productor holandés de Alkmaar, aún no se conocen en persona. Se conectaron por internet cuando Mitchell envió un demo a Juls, quien quedó encantada con la idea y no dudó en colaborar. A pesar de trabajar a distancia, desde sus respectivos hogares en España y Holanda, ambos disfrutaron al máximo la experiencia, logrando una química musical que se refleja en este vibrante single.
Juls Del Real lleva años recorriendo escenarios icónicos de Madrid como Opium, Joy Slava, Búho Real, Fulanita de Tal, Marula Café y Moe Club. Desde los 18 años ha compuesto para cine y series, y en 2019 lanzó su primer EP Segunda vida. En 2022 sorprendió con Puticlista, una parodia crítica, y en 2023 con Paridas, un tema festivo que celebraba la amistad. Este año, además de “Sé Que Me Buscarás”, se prepara para lanzar Conexión, una canción pop que aborda las dificultades para establecer relaciones sentimentales en la era digital.
Por su parte, Mitchell Stuurman ha construido su estilo mezclando Dance, Pop, Tropical House y Trance, influenciado por bandas como U2 y productores como Kygo. Tras años tocando la guitarra y formando parte de bandas locales, decidió adentrarse en la producción musical, enfocándose en melodías y ritmos que transmiten emoción y energía. Este verano, Mitchell también presentará dos nuevos singles: Love is all you need y One touch.
“Sé Que Me Buscarás” ya está disponible en plataformas digitales, lista para sumarse a las playlists de quienes buscan una canción que los haga bailar y disfrutar del verano.
Para más información sobre Juls Del Real y Mitchell Stuurman y sus futuros proyectos, puedes seguirlos en sus redes sociales. ¡Prepárate, porque esta colaboración promete ser solo el inicio de una gran conexión musical!
El colectivo musical Soul de Vienne vuelve a sorprender con su más reciente lanzamiento “Globalization”, un tema que refleja a la perfección la esencia de este innovador proyecto dirigido por Roman Schleischitz. Disponible ya en plataformas digitales, la canción es una verdadera travesía sonora que fusiona géneros y culturas en una sinfonía moderna, rompiendo las barreras tradicionales de estilo y territorio.
“Globalization” es mucho más que un simple tema musical; es una declaración artística que celebra la diversidad cultural y musical del mundo actual. Fieles a su sello distintivo, Soul de Vienne ofrece una producción donde conviven influencias de jazz, world music, electrónica y matices contemporáneos, tejidas con precisión en una obra que resulta tan sofisticada como accesible.
Al frente de esta propuesta se encuentra Roman Schleischitz, compositor y productor con una vasta experiencia en la creación de proyectos sonoros únicos. Schleischitz ha sabido consolidar a Soul de Vienne como un colectivo flexible y vanguardista, que adapta su alineación de músicos a cada proyecto, garantizando así la excelencia y frescura de cada nueva obra.
En “Globalization”, esta filosofía creativa alcanza una de sus más brillantes expresiones. El tema se apoya en arreglos dinámicos e innovadores, combinando instrumentos acústicos con elementos electrónicos y recursos vocales que refuerzan su mensaje de unidad y apertura cultural. La pieza consigue transportar al oyente por diferentes paisajes sonoros, conectando las tradiciones musicales de distintas latitudes en un lenguaje común.
Desde sus inicios, Soul de Vienne ha apostado por reinterpretar y crear música con un enfoque multidisciplinario, y este nuevo single reafirma su compromiso con esa visión. La capacidad del colectivo para moverse con solvencia entre la interpretación clásica, los ritmos contemporáneos y las influencias globales, ha convertido a este proyecto en uno de los referentes de la experimentación musical actual.
“Globalization” se suma así al repertorio de una agrupación que no deja de explorar y reinventarse, ofreciendo a su audiencia experiencias sonoras tan técnicas como emotivas, en escenarios que van desde pequeños espacios íntimos hasta grandes auditorios internacionales.
El colectivo invita a sus seguidores y nuevos oyentes a descubrir esta obra y sumarse a su viaje musical a través de plataformas digitales. Para conocer más sobre Soul de Vienne, sus próximas presentaciones y lanzamientos, se puede visitar su página oficial: www.souldevienne.com.
Una vez más, Soul de Vienne demuestra que la música no entiende de fronteras, y que cuando se combinan talento, visión y respeto por la diversidad, el resultado es simplemente extraordinario.
Después de la cálida recepción de Violeta,Andrés Volkovpresenta “Fragilidad”, una composición que continúa explorando el universo sonoro del mariachi desde nuevos territorios. En esta ocasión, la canción incorpora elementos de salsa para dar forma a una reflexión profunda sobre la vulnerabilidad y la masculinidad.
La letra de “Fragilidad” ofrece una mirada crítica a los mandatos tradicionales de la masculinidad, donde la fuerza se asocia con la frialdad y las convicciones suelen generar confusión. Construida a partir de voces que heredan prácticas y creencias a lo largo de generaciones, la música refuerza esta narrativa: el mariachi funge como punto de partida para un arreglo que evoluciona hacia una sección de salsa enérgica, con el piano como detonante rítmico y emocional.
Grabada de forma independiente por Andrés Volkov, Juan José Espinoza y Ed Crimson, la canción destaca por su ensamble multicultural y su enfoque artesanal. “Fragilidad” es un adelanto más del álbum Hombre Nuevo, una ópera rock donde el mariachi dialoga con géneros como el bolero, el jazz y el rock.
La canción fue escrita por Andrés Volkov, quien también comparte la producción con Juan José Espinoza y Ed Crimson. El arreglo fue realizado entre Volkov y Espinoza, quien además interpreta guitarras y vihuelas, y aporta coros junto a Jorge Rivera, también contrabajista. Las percusiones estuvieron a cargo de Balam Sarellano y Gabriel Rodríguez; Luis Sánchez grabó las trompetas, Emerson Escobar los violines, y David Morales el piano que impulsa la sección de salsa. La presentación de su nuevo disco "Hombre Nuevo" será el próximo miércoles 25 de junio en Foro Cultural Hilvana a las 18:00 hrs. Los boletos se podrán adquirir en Passline y en el foro.
El cantautor Manuel Padron Ríos nos sumerge en la esencia atemporal del Mare Nostrum con su nuevo y evocador sencillo: "Mediterráneo en la Piel". A través de una íntima historia de amor, el artista nos regala una ventana a la vida que palpita en sus costas, un universo donde las edades se difuminan, las modas son pasajeras y el corazón late al unísono con el vaivén de las olas.
"Su Mediterráneo es como el de muchos otros", confiesa el propio Manuel Padron. Un crisol de "mil edades, con mil modas, mil corazones", un lienzo donde se han quedado grabados incontables besos, impregnado del sabor salino de la brisa marina y el incesante ir y venir de las olas. Un lugar mágico que ha hechizado a innumerables almas a lo largo de la historia, sintiendo bajo su influjo la misma conexión profunda y visceral.
En este nuevo trabajo, donde Manuel Padron asume los roles de artista principal, productor, compositor y letrista, se percibe una autenticidad palpable. Cada nota, cada palabra, parece emanar directamente de las profundidades de su ser, transmitiendo una conexión personal y arraigada con el paisaje y las emociones que evoca el Mediterráneo.
El videoclip que acompaña a "Mediterráneo en la Piel" se convierte en una poderosa herramienta narrativa, visualizando la historia de amor del autor como un reflejo de la vida que fluye en este enclave único. No se trata de una única edad, moda o corazón, sino de la suma de todos ellos, entrelazados por el hilo conductor de un sentimiento universal que resuena en cada rincón de la costa mediterránea.
Con este lanzamiento, Manuel Padron nos invita a detenernos y sentir la magia que emana de este mar milenario, a recordar aquellos besos que quedaron suspendidos en el aire, el aroma inconfundible de la sal y el hipnótico sonido de las olas que han sido testigos silenciosos de innumerables historias de amor y vida. "Mediterráneo en la Piel" se presenta como una caricia sonora, una invitación a reconectar con nuestras propias vivencias y emociones ligadas a este espacio geográfico y sentimental.
El nuevo single, "Mediterráneo en la Piel", ya está disponible en streaming en plataformas digitales. Para sumergirse aún más en el universo artístico de Manuel Padron Ríos y estar al tanto de sus próximos proyectos, no duden en seguirlo en sus redes sociales. Déjense envolver por la brisa melódica y la profunda sensibilidad de "Mediterráneo en la Piel".
