La cantante santafesina Avru continúa consolidando su carrera como una de las voces más prometedoras del pop argentino con el lanzamiento de su nuevo single “Sola”, una balada introspectiva que combina sensibilidad, técnica vocal impecable y una producción moderna que refuerza su estilo distintivo. El tema, acompañado de un videoclip recién estrenado, forma parte de su nuevo álbum lanzado en 2025 y marca un paso más en la evolución artística de la intérprete.

Desde sus primeros años, Avru mostró un talento excepcional para la música. Comenzó su formación en canto lírico a los ocho años, un entrenamiento que le otorgó la base técnica y expresiva que hoy define su sonido. Sin embargo, fue en 2022 cuando alcanzó reconocimiento nacional al participar en el programa televisivo Canta Conmigo Ahora, conducido por Marcelo Tinelli, donde su potencia vocal y carisma escénico la destacaron entre cientos de participantes.

Tras esa experiencia, Avru decidió iniciar una nueva etapa como solista, apostando por un pop contemporáneo que conserva la fuerza de su voz clásica, pero se mezcla con ritmos actuales y una producción moderna. Su propuesta se distingue por un equilibrio entre emoción, sofisticación y autenticidad, consolidándola como una artista capaz de elevar el pop argentino a nuevas alturas.

“Sola” es una canción que habla del desamor, la ausencia y la soledad que deja una ruptura. Con una letra cargada de melancolía —“sin ti el café sabe amargo en este invierno tan largo”, “tu ausencia me mata, qué cruel el final de este cuento”, “pienso en cortar nuestro lazo, pero ni puedo intentarlo”—, Avru retrata con delicadeza el proceso emocional de quien intenta olvidar sin lograr desprenderse del todo del pasado. Su interpretación, íntima y poderosa, transmite la dualidad entre la fragilidad y la fuerza interior que emerge tras el dolor.

La producción de “Sola” potencia el dramatismo y la calidez de la voz de Avru, enmarcándola en un sonido pop elegante, con arreglos modernos y una atmósfera envolvente. El videoclip, lanzado recientemente, refuerza la narrativa visual de la soledad y la introspección, mostrando a la artista en escenarios que reflejan la distancia emocional y el anhelo por lo perdido.

Con este nuevo lanzamiento, Avru confirma que su camino artístico está guiado por la búsqueda de autenticidad, emoción y una identidad sonora sólida. “Sola” no solo es una canción sobre el desamor, sino también una declaración de independencia y autodescubrimiento.

“Sola” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Avru, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista madrileña María Escarmiento regresa con su nuevo sencillo “Una Nueva Canción”, una colaboración con el productor vau boy que combina su característico sonido pop-urbano con una reflexión íntima sobre la presión constante que acompaña al proceso creativo. Con este lanzamiento, María vuelve a demostrar por qué es una de las voces más singulares y coherentes dentro de la escena alternativa española.

El tema, producido y masterizado por vau boy, con mezcla vocal de fran laoren, se sumerge en una atmósfera envolvente donde la voz suave y melancólica de María se funde con una base electrónica minimalista y emocional. “Una Nueva Canción” no solo es un nuevo paso en su evolución musical, sino también una declaración de vulnerabilidad frente al ritmo implacable de la industria musical actual. La artista aborda con honestidad cómo la exigencia de estar en constante creación puede convertirse en una fuente de agotamiento, sin dejar de encontrar en la música un espacio de catarsis y liberación.

Desde su irrupción en Operación Triunfo 2018, donde destacó por su estilo personal y su actitud independiente, María Escarmiento —nombre artístico de María Villar (Madrid, 1991)— ha seguido un camino artístico propio, alejado de los moldes más convencionales. Su apodo artístico proviene de un mote familiar de la infancia, y simboliza la naturalidad y cercanía con las que afronta su carrera.

Tras su paso por el talent show, estudió música en Nueva York y formó parte del grupo Brainfreeze, experiencias que moldearon su identidad creativa. Con el tiempo, ha consolidado un estilo que fusiona pop, electrónica y música urbana, y que la ha posicionado como una de las artistas más destacadas del hyperpop en España. Su discografía incluye trabajos tan personales como el EP Sintiéndolo Mucho (2020), el álbum ☆ COSAS DE BRUJAS ☆ (2023) y los recientes iCandy y SENSACIÓN DE CALOR 2 (2024), en los que ha explorado nuevas texturas y matices sonoros.

“Una Nueva Canción” se suma ahora a esa trayectoria como un testimonio de madurez artística y emocional. En ella, María Escarmiento no busca agradar, sino compartir una parte de sí misma: la del cansancio, la duda y la necesidad de seguir creando a pesar de todo.

“Una Nueva Canción” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de María Escarmiento, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Los zaragozanos JustDiego presentan su nuevo single “Salvarme de mí”, una intensa descarga de rock grunge que refleja la batalla interna contra los propios demonios y la búsqueda de redención personal frente a las sombras que habitan dentro. Con este lanzamiento, el dúo consolida su identidad sonora más visceral y honesta, profundizando en una narrativa que combina fuerza emocional, crudeza instrumental y una lírica cargada de verdad.

Producida por Xavi Estivill y grabada en La Cafetera Atómica, la canción muestra a la banda en su estado más puro y directo. Guitarras densas y desgarradas se entrelazan con una voz rasgada y llena de sentimiento, mientras la batería, a cargo de Luis Felipe, sostiene con potencia el pulso del tema junto a Diego, quien asume el papel de voz y guitarra en este formato actual de dúo.

El tema, con un estribillo que resuena como un grito de liberación —“Salvarme de mí, albergar la oportunidad, carecer de la intención, no te vuelvo a insistir”—, se convierte en un manifiesto de resistencia interior y autoafirmación. A través de imágenes poéticas y una energía sonora que remite a los grandes exponentes del rock alternativo de los noventa, JustDiego canaliza emociones profundas y las transforma en un himno de desahogo y reconstrucción.

Tras los anteriores lanzamientos de este mismo disco, “Los Bestiarios” y “Andrómeda”, JustDiego confirma con “Salvarme de mí” su capacidad para crear un universo propio, emocional y sin artificios. La banda sigue fiel a su esencia: un sonido intenso, honesto y nacido de las entrañas, que conecta directamente con el oyente a través de su autenticidad.

“Salvarme de mí” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de JustDiego, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El ícono del pop latino Ricky Martin une fuerzas con la estrella del regional mexicano Carín León para presentar una nueva versión de “A Medio Vivir”, uno de los temas más emblemáticos de la música en español. Este relanzamiento, producido por Casta y Andrés Saavedra, reinterpreta el clásico de 1995 con una fuerza emocional renovada y un sonido que fusiona lo mejor de dos mundos: la elegancia pop y la autenticidad del regional contemporáneo.

Originalmente compuesta por Franco De Vita e incluida en el álbum homónimo de Ricky Martin, “A Medio Vivir” marcó un antes y un después en la carrera del artista puertorriqueño y en la historia del pop latino. Tres décadas después, la canción renace en 2025 con un aire distinto, fruto de una colaboración intergeneracional que une a dos figuras que, desde sus propios universos musicales, han conquistado audiencias globales.

Esta nueva versión de “A Medio Vivir”, lanzada oficialmente el 2 de octubre de 2025, mantiene intacta la melancolía y profundidad del tema original, pero incorpora arreglos más orgánicos, una instrumentación que combina guitarras acústicas y matices del regional mexicano, y las voces inconfundibles de Ricky Martin y Carín León, que se entrelazan en un dueto cargado de sentimiento y respeto mutuo.

El resultado es una balada intensa que habla de la soledad tras la pérdida, del amor que se resiste a morir y del vacío de seguir “a medio vivir”. La interpretación de ambos artistas potencia la narrativa del desamor desde dos perspectivas distintas: la experiencia madura de Ricky Martin y la crudeza emocional de Carín León, que logra conectar con una nueva generación sin perder la esencia de la canción original.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip oficial, dirigido por Carlos Pérez, Director Creativo de Elastic People, quien ya ha colaborado con Ricky Martin en numerosos proyectos visuales. El video, de estética cinematográfica y simbólica, plasma a través de imágenes poéticas la distancia emocional y la nostalgia que define el tema. En él, ambos intérpretes aparecen en escenarios que evocan la soledad y el recuerdo, logrando una pieza visual de alto impacto artístico.

El estreno de “A Medio Vivir” coincide con la gira mundial “Ricky Martin Live”, un tour que celebra su trayectoria y sus nuevos proyectos. La colaboración con Carín León, uno de los exponentes más destacados del regional mexicano actual, ha generado una enorme expectación en el público y la crítica, al tratarse de un encuentro entre dos generaciones y estilos que, aunque diferentes, comparten una misma sensibilidad y pasión por la música.

Con esta reversión, Ricky Martin no solo rinde homenaje a una de las piezas más importantes de su carrera, sino que también abre un nuevo capítulo en el diálogo musical entre el pop latino y el regional mexicano. “A Medio Vivir” vuelve a demostrar que las grandes canciones son atemporales, capaces de renacer con nuevos matices sin perder su esencia.

“A Medio Vivir” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ricky Martin y Carín León, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La joven artista Carmen Ferre continúa consolidando su prometedora carrera musical con el lanzamiento de su nuevo single “La Receta”, una canción que combina ternura, pasión y frescura en una historia de amor contada con la naturalidad que la caracteriza. Con una letra que celebra los sentimientos sinceros y cotidianos, la cantante andaluza demuestra una vez más que su voz y su sensibilidad artística son su mejor carta de presentación.

“La Receta” es una fusión de pop romántico con toques modernos y luminosos, donde la melodía fluye con la calidez de una historia de amor que se cocina a fuego lento. La canción retrata ese instante mágico en el que dos personas se descubren y se eligen sin necesidad de ponerle etiquetas al sentimiento. Con versos como “Tú tienes la receta, la llave secreta que abre cada puerta de mi corazón”, Carmen transforma una emoción universal en una pieza cercana, honesta y profundamente emocional.

Su interpretación vocal, cargada de matices y ternura, aporta al tema una energía positiva y auténtica, mientras la producción envuelve al oyente en una atmósfera de alegría y complicidad. “La Receta” es una canción que invita a sonreír, a recordar y a creer en el amor desde la sencillez, una muestra del crecimiento artístico de una voz que conquista corazones sin artificios.

Carmen Ferre comenzó su trayectoria musical a los ocho años, cuando descubrió su pasión por el canto y la guitarra. Con el tiempo, la composición se convirtió en su lenguaje más natural, y el piano pasó a ser su segundo gran aliado creativo. Su talento y carisma la llevaron pronto a los escenarios: en 2018 participó en el programa “Menuda Noche”, donde empezó a adquirir experiencia a través de conciertos benéficos, y un año después fue seleccionada para “La Voz” en Antena 3, sorprendiendo al jurado y al público con su personalidad artística.

En 2020 llegó a la final de “Tierra de Talento”, y más tarde participó en “Got Talent”, siendo una de las voces más destacadas de la edición. Cada paso en su carrera ha reflejado su constancia, su evolución y su compromiso con la música. En 2024, Carmen se unió al sello Sound Blaster Records, con el que estrenó el single “Un Besito”, marcando el inicio de una nueva etapa más madura, profesional y enfocada en desarrollar su propio estilo.

“La Receta” reafirma a Carmen Ferre como una de las jóvenes promesas del pop español. Su capacidad para conectar con el público a través de letras que transmiten emoción y cercanía la convierte en una artista que crece a cada paso, guiada por el amor, la autenticidad y la pasión por la música.

“La Receta” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carmen Ferre, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista malagueño Chema Rivas inicia una nueva etapa musical con el lanzamiento de “Astronauta”, un tema que marca el punto de partida de su próximo EP homónimo, previsto para finales de este año. Con una propuesta fresca, enérgica y llena de matices electrónicos, el joven compositor y productor da un paso más en su evolución artística, consolidando su posición como una de las voces más dinámicas del pop latino actual.

“Astronauta” no es solo una canción: es el comienzo de un viaje sonoro hacia una nueva galaxia musical. En este primer adelanto, Chema Rivas explora sonidos más experimentales y envolventes, manteniendo la esencia que lo ha caracterizado desde sus inicios —melodías pegadizas, ritmo contagioso y una energía que invita a bailar—, pero con una producción más sofisticada y moderna. El tema ha sido masterizado por Uli, reconocido productor de Saiko, lo que refuerza su apuesta por un sonido actual, potente y preparado para dominar las pistas de baile.

El EP “Astronauta” girará en torno a un concepto espacial y estará compuesto por seis canciones diseñadas para divertir, inspirar y dejar volar la imaginación. Según Rivas, la idea es transportar al oyente a un universo de libertad, ritmo y emoción, donde cada tema funcione como una estación dentro de un viaje musical lleno de color y creatividad.

Conocido por éxitos como “Mil Tequilas”, “Malagueña” o “Entre Tú y Yo”, Chema Rivas ha demostrado su capacidad para conectar con el público a través de melodías irresistibles y letras que combinan sentimiento y frescura. Este verano, su música ha resonado en los principales escenarios de España gracias a las giras Megastar y Los 40 Summer, en las que volvió a demostrar que su propuesta es sinónimo de energía y diversión.

A sus 24 años, Chema Rivas es ya un referente del nuevo pop urbano español. Nacido en Almuñécar (Granada), comenzó su relación con la música a los 13 años, cuando descubrió su primera guitarra y se dejó inspirar por el blues y el rock. Con el tiempo, su sonido evolucionó hacia el R&B, el funk y el pop latino con tintes electrónicos, un estilo que lo ha convertido en uno de los artistas más versátiles y carismáticos de su generación.

Desde su debut con “Loco Soñador” en 2019, el artista ha acumulado millones de reproducciones en plataformas digitales. Su tema “Entre Tú y Yo” supera los 112 millones de escuchas en Spotify y cuenta con un Disco de Platino, mientras que “Mil Tequilas” ha alcanzado tres Discos de Platino, confirmando su impacto y conexión con el público. Además, ha colaborado con figuras como Juan Magán, Ptazeta, Lérica y Antonio José, y participó recientemente en el concierto de Juan Magán en el Movistar Arena de Madrid, ante miles de personas.

Con más de un millón de oyentes mensuales en plataformas digitales, Chema Rivas continúa su ascenso imparable, combinando talento, frescura y una energía contagiosa. Con “Astronauta”, el artista invita a su público a despegar junto a él hacia una nueva era musical donde la creatividad no tiene límites.

“Astronauta” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Chema Rivas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Después de emocionar con su debut íntimo “Qué voy a hacer sin ti” y sorprender este verano con el tema en inglés “BILY – Because I Love You So”, la artista multicultural CARMEL presenta “Mariposa al Fuego”, una poderosa canción que combina la intensidad del flamenco con la frescura del pop contemporáneo. En esta nueva entrega, la cantautora invita a un viaje de autoconciencia, amor propio y liberación emocional.

Inspirada en la imagen poética de una mariposa que se lanza hacia las llamas, sabiendo que el fuego la consumirá, “Mariposa al Fuego” explora la atracción hacia relaciones poco saludables y la lucha interna por romper los ciclos de dependencia afectiva. La canción construye su atmósfera a partir de una cuidada producción que fusiona guitarras flamencas —a cargo del talentoso José De María— con arpa, cuerdas clásicas y la voz profunda y envolvente de Carmel, creando un universo cargado de tensión, sensualidad y resiliencia.

“Todos hemos sido esa mariposa alguna vez: atraídos por lo que sabemos que nos hará daño. Esta canción es ese espejo, pero también una invitación a elegirnos a nosotros mismos”, explica la artista, que convierte su interpretación en un acto de vulnerabilidad y empoderamiento. Con una estructura dinámica y una interpretación vocal llena de matices, “Mariposa al Fuego” logra equilibrar el dramatismo del flamenco con una producción moderna y emocionalmente potente.

Carmel es una cantautora de raíces marroquíes, argentinas y de Medio Oriente, actualmente residente en España. Su propuesta musical es un reflejo de su identidad multicultural: una fusión de flamenco, soul y sonidos globales que dialogan en tres idiomas —español, inglés y hebreo—. Graduada en Berklee College of Music, Carmel ha desarrollado una trayectoria que combina la sofisticación técnica con la autenticidad emocional. En paralelo a este lanzamiento, continúa trabajando en su primer EP, Contraste, y en colaboraciones internacionales junto a músicos y productores de distintos orígenes, como el guitarrista flamenco José De María y creadores de la escena latina y global.

Con “Mariposa al Fuego”, Carmel reafirma su identidad artística: una voz joven pero experimentada, que utiliza la música como espacio de catarsis, libertad y conexión con el alma. Es una canción que transforma el dolor en fuerza y el fuego en renacimiento.

“Mariposa al Fuego” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de CARMEL, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Con apenas 22 años, la cantante y compositora cordobesa Morena demuestra una vez más su talento y autenticidad con “Típico”, su nuevo single, una canción cargada de actitud, sarcasmo y empoderamiento. En esta pieza, la artista transforma una historia de desengaño amoroso en un himno de fuerza y autoconfianza, desnudando con humor y desparpajo las contradicciones del amor moderno.

Desde los primeros versos, “Típico” atrapa con una narrativa directa que combina ironía y desahogo. Morena canta sobre una ruptura marcada por la traición y el ego, y lo hace con un lenguaje cotidiano, fresco y sin filtros: “Sos el típico tarado que habla siempre de más / y que cuando peleamos vas a llorarle a tu mamá”. Con una letra afilada y una interpretación llena de carácter, la canción retrata con lucidez una figura masculina inmadura y repetitiva, y la decisión firme de una mujer que elige no volver atrás.

Musicalmente, “Típico” se mueve entre el pop y los sonidos urbanos, con una producción moderna que resalta la voz expresiva de Morena. Su interpretación combina vulnerabilidad y fuerza, ironía y desilusión, logrando conectar con una generación que encuentra en sus canciones un espejo de experiencias compartidas.

Morena canta desde los 10 años y comenzó su carrera musical en 2018 junto a su hermana Paloma, formando el dúo PYM, con el que recorrieron la provincia de Córdoba interpretando covers y conquistaron a más de 470 mil seguidores en Instagram y 11 mil suscriptores en YouTube. Tras esa etapa de éxito, en 2021 decidieron emprender caminos separados. Ese mismo año, Morena fue seleccionada como participante de La Voz Argentina, donde deslumbró al público con su talento y presencia escénica.

A su voz potente y natural, la artista suma una sólida formación en canto, piano y guitarra, y una experiencia que la ha llevado a compartir escenario como invitada en shows locales de figuras internacionales como David Bisbal, Aitana, Lola Índigo y Danna. Su música apela a una nueva generación que busca autenticidad, emoción y letras con las que identificarse, sin perder de vista su esencia y sensibilidad.

Con “Típico”, Morena no solo confirma su madurez artística, sino también su capacidad para convertir las heridas en canciones llenas de energía, ironía y verdad. Es una declaración de independencia emocional y una celebración del amor propio frente a la decepción.

“Típico” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Morena, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Con una interpretación intensa, femenina y directa al corazón, la artista mallorquina ROXANA presenta su nuevo single “Lo Que Me Dejaste”, una propuesta que reimagina el corrido tumbado desde una mirada diferente, más emocional y cinematográfica. La canción, descrita por la propia artista como un “corrido tumbado con espíritu de telenovela”, mezcla drama, poder y verdad en una historia cantada que destila autenticidad y fuerza interior.

“Lo Que Me Dejaste” captura el instante posterior a la traición y al desengaño, cuando el dolor se convierte en energía transformadora. Con una voz firme y llena de matices, Roxana lleva al género regional mexicano hacia un nuevo territorio donde conviven lo clásico y lo contemporáneo, lo crudo y lo elegante. Su interpretación logra equilibrar vulnerabilidad y determinación, haciendo de la canción un viaje emocional tan intenso como liberador.

La producción combina la esencia tradicional del corrido tumbado —con guitarras y bajos de sonido profundo— con toques modernos que reflejan la versatilidad de Roxana. Esta fusión rompe las fronteras del género, acercándolo a un público más amplio sin perder su raíz ni su autenticidad.

Originaria de Mallorca, Roxana es una artista que se caracteriza por su apertura creativa y su deseo constante de innovar. Su universo musical bebe de influencias que van desde el Afrobeat, el Dancehall y el Techno, hasta los ritmos latinos y espirituales que han marcado su identidad artística. A través de su música, busca transmitir belleza, elegancia y sensualidad mediante sonidos cálidos que conectan con las emociones más profundas.

“Mi música nace del deseo de hacer sentir —de que las personas se reconozcan en mis letras, en mis melodías— y de crear un espacio donde se pueda conectar desde la verdad y la sensibilidad”, explica la artista, cuya visión artística se centra en transmitir paz, confianza y fortaleza interior.

Con “Lo Que Me Dejaste”, Roxana no solo demuestra su talento vocal y su sensibilidad como compositora, sino también su valentía para explorar territorios nuevos y reinterpretar géneros desde una perspectiva femenina y contemporánea. El resultado es una canción que, al igual que una buena historia de telenovela, nos envuelve en emociones intensas, sinceras y universales.

“Lo Que Me Dejaste” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ROXANA, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Latin Café 2.0” nace de la inspiración que Francesco Mascaretti encontró en la compañía de danza Latin Café, dirigida por el maestro Kenny Del Castillo. Su estilo único, una fusión entre la danza latina y los sonidos modernos, despertó en el artista la necesidad de trasladar esa misma energía al lenguaje musical. Así, Malamañoso da vida a una pieza que funciona como un auténtico viaje sonoro por América Latina, donde los ritmos y las tradiciones se entrelazan con naturalidad y fuerza expresiva.

En “Latin Café 2.0”, la banda italiana combina con maestría el festejo peruano con el swing, los grooves afrocubanos, la conga cubana y el candombe uruguayo, creando una composición que respira tradición y modernidad a partes iguales. La canción no solo busca hacer bailar, sino también rendir homenaje a la historia y la identidad de un continente entero.

Las letras de “Latin Café 2.0” recorren las raíces de América Latina, desde los pueblos originarios hasta la diáspora africana, pasando por las dictaduras, las luchas de resistencia y la incansable búsqueda de justicia, paz y libertad. Todo ello se condensa en un mensaje poderoso que resume la esencia del tema: “Un pueblo unido jamás será vencido.”

El single cuenta con la participación especial del reconocido baterista Rodney Barreto, quien aporta su característico groove y energía a la grabación, elevando aún más la intensidad rítmica de la pieza. Para Francesco Mascaretti y su proyecto Malamañoso, “Latin Café 2.0” es mucho más que una canción: es un tributo a la riqueza cultural y musical de América Latina, un puente entre el pasado y el presente, y una invitación a celebrar, reflexionar y sentirse parte de una identidad compartida.

Malamañoso nació en Puglia, Italia, una tierra de olivos, mar y amistad. Desde Taranto hasta Milán, la banda combina funk y sonidos urbanos con una fuerte influencia latina, dando lugar a una energía fresca y juvenil. Liderada por el baterista, músico y compositor Francesco Mascaretti —nacido en Mola di Bari el 24 de diciembre de 1992—, la agrupación representa una historia de amistad, sinergia y ritmo, con el Beat & Clave como corazón musical.

Mascaretti se formó en la Academia Francisco Tárrega de Taranto bajo la guía del maestro Alessandro Napolitano y perfeccionó su técnica en clases magistrales junto a figuras internacionales como Dave Weckl, Dennis Chambers, Mark Guiliana, Rodney Barreto, Horacio “El Negro” Hernández, John Stowell y Steve Vai. En noviembre de 2024 fundó Malamañoso con el objetivo de fusionar distintos estilos de la música latinoamericana con sonidos contemporáneos, uniendo tradición y vanguardia. Actualmente, trabaja en el primer álbum de larga duración del grupo, previsto para 2026, que incluirá ocho composiciones originales.

“Latin Café 2.0” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Malamañoso, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantante y compositora ecuatoriana Naíza presenta ¿Quién va a matar a Cupido?, una balada pop latina donde convierte el desamor en poder, el desencanto en autoafirmación y la herida en aprendizaje. Creado en Nashville (Tennessee, Estados Unidos), uno de los epicentros musicales más importantes del mundo, el tema muestra su versión más emocional y madura, con la elegancia vocal y la sensibilidad que han definido su sello artístico.

En esta canción, Naíza une talento y experiencia junto a la cantautora Luisette Guerrero y el productor Gio Fernández, reconocidos por su trabajo con artistas de renombre internacional y por formar parte del círculo de ganadores del Billboard y el Latin Grammy. ¿Quién va a matar a Cupido? reflexiona sobre la ironía del amor idealizado y el dolor que deja la desilusión amorosa, integrándose en su nuevo EP tras el lanzamiento de “NTPxMÍ” el pasado agosto. Con esta nueva entrega, Naíza reafirma su lugar como la figura femenina más destacada de la música ecuatoriana y una de las voces más prometedoras del pop latino actual.

“Jugó conmigo y ahora está contigo, me vendió un amor que nunca existió”, canta Naíza en una de las frases más poderosas del tema. Esa línea encapsula la esencia de la canción: la historia de una promesa rota que, lejos de derrumbarla, la impulsa a renacer. Una vez más, la artista demuestra que incluso el dolor puede tener ritmo, mensaje y una profunda belleza emocional.

El videoclip, rodado en Guayaquil (Ecuador), combina una estética contemporánea y cinematográfica que refuerza el simbolismo de la canción. Ambientado en un universo de videojuego, representa una batalla emocional donde Naíza, apasionada de los videojuegos, interpreta a la protagonista que desafía al “Cupido” traidor, personificado por el artista Ren Kai, cantautor ecuatoriano-chino con una reconocida trayectoria internacional dentro del pop latino.

El lanzamiento de ¿Quién va a matar a Cupido? coincide con la visita de Naíza a España, donde se presentará el 12 de octubre en la Puerta del Sol (Madrid) como parte de los actos oficiales de la Hispanidad 2025, compartiendo escenario con artistas de la talla de Gloria Estefan, Bomba Estéreo, Miranda! o Babasónicos. Además, participará en el evento especial de Los 40 Global Show, junto a Tony Aguilar, compartiendo cartel con Lérica, Mar Lucas y Almacor.

“Para mí es un honor llevar la música del Ecuador a un escenario tan importante como la Puerta del Sol y, además, compartir con el público de Los40. Es un sueño hecho realidad y lo voy a entregar todo por mi gente y por mi país”, expresó Naíza con emoción al confirmar su participación.

Con una carrera en expansión constante, Naíza se consolida como una de las voces femeninas más prometedoras del nuevo pop latino. Su autenticidad, su conexión con el público y su capacidad para unir lo emocional con lo contemporáneo la han llevado a conquistar audiencias en América Latina y Europa, situándose en la conversación junto a las grandes figuras de la escena actual.

Este lanzamiento marca un nuevo capítulo en una etapa llena de logros. En agosto de 2025, Naíza estrenó “NTP x Mí (No Te Preocupes por Mí)”, una poderosa balada pop sobre la manipulación emocional que ha tenido repercusión internacional en medios como El Nuevo Herald (Miami), Nation Music News y News in Miami. Su videoclip, dirigido por 90’s Kids, presenta una innovadora estética inspirada en los videojuegos, reflejando su estilo vanguardista y visualmente audaz.

Tras una exitosa gira promocional por Estados Unidos, con entrevistas en Despierta América y La Voz de la Mañana de Univisión, Naíza fortalece su vínculo con el público español y reafirma su proyección global.

Formada desde temprana edad en canto, guitarra, producción musical, actuación y marketing artístico en Miami, México y Madrid, Naíza ha desarrollado una carrera integral donde música y estética se fusionan con identidad propia. Ha compartido escenario con Shakira, Marc Anthony, Justin Bieber y Romeo Santos, y ha colaborado con Juan Magán, Vibarco y Lorduy. En 2023 participó en el Orgullo de Madrid, consolidando su conexión con el público español.

En Ecuador, su popularidad la llevó a formar parte de MasterChef Celebrity Ecuador (2024) y a interpretar el himno oficial de la selección nacional de fútbol, Ecuador Grita Gol. Entre sus recientes lanzamientos destacan “NTP x Mí” y “Si Tú Me Vieras”, canciones que exploran el amor, la resiliencia y la fuerza interior con un enfoque fresco y contemporáneo.

Hoy, Naíza se reafirma como una artista integral que lidera sus proyectos de forma independiente, controlando no solo su música, sino también la dirección artística, visual y conceptual de su carrera. Con ¿Quién va a matar a Cupido?, la artista ecuatoriana demuestra que el desamor puede ser el punto de partida de un renacimiento musical y emocional, marcando un nuevo y brillante capítulo en su trayectoria.

La artista sevillana Sonia Gómez arranca octubre con una inyección de energía y actitud gracias a su nuevo single Irrelevante, una canción pop con alma ochentera en la que la cantante transforma el dolor del pasado en una declaración de empoderamiento. Tras el éxito de Júpiter y su versión remix, Sonia cierra etapa con este lanzamiento que pone las cartas sobre la mesa y deja claro que algunas historias merecen quedarse atrás.

“En ‘Irrelevante’ hablamos a esa persona que alguna vez nos hizo sentir inferior”, confiesa la artista. Escrita desde la distancia y la madurez emocional, la letra reivindica el valor personal después de una relación en la que una de las partes se creyó más importante de lo que realmente fue. Con una mezcla de fuerza y ironía, Sonia le canta a ese pasado que ya no duele, recordando que lo que antes pesaba, hoy simplemente se ha vuelto irrelevante.

El tema destaca por su sonido fresco y contagioso, producido por Tato Latorre, quien aporta una textura moderna y vibrante con guiños sonoros a los años 80 y 90. La combinación de sintetizadores brillantes, bases rítmicas potentes y la voz enérgica de Sonia dan como resultado un himno pop de superación que invita a cantar y soltar lo que ya no suma.

Acompañando el lanzamiento, la artista presenta un videoclip original disponible en su canal de YouTube, donde lleva el mensaje de la canción a un entorno rural cargado de simbolismo. En él, Sonia interpreta a una joven que enfrenta con determinación a esa figura del pasado que ya no tiene poder sobre ella. Con estética cinematográfica y una narrativa cercana, el video refuerza el espíritu de libertad y cierre emocional que define al tema.

Irrelevante confirma el gran momento artístico que vive Sonia Gómez, consolidando su proyecto en solitario con canciones llenas de energía, autenticidad y mensajes de superación personal. Con este nuevo single, la cantante sevillana demuestra una vez más su capacidad para transformar las experiencias emocionales en música vibrante y honesta.

Irrelevante ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sonia Gómez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

¡Vuelve Love the 90’s! La fiesta retro más esperada llega a Barcelona este sábado 11 de octubre

Este sábado 11 de octubre, el Parc del Fórum de Barcelona se convertirá en el epicentro de la nostalgia, la música electrónica y los grandes hits de los 90’s. Love the 90's, uno de los festivales más esperados del año, traerá a la ciudad catalana a algunos de los artistas más emblemáticos de esa época dorada. Con un espectacular line-up y tres escenarios dedicados a distintos géneros, los asistentes podrán disfrutar de una jornada completa de música y recuerdos.

Tres escenarios, tres estilos únicos

El festival contará con tres espacios diferenciados que abarcarán lo mejor de la música dance, pop y electrónica de los años 90’s:

Escenario Repsol: el mejor dance y eurodance

Este será el gran escenario del festival, y contará con algunas de las figuras más legendarias de la música de baile. Entre los artistas más esperados se encuentran Vengaboys: Los reyes del eurodance nos harán revivir sus clásicos como "Boom, Boom, Boom, Boom!!" y "We Like to Party", Safri Duo: El dúo danés de música electrónica y percusión nos traerá su característico sonido tribal que marcó una era. Gala: Con su inolvidable hit "Freed from Desire", Gala es una de las artistas más queridas de la escena dance de los 90’s. Rebeca: La cantante y DJ española que alcanzó el éxito con temas como "Te quiero" será otra de las grandes sorpresas del evento. Chimo Bayo: El rey de la música techno en España, conocido por su enérgico estilo y su legado en la movida valenciana. Jumper Brothers: Otro de los grandes exponentes del eurodance que estarán presentes para hacer bailar a todos. 

Tampoco faltarán los grandes éxitos de Ku Minerva, Tina Cousins o Rozalla, entre otros.

Escenario Pop: los hits más icónicos de la época

Para los que prefieren los grandes éxitos del pop, este escenario será el lugar ideal para disfrutar de las canciones que marcaron una generación. Entre los artistas más destacados: Jon Secada, Marta Sánchez: La diva del pop español nos hará cantar a todos con sus grandes éxitos, desde "Desesperada" hasta "Soy Yo". Rafa de La Unión, SAU, la mítica banda catalana que dejó una huella indeleble en la música pop y rock de los 90’s en España, y OBK entre una larga lista de artistas nacionales e internacionales.

Escenario Maquineros: para los más electrónicos

Y para los que buscan una experiencia más experimental y electrónica, el Escenario Maquineros es el lugar donde la música más intensa y bailable se apoderará del ambiente. Desde David Oleart, Bonzai All Stars, Sunbeam, DJ Marta o Marian Dacal: otra figura clave en la música electrónica que nos hará vivir la magia de los 90’s.

Una cita con la historia de la música

Love the 90’s no es solo un festival; es un viaje al pasado, una celebración de los géneros musicales que definieron a toda una generación. Con una mezcla perfecta de nostalgia, buenos recuerdos y mucha música, este festival será una oportunidad única para revivir lo mejor de los 90’s en un solo día. 

No faltes, ¡el espíritu de los 90’s te espera en Barcelona!

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

El cantautor colombiano Fonseca y el legendario panameño Rubén Blades presentan Nunca me fui, una colaboración profundamente significativa para la música latina que se ha convertido en un homenaje a los migrantes y en una reflexión sobre la identidad, la memoria y la pertenencia. La canción, lanzada como adelanto del nuevo álbum de Fonseca y presentada oficialmente en Panamá —tierra natal de Blades—, se ha posicionado como un acto de amor hacia quienes han tenido que dejar atrás su hogar en busca de nuevas oportunidades sin renunciar nunca a su esencia.

Nunca me fui transmite el mensaje de que la distancia física no borra la raíz cultural ni los recuerdos que construyen la identidad de una persona. A través de una lírica poética y una narrativa cargada de sensibilidad social, el tema se convierte en un refugio para millones de migrantes alrededor del mundo, recordando que mientras se conserve la cultura y la memoria en el alma, en realidad nunca se parte del todo.

Musicalmente, la canción se mueve entre la nostalgia y la esperanza, con una fusión de sonidos latinoamericanos que representan tanto la calidez de las tradiciones como la universalidad del sentimiento migrante. La participación de Rubén Blades, considerado el “Poeta de la Salsa” y una de las voces más influyentes de la música hispana, aporta una fuerza narrativa única, mientras que Fonseca imprime la emotividad característica de su estilo, heredero de los ritmos colombianos fusionados con el pop latino.

El tema ha sido recibido con entusiasmo por la crítica y el público, logrando incluso una nominación al Latin GRAMMY en la categoría de Mejor Canción Tropical en 2025. Este reconocimiento consolida a Nunca me fui como una pieza imprescindible en la conversación musical sobre identidad y migración, capaz de tender puentes entre generaciones y territorios.

Para Fonseca, esta colaboración representa la concreción de un sueño. Reconocido por éxitos como Te mando flores, Arroyito, Estar Lejos (junto a Willie Colón) y Paraíso, el colombiano ha manifestado públicamente su admiración por Blades, a quien considera uno de sus grandes ídolos. Por su parte, el panameño, con una carrera que lo ha convertido en leyenda gracias a discos como Siembra y canciones icónicas como Pedro Navaja, Patria o Decisiones, imprime al tema la profundidad de su compromiso social y político, enmarcando la canción en un discurso universal sobre la dignidad de los pueblos migrantes.

Nunca me fui es, en definitiva, una obra que une dos trayectorias excepcionales en un mensaje compartido de amor, identidad y resistencia cultural. Con ella, Fonseca y Rubén Blades reafirman que la música sigue siendo un espacio de encuentro, memoria y esperanza.

Nunca me fui ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Fonseca y Rubén Blades, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantante y compositora venezolana Corina Smith sorprende a su público con el estreno de estás?, una canción íntima y confesional que forma parte de su álbum menos triste más mami. Reconocida por su versatilidad musical, que combina pop, R&B, reguetón y balada, la artista vuelve a demostrar su capacidad para narrar historias personales con una honestidad cruda y emocional que conecta profundamente con quienes la escuchan.

En estás?, Corina Smith abre su corazón y se enfrenta a la vulnerabilidad que provoca admitir un error en una relación amorosa. La letra se presenta como una confesión directa, donde la cantante reconoce haber fallado y expresa su deseo de tener una última oportunidad para conversar con esa persona especial. Con frases llenas de arrepentimiento y un coro cargado de sentimiento, el tema se convierte en un reflejo del dolor que produce la pérdida y de la lucha interna entre la dignidad y la necesidad de volver a sentir la conexión con alguien que ya no está.

La canción arranca con un mensaje de voz en el que se escuchan palabras de amor y añoranza, marcando de inmediato un tono íntimo y realista que envuelve al oyente en la historia. Desde ahí, la composición transcurre entre versos sinceros y un estribillo intenso que plasma la esencia del desahogo emocional. Musicalmente, estás? mantiene el sello característico de Corina, equilibrando delicadeza melódica con una producción moderna que refuerza la carga sentimental de la letra.

Este nuevo lanzamiento se suma a la exitosa trayectoria de la artista venezolana, quien desde 2017 ha conquistado escenarios internacionales con hits como Ahora o Nunca y Completa. Su disco Triste Pero Siempre Mami, lanzado en 2023, consolidó su carrera a nivel global y la posicionó en los primeros lugares de popularidad en Estados Unidos, Europa y Latinoamérica. Además, sus colaboraciones con artistas de la talla de Arcángel, Eladio Carrión, Rosa Linn, Lenny Tavárez, Brray, Chesca, Villano Antillano y Lyanno la han convertido en una de las voces femeninas más relevantes de la música urbana actual.

Con estás?, Corina Smith reafirma su capacidad para transmitir emociones intensas y mostrar una faceta honesta y humana, fortaleciendo aún más el vínculo con sus seguidores. Esta canción no solo representa un acto de vulnerabilidad, sino también un recordatorio de que la música puede ser un espacio de catarsis y conexión emocional.

estás? ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Corina Smith, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista emergente de R&B A.L.I.A.S regresa con fuerza para encender la temporada con Fever, uno de los temas más destacados de su nuevo álbum Sometimes I’d Rather Have Fun. En esta producción, el cantante nacido en Virginia Beach fusiona la sensualidad del afrobeat con la fluidez moderna del R&B, creando un sonido hipnótico que captura la tensión, el deseo y la química que se genera entre dos personas cuando la atracción se vuelve inevitable.

Inspirado por figuras como Chris Brown, Tyla y Tems, A.L.I.A.S logra en Fever un equilibrio perfecto entre lo íntimo y lo bailable. Su voz suave y magnética guía al oyente a través de una atmósfera cargada de ritmo y sensualidad, en la que cada compás late como un pulso que invita al movimiento. “Fever fue creada para sentirse como el calor en movimiento — sensual, rítmica e inmersiva. Quería que fuera íntima pero también bailable, como cruzar miradas en una pista y saber que todo comienza desde ahí”, explica el artista.

El tema es una experiencia auditiva envolvente, donde los sonidos del afrobeat y el amapiano se entrelazan con la esencia del soul y el R&B contemporáneo. Con líneas de bajo que vibran y percusiones que invitan a dejarse llevar, Fever se convierte en una declaración de estilo que refleja la evolución artística de A.L.I.A.S, cada vez más cerca de consolidar un sonido global propio.

Con su álbum Sometimes I’d Rather Have Fun ya disponible, A.L.I.A.S demuestra ser un artista completo. No solo compone e interpreta, sino que también graba, produce, mezcla y masteriza sus propias canciones, mostrando una autonomía creativa poco común en la industria actual. Su versatilidad le permite moverse con naturalidad entre el R&B, el pop, el rap y los sonidos alternativos, siempre con una identidad sólida y coherente.

Inspirado por íconos como Michael Jackson, Usher, Rihanna, Drake y Summer Walker, A.L.I.A.S busca devolverle al R&B su esencia más emocional y sensual, pero con un toque contemporáneo que conecta con las nuevas generaciones. Con Fever, reafirma esa misión, demostrando que el género sigue más vivo que nunca cuando se combina con pasión, talento y autenticidad.

Fever ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de A.L.I.A.S, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El compositor, pianista, cantante y productor alemán Nikolai Zerrenthin, conocido artísticamente como Black Tie Jay, presenta su nuevo sencillo You Call It Samba, una cautivadora fusión de pop moderno con los vibrantes matices rítmicos de la samba. Con esta pieza, el artista abre un espacio donde la sofisticación europea se encuentra con la energía y el calor del espíritu latino, dando vida a una propuesta musical tan elegante como contagiosa.

Compuesta por el propio Zerrenthin, You Call It Samba destaca por su atmósfera optimista y su estructura melódica envolvente, que combina arreglos refinados con una base rítmica irresistible. La interpretación vocal está a cargo de la talentosa estrella musical Janina Moser, cuya voz aporta dinamismo, dulzura y una conexión emocional que eleva la canción a otro nivel.

El videoclip, rodado en la soleada Sicilia, Italia, refuerza la esencia del tema con imágenes llenas de color, movimiento y celebración. En él, la música se convierte en un puente entre culturas y emociones, evocando la alegría de vivir y la libertad del baile bajo el sol mediterráneo.

Con You Call It Samba, Black Tie Jay continúa consolidando su identidad artística como un creador versátil que sabe combinar géneros, atmósferas y sensibilidades sin perder la autenticidad. Su talento como compositor y productor se refleja en cada detalle del tema, que transmite una invitación clara: dejarse llevar por el ritmo y disfrutar el momento.

You Call It Samba ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Black Tie Jay, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El colectivo austriaco Soul de Vienne, liderado por el compositor y productor Roman Schleischitz, presenta su nuevo y conmovedor sencillo Stop Being Blind, una pieza que combina intensidad emocional, sofisticación musical y una poderosa reflexión sobre el amor y la autodeterminación.

La canción narra la historia de una relación destructiva vista desde la perspectiva de quien se niega a ver cómo una persona amada vuelve a caer en los mismos errores. Con una honestidad cruda y una profunda carga emocional, Stop Being Blind aborda esa batalla interna entre el corazón y la razón, recordándonos que a veces el amor puede nublar el juicio, y que el acto más valiente es aprender a confiar en uno mismo.

En el plano musical, Stop Being Blind despliega una fusión magistral de soul, funk, R&B y pop, sostenida por una instrumentación en vivo de gran riqueza y energía. Un cálido piano eléctrico, una sección rítmica llena de groove y unos metales encendidos se entrelazan para construir un paisaje sonoro dinámico y envolvente. En el centro de todo, una interpretación vocal apasionada se mueve con naturalidad entre la vulnerabilidad y la fuerza, reflejando con precisión el conflicto emocional que atraviesa la letra.

“Stop Being Blind trata sobre encontrar el valor”, explica Roman Schleischitz. “Es un llamado a no perderse en historias de amor falsas, sino a reconocer el propio valor y a defenderlo”. Con esta declaración, el líder de Soul de Vienne reafirma la esencia de su proyecto: crear música que no solo suene bien, sino que también inspire reflexión y empoderamiento.

Tras lanzamientos anteriores como Please, Forgive Me Today y My Life Is Mine, este nuevo sencillo consolida la identidad artística de Soul de Vienne: una propuesta que combina la emoción de la narrativa personal con la elegancia del sonido en vivo, situando al colectivo como una de las voces más auténticas y sofisticadas de la escena soul europea actual.

Stop Being Blind ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

Tras su candente presentación en Premios Juventud 2025, Myke Towers sigue construyendo conexiones potentes dentro del panorama musical latino y esta vez lo hace con “K Hubo”, su nueva colaboración junto al colombiano Kris R y el rapero mexicano Alemán. Más que un sencillo, el tema es un encuentro de tres voces con peso, carácter y calle, que cruzan fronteras y géneros con una naturalidad afilada.

“K Hubo Ps mor” llega como una conversación sonora entre generaciones, acentos y esquinas diferentes del mapa urbano. Myke entra con su sello melódico inconfundible, Kris R responde con un delivery preciso y Alemán cierra con ese estilo rasposo que lo ha hecho referente del rap mexicano. 

“K Hubo Ps mor” se siente como una película breve sobre el orgullo de origen, la calle como escuela y la música como lenguaje común. El beat tiene peso y textura, y cada verso suma capas a la narrativa.

Este lanzamiento marca un nuevo paso en la versatilidad creativa de Myke Towers, quien viene de consolidar el éxito de su álbum Island Boyz y de posicionar sencillos como “Soleao” y “Tengo Celos” en los primeros lugares de los charts radiales. En “K Hubo Ps mor”, se aleja momentáneamente del foco comercial para volver al origen: letras filosas, ritmo sin concesiones y respeto por la calle como raíz estética.

Además, este pasado fin de semana, Towers sorprendió al público con el lanzamiento de una colaboración especial junto al diseñador mexicano Kiko Baez: una colección cápsula de cuatro gorras inspiradas en su trayectoria, desde Easy Money Baby y Lyke Mike, hasta su más reciente álbum Island Boyz, con detalles en cuero, bordados 3D, cristales Swarovski y un chip NFC que conecta directo a Spotify para descubrir Island Boyz. Lanzadas el 27 de septiembre y grabadas en imágenes promocionales en Quintana, las gorras se vendieron por completo en pocas horas. La mayor parte de las ganancias será destinada a la Young Kingz Foundation, reafirmando su compromiso de convertir moda y cultura urbana en apoyo tangible para la juventud.

“K Hubo Ps mor” ya está disponible en todas las plataformas de música digital.

El panorama musical español recibe a un nuevo protagonista que está conquistando a España y Latinoamérica: Juan Ceular. Nacido en Córdoba, este artista se ha ganado el reconocimiento del público con una propuesta única que mezcla la raíz flamenca con la sensibilidad melódica de la música italiana, creando un estilo pasional y honesto que conecta de inmediato.

Tras el éxito de su single debut 2 minutos —más de 1,3 millones de reproducciones en TikTok, 260.000 visualizaciones en YouTube y 30.000 escuchas en Spotify— y la frescura del vallenato La vitamina, Juan Ceular presenta ahora Que salga lo malo, una balada de piano intensa, liberadora y profundamente emocional que promete convertirse en himno generacional.

Su voz, cargada de verdad y de dramatismo, es lo que lo hace diferente. Más allá de los números, su música logra atravesar y emocionar, uniendo lo íntimo con lo universal: la herencia flamenca de su infancia y el romanticismo aprendido de las melodías italianas. Ese equilibrio entre lo visceral y lo melódico lo ha llevado a sonar en playlists de referencia en México, Colombia y Argentina, abriéndose paso en el mercado iberoamericano.

La industria ya lo observa de cerca. No en vano, GQ Spain lo ha catalogado como artista revelación emergente, confirmando lo que su público ya sabe: que Juan Ceular no es promesa, sino presente. Con Que salga lo malo, el cordobés da un paso firme hacia la consolidación de su carrera, firmando una canción que invita a dejar atrás el dolor, a renacer y a mirar hacia adelante con la música como motor.

Desde niño, Juan respiró música entre cajones, guitarras y peñas flamencas, al tiempo que se dejaba cautivar por las melodías italianas que moldearon su sensibilidad artística. Su recorrido no es improvisado: ha trabajado en distintos proyectos, entre ellos junto a José Manuel Pinto (exfutbolista del FC Barcelona) en la canción solidaria Ve a por tus sueños, con la participación de figuras como Messi, Neymar, Puyol, Estopa o Antonio Orozco.

En 2025 decide presentarse con su nombre real, Juan Ceular, y mostrar al mundo una identidad artística propia y auténtica. Hoy, con Que salga lo malo, confirma que su propuesta no es pasajera, sino el inicio de una carrera sólida que promete emocionar y quedarse en el corazón del público.

Que salga lo malo ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Juan Ceular, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.