La cantautora Ernestina, una de las voces más cautivadoras y prometedoras del pop de autor en español este 2026, presenta “Diciembre”, su nuevo sencillo lanzado en la primera mitad de mayo y ya disponible en plataformas digitales. La canción, a pesar de su título invernal, llega con una calidez necesaria para esta primavera, funcionando como una metáfora del frío emocional, de esos momentos en que una relación se queda congelada en un punto del pasado y de la dificultad de avanzar cuando los recuerdos te anclan a una estación específica.

“Diciembre” nace desde ese territorio donde la nostalgia se convierte en un paisaje helado. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un lamento desgarrado ni una súplica por volver, sino una constatación de que el tiempo pasa y hay relaciones que se quedan detenidas en una fecha concreta, de ese momento en que el frío no es solo meteorológico, sino también emocional. No es una canción de rencor, sino de aceptación, de ese instante en que reconoces que diciembre ya pasó, pero tú sigues atrapado en él. El estribillo, contenido pero lleno de esa melancolía que no se convierte en drama, funciona como un suspiro, una declaración de que hay estaciones que duelen más que otras.

Ernestina apuesta por la honestidad brutal. Su música no busca grandes artificios, sino la conexión emocional a través de letras muy personales y una voz que destaca por su calidez y sus matices nostálgicos. Su estilo bebe del pop alternativo, con reminiscencias de la nueva ola de cantautoras que mezclan instrumentos orgánicos como la guitarra acústica con texturas electrónicas sutiles y modernas. “Diciembre” comienza de forma muy íntima, casi susurrada, generando una sensación de cercanía inmediata con el oyente. A medida que avanza, se van sumando capas de sonido que le dan una profundidad indie-pop muy envolvente.

La crítica ha destacado la capacidad de Ernestina para crear una atmósfera nebulosa y melancólica, perfecta para días de lluvia o momentos de introspección. El videoclip, con una estética visual muy cuidada, utiliza colores apagados y escenarios naturales que refuerzan ese sentimiento de soledad y reflexión que destila la canción. “Diciembre” se está posicionando como un tema de culto entre los seguidores del pop alternativo, consolidando a Ernestina como una artista que no necesita gritar para ser escuchada. Su fuerza reside en la vulnerabilidad de sus composiciones. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de melancolía estacional y aceptación que Ernestina ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces el frío no se combate, se habita. Un himno para los que se han quedado atrapados en un diciembre eterno, para todos aquellos que saben que el tiempo pasa, pero algunas fechas se quedan grabadas.

Las artistas Lorena Santos y David Jiménez presentan “Le Pido”, su nuevo sencillo lanzado en mayo de 2026. El tema, que une a dos figuras que representan a la perfección la evolución del flamenco-pop hacia sonidos más urbanos y comerciales, es una oración al destino o a una fuerza superior para que una relación se mantenga o para que esa persona especial regrese, moviéndose entre la súplica romántica y el ritmo bailable con una energía que lo posiciona como uno de los grandes éxitos de la temporada.

“Le Pido” nace desde ese territorio donde la vulnerabilidad se convierte en plegaria. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una declaración grandilocuente ni una súplica desesperada, sino una conversación íntima con el destino, de ese momento en que le pides a algo más grande que tú que cuide lo que sientes. No es una canción de rendición, sino de esperanza, de ese instante en que el miedo a perder se transforma en una petición sincera. El estribillo, pegadizo y lleno de esa mezcla de fragilidad y deseo, funciona como un mantra repetido, una declaración de que el amor también se implora.

Lorena Santos, la artista sevillana, es una de las voces más queridas en las redes sociales y plataformas digitales. Se ha especializado en un estilo que mezcla el pop con giros flamencos, destacando por su voz dulce pero con mucha fuerza. Es conocida por saber interpretar el desamor y el empoderamiento femenino con una naturalidad que conecta muy rápido con el público joven. David Jiménez aporta el contrapunto masculino con una voz rasgada y llena de sentimiento, dominando el arte de la balada rítmica y aportando ese toque de calle y verdad a sus colaboraciones. Juntos, crean una química vocal muy equilibrada.

La base es un pop-urbano con matices flamencos, donde las palmas y las guitarras españolas se mezclan con un beat actual que invita al movimiento. La producción busca ese equilibrio entre lo orgánico y lo digital, permitiendo que las voces de Lorena y David luzcan en los estribillos, que son especialmente pegadizos. Bajo el sello Krik Music, este single se posiciona como una de las canciones que más van a sonar en las listas de éxitos locales y en las celebraciones de esta temporada, gracias a su energía positiva a pesar del trasfondo nostálgico de la letra.

La estructura de “Le Pido” está diseñada para el directo. Es el tipo de canción que el público canta a pleno pulmón, especialmente en esa parte final donde las voces de ambos se entrelazan con más intensidad. “Le Pido”, invita a sumergirse en esa atmósfera de súplica y esperanza que Lorena Santos y David Jiménez han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que a veces lo único que queda es pedirle al destino que no se equivoque. Un himno para los que han amado con miedo a perder, para todos aquellos que saben que la vulnerabilidad también puede ser una forma de valentía.

La artista española Caluu C. forma parte del esperado lanzamiento de “After Hour The Mixtape”, el ambicioso proyecto dirigido por el DJ y productor Saot ST, que vio la luz el pasado 3 de mayo en todas las plataformas digitales. Este nuevo volumen del reconocido formato reúne a decenas de artistas y productores de las Islas Canarias, apostando por una renovación completa de talentos y estilos, y consolidándose como uno de los proyectos colaborativos más relevantes de la escena urbana nacional.

La participación de Caluu C. llega en un momento clave de su carrera. El reciente lanzamiento de su single “TETE”, el pasado 17 de abril, ha generado un notable impacto en redes sociales, superando las 300.000 visualizaciones en Instagram y posicionándose como uno de los contenidos virales del momento dentro de su comunidad. Este crecimiento sostenido durante los últimos meses ha contribuido a generar una gran expectación en torno a su figura, impulsando una excelente acogida de su presencia en el proyecto.

Criada en Fuerteventura, Caluu C. desarrolla un sonido propio en el que fusiona R&B, afrobeats y pop, con una clara vocación internacional. Su trayectoria incluye hitos como el éxito de “PEÓN” junto a Dani J, que superó el millón de reproducciones en Spotify, así como el reconocimiento de su EP “BOXXXITO” en playlists editoriales. Su evolución artística se refleja en lanzamientos como “LUNA”, “CORA BLINDADOS”, “SI QUISIERAS” o “NO LOVE”, donde explora nuevas sonoridades y refuerza su identidad.

En los últimos años, su presencia en proyectos audiovisuales como la serie “Urban: La vida es nuestra” y colaboraciones recientes como “Por Teléfono No” junto a Karetta el Gucci o “QUÉ MÁS” han consolidado una etapa más madura y conectada con su audiencia. Este contexto ha permitido a Caluu C. consolidarse como una de las artistas emergentes con mayor proyección de las Islas Canarias, destacando por su capacidad para conectar con el público joven y adaptarse a las tendencias actuales del panorama urbano.

Tras el impacto de su anterior edición, “After Hour The Mixtape” regresa con una propuesta aún más diversa, reafirmando su papel como escaparate del talento emergente del archipiélago. Con su participación en el proyecto, Caluu C. continúa ampliando su alcance dentro de la escena urbana, formando parte de una iniciativa que no solo celebra el talento canario, sino que también proyecta su música hacia nuevos públicos a nivel nacional e internacional. El mixtape ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de colaboración y talento fresco que Saot ST y los artistas canarios han sabido construir. Un proyecto que demuestra que las Islas Canarias siguen siendo un semillero inagotable de nuevos sonidos y voces.

Los artistas Manuel Carrasco y La Pucci presentan “Cambiar”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 8 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una balada pop con una producción cuidada, es una reflexión sobre la evolución personal y la aceptación dentro de una relación, una oda a la madurez emocional y a la valentía que requiere dejar atrás viejas versiones de uno mismo.

“Cambiar” nace desde ese territorio donde el tiempo transforma y el amor se enfrenta a la prueba de aceptar a la persona que el otro se ha convertido. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una súplica para que todo vuelva a ser como antes, sino un reconocimiento de que todos cambiamos y de que el verdadero amor es el que se adapta a esas transformaciones. No es una canción de resignación, sino de valentía, de ese momento en que decides querer a alguien no por quien fue, sino por quien es ahora. El estribillo, contenido pero lleno de esa emoción contenida que estalla sin estridencias, funciona como una promesa compartida, una declaración de que el cambio no separa, sino que también puede unir.

Manuel Carrasco, el artista de Isla Cristina, demuestra en esta etapa de su carrera una generosidad artística increíble al colaborar con talentos emergentes. Su voz, siempre cargada de verdad y ese “quejío” pop tan suyo, sigue siendo un sello de calidad que garantiza emoción en cada nota. La Pucci, una de las artistas jóvenes más interesantes del momento, destaca por una voz con mucha personalidad y una fuerza escénica que ya ha llamado la atención de los grandes de la industria. Su estilo bebe del flamenco pero se atreve con el pop y los ritmos urbanos.

La canción comienza de forma acústica, permitiendo que la química entre las voces sea la protagonista absoluta. Conforme avanza, la producción crece con arreglos de cuerda y una percusión orgánica, creando esa atmósfera épica y emocionante que Manuel Carrasco domina tan bien. El contraste entre la voz experimentada de Manuel y la frescura con tintes flamencos de La Pucci aporta una riqueza de matices que hace que la canción se sienta muy completa.

Muchos fans están señalando que este tema recuerda al Manuel Carrasco más íntimo de sus primeros álbumes, pero con la sofisticación sonora de 2026. La unión con La Pucci parece haberle dado una energía renovada que le sienta fenomenal al tema. “Cambiar” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de evolución y aceptación que Manuel Carrasco y La Pucci han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que el amor verdadero no es resistirse al cambio, sino crecer juntos. Un himno para los que han cambiado y han sido cambiados, para todos aquellos que saben que querer a alguien es también querer a la persona en la que se convierte.

La artista catalana Nerea Rodríguez, conocida por su paso por Operación Triunfo 2017 y su exitosa etapa en el teatro musical, ha decidido romper con su imagen anterior para presentarse bajo un nuevo alter ego: Frígida Khalvo. El nacimiento de este personaje no es solo un pseudónimo, sino una declaración de intenciones. Con Frígida Khalvo, Nerea busca explorar una faceta mucho más transgresora, irónica y libre, alejándose del pop más dulce o convencional de sus primeros años.

El proyecto bebe mucho del art-pop, el electropop y la estética camp. Hay una clara intención de jugar con la moda, el surrealismo y la performance, recordando a artistas que utilizan la provocación como herramienta artística. El single “Somos Iguales”, lanzado el pasado 8 de mayo, es el pistoletazo de salida oficial para esta nueva identidad.

“Somos Iguales” es una crítica mordaz a la uniformidad de la sociedad actual. La canción habla de cómo, a pesar de que todos intentamos destacar o ser especiales, a menudo terminamos siguiendo los mismos patrones, consumiendo lo mismo y actuando de la misma forma. Es un himno a la contradicción humana, a esa paradoja de querer ser únicos dentro de un sistema que nos empuja a ser iguales. No es una canción de soluciones, sino de constatación, de ese momento incómodo en que te das cuenta de que tu supuesta rebeldía es también un producto más.

El sonido abandona las baladas clásicas para abrazar una electrónica industrial y oscura, pero con un estribillo pop extremadamente pegadizo. La producción destaca por el uso de sintetizadores pesados y una distorsión vocal que refuerza ese concepto de máquina o repetición que sugiere el título. El videoclip es fundamental para entender la propuesta: Frígida Khalvo aparece con una estética minimalista y fría, utilizando elementos visuales que refuerzan esa idea de producción en serie y falta de individualidad.

Con este cambio, Nerea se une a esa lista de artistas que deciden “matar” su imagen pública anterior para poder crear sin expectativas. “Somos Iguales” es la prueba de que se siente mucho más cómoda en el riesgo que en la zona de confort. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de crítica social y electrónica industrial que Frígida Khalvo ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces la mejor forma de destacar es admitir que, al final, todos somos iguales. Un himno para los que se rebelan contra la uniformidad, para todos aquellos que saben que la verdadera individualidad empieza por reconocer que también forman parte del rebaño.

Los artistas Pikete y Delarue presentan “Billetes”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La colaboración, que trasciende lo estrictamente musical para situarse en un plano ideológico definido, construye un relato crudo y honesto sobre la realidad de quienes crecen lejos de los privilegios. No es una canción que glorifique el dinero, sino que lo cuestiona desde una mirada consciente, donde los billetes se convierten en símbolo de esfuerzo, supervivencia y contradicción dentro de un sistema que empuja a muchos hacia los márgenes.

“Billetes” nace desde ese territorio donde el dinero no es un lujo, sino una necesidad. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una celebración vacía ni una crítica ingenua, sino una constatación de que para quien viene de abajo, los billetes representan el sudor, la lucha diaria y la contradicción de tener que sobrevivir en un sistema que no está hecho para ti. No es una canción de odio, sino de conciencia, de ese momento en que el orgullo de clase se convierte en una herramienta de resistencia. El estribillo, contundente y lleno de esa energía que mezcla la rabia y la determinación, funciona como un grito de pertenencia, una declaración de que los códigos de la calle son la única brújula que no falla.

Delarue, consolidado como uno de los pilares del nuevo hip-hop en España, aporta su característico peso lírico y credibilidad. Pikete reafirma su versatilidad y posicionamiento artístico, transitando con naturalidad entre lo introspectivo y lo combativo desde códigos urbanos como el freestyle y el trap. El resultado es un track directo y sin artificios, donde las barras funcionan como vehículo de denuncia, identidad y pertenencia.

Con una producción sobria y contundente firmada por Danni Ble, “Billetes” pone el foco en el mensaje. Es una reivindicación del origen, del trabajo invisible y de una identidad construida desde abajo. Un lanzamiento que conecta con la esencia más pura del género y refuerza el vínculo entre música y realidad social. Pikete continúa afianzando su capacidad para desarrollar un sonido propio que dialoga con las tendencias globales sin perder autenticidad, consolidándose como una de las voces emergentes más sólidas de la nueva generación urbana en España. “Billetes” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de conciencia de clase y códigos de calle que Pikete y Delarue han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que el hip-hop siempre ha sido la voz de quienes no tienen tribuna. Un himno para los que vienen de abajo, para todos aquellos que saben que los billetes no son el final, sino el reflejo de una lucha.

El músico granadino MontyBM presenta “La suerte”, su primer larga duración y uno de los artefactos sonoros más subyugantes de la temporada. El álbum, que llegará a las grandes superficies el próximo 22 de mayo en una cuidada edición de vinilo, es una inmersión profunda y elegante en el bolero, la cumbia y el son cubano, pasada por el tamiz de un artista que decide reivindicar la épica de lo cotidiano.

Bajo la producción de Daniel Molina en los estudios Fuente Oculta, el disco se despliega como un cancionero de resistencia emocional. El jazz y la canción ligera se abrazan a una raíz que late con la vigencia de los clásicos instantáneos. No hay artificios ni ejercicios de estilo. Lo que ha perpetrado MontyBM es un incendio controlado que quema con la elegancia del mejor bolero y la profundidad del son cubano.

La arquitectura del álbum se sostiene sobre la excelencia de una nómina de colaboradores que representa lo mejor de la escena granadina actual. Alfonso Alcalá al contrabajo, Jesús Santiago y Zeke Olmo en las percusiones, y Víctor Costela al piano arropan la voz y las cuerdas de José Antonio Montiel Casares. El artista se revela como un cronista imprescindible de las travesías humanas.

Desde la melancolía instrumental que desprende “Morena” hasta la punzada social de “El infierno”, el álbum transita por paisajes de amor y desamor con una honestidad literaria. El trabajo recuerda a la “épica de la normalidad” de figuras como Natalia Lafourcade o Daniel, me estás matando. La grabación buscó capturar la calidez del directo en espacios como La Mina.

Uno de los hitos del trabajo es “El mundo no me hace bien”, pieza que ya obtuvo el reconocimiento del Festival de Cine de Málaga como parte del cortometraje “Angoixa”. En el disco, se desdobla también en su versión catalana, “El món ens ha fet bé”, reforzando esa vulnerabilidad universal que atraviesa toda la obra.

La puesta de largo oficial de este catálogo de historias de sal y limón tendrá lugar el próximo 24 de mayo en la Casa de la Cultura de Maracena, Granada, a partir de las 18:30 horas. El concierto será una oportunidad para comprobar cómo este proyecto se convierte en un ritual de sanación a través del ritmo.

Con la salida inminente en plataformas digitales y su llegada física a las grandes superficies, MontyBM deja de ser una promesa de la escena granadina para consolidarse como el autor de uno de los discos más atrayentes y necesarios de este 2026. Es música para el baile pausado y la reflexión nocturna, una invitación a entender que vivir con la suerte, sea esta volátil o perenne, es, al fin y al cabo, el mayor de los aciertos. Todo en “La suerte” está pensado para perdurar: desde el diseño visual hasta unas letras que hablan de laberintos, edenes y hombres de piel de candado, construyendo una estética de elegancia atemporal que huye de las modas efímeras. El sur siempre ha guardado una relación mística con la otra orilla, y MontyBM se planta hoy en ese cruce de caminos para entregarnos una obra de artesanía sonora que la música de raíz seguía necesitando.

El artista dominicano Aron Luix, parte del sello AP Global Music, presenta “Tus Ojos”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una propuesta fresca y envolvente que transmite una vibra tropical, relajada y emocional, conecta desde lo simple y genuino, creando una atmósfera pensada para disfrutar, sentir y dejarse llevar.

“Tus Ojos” nace desde ese territorio donde la mirada se convierte en el único lenguaje necesario. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una declaración grandilocuente ni una promesa vacía, sino una confesión íntima sobre el poder de unos ojos que lo dicen todo sin necesidad de palabras. No es una canción de grandes gestos, sino de pequeños detalles, de ese momento en que una mirada basta para entenderlo todo. El estribillo, pegadizo y lleno de esa calidez tropical, funciona como un guiño cómplice, una declaración de que hay miradas que merecen ser cantadas.

El lanzamiento llega acompañado de un visualizer que complementa perfectamente esta esencia: una escena alrededor de una fogata entre amigos, evocando conexión, libertad y momentos reales. Las imágenes refuerzan esa sensación de cercanía y autenticidad que la canción transmite, como si la música fuera la banda sonora de una noche compartida sin artificios.

El sencillo fue producido por Reggi El Auténtico y Joshua Andrey Bracho, con composición del propio Aron Luix junto a Reggi El Auténtico. La producción combina melodías modernas con una esencia fresca y natural dentro de la música latina actual. Bajo el respaldo de AP Global Music, “Tus Ojos” continúa consolidando la propuesta artística de Aron Luix, apostando por una identidad auténtica y una conexión orgánica con su audiencia.

“Tus Ojos” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de buena vibra y emociones genuinas que Aron Luix ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo más simple es también lo más profundo. Un himno para los que creen que los ojos no mienten, para todos aquellos que saben que una mirada puede contener todo un universo.

El músico malagueño Pablo López, uno de los artistas más respetados y singulares del panorama español, presenta “Esdrújula”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 8 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, uno de los lanzamientos más valientes de su carrera, juega con la propia métrica de las palabras para marcar el ritmo y la intención de la letra, explorando la complejidad de los sentimientos que no se pueden explicar con palabras llanas, esa intensidad emocional que nos obliga a “acentuar” la vida de otra manera.

“Esdrújula” nace desde ese territorio donde el lenguaje se queda corto. La letra, introspectiva y casi poética, no es una narración lineal ni un estribillo fácil de radio, sino un tejido de imágenes y acentos que invita a ser descifrada. No es una canción para cantar a coro sin pensar, sino para escuchar con atención, para detenerse en cada palabra y en el peso que tienen al ser pronunciadas. El estribillo, construido con la misma fuerza de una palabra esdrújula, funciona como un estallido emocional, una declaración de que hay sentimientos que necesitan un acento especial para ser expresados.

Pablo López ha creado un sello sonoro propio. Cuando escuchas sus primeros acordes de piano, sabes que es él. Su música es visceral, intensa y técnicamente muy compleja. “Esdrújula” empieza de forma minimalista, con un piano delicado que va envolviendo al oyente. Conforme avanza, la producción se vuelve grandiosa y cinemática, incorporando arreglos de cuerda y una percusión épica que culmina en un final explosivo, muy típico de sus directos. Su voz suena más libre que nunca, moviéndose entre el susurro y el grito desgarrado con una facilidad asombrosa.

Los críticos están destacando la estructura armónica de “Esdrújula”, señalando que es un tema que huye de los estribillos fáciles de radio para centrarse en una experiencia auditiva completa. Es una canción para escuchar con auriculares y prestar atención a cada detalle. La popularidad de Pablo López se ha multiplicado gracias a su papel en La Voz, donde su sensibilidad y su forma de entender la música como algo sagrado han conectado con millones de personas. Ha pasado del pop melódico de sus inicios a un estilo mucho más sinfónico y conceptual, donde el piano es casi un personaje más en sus historias.

“Esdrújula” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de complejidad emocional y belleza arquitectónica que Pablo López ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces las palabras más importantes son las que llevan un acento especial. Un himno para los que sienten con intensidad, para todos aquellos que saben que hay emociones que no se explican con palabras llanas.

El artista Galván Real, uno de los fenómenos más impresionantes de la música independiente en España, presenta “Polos Opuestos”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 8 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, que llega en un momento de plenitud para el artista, explora esa atracción inevitable entre dos personas que son totalmente distintas, esa conexión magnética y eléctrica que surge del contraste, demostrando que las diferencias, lejos de separar, pueden crear una pasión única.

“Polos Opuestos” nace desde ese territorio donde los opuestos no se repelen, sino que se buscan. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una declaración de amor convencional ni una súplica romántica, sino una celebración de esa chispa que surge cuando dos mundos diferentes chocan y se complementan. No es una canción de conformidad, sino de descubrimiento, de ese momento en que te das cuenta de que lo que te diferencia es precisamente lo que te atrae. El estribillo, pegadizo y lleno de esa energía que mezcla suavidad y garra, funciona como un himno a la diversidad en el amor, una declaración de que los polos opuestos también pueden tener química.

Galván Real, cuyo nombre real es Óscar Galván, destaca por su voz rasgada y profunda, capaz de transmitir una sensibilidad que conecta de inmediato con el público. Su capacidad para fusionar el sentimiento del flamenco con ritmos actuales como el reggaetón romántico o el pop es lo que lo hace único. Sin el apoyo de grandes multinacionales al inicio, ha logrado llenar recintos y acumular millones de reproducciones de manera orgánica, con canciones como “La Magia”, “Volverte a Ver” o “Nuestro Escrito” que se han convertido en la banda sonora de miles de personas.

El sonido de “Polos Opuestos” mantiene esa esencia de guitarra flamenca que sirve de base, pero con una percusión urbana muy marcada que le da fuerza. La interpretación vocal de Galván es especialmente potente, alternando momentos de suavidad melódica con esos quejíos rotos que son su marca de la casa. Producido con un sonido muy limpio y envolvente, el tema está diseñado para sonar tanto en el coche a todo volumen como en un momento íntimo. Logra ese equilibrio entre lo que suena en la calle y lo que tiene calidad musical de estudio.

“Polos Opuestos” ha tenido una acogida espectacular en plataformas digitales desde su salida. Los fans destacan que es “puro Galván Real”: esa mezcla de dolor, alegría y ritmo que te hace querer cantar a pleno pulmón. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de contraste y pasión que Galván Real ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que las diferencias no separan, sino que electrizan. Un himno para los que han sentido que los opuestos se atraen, para todos aquellos que saben que la mejor química es la que nace del contraste.

Las artistas Rosa Valdivia y Jshira presentan “Perdedor”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 8 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una de las colaboraciones femeninas más interesantes de esta temporada en el panorama español, es un mensaje directo a una expareja que no supo valorar la relación. A diferencia de las baladas tristes, aborda la ruptura desde el orgullo y la superación, dejando claro que, al final de la historia, quien realmente ha salido perdiendo es quien no supo cuidar el amor que tenía.

“Perdedor” nace desde ese territorio donde la dignidad se impone al dolor. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un lamento ni una súplica, sino una constatación de que quien se fue no se da cuenta de que el verdadero perdedor es él mismo. No es una canción de rencor, sino de afirmación, de ese momento en que te das cuenta de que alejarte de alguien que no te suma no es una derrota, sino una victoria. El estribillo, pegadizo y lleno de esa energía que mezcla rabia y liberación, funciona como un mantra de empoderamiento, una declaración de que quien perdió no fuiste tú.

Rosa Valdivia se ha ido ganando un hueco en la escena del pop urbano y el flamenco-pop, con una voz con mucho “quejío” pero adaptada perfectamente a las producciones modernas. Es conocida por letras que suelen hablar de vivencias reales, relaciones y la fuerza de la mujer. Jshira aporta el toque más internacional y fresco a la mezcla, con un estilo que navega entre el R&B, el soul y el pop, y una capacidad vocal impresionante para los juegos melódicos. Su unión crea un contraste perfecto: la fuerza racial de una y la suavidad melódica de la otra.

La canción mezcla una base de pop rítmico con matices urbanos, lo que la hace perfecta tanto para la radio como para escucharla en un momento de “subidón” personal. La producción destaca por cómo se entrelazan las voces de ambas: Rosa aporta la garra en los estribillos, mientras que Jshira da esos matices vocales que elevan la calidad musical del tema. La química entre ambas es evidente, y han logrado que “Perdedor” suene a éxito desde la primera escucha.

“Perdedor” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de empoderamiento y superación que Rosa Valdivia y Jshira han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que a veces la mejor venganza es seguir adelante y darse cuenta de que el perdedor no eres tú. Un himno para los que han salido fortalecidos de una mala relación, para todos aquellos que saben que alejarse de quien no te suma es la mayor de las victorias.

Los artistas Clase-A y DGFlow presentan “Cuba Libre”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 8 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. La canción, una de las piezas más crudas y comprometidas que han salido recientemente en la escena urbana, se mueve entre la protesta social y el sentimiento patrio. No es una canción de fiesta, a pesar de lo que el nombre pueda sugerir. Es un himno de protesta y una reivindicación de libertad para el pueblo cubano.

La letra es un ataque frontal a la situación política en la isla. Frases como “el miedo se cansó de estar preso” o “Cuba no se rinde, Cuba sigue viva” resumen el espíritu de la canción. Menciona directamente la escasez de medicinas, el hambre y la falta de opciones para los jóvenes, pidiendo justicia y elecciones libres. No es una canción de metáforas veladas. Es una declaración directa, una denuncia que no pide permiso para nombrar lo que duele.

Musicalmente, “Cuba Libre” rompe esquemas. Aunque tiene una base urbana, incorpora toques de salsa y percusión caribeña que le dan una fuerza emocional muy grande. No es una canción lenta o melancólica en su ritmo. Tiene la energía de una marcha o un grito de guerra, diseñada para “encender la calle”, como dice la propia letra. La producción, a cargo de DGFlow, fusiona ritmos urbanos con instrumentación orgánica que le da al tema un aire épico y solemne.

Clase-A es un artista urbano con una identidad muy marcada por el mensaje directo y la autenticidad. En este proyecto ha tomado las riendas creativas, encargándose también del diseño y la dirección del videoclip. Se le conoce por su capacidad para conectar con la realidad de la calle y por no morderse la lengua a la hora de abordar temas sociales. DGFlow actúa como el arquitecto sonoro, demostrando una gran habilidad para construir un paisaje musical que respalda la contundencia de la letra.

El final del videoclip es especialmente simbólico. Se apaga una vela y aparece la silueta de la isla de Cuba, un gesto en honor a la esperanza y a quienes luchan desde dentro y fuera de la isla. La canción es una respuesta artística a casi setenta años de sistema político en Cuba, y busca dar voz a lo que muchos cubanos sienten pero no siempre pueden decir. Es un lanzamiento valiente que se aleja totalmente del entretenimiento puro para entrar en el activismo musical. “Cuba Libre” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de protesta y esperanza que Clase-A y DGFlow han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que la música también puede ser una herramienta de cambio. Un himno para los que alzan la voz, para todos aquellos que saben que Cuba no se rinde.

El artista independiente xthony, italiano residente en Suiza, presenta “Estoy Mejor”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza melódica y emocional que combina voces en español con producción electrónica moderna y vibras nostálgicas cálidas, cuenta con partes vocales tanto femeninas como masculinas y equilibra la energía edificante con una narrativa emocional, inspirado en los sonidos crossover latinos contemporáneos.

“Estoy Mejor” nace desde ese territorio donde la ruptura se convierte en liberación. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un lamento ni una súplica, sino una afirmación de que después de la tormenta llega la calma, de que quien se fue dejó un vacío que con el tiempo se llena con algo mejor. No es una canción de rencor, sino de constatación, de ese momento en que te das cuenta de que, efectivamente, estás mejor sin esa persona. El estribillo, pegadizo y lleno de esa energía que mezcla melancolía y esperanza, funciona como un mantra de superación, una declaración de que el desamor no es el final, sino un nuevo comienzo.

La producción, pensada para listas de reproducción nocturnas y veraniegas, crea una atmósfera envolvente que invita tanto a la reflexión como al movimiento. El contraste entre las voces femenina y masculina añade una capa de diálogo, como si la canción fuera una conversación entre dos perspectivas sobre la misma historia de desamor y recuperación.

xthony es un artista que convierte emociones y recuerdos en sonido, convencido de que algunas historias se cuentan mejor en música. Su propuesta se construye sobre influencias internacionales, buscando un sonido que trascienda fronteras sin perder la intimidad de lo personal. “Estoy Mejor” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de superación y ritmo que xthony ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces la mejor venganza es estar mejor. Un himno para los que han salido fortalecidos de una ruptura, para todos aquellos que saben que el desamor también puede ser un punto de partida.

El artista polifacético Jorge Dinarés, que combina la palabra y el sonido como cantante, músico, compositor y poeta, presenta “Hoy solo quiero bailar”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 8 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una declaración de intenciones desde el propio título, es un himno a la liberación personal que habla de dejar de lado las preocupaciones, los mensajes sin contestar y los problemas del día a día para centrarse exclusivamente en el presente y en el movimiento, esa sensación de entrar en una pista de baile y decidir que nada más importa.

“Hoy solo quiero bailar” nace desde ese territorio donde el cuerpo toma el mando. La letra, directa y cargada de honestidad, no busca reflexiones profundas ni metáforas complejas. Quiere capturar esa urgencia de olvidar lo que pesa y dejarse llevar por el ritmo, ese instante en que la música se convierte en el único lenguaje necesario. No es una canción de evasión ingenua, sino de decisión consciente: hoy elijo no preocuparme, hoy elijo bailar.

La producción, muy actual, mezcla el pop melódico con un beat bailable que invita al movimiento desde los primeros segundos. La estructura es sencilla pero muy efectiva, con un estribillo pegadizo diseñado para quedarse en la cabeza y ser compartido en redes sociales. Al salir en plena primavera, el tema busca posicionarse como una de las canciones que acompañarán los eventos y fiestas de los próximos meses, aprovechando esa energía de querer salir y disfrutar que trae el buen tiempo.

La trayectoria artística de Jorge Dinarés comenzó a los catorce años, cuando descubrió su pasión por plasmar sus emociones y pensamientos a través de la música y la poesía. Su propuesta se aleja de las letras excesivamente dramáticas o complejas para enfocarse en ritmos que conectan directamente con el ocio y la desconexión. Su voz tiene un matiz melódico que encaja muy bien tanto en bases electrónicas como en ritmos más latinos.

En paralelo a este lanzamiento, Dinarés también ha trabajado en una versión flamenca de otra canción, propuesta que realizó al gran guitarrista Juan Gómez “Chicuelo”, quien se encargó del arreglo con la colaboración de Martín Meléndez al violonchelo y Aleix Tobias a la percusión, mostrando su versatilidad para transitar por diferentes géneros sin perder su esencia.

“Hoy solo quiero bailar” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de despreocupación y ritmo que Jorge Dinarés ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo único que se necesita es una buena canción para recordar que la vida también se baila. Un himno para los que necesitan desconectar, para todos aquellos que saben que la mejor forma de estar bien es permitirse no pensar.

El artista de música electrónica The Real Mack The Knife presenta “Río Grande de Loíza”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una fusión cinematográfica de dance pop, melodic house, ritmo afrocaribeño y anhelo poético, transforma uno de los símbolos literarios más queridos de Puerto Rico en un himno moderno para clubes globales, canalizando el espíritu de la isla a través de una mezcla de percusión tropical, sintetizadores cinematográficos y ganchos vocales cargados de emoción.

La canción está inspirada en la legendaria poeta puertorriqueña Julia de Burgos y su icónico poema “Río Grande de Loíza”. El tema reimagina el río no solo como un lugar, sino como una fuerza viva, un símbolo de memoria, deseo, identidad y retorno espiritual. En manos de The Real Mack The Knife, esa fuente literaria se convierte en algo inmediato y físico: una canción construida para caminos iluminados por la luna, pistas de baile abarrotadas, aire oceánico y el pulso profundo del ritmo ancestral.

La producción se mueve con una elegancia electrónica pulida, equilibrando texturas de melodic house con atmósfera puertorriqueña y un núcleo de dance-pop brillante y accesible. El resultado es a la vez romántico, cultural y listo para el club. Los análisis tempranos de género sitúan la pista en el territorio del melodic house, el dance pop, el synthpop, el house y el eurodance, confirmando su carácter crossover: lo suficientemente rica emocionalmente para los auriculares, lo suficientemente rítmica para la pista y lo suficientemente memorable para las listas de reproducción modernas.

En el corazón del tema hay un tributo no solo a Puerto Rico, sino al poder perdurable del lugar. La canción pregunta qué sucede cuando un río se convierte en un recuerdo, cuando un poema se convierte en ritmo y cuando el anhelo se convierte en algo que se puede bailar. Con este lanzamiento, The Real Mack The Knife fortalece su identidad como un caballero errante de la música electrónica: un artista atraído por ciudades, costas, mitos, poemas y el romance invisible del mundo.

“Río Grande de Loíza” ya está disponible en las principales plataformas de streaming. Para los oyentes que buscan música dance con profundidad, elegancia y sentido del lugar, el último sencillo de The Real Mack The Knife ofrece algo raro: un himno tropical de club con alma literaria. Una canción que viaja, que no persigue tendencias sino que construye destinos, invitando a los oyentes a paisajes emocionales vívidos.

El cantautor Valerio Mela, conocido como “El Charro De Florencia”, anuncia el lanzamiento de su más íntimo y poderoso sencillo hasta la fecha: “Y aunque el tiempo”, un tema que desnuda la complicadísima historia de amor entre él y su esposa mexicana. Lejos de ser una simple balada romántica, la canción es el relato autobiográfico de dos personas de mundos distintos que tuvieron que enfrentarse a todo para poder estar juntos.

Detrás de la fusión de la cultura italiana y el regional mexicano, existe una verdadera lucha que puso a prueba su relación. Los miles de kilómetros de distancia entre Europa y México, el agotador y frío laberinto de la burocracia migratoria y, el reto más grande de todos, un grave accidente que amenazó con arrebatarles todo. A pesar del sufrimiento, la incertidumbre y el tiempo perdido entre trámites y hospitales, su amor prevaleció. Esa es el alma de “Y aunque el tiempo”.

“Esta canción no es solo un lanzamiento musical, es el soundtrack de nuestras vidas”, expresó Valerio Mela. “Mi esposa es mexicana y es el motor de todo esto. Nos enfrentamos a un océano de separación, a papeles interminables que nos impedían estar juntos y a un accidente terrible que nos cambió la vida. Escribir e interpretar ‘Y aunque el tiempo’ es mi forma de decirle a ella y al mundo que, sin importar los golpes que nos dé la vida, nuestro amor resiste”.

La portada oficial del sencillo refleja a la perfección esta dualidad y triunfo. Valerio aparece firme en el centro, cobijado por el agave y el colorido papel picado mexicano, teniendo como gran telón de fondo la majestuosa Catedral de Santa María del Fiore en su natal Florencia. Dos patrias, dos corazones, unidos por una misma historia de supervivencia.

“Y aunque el tiempo” es un tributo a la resiliencia en el amor frente a la distancia, los obstáculos legales y la adversidad de la vida. La canción fusiona la tradición del regional mexicano con la sensibilidad lírica italiana, creando un puente sonoro entre dos culturas que se encuentran en la experiencia compartida de luchar por lo que se ama. El tema ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de resistencia y esperanza que Valerio Mela ha sabido capturar con la honestidad de quien ha vivido en carne propia cada verso. Un himno para los que han luchado contra la distancia y la burocracia, para todos aquellos que saben que el amor verdadero resiste aunque el tiempo y las adversidades intenten vencerlo.

El jueves 11 de junio, el mundo tendrá los ojos puestos en México, que inaugurará la Copa Mundial de la FIFA 2026™ con una celebración llena de sonido, color y un profundo significado. En el Estadio de la Ciudad de México sonará la primera nota de un torneo que se vivirá entre Canadá, México y Estados Unidos, al unísono de una pasión compartida por el futbol que conecta a millones de personas en todo el mundo.

La ceremonia de apertura reunirá a algunas de las voces latinas más conocidas de la industria musical a nivel mundial. Entre los talentos que subirán al escenario para dar vida al Álbum Oficial de la Copa Mundial de la FIFA 2026™ figuran Alejandro Fernández y Los Ángeles Azules, junto a otros artistas como Belinda, Danny Ocean, J Balvin, Lila Downs, Maná y Tyla.

Alejandro Fernández, conocido como “El Potrillo”, es una de las figuras más emblemáticas del regional mexicano. Su voz, heredera del legado de su padre Vicente Fernández, ha conquistado escenarios de todo el mundo durante más de tres décadas. Su participación en la ceremonia inaugural supone un reconocimiento a su trayectoria y a su papel como embajador de la música mexicana a nivel global.

Los Ángeles Azules, originarios de Iztapalapa, son los máximos exponentes de la cumbia a nivel mundial. Con más de cuarenta años de carrera, los hermanos Mejía-Avante han llevado su música a los festivales más importantes del planeta y han colaborado con algunas de las figuras más relevantes del pop y la música latina. Su presencia en el evento garantiza que el ritmo y la tradición cumbiera estarán presentes en una celebración que busca mostrar al mundo la riqueza cultural de México.

La cultura mexicana ocupará un lugar central en la ceremonia. Durante los 90 minutos previos al inicio del partido, los asistentes podrán disfrutar de música, danza y arte, con la participación de talentos indígenas y artistas folclóricos. Los aficionados en el estadio tendrán un rol esencial en el espectáculo y deberán llegar temprano, ya que las puertas se abrirán cuatro horas antes del silbatazo inicial, ofreciendo un conjunto completo de experiencias que incluyen activaciones exclusivas y recompensas previo al partido.

“La Copa Mundial de la FIFA es un momento que el mundo comparte, y eso comienza con la forma en que la inauguramos”, declaró el presidente de la FIFA, Gianni Infantino. “Comenzando en la Ciudad de México y continuando en Toronto y Los Ángeles, estas ceremonias unirán la música, la cultura y el futbol de una manera que refleje tanto la individualidad de cada nación como la unidad que define este torneo”.

México se enfrentará a Sudáfrica en el partido inaugural, en un estadio que pasará a la historia como el primero en albergar tres Copas Mundiales de la FIFA. La Copa Mundial de la FIFA 2026™ contará con 104 partidos en 16 ciudades sede, comenzando el 11 de junio en la Ciudad de México y culminando el 19 de julio en el New York, New Jersey Stadium. Los boletos y los paquetes de hospitalidad ya están disponibles, ofreciendo a los aficionados la oportunidad de ser testigos de un evento que marcará la historia del futbol y la cultura latina.

Las artistas Nicole Favre, desde Perú, y Olivia Wald, desde Argentina, presentan “nada para nadie :( :”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 8 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza de pop melancólico que destaca por su honestidad lírica, explora el vacío emocional tras un encuentro que no significa nada, una crítica a la superficialidad de las relaciones actuales y a la tendencia de “romantizarlo todo” cuando, en realidad, no hay una conexión real.

“nada para nadie :( :” nace desde ese territorio donde la expectativa se estrella contra la realidad. La letra, directa y cargada de honestidad, no endulza ni disfraza. “Un beso puede estar vacío, que en vez de dar calor da frío”, cantan, y la frase resume la esencia de un tema que habla de esa decepción de buscar algo significativo y encontrarse con la indiferencia. No es una canción de odio ni de rencor, sino de constatación, de ese momento en que te das cuenta de que no era tan especial, ni tan interesante, ni para nadie.

Producida por Suena Tribu, la canción tiene una atmósfera íntima y minimalista que permite que las voces de ambas luzcan por completo. A diferencia de otros hits urbanos de Nicole o el pasado cumbia-pop de Olivia, aquí apuestan por un sonido más orgánico y directo al corazón. El single juega con el uso de emoticonos en su título, representando esa dualidad entre el deseo de sentir algo y la resignación de que, al final, resultó en nada para nadie.

Nicole Favre es una de las artistas peruanas con mayor proyección internacional. Tras pasar años en México trabajando con Universal y componiendo para estrellas como Danna Paola, este 2026 marca su regreso a sus raíces con una identidad más clara. Es conocida por su versatilidad para saltar del pop al R&B y lo urbano con una voz sumamente pulida. Olivia Wald, nacida en Buenos Aires, se ha consolidado como una maestra del “pop emocional”. Viene de un 2025 y 2026 muy potentes, tras haber abierto shows para artistas como Emilia Mernes y lanzar su álbum “Cuerpo”. Su música suele ser un refugio de vulnerabilidad, explorando los miedos y las contradicciones del amor.

“Resulta ser nada espectacular, nada interesante, nada para nadie. Cuando no hay amor, todo es superficial”. La frase clave del tema resume una verdad incómoda pero necesaria. “nada para nadie :( :” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de introspección y desilusión que Nicole Favre y Olivia Wald han sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo más honesto es reconocer que no fue nada. Un himno para los que han salido decepcionados de un encuentro vacío, para todos aquellos que saben que cuando no hay amor, todo es superficial.

La artista gaditana María Carrasco, una de las voces más auténticas y queridas de Andalucía, presenta “La Fiesta De La Vida”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, que da nombre a su nuevo disco, representa un punto de inflexión total en su trayectoria, celebrando la resiliencia con una filosofía de viajar sin mapa, de aceptar las caídas y de valorar lo que el dinero no compra, recordando que, a pesar de las dificultades y el ruido del mundo, siempre hay motivos para brindar por el tiempo que nos queda y por la gente que improvisa y vive con coraje.

“La Fiesta De La Vida” nace desde ese territorio donde el optimismo se convierte en un acto de resistencia. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un consejo vacío ni una lección moral, sino una celebración de los sueños de ese niño que hacen que valga la pena seguir adelante. No es una canción de fingir que todo está bien, sino de aceptar que a veces hay que llorar si hace falta, pero también de recordar que la vida merece ser festejada. El estribillo, pegadizo y lleno de esa luz característica, funciona como un brindis colectivo, una declaración de que los mejores motivos para celebrar son los que no se pueden comprar.

María Carrasco nació en 1995 en Torrecera, una pequeña localidad de Cádiz, y saltó a la fama muy joven. Su primer gran éxito fue el tema “Abuelo”, que se convirtió en un himno y le valió un Disco de Oro con apenas once años. Aunque sus raíces están profundamente ligadas al flamenco, con el paso de los años ha evolucionado hacia un pop de autor muy personal, destacando su faceta como compositora y músico, tocando la guitarra y el piano. Es una artista valiente que incluso fundó su propio sello discográfico, WaxTower, para tener control total sobre su arte.

A diferencia de sus temas más melancólicos, “La Fiesta De La Vida” tiene un aire optimista y vital, un pop orgánico con arreglos cuidados que invitan a celebrar el presente y los sueños de ese niño que hacen que valga la pena. Producido por David Parejo, el tema logra un sonido moderno que respeta la identidad vocal gaditana de María pero la sitúa en el pop actual más fresco. “La Fiesta De La Vida” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de celebración y esperanza que María Carrasco ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la vida, con sus altibajos, siempre es una fiesta si decides verla así. Un himno para los que necesitan reconciliarse con la vida, para todos aquellos que saben que los mejores motivos para brindar son los que no tienen precio.

El fenómeno global latino Farruko, el reconocido DJ internacional Steve Aoki y la estrella colombiana de pop Greeicy presentan “Yapaque”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema fue presentado en vivo por primera vez en el Ultra Music Festival, donde conectó de inmediato con audiencias a nivel global. La canción, una propuesta vibrante que fusiona la producción electrónica con ritmos latinos, se ha consolidado desde ya como el himno del verano.

“Yapaque” habla en su esencia del desamor y de cómo una relación que terminó mal puede darte fuerza para seguir adelante. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un lamento desgarrado ni una súplica por volver. Es una afirmación de que lo que no te mata te hace más fuerte, de ese momento en que la misma relación que te hundió se convierte en el motor para salir adelante.

No es una canción de resignación, sino de empoderamiento. Es ese instante en que decides que quien te hizo daño te ha dado, sin saberlo, la mejor de las motivaciones. El estribillo, pegadizo y lleno de energía veraniega, funciona como un himno de superación. Es una declaración de que el desamor también puede ser el principio de algo nuevo.

Farruko incorporó por primera vez la música electrónica a su catálogo con el éxito global de 2021 “Pepas”. Aquel tema redefinió su sonido al fusionar el reggaetón con el EDM y se convirtió en un fenómeno mundial. Con “Yapaque”, continúa evolucionando esa propuesta, consolidándose aún más como una de las principales figuras detrás de los éxitos latinos de alto ritmo con alcance global.

El artista puertorriqueño cuenta con más de 44 millones de oyentes mensuales en Spotify. Acumula más de 15 mil millones de reproducciones en su carrera. Se posiciona como una de las figuras clave en la expansión global del reggaetón, con un historial de colaboraciones junto a Daddy Yankee, Bad Bunny, Don Omar, Yandel, Arcángel, J Balvin y Marshmello.

Steve Aoki, productor dos veces nominado al Grammy y fundador de Dim Mak, se une a esta colaboración con su característico sello electrónico. En 2026, su influyente sello disquero celebra su trigésimo aniversario. Aoki ha colaborado con artistas como BTS, Maluma, Snoop Dogg, Linkin Park, blink-182 y Machine Gun Kelly, entre muchos otros.

Greeicy, por su parte, es una cantante, actriz y compositora colombiana nominada al Latin Grammy. Se ha consolidado como una de las figuras más influyentes de la música latina contemporánea. Acumula más de 5.400 millones de reproducciones globales y 6,7 millones de oyentes mensuales en Spotify. Artistas como Juanes, Alejandro Sanz, Tini y Jay Wheeler han colaborado con ella.

El sencillo también marca la continua expansión de Farruko en espacios mainstream a nivel internacional. Conecta la música latina con la cultura global de la música electrónica. El trío mantiene su identidad característica mientras exploran nuevos territorios sonoros.

“Yapaque” ya está disponible en plataformas digitales. La canción invita a sumergirse en esa atmósfera de superación y ritmo que Farruko, Steve Aoki y Greeicy han sabido capturar con honestidad. Es un himno para los que han salido fortalecidos de una mala relación. Para todos aquellos que saben que el desamor también puede ser el mejor combustible.