JC Gómez, reconocido cantautor y compositor con una trayectoria de más de 20 años en la música, presenta su más reciente sencillo, “Alunizaje”. Escrita en el turbulento año 2021, durante la pandemia, la canción se erige como el reflejo de una íntima historia de amor real: ese amor secreto, velado y no proclamado, que deja una huella profunda en el alma. Con una narrativa honesta y conmovedora, “Alunizaje” se distingue por su sobriedad y autenticidad, llevando al oyente a sumergirse en un universo de emociones genuinas y memorias compartidas.

El resultado es fruto de un meticuloso trabajo colaborativo en el que JC Gómez contó con la experiencia de grandes profesionales. Raniero Palm, productor del tema, fue quien impulsó a que la composición se convirtiera en el pilar central de la obra, marcando el camino para un enfoque que prioriza la esencia lírica sobre todo artificio.

Asimismo, Arturo Antequera, guitarrista tachirense, fue responsable de transformar la poesía en una melodía cautivadora, mientras que Pablo Governatori se encargó de la mezcla y Eduardo Martínez, de dBmix Studios, pulió el máster final. Cada intervención destacó un compromiso inquebrantable con la calidad y la veracidad del mensaje musical.

Adicionalmente, el videoclip de “Alunizaje” constituye una extensión visual de la emotividad y la autenticidad del sencillo. Dirigido por Jimmy Rivero para CINEMATH STUDIOS y con producción ejecutiva de Alberto Barrios y Juan Carlos Gómez, este proyecto audiovisual destaca por una cuidada dirección de fotografía a cargo de Pedro Futrille y una inspiradora idea original junto con la dirección de arte de Analí Camargo. La producción de campo, liderada por Gabriela Gómez, y el aporte en A&R por parte de César Eduardo Bracho, con la valiosa asistencia de Francisco López de VAO Records, consolidan una experiencia visual que potencia el mensaje íntimo del tema.

En esta nueva etapa, JC Gómez reafirma su identidad como artista. El cantautor muestra orgullo por su letra y su propuesta auténtica, resistiéndose a las tendencias pasajeras y apostando por un estilo personal con sólidos fundamentos en la composición clásica—donde su órgano vocal es el protagonista, sin recurrir a efectos digitales excesivos. Este retorno a lo esencial no solo es un desafío interpretativo, sino también una declaración de principios ante un panorama musical en constante cambio, en el que la honestidad y la coherencia se convierten en la fuerza motriz para conectar con el oyente.

Paralelamente, JC Gómez continúa expandiendo su labor detrás de escenas, colaborando en la composición y producción para otros proyectos. A finales de mayo se destacó por haber participado en más de 20 lanzamientos musicales, en un momento clave para la postulación a los Latin Grammy, en proyectos tan diversos como el álbum de Cesared, el proyecto de Emily Galaviz y sencillos de Ina Peralta y Palmera Beat. Anteriores colaboraciones con artistas como Cabas y Luis Silva consolidaron su reputación dentro de la industria, demostrando que su expertise es sinónimo de compromiso y excelencia en el arte musical.

Mirando hacia el futuro, el artista anuncia el inicio de una nueva alianza con Vao International, una entidad que valora su propuesta musical y que se vislumbra como el motor para mantenerlo vigente en el competitivo mercado actual. Esta asociación no solo potenciará el lanzamiento constante de nueva música, sino que también contribuirá a la construcción de una comunidad sólida de oyentes, afines a su visión artística. Además, JC Gómez ha adoptado un enfoque integral para su evolución, reflejado en cambios personales significativos, que se traducen en una madurez y asertividad renovadas en cada composición.

En resumen, “Alunizaje” representa mucho más que un sencillo musical; simboliza el renacer de un artista comprometido con su esencia y su legado. JC Gómez demuestra, una vez más, que la autenticidad y la pasión son los ingredientes imprescindibles para vivir y hacer vibrar el arte, reafirmando que cada experiencia vivida a lo largo de dos décadas se ha transformado en la cumbre de una carrera que promete seguir inspirando a nuevas generaciones.

La escena del regional mexicano sigue expandiendo sus límites y desafiando géneros. Esta vez, lo hace con fuerza gracias a la colaboración entre Billy Manhattan, el influyente colectivo de compositores y productores detrás de éxitos de Calle 24 y Los Del Limit, y YNG NAZ, una de las voces emergentes más prometedoras del regional, el trap y el R&B latino. Juntos presentan El Mundo se Va a Acabar, un sencillo que estará disponible en plataformas digitales a partir del 19 de junio y que se perfila como una de las propuestas más atrevidas del año.

Con una base de sierreño tradicional pero guiños sonoros al indie y la música alternativa, El Mundo se Va a Acabar es una pieza introspectiva y urgente, que reflexiona sobre la incertidumbre del futuro y la necesidad de vivir intensamente el presente. La canción, cruda y honesta, es tanto una advertencia como un consuelo, un llamado generacional a detenerse, sentir y decidir con el corazón en la mano.

La producción y composición corren a cargo de Billy Manhattan —Bryan, Giovanny y Abdiel— quienes han demostrado su habilidad para innovar dentro del regional, manteniendo siempre una sensibilidad musical afilada. Por su parte, YNG NAZ aporta su fuerza vocal y una energía fresca que ya ha resonado junto a artistas como DannyLux y Tony Herrera, consolidando su lugar entre los nuevos referentes del género.

El videoclip oficial fue grabado en la ex Fundidora de Ávalos, en Chihuahua, un enclave cargado de historia industrial que aporta un aura misteriosa y decadente al concepto visual. Esa mezcla entre ruina y esperanza, entre tiempo detenido y movimiento interior, es precisamente lo que transmite la canción.

El Mundo se Va a Acabar no es solo una colaboración: es el cruce de caminos entre el oficio y la intuición, entre la experiencia de quienes han escrito éxitos para una generación y la voz fresca de quien está listo para liderarla. Una muestra más de que el regional, cuando se atreve, no tiene techo. Y que en el fin del mundo también se puede bailar.

Los granadinos Tremendo Pinkman regresan con “Unipersonal”, segundo single del que será su próximo trabajo discográfico que verá la luz durante el mes de octubre.

Tras la presentación del primer corte,“Traspasando las paredes”, la banda regresa mostrando un nuevo registro mucho más cercano al rock alternativo y al post rock, pero sin perderse en estereotipos establecidos y evitando someterse a fórmulas predefinidas.

Unipersonal es una canción que habla en primera persona de forma directa y concisa de los miedos e inseguridades, muchas veces a consecuencia de los comentarios u opiniones de los demás, y de todo lo que conlleva a nivel emocional. Musicalmente sus potentes guitarras, una batería contundente y sutiles armonías vocales, nos van guiando hacia ese viaje interior donde se dan la mano rabia y vulnerabilidad, creando una atmósfera de conexión muy personal.

La grabación y mezcla de este nuevo tema ha sido llevada a cabo nuevamente por Jose Molero junto con el productor Jose Ibáñez, y la masterización la vuelve a asumir Martin Kuchta de Roughgrain Mastering.

Tremendo Pinkman es un grupo de Granada, cuyos inicios se remontan a 2019, formada por Jose Molero (guitarra y voz), Vicente Jiménez (bajo), Alexis Moreno (batería), Dani Rodríguez (guitarra) y Mónica Huertas (voces/coros).

El sonido de Tremendo Pinkman se mueve entre el indie- rock y el rock alternativo, pero alejándose de los sonidos estrictamente comerciales y del mainstream, por su enfoque de experimentación sonora, abierta a otros estilos musicales y sus letras a veces profundas e incisivas, centrando sus composiciones y su sonido en intentar transmitir un mensaje y creando fuertes atmósferas sonoras que viajan desde lo más sutil hasta sonidos mucho más contundentes.

Las influencias más directas del grupo, en cuanto a géneros se refiere, van desde el indie, rock alternativo, grunge y postrock, hasta el dreampop o pop con matices más electrónicos, con bandas de referencia que viajan desde los 90 hasta nuestros días.

Unipersonal ya está disponible en plataformas digitales y en Youtube. Para más información www.tremendopinkman.com

Ale Bardeau presenta Highlights, un EP compuesto por siete canciones que resumen su experiencia como lo que ella misma define: “una eterna romántica”. Un trabajo emocional y sincero en el que se debate entre el deseo de estar sola o entregarse a un amor de película. Esta dualidad, este vaivén entre la tormenta y la calma, es el hilo conductor de un proyecto muy íntimo.

Con una duración total de 25 minutos, Highlights fue producido, mezclado y masterizado en Anti Studio por Anti Horrillo. Y no hay dos canciones iguales: cada una ofrece una perspectiva distinta a esas contradicciones que conforman el álbum. Desde melodías dulces que enganchan al instante hasta momentos de melancolía e incluso rabia, el EP propone una auténtica montaña rusa emocional.

El EP arranca con una canción potente en la que Ale Bardeau confirma que lo que sentía no era amor, sino aburrimiento. El single “Again” marca un punto de inflexión con un tono melancólico y una reflexión sobre la dependencia emocional a las historias románticas. Le sigue “Don’t Cross The Line”, un tema que invita a levantarse con fuerza… y con rabia.

Dos de las canciones que ya habían sido publicadas en 2020, “My Turn” y “Dimanche”, ahora regresan en versiones definitivas, repensadas para que encajen en la narrativa del EP. “Quería que tuvieran sentido dentro de este viaje”, explica Ale. Las versiones originales seguirán disponibles, como un bonito testimonio de su evolución.

Además, la artista ha cuidado hasta el último detalle de la edición física del CD, que estará disponible próximamente. El libreto incluirá sinopsis de cada canción, las letras en inglés y su traducción al español, y una sorpresa en la última página.

El dúo musical Denis y Alejandro, conocidos artísticamente como DCAC, vuelve a sorprender con el lanzamiento de su nuevo single titulado “No sigo tendencia ni moda”. Este tema llega cargado de energía, mensaje y una propuesta sonora que refleja la evolución artística de estos hermanos venezolanos que desde hace años construyen su propio camino en la música urbana independiente.

Nacidos en Punto Fijo, Venezuela, el 24 de octubre de 1998, Denis y Alejandro crecieron rodeados de música y a los 7 años ya escribían sus primeras canciones juntos. A los 15, formaron la agrupación de reggae y ska Wasamara, con la que recorrieron escenarios de todo su país, creando una comunidad fiel y apasionada. Fue en 2018 cuando decidieron mudarse a Miami para iniciar una nueva etapa como dúo, abriéndose paso en la escena musical con una mezcla de afrobeat, pop, hip hop, R&B y reggae que hoy define su identidad sonora.

“No sigo tendencia ni moda” es mucho más que una canción, es un manifiesto personal con el que Denis y Alejandro reivindican su derecho a no encajar en moldes impuestos por la industria o la sociedad. A través de un ritmo contagioso y una letra potente, el tema conecta con todos aquellos que apuestan por ser fieles a sí mismos y no a las corrientes pasajeras. La canción también narra una historia de conexión inesperada entre dos personas que se reconocen en medio del ruido superficial, encontrando un espacio donde el tiempo se detiene y lo verdadero cobra sentido.

Con este lanzamiento, DCAC reafirma su compromiso con la creación de música auténtica y honesta, una filosofía que han mantenido desde sus inicios y que hoy los lleva a producir, componer y dirigir sus propios proyectos de manera independiente. Sus presentaciones en vivo se han caracterizado siempre por una energía vibrante, mucho baile y un vínculo cercano con su público, y este nuevo tema promete convertirse en una de las favoritas de su repertorio en directo.

“No sigo tendencia ni moda” ya se encuentra disponible en plataformas digitales y forma parte de la nueva etapa creativa del dúo, quienes continúan trabajando en nuevos temas y colaboraciones para los próximos meses. Para más información sobre Denis y Alejandro, así como detalles de sus futuros lanzamientos, pueden seguirlos en sus redes sociales y unirse a la comunidad que cada día crece alrededor de su propuesta fresca y sincera.

La cantante y compositora de country Hannah Ellis vuelve a cautivar al público con Love Of My Night, su más reciente sencillo, ya disponible en plataformas digitales. Con su característico estilo cálido y cercano, la artista originaria de Campbellsville, Kentucky, reafirma su lugar como una de las voces más prometedoras de la escena country actual.

En Love Of My Night, Hannah Ellis apuesta por una mezcla de sensibilidad y ritmo optimista, convirtiendo una historia de conexión fugaz y chispeante en un himno de complicidad nocturna. La canción, que destila frescura y sinceridad, habla de esos encuentros inesperados que iluminan la oscuridad y dejan huella en el corazón, aunque solo duren una noche. Con su habitual capacidad para narrar momentos cotidianos cargados de emoción, Ellis vuelve a construir una pieza que suena tan bien en un coche bajo las estrellas como en cualquier playlist de viernes por la noche.

Este nuevo lanzamiento llega en un momento especialmente sólido para la artista, que acumula cerca de 40 millones de streams a lo largo de su carrera y que ha sabido ganarse el respeto de la industria con perseverancia y una voz capaz de sentirse como “una vieja amiga” en cada canción. Tras su paso por escenarios icónicos como el Grand Ole Opry y su participación en giras junto a nombres como Carly Pearce, Gavin DeGraw, Dwight Yoakam y Devin Dawson, Hannah sigue consolidando su proyecto personal sin perder su esencia humilde y trabajadora.

Love Of My Night refleja a la perfección el espíritu de Ellis: cercano, honesto y con ese punto de brillo y emoción que convierte sus canciones en pequeños refugios emocionales. Además de componer sus propios temas, Hannah ha escrito canciones para artistas de distintos géneros y ha prestado su voz en colaboraciones con nombres como Russell Dickerson, FOR KING + COUNTRY o Cassadee Pope, demostrando su versatilidad y sensibilidad artística.

Este single es también una muestra más del momento que vive la artista, quien ha formado parte de iniciativas como el CMT Next Women of Country Tour y es una de las artistas destacadas en la selección CMT Listen Up 2023. Con cada nuevo paso, Hannah Ellis sigue acercando su mundo musical a quienes buscan en la música country algo más que una melodía: una historia que contar y sentir.

Love Of My Night ya puede disfrutarse en plataformas digitales. Para no perderte sus próximos lanzamientos y novedades, puedes seguir a Hannah Ellis en sus redes sociales.

El músico, productor y cantante cubano Rapson Espinosa presenta Acalorado, su nuevo single y primer adelanto de su esperado álbum debut en solitario, que verá la luz el próximo 20 de junio de 2025. Se trata de una explosión de ritmo tropical pensada para mover el cuerpo, calentar el alma y prender las pistas de baile este verano.

Fiel a su esencia, Rapson fusiona en Acalorado sus raíces en la música tradicional cubana con una sensibilidad contemporánea influenciada por géneros como el pop, el son y la rumba flamenca, a los que en esta ocasión se suman pinceladas de reguetón y salsa. El resultado es una versión moderna, vibrante y tremendamente bailable de la canción original popularizada por Los Diablos en los años 70, respetando su espíritu festivo pero llevándola a nuevos terrenos sonoros.

“Acalorado” es un homenaje que celebro con mucho respeto y sabor cubano. Quise devolverle a esa canción el calor del Caribe y convertirla en un himno para los veranos de hoy”, comenta Rapson sobre este sencillo, que rescata uno de los clásicos del pop español y lo reinterpreta con percusión afrocubana, guitarras flamencas y una interpretación vocal cargada de energía y pasión.

El lanzamiento de Acalorado llega tras el éxito viral de su versión de Chan Chan, donde Rapson sorprendió al público internacional al incluir por primera vez en la música cubana el sonido del Sundrum, un instrumento de percusión melódica que aportó a sus directos una atmósfera íntima y espiritual. Desde entonces, su popularidad ha crecido en plataformas digitales como Instagram y Spotify, consolidándolo como una de las voces más auténticas de la música latina independiente en Europa.

Heredero de una reconocida familia musical cubana, directamente vinculada a figuras como Alejandro García Caturla y Teté Caturla, Rapson Espinosa ha construido un estilo propio en el que tradición y modernidad conviven con naturalidad. En sus conciertos, ofrece experiencias únicas en las que combina instrumentos ancestrales y contemporáneos, conectando con la emoción, los recuerdos y los sueños de su público.

Acalorado ya está disponible en plataformas digitales, listo para incorporarse a playlists de música latina, Zumba, ritmos calientes o vibes tropicales. Para no perderte sus próximos estrenos y conciertos, sigue a Rapson en sus redes sociales y forma parte de una comunidad que celebra el calor, la música y la herencia cultural con cada nota.

La artista emergente Aroa lanza Breaking Me, un tema que reafirma su capacidad para transformar la vulnerabilidad en una forma de arte. Con una propuesta que fusiona el pop alternativo con tintes electrónicos y una carga emocional profunda, Aroa vuelve a demostrar que su música no solo se escucha, se siente.

Desde muy joven, la artista encontró en la música un refugio frente al caos emocional que la rodeaba. Lo que comenzó como una vía de escape se ha convertido en un proyecto artístico sólido, caracterizado por una voz auténtica, letras honestas y una producción que combina fuerza y sensibilidad. Aroa no tiene miedo de romperse, porque ha aprendido que de los pedazos también nacen canciones.

Breaking Me es un nuevo capítulo en esa historia. La canción nace desde el desgarro, pero también desde el renacimiento. Con frases como “Llama lo que quiera, seré lo que quiera, he estado mil veces aquí…”, la artista desnuda su alma para recordarse —y recordarnos— que incluso en la ruptura hay belleza, y que no todo lo que se rompe está perdido.

Fiel a su estilo, Aroa combina en este single una base electrónica elegante, beats que laten como un corazón roto y una interpretación vocal que va más allá de la técnica: Aroa no canta, sangra melodías. Influenciada por el pop emocional y los sonidos electrónicos que llenan de intensidad incluso los silencios, su música mantiene ese contraste entre la fragilidad y la fuerza, entre lo que duele y lo que cura.

Breaking Me ya está disponible en plataformas digitales, y supone una muestra más del universo íntimo y desgarrador de una artista que convierte el dolor en arte. Para más información sobre Aroa y sus futuros proyectos, puedes seguirla en sus redes sociales.

La banda madrileña Mendoza sigue abriendo camino hacia Salvavidas, su esperado nuevo álbum, y lo hace con Puedo ser, un segundo single que llega apenas unas semanas después de Nos volveremos a ver. Disponible en plataformas digitales, la canción revela una nueva faceta en el sonido del grupo, más directo, eléctrico y emocional.

Puedo ser suena a llamada de socorro con las ventanas abiertas. Es una canción urgente, melódica, con las guitarras al frente y una energía que conecta con referentes como Viva Suecia o Sam Fender, nombres que se asoman como influencias claras en esta etapa de la banda. La producción, a cargo de Tono Hurtado en el estudio Malamute de Valencia, marca ese giro más contundente y luminoso sin perder la cercanía en la voz ni el detalle en los arreglos.

La letra mezcla contradicción, ternura y una sinceridad sin filtro. Habla de no ser perfecto, pero estar. De no prometer milagros, pero ofrecer la piel. “Déjame agradecerte lo que has hecho / y decirte que no todo irá bien”, canta Rodrigo en uno de esos versos que encierran tanto desconsuelo como compromiso, y que reflejan el tono honesto que define este nuevo trabajo.

Salvavidas será el tercer álbum de Mendoza, tras el EP Grieta de timidez y el celebrado ¿Cuántos metros hay entre tú y yo?. Este nuevo single confirma que el próximo disco será más enérgico, directo y visceral, un refugio imperfecto pero sincero para quien se acerque a escucharlo.

Mendoza es el proyecto personal de Rodrigo Domínguez Sáez, músico colmenareño que lleva dos décadas componiendo canciones para otros y guardando ideas en cajones. Desde que una guitarra española llegó a sus manos en su adolescencia, supo que necesitaba crear su propio espacio, y en 2017 comenzó a dar forma a la banda que finalmente vería la luz en 2019. “A Mendoza llegué para poder decir lo que quería decir y de la manera en la que quería hacerlo. Estamos aquí para disfrutar de la música y, humildemente, para poder expresar lo que no nos gusta del mundo en el que vivimos”, explica Rodrigo.

Mientras ultima Salvavidas, Rodrigo sigue compaginando su liderazgo en Mendoza con su papel como guitarrista y teclista en la multipremiada banda valenciana Novembre Elèctric. Y aunque los escenarios cambien, la honestidad con la que escribe cada canción permanece intacta.

Siete grandes referencias internacionales de la música se incorporan al cartel del Festival Boreal 2025. El festival musical, que se celebrará en Los Silos del 17 al 21 de septiembre, continúa completando su elenco musical para su decimoctava edición. Las entradas para disfrutar de uno de los festivales musicales de referencia en Canarias están a la venta en www.festivalboreal.org.

Lapili (España), Pongo (Angola), pablopablo (España/Uruguay), Sara Curruchich (Guatemala), Laura Pérez (Colombia), New Regency Orchestra (Reino Unido) y Kumbia Boruka (Méjico) son los últimos nombres en sumarse al festival de Los Silos. De este modo, son ya 15 los artistas que han confirmado su participación en la edición de 2025 del Festival Boreal.

Hay que destacar que el Festival Boreal servirá de primer escenario en Canarias para cinco de estos siete artistas. Es el caso de pablopablo, Sara Curruchich, Laura Pérez, NRO y Kumbia Boruka. Además, será la primera vez en Tenerife para Lapili y Pongo. Así, se pone de relieve el carácter innovador y transgresor del Festival Boreal ofreciendo la oportunidad al público de Los Silos de escuchar y disfrutar de artistas internacionales nunca antes vistos en Canarias y en Tenerife.

Lapili es una artista total: en torno a ella existe un imaginario visual y conceptual. Su universo cuenta con una clara identidad y su música electrónica dialoga con el folclore, mientras en escena late un universo donde la belleza es diversa. Es una artista multidisciplinar, ya que se encarga de todo lo que rodea a su música.

La angoleña Pongo estará en el escenario del Festival Boreal con un arsenal sonoro imparable que mezcla el incendiario kuduro, con la electrónica y el febril afrobeat. Actualmente, la artista es una de las más grandes referentes de la música afrofusión contemporánea. Antigua integrante de la banda de culto Buraka Som Sistema, su carrera en solitario ha reventado escenarios por todo el mundo, dejando huellas imborrables con hits como ‘Kuzola’, el explosivo ‘Katana’, o su reciente ‘Sugar Rush’ junto a NoMBe. 

El nombre de pablopablo destaca ya en la escena musical del nuevo pop alternativo en español. Su estreno en Canarias será en el Festival Boreal 2025. Con una sensibilidad y una identidad sonora únicas, el productor, músico y compositor madrileño presentará en Los Silos su primer álbum, ‘Canciones en Mi’, una obra tejida a partir de la guitarra, con melodías que rezuman belleza sin ornamento. Bajo el nombre artístico de pablopablo, Pablo Drexler, desarrolla su directo junto a Lyle Burton (batería) y Simeon May (saxo). Esta actuación dentro del Festival Boreal 2025 promete una experiencia envolvente y sincera con una de las voces más personales y prometedoras del panorama musical actual.

La guatemalteca Sara Curruchich llega al Festival Boreal 2025 para seguir ampliando horizontes en el panorama musical internacional. Curruchich es la primera artista maya que ha conquistado la escena mundial en cuanto a la música se refiere. Sus canciones son la memoria viva de su pueblo, son identidad y resistencia, himnos por la igualdad, la justicia y la dignidad. En este sentido, no hay que olvidar que Sara Curruchich es embajadora de ONU Mujeres. Su gira ‘Mujer Indígena’, con una banda compuesta por marimba, batería y bajo; es un espectáculo que transforma la experiencia del público.

La primera vez en Canarias de la colombiana Laura Pérez será en el Festival Boreal 2025. La cantautora llega a Los Silos con su primer álbum ‘La Chinita’, una carta de amor a su ciudad y sus raíces. Un auténtico ejercicio musical para compartir su universo lleno de folk suave, pop íntimo y mucho corazón. Su sensibilidad única le otorga la capacidad de crear canciones que sanan, acarician y hacen sentir que todo está bien.

New Regency Orchestra (NRO) romperá los moldes del Festival Boreal 2025. La big band afrocubana de Londres publicó su álbum debut el pasado 2024 después de haberse fundado en 2021. Formada por alrededor de 20 artistas, NRO viene de girar por algunos de los principales festivales de París como WOMAD o New Morning. Además, sus actuaciones en Manchester, Cambridge y Londres como parte del 25 aniversario del festival La Línea esta primavera han dejado clara su rica formación: una potente sección de instrumentos de viento de doce piezas, una sección rítmica de cinco piezas de gran precisión y bailarines dinámicos. En definitiva, el grupo infunde la época dorada del mambo y el jazz latino con una energía electrizante y nuevos y audaces arreglos.

En el caso de los mejicanos Kumbia Boruka, se definen como una banda multicultural de ocho músicos provenientes de Méjico, Chile, Argentina y Francia, lugar donde residen actualmente. Las raíces de la banda se encuentran en la ciudad de Monterrey, en el norte de Méjico, en donde la cumbia es el himno del barrio y surgió la leyenda de la cumbia mejicana: Celso Piña. Con este gran maestro, Hernán Cortés, líder de Kumbia Boruka, aprendió a tocar el acordeón y lo acompañó durante largas giras internacionales como percusionista. Esta banda traerá su música hasta el Festival Boreal 2025 con melodías psicodélicas de guitarra eléctrica, una extensa sección rítmica que incluye guacharaca y congas, potentes y emocionantes arreglos de vientos y el brillante sonido del acordeón.

La escena indie pop española tiene una nueva voz imprescindible y su nombre es Begut. La artista y compositora zaragozana acaba de estrenar Un Diez en lo Emocional, su primer álbum de larga duración, disponible desde hoy en plataformas digitales. Un trabajo honesto, irónico y lleno de personalidad que marca un antes y un después en su trayectoria, y que la confirma como una de las propuestas emergentes más atractivas del panorama musical actual.

Un Diez en lo Emocional es mucho más que un disco; es una banda sonora generacional que recorre la montaña rusa emocional que supone la primera mitad de la veintena. Diez canciones que se sienten como postales emocionales de esos años en los que todo parece ir demasiado rápido, donde los cambios se acumulan y las certezas escasean. Con una sensibilidad desarmante, Begut abraza las inseguridades, celebra las diferencias y convierte en canción todo eso que quisiéramos gritar a voz en cuello con las ventanillas bajadas.

El álbum, producido por la propia Begut junto a Pau Paredes y con la colaboración de Raúl Pérez y Tato Latorre, combina melodías pop luminosas con letras cargadas de ironía, ternura y una honestidad brutal. Desde la frase que abre el tema que da título al disco, “Sé que tu madre piensa que soy rara”, queda claro que aquí no hay máscaras ni filtros.

Antes de este lanzamiento, la artista presentó cuatro adelantos que ya permitían intuir la personalidad arrolladora del proyecto. Marte es un abrazo cálido a la niña que Begut fue, reivindicando con orgullo todo aquello que un día la hizo sentir fuera de lugar. Fenomenal funciona como un grito de liberación emocional y Boca de Pez recuerda que la felicidad se encuentra en atreverse a ser uno mismo. Por su parte, Tu Banda Favorita captura la belleza de los momentos sencillos y cotidianos con una poética urbana inconfundible.

Con una narrativa íntima y cinematográfica, Begut se ha hecho un hueco entre los nuevos nombres del pop independiente gracias a su autenticidad y a un imaginario propio que combina referencias musicales como Big Thief, Phoebe Bridgers o Leiva. No es de extrañar que su talento la haya llevado también a formar parte de la banda de Carlos Ares, con quien se encuentra actualmente de gira, y a colaborar en Un Beso del Sol, tema del reciente álbum del gallego.

Además de su faceta musical, Begut ha demostrado una notable capacidad para conectar con su generación a través de colaboraciones con marcas como Women Secret, Multiopticas y Laagam, y una creciente comunidad de seguidores en sus redes sociales, donde comparte no solo su música, sino también su particular visión de la vida.

Con Un Diez en lo Emocional, Begut entrega un álbum debut a la altura de las expectativas, repleto de estribillos que se pegan, historias que podrían ser tuyas o mías y una declaración de intenciones: celebrar nuestras rarezas y bailar bajo la tormenta. Una obra valiente y necesaria que consolida a la zaragozana como una de las voces más prometedoras de 2025.

El álbum ya está disponible en plataformas digitales. Para más información sobre Begut y sus futuros proyectos, puedes seguirla en sus redes sociales.

La cantante e influencer catalana Ainoa Blanco presenta su nuevo single “Dime”, una fresca y emotiva bachata pop que llega acompañada de las colaboraciones de Keko y Mario, sumando voces que aportan frescura y energía a este tema lleno de romanticismo y sensibilidad. Originaria de Terrassa, Ainoa ha conseguido destacar en la escena musical gracias a sus versiones en estilos como flamenco y bachata, logrando un notable éxito en redes sociales y plataformas digitales.

Desde su salto a la popularidad, Ainoa Blanco ha construido una sólida base de seguidores que valoran su estilo único, que mezcla la esencia del flamenco con ritmos latinos y pop. En julio de 2024, por ejemplo, su versión de “Cuando zarpa el amor” de Camela superó las 90 000 visualizaciones en YouTube, un dato que refleja su alcance y la conexión que logra con el público.

Más allá de sus reinterpretaciones, Ainoa ha apostado por un repertorio propio que incluye temas como “Ahora” y singles como “Cupido” (agosto 2023), “Luna”, “Monotonía” y “Palabras de Papel”. Su versatilidad también se ha manifestado en colaboraciones con otros artistas, como “Llévame” junto a DaniMflow, un tema de mambo romántico que consolidó su capacidad para adaptarse a diferentes géneros y sumar talento junto a otros músicos.

“Dime” llega como una invitación a seguir un camino de estrellas, un recorrido íntimo y lleno de emoción en el que la artista narra el encuentro con alguien especial, la magia de una conexión única y el deseo intenso que genera ese amor. La letra, cargada de imágenes poéticas y frases llenas de sinceridad, habla de un vínculo que se fortalece pese a las dudas y el paso del tiempo, con versos que invitan a soñar y sentir: “Hoy te voy a pintar un caminito de estrellas para que tú sigas mis huellas que ya no puedes borrar”.

Ainoa Blanco ha logrado consolidar su presencia en redes sociales como Instagram y TikTok, donde mantiene una comunidad fiel que sigue cada uno de sus movimientos y adapta sus canciones a un estilo que combina lo popular con lo personal, acercando la bachata y el flamenco a una generación que busca autenticidad y nuevas propuestas.

El lanzamiento de “Dime” refuerza el posicionamiento de Ainoa como una artista emergente con gran proyección dentro de la escena musical indie española, una voz fresca que fusiona tradición y modernidad con mucha sensibilidad.

El single ya está disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre la artista y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

La reconocida cantante y compositora cubana Diana Fuentes continúa enriqueciendo su trayectoria musical con el lanzamiento de De a Poquito, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. Fiel a su esencia, Diana propone una canción luminosa y delicada, en la que mezcla con naturalidad los matices de la música cubana contemporánea con toques de pop latino y su inconfundible voz cargada de emoción.

De a Poquito es una invitación a dejarse llevar por los sentimientos sin prisa, saboreando cada instante y permitiendo que las historias de amor se construyan a su propio ritmo. La canción abraza una atmósfera íntima y cálida, respaldada por una producción sutil y cuidada, donde los aires caribeños se entrelazan con guiños de soul y pop moderno, recordando la versatilidad que siempre ha definido la propuesta de Diana Fuentes.

Este nuevo sencillo llega para reforzar el sólido recorrido de la artista, que inició su camino profesional tras culminar sus estudios musicales en el Instituto Superior de Arte de La Habana. Su participación en el emblemático grupo Síntesis y las colaboraciones con figuras como X Alfonso, Amaury Pérez o Roberto Carcasés le permitieron ganar un merecido reconocimiento en la escena musical cubana e internacional. Diana fue además una de las voces destacadas en el álbum Habana a Flor de Piel, nominado al Latin GRAMMY® en 2002, y participó en X Moré, también nominado en aquella edición.

Desde entonces, su carrera ha estado marcada por la búsqueda constante de nuevos sonidos. Su debut en solitario, Amargo Pero Dulce, producido por Descemer Bueno, mostró una Diana Fuentes cercana al R&B y al soul, mientras que su segundo disco, Planeta Planetario, bajo la producción de Eduardo “Visitante” Cabra, amplió su proyección internacional y exploró con audacia distintas texturas sonoras.

Ahora, con De a Poquito, Diana sigue fiel a su espíritu inquieto y sensible, entregando una canción que habla de la ternura, de las relaciones que se construyen despacio y del valor de los detalles cotidianos. Su voz cálida y elegante vuelve a posicionarla como una de las artistas más interesantes de la escena latina actual, capaz de emocionar y contagiar alegría a partes iguales.

El sencillo ya se encuentra disponible en plataformas digitales y promete convertirse en una de las canciones imprescindibles para quienes disfrutan de las letras honestas y los ritmos con identidad. Para estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, puedes seguir a Diana Fuentes en sus redes sociales.

Diego Monreal, conocido hasta ahora por su trayectoria como integrante de la banda murciana Neon Lights, se lanza oficialmente a la aventura en solitario bajo el nombre de Popsitive. Y lo hace con El Día y La Noche, su primer single, una canción que sirve como carta de presentación de su próximo álbum conceptual y que ya está disponible en plataformas digitales.

Con una propuesta pop/rock en español que combina honestidad lírica y una sensibilidad sonora muy personal, Popsitive nace como un proyecto que apuesta por contar historias y provocar emociones reales a través de melodías envolventes y letras directas, sencillas pero cargadas de significado. El Día y La Noche es un claro ejemplo de ello: una canción que habla de los contrastes, de las dos caras de una misma realidad, de los polos opuestos que, como en un imán, se necesitan para mantener el equilibrio.

Con una producción cuidada y una atmósfera que transita entre la nostalgia y la esperanza, el tema atrapa por su energía contenida y sus imágenes poéticas. Según el propio Diego Monreal, El Día y La Noche “es una metáfora de esas relaciones o situaciones en las que los extremos, aunque a veces difíciles de conciliar, se buscan constantemente porque, de alguna manera, uno no existe sin el otro”.

El sonido de Popsitive bebe de referencias variadas, desde el pop rock más clásico de bandas como Indochine, a las texturas etéreas de Sigur Rós, pasando por la nueva escena indie nacional en la línea de grupos como Second o Viva Suecia. Todo ello converge en un estilo que, sin renunciar a sus influencias, mantiene una identidad propia basada en la autenticidad y en el valor de las emociones sencillas, esas que atraviesan y perduran.

Este primer adelanto forma parte de un LP debut que incluirá 12 canciones y que promete llevar al oyente por un viaje emocional completo, recorriendo estados tan humanos como la desilusión, el desengaño, la aceptación, la esperanza o el renacer. Una obra pensada para ser escuchada de principio a fin, como un relato musical sobre la condición humana.

El Día y La Noche ya está disponible en plataformas digitales, y supone el primer paso de una nueva etapa para Diego Monreal como Popsitive, un proyecto que apunta a consolidarse dentro del panorama pop rock en español. Para más información sobre sus próximos lanzamientos y conciertos, puedes seguir a Popsitive en sus redes sociales.

La banda sonora perfecta para los días de sol y las noches infinitas ya tiene nombre: Quédate, el nuevo single de DEFINDE, una vibrante declaración de amor, fortaleza y ganas de vivir. Con este tercer lanzamiento, la banda liderada por el compositor y cantante español Javier Moreno Olivares y producida por el reconocido Joe Dworniak —nominado al Latin Grammy—, reafirma su posición como una de las propuestas más frescas y prometedoras del pop latino europeo.

Quédate llega envuelta en una producción impecable que fusiona el ritmo magnético del dance pop con sutiles guiños a la música latina, dando forma a una canción que se siente actual, luminosa y emocional. La melodía, irresistiblemente pegadiza, se sostiene sobre una letra que habla de amor, de resistir en los momentos difíciles y de aferrarse a aquello que nos da vida cuando todo lo demás parece tambalearse. Es una invitación a quedarse, a apostar por lo que importa y a celebrar la intensidad de los sentimientos verdaderos.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip colorido y lleno de energía, que refuerza la esencia festiva y emocional de Quédate, confirmando la capacidad de DEFINDE para convertir sus canciones en pequeñas celebraciones de la vida. Visualmente potente y perfectamente sincronizado con la vibra de la canción, el video aporta una dimensión extra a este himno para la pista de baile emocional.

DEFINDE no es solo una banda, sino un estado de ánimo. Desde sus inicios, Javier Moreno Olivares y Joe Dworniak han apostado por una propuesta que mezcla la sofisticación del pop europeo con los ritmos cálidos y bailables de América Latina. Sus dos sencillos anteriores lograron captar la atención de un público diverso y cada vez más numeroso, y con Quédate, el proyecto consolida su personalidad musical y su capacidad para crear canciones que emocionan y acompañan.

Este lanzamiento no solo anticipa un verano lleno de ritmo y buenas vibraciones, sino que marca un nuevo capítulo en la trayectoria de DEFINDE, demostrando que saben cómo construir música que conecta, emociona y, sobre todo, invita a vivir el presente con intensidad.

Quédate ya está disponible en plataformas digitales. Para no perderte ninguna novedad sobre el proyecto y sus futuros lanzamientos, puedes seguir a DEFINDE en sus redes sociales.

Desde la bruma emocional de las noches largas y los recuerdos que se niegan a desaparecer, Black Cashmere irrumpe con fuerza en la escena musical con In My Head, su primer y seductor sencillo, disponible desde el pasado 10 de junio en plataformas digitales. Este debut no solo marca el inicio de una nueva propuesta sonora, sino que presenta a una banda decidida a transformar sus emociones en atmósferas sonoras elegantes, sugerentes y atemporales.

In My Head es un viaje hipnótico a través de la resaca emocional de los momentos que se niegan a soltarnos, esos instantes en los que la memoria y el deseo se confunden y la mente pelea contra el corazón. La canción, con sus texturas jazzy, su interpretación vocal rica en matices y una producción cargada de soul contemporáneo, se mueve con soltura entre el revival retro y la sensibilidad pop actual. Es una canción que suena clásica y, al mismo tiempo, absolutamente fresca.

Detrás de Black Cashmere se encuentran la cantante y compositora Devon Sellers y el productor y compositor Harry Weil, una alianza creativa nacida para borrar las fronteras entre géneros y emociones. Juntos, han creado un proyecto que habita en un terreno intermedio entre el soul de antaño, el pop con cadencia jazzística y los ambientes íntimos y sugerentes del R&B alternativo. In My Head es solo el primer vistazo a su universo musical, que se materializará por completo en su EP debut, también titulado In My Head, grabado en Dream House Studios.

El EP, escrito por Devon Sellers y Harry Weil y producido por Weil, incluirá seis temas que exploran el amor por los sonidos retro, la pasión por el soul-house y la búsqueda constante de una estética sonora cargada de emoción y nocturnidad. Entre los temas confirmados se encuentra Deeply Chopped, otro adelanto que refuerza esa fusión de house elegante y soul decadente que caracteriza a Black Cashmere.

Sobre este trabajo, Devon comenta: “Harry y yo estamos emocionadísimos y orgullosos de este EP, y no podemos esperar a que todos lo escuchen y se diviertan con él”. Por su parte, Harry añade: “Para mí, este proyecto demuestra que cuando disfrutas del proceso creativo, puedes hacer magia”.

Con este debut, Black Cashmere no solo presenta una canción, sino todo un ambiente: elegante, turbio y emocionalmente cargado, donde cada nota y cada palabra sirven para dibujar ese espacio en el que los recuerdos y los deseos se cruzan.

In My Head ya está disponible en plataformas digitales. Para conocer más sobre Black Cashmere y sus próximos lanzamientos, puedes seguirles en sus redes sociales.

El artista madrileño Rudi D acaba de presentar Cigarrillos y helados, una canción que se desliza entre atmósferas oníricas y una melancolía luminosa, en la que vuelve a desplegar su universo de imágenes surrealistas y emoción contenida para hablar del amor, la memoria y el inevitable paso del tiempo. Este nuevo tema, producido por Charlie Bautista y grabado en mayo de 2025 en El Lado Izquierdo bajo la atenta supervisión de Dany Richter, es el primer adelanto de Motor dos tempos, el próximo álbum del músico.

Con Cigarrillos y helados, Rudi D —nombre tras el que se encuentra el compositor y cantante Sergio Calafat— consolida su apuesta por un pop alternativo de autor, de medio tiempo elegante y detallista, que juega con texturas y letras evocadoras para crear pequeñas postales emocionales. La canción, a través de su tono nostálgico y sus referencias visuales, parece capturar momentos fugaces y sensaciones suspendidas en la memoria, en ese espacio borroso entre el sueño y la vigilia que el artista domina con sensibilidad.

Desde su debut con Ana Berlin en 2019 y tras retomar su actividad discográfica en 2022 de la mano de Charlie Bautista, Rudi D ha continuado ampliando su registro con trabajos como Casi Invisible (2023), producido junto a Javier Villaba en bluerecords estudio, y el single Leblon en 2024. Ahora, en este 2025, el músico muestra una faceta aún más introspectiva y cinematográfica con este nuevo lanzamiento.

Además, Rudi D tiene previsto presentar en directo Cigarrillos y helados y adelantar más material de Motor dos tempos en su concierto programado para el próximo 5 de septiembre en la mítica Sala Sol de Madrid, donde compartirá cartel con Control Remoto y estará acompañado por su banda habitual.

Cigarrillos y helados ya se encuentra disponible en plataformas digitales. Para no perderse ninguna novedad sobre el artista y conocer más detalles de sus próximos proyectos, se puede seguir a Rudi D en sus redes sociales.

La escena urbana en España tiene nombre propio y, una vez más, es el de Saiko. El artista granadino acaba de estrenar oficialmente Natsukashii Yoru, su esperado nuevo álbum, bajo el sello La Industria INC / Sony Music. Un trabajo que no solo confirma el excelente momento de su carrera, sino que además lo muestra como nunca antes: despojado de artificios y hablando desde la nostalgia, pero no desde la tristeza, sino desde ese lugar hermoso al que uno vuelve cuando quiere recordar quién es.

El título, que en japonés significa “nostalgia nocturna”, funciona como declaración de intenciones. A lo largo de 13 canciones, Saiko deja a un lado el personaje para dar paso a Miguel, el joven granadino que empezó rapeando a los 14 y que, hoy, es una de las voces más influyentes del nuevo pop urbano nacional. En este disco, la nostalgia se convierte en refugio, en un sitio desde el que mirar hacia atrás con cariño y hacia adelante con la certeza de que el camino recorrido tenía sentido.

El álbum, que incluye los ya conocidos “NOSTALGIA” y “LOKENECESIATS” junto a Omar Courtz, se despliega como un viaje emocional en el que encontramos momentos de vulnerabilidad, celebración y redención. Canciones como “SI QUIERO”, “SAN JUAN”, “RECUERDOS”, o “MARIPOSAS” junto a Leire Martínez, confirman esa nueva dimensión artística, mientras que el recién estrenado videoclip de “WEKEWEKE” añade un golpe de frescura y ritmo al conjunto.

Entre las colaboraciones destaca “TUSACAI”, junto a Ángeles Toledano, donde el universo flamenco y lo urbano se abrazan sin complejos, y un emotivo cierre con “TE ENCONTRÉ” al lado de Yapi, que deja claro que este disco no se hizo para cumplir con una moda, sino para dejar huella.

Con Natsukashii Yoru, Saiko consolida su lugar como líder absoluto de la nueva ola urbana española y da un paso más hacia la proyección internacional que comenzó a forjarse con Sakura y sus colaboraciones con nombres como J Balvin, Mora y Yandel. No en vano, en 2024 fue el artista español más escuchado en Spotify España, y Sakura se mantuvo como el álbum más reproducido del país durante varias semanas.

Hoy, Miguel Cantos —el joven que un día soñó con hacer de la música su vida— demuestra que cuando el talento se acompaña de verdad, trabajo y autenticidad, no hay cima que se le resista. Natsukashii Yoru no es solo un álbum. Es una experiencia emocional, una banda sonora para esas noches en las que la memoria, la piel y la música se dan la mano.

Antonio José vuelve a conquistar a su público con el lanzamiento de “Patas arriba el hotel”, un tema que mantiene intacta la esencia romántica y pasional que caracteriza al artista, pero que además eleva el nivel de intensidad con una letra atrevida y una producción moderna, fresca y cargada de energía. El cantante cordobés, que desde 2015 no ha dejado de acumular éxitos, añade así una nueva pieza a su ya impresionante discografía, consolidándose como uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional.

Con más de 1.500 millones de streamings y 2 millones de oyentes mensuales, Antonio José ha forjado una carrera repleta de logros, incluyendo 16 discos de oro, 12 discos de platino y colaboraciones con referentes de la música como Alejandro Fernández, Morat, Andrés Cepeda, Cali & El Dandee o Greeicy, entre muchos otros. Su último disco, El pacto, continúa recorriendo los escenarios de España, Argentina, México y Chile en una exitosa gira que confirma su poder de convocatoria.

“Patas arriba el hotel” es una declaración de deseo sin tapujos. La canción habla de esa atracción desbordante que se vuelve incontrolable, de noches interminables y de una pasión que no entiende de límites ni horarios. Con un estribillo pegadizo y una base pop con tintes urbanos, Antonio José canta sobre revivir momentos, de quedarse despierto toda la noche y de perder la cabeza por alguien que lo tiene completamente hechizado. “Patas arriba el hotel, despiertos toda la noche, con tu boquita de miel pidiendo que te lo desabroche” es solo una de las frases de este nuevo single que ya promete ser uno de los temas más coreados de su actual gira.

La canción mantiene ese tono cercano y confesional que ha caracterizado al artista desde sus inicios, pero se permite jugar con una producción más contemporánea y atrevida, donde las guitarras se mezclan con programaciones y arreglos digitales que le dan un aire fresco y actual.

Este lanzamiento llega además en un gran momento para Antonio José, quien será nuevamente galardonado con el Premio D.Dial 2023 por su trabajo con El pacto, disco que ha dejado éxitos como La noche perfecta, recientemente certificado como Disco de Oro.

“Patas arriba el hotel” ya está disponible en plataformas digitales y se presenta como el nuevo himno para las historias de amor y descontrol que se viven sin mirar el reloj. Para conocer más sobre Antonio José y todos los proyectos que prepara para este 2024, puedes seguirlo en sus redes sociales.