Desde Granada, Nevada regresa con fuerza con “ENCARNA”, su nuevo EP y cuarto trabajo de estudio, un lanzamiento que marca un punto de inflexión en la trayectoria de la banda y que toma el nombre de uno de sus sencillos más representativos. Formado por Agu Peñas, Francisco Picón, Nacho y JP Castellanos, el grupo reafirma su identidad sonora con un proyecto que convierte las emociones intensas, las contradicciones cotidianas y los conflictos internos en canciones directas, eléctricas y profundamente reconocibles.

“ENCARNA” se presenta como un trabajo más intenso y reflexivo, atravesado por la pasión, el desgaste emocional y una mirada crítica hacia las relaciones personales y sociales. Todo ello se articula a través de un indie-rock robusto, con guitarras afiladas, bases rítmicas contundentes y estribillos pensados para quedarse grabados desde la primera escucha. Nevada apuesta por un discurso honesto y sin filtros, donde el amor, la necesidad de conexión y la frustración se muestran sin concesiones ni artificios.

Uno de los momentos más destacados del EP es “Quién decidirá (remasterizado)”, una canción que adquiere una nueva dimensión sonora en esta versión actualizada. El tema plantea una reflexión incisiva sobre la identidad, la exposición personal y el control que ejercen las redes sociales en la vida cotidiana, sin perder la carga emocional que caracteriza al grupo. Frases como “¿Quién decidirá las cosas que quieres contar?” o “presa de tu red social” dialogan con imágenes de intimidad y deseo, generando un contraste constante entre lo público y lo privado, entre la vigilancia permanente y la necesidad de amar con libertad.

Musicalmente, “Quién decidirá (remasterizado)” crece de forma progresiva, combinando intensidad lírica y sensibilidad melódica hasta convertirse en una declaración emocional que conecta con una generación marcada por la sobreexposición, la duda y la búsqueda de autenticidad. Es una de esas canciones que funcionan tanto en la escucha íntima como en el directo, donde el desahogo colectivo se convierte en parte esencial de la experiencia.

Con “ENCARNA”, Nevada consolida su personalidad artística y refuerza su lugar dentro del indie-rock nacional, firmando un EP pensado para escucharse de principio a fin, pero también para cantarse a pleno pulmón, con el volumen al máximo y sin miedo a dejarse llevar. Un trabajo que no esquiva el conflicto emocional y que encuentra en la intensidad su mayor virtud.

“ENCARNA” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Nevada, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos y proyectos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

En 2026, Noise Box cumple 25 años de trayectoria, un cuarto de siglo recorriendo con constancia la escena underground española y construyendo, lejos de los focos, un catálogo lleno de pequeñas joyas ocultas. Para conmemorar este aniversario tan significativo, la banda murciana ha decidido abrir su archivo personal y ofrecer un regalo muy especial a su público: el lanzamiento oficial de su poderosa versión de “Wuthering Heights”, el clásico atemporal de Kate Bush publicado originalmente en 1978.

La canción fue grabada por Noise Box a comienzos de los años 2000, en una etapa temprana de su carrera, y nunca llegó a publicarse en plataformas digitales. Durante más de dos décadas, esta reinterpretación permaneció en la sombra, convertida en un secreto compartido únicamente entre seguidores cercanos y quienes tuvieron la oportunidad de escucharla en directo o en círculos muy reducidos. Su recuperación ahora no responde solo a un ejercicio de nostalgia, sino a la voluntad de mostrar la esencia primigenia de la banda en uno de sus momentos más crudos y sinceros.

En esta versión, Noise Box transforma por completo el universo etéreo y delicado de Kate Bush, trasladándolo a su propio terreno emocional y sonoro. La voz desgarrada de Jesús Cobarro se adentra en las brumosas melodías originales para reinterpretarlas desde una intensidad casi visceral, mientras que guitarras furiosas y una energía eléctrica desbordante sustituyen los paisajes oníricos del tema original. El resultado es un homenaje respetuoso en espíritu, pero radical en forma: un himno de raíz ochentera llevado al lenguaje del rock alternativo más crudo y directo.

Grabada en una época previa a la omnipresencia de las redes sociales y la inmediatez digital, esta versión de “Wuthering Heights” refleja un momento en el que las canciones podían existir al margen de los algoritmos, creciendo lentamente a través del boca a boca y la conexión real con el público. Escucharla hoy supone asomarse a los primeros pasos de Noise Box, cuando la banda comenzaba a definir un sonido personal, intenso e inclasificable, que con el tiempo los convertiría en una referencia silenciosa pero sólida dentro del rock alternativo español.

A lo largo de todo 2026, Noise Box continuará celebrando su 25 aniversario con distintos lanzamientos especiales y actividades ligadas a su historia, revisitando etapas clave de su trayectoria y compartiendo material que forma parte de su identidad más profunda. Este rescate de “Wuthering Heights” no solo honra su pasado, sino que reafirma la vigencia de una banda que ha sabido mantenerse fiel a sí misma durante un cuarto de siglo.

“Wuthering Heights” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Noise Box y estar al tanto de sus próximos lanzamientos y celebraciones por este aniversario, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El Fulanita Fest 2026 desvela el contenido íntegro de su nueva edición y reafirma su lugar como uno de los proyectos culturales más singulares y necesarios del panorama actual. Más que un festival de música, la cita se consolida como un ecosistema de convivencia y visibilidad que utiliza el arte como herramienta de transformación social. Con el programa ya completo, la propuesta vuelve a demostrar que es posible unir rigor artístico, compromiso comunitario y celebración colectiva en un mismo latido, transformando a Fuengirola en el epicentro de una experiencia que valida la diversidad y convierte la identidad en una fiesta compartida.

Del 25 al 31 de mayo, la ciudad malagueña verá alterada su fisonomía urbana para convertirse en un espacio de pertenencia innegociable. Lo que ocurre durante esa semana trasciende la lógica habitual de un ciclo de conciertos y se articula como un manifiesto cultural que sitúa la identidad lesbiana y la realidad de las familias diversas en el centro del relato. El Fulanita Fest se presenta así como una crónica viva de la cultura contemporánea, donde la sofisticación estética y la responsabilidad social se entrelazan para dotar de sentido a cada escenario, cada actividad y cada encuentro.

La denominada Fulanita Experience comienza a tomar forma el jueves 28 de mayo en el Puerto Deportivo de Fuengirola con la Muestra de Artistas Andaluzas, una apertura que reivindica el talento de proximidad y el pulso creativo femenino desde la raíz. Esta primera cita funciona como declaración de intenciones, poniendo el foco en las creadoras y en la riqueza cultural del territorio. La energía continuará el viernes 29 de mayo en el Castillo Sohail, donde la Fiesta de Bienvenida fusionará la vanguardia europea con la herencia de la copla. En este enclave cargado de historia, las actuaciones de Aiko y Laura Gallego dialogarán con las sesiones de Lunnas DJ, Cori Matius, Mery Martín y Adame, construyendo un puente sonoro entre tradición, modernidad y cultura de club.

El sábado 30 de mayo llegará el punto álgido del festival con la Jornada Central en el escenario Marenostrum Fuengirola. Frente al mar, la programación desplegará un mosaico de identidades y estilos donde la arquitectura sonora de Fangoria convivirá con la potencia escénica de Chanel, la sofisticación cosmopolita de Jennifer Cooke y el pop operístico de Violeta. A este cruce de lenguajes se sumará la sensibilidad de Natalia Lacunza, cuya honestidad emocional conecta con una generación que busca nuevos relatos, y el regreso de LaGore, ganadora del certamen en la edición anterior, que ahora ocupa con firmeza la tarima principal. La jornada se completa con la energía festiva de Bailaferias, configurando un entorno de ocio seguro y diverso donde la disidencia sexual encuentra reflejo, visibilidad y celebración. Toda esta experiencia se ve reforzada por la identidad visual creada por Bosska, responsables de un universo gráfico que va más allá del diseño para convertirse en el alma plástica del festival, cuidando cada detalle del look and feel de una propuesta coherente y reconocible.

El compromiso del Fulanita Fest no se limita al escenario musical y se expande hacia espacios de profundo calado humano como Fulanita Fest en Familia, un lugar pensado para proteger, visibilizar y poner en valor a aquellas estructuras familiares que históricamente han quedado fuera del relato normativo. Actividades en la playa, zonas de juego, el ciclo de cine LGTBIQA+ y las jornadas deportivas de fútbol, vóley y baloncesto femenino completan una agenda que entiende el arte y el deporte como herramientas de reconocimiento, cuidado y transformación social.

El cierre llegará el domingo 31 de mayo con la Fiesta Brunch de Clausura en el Castillo Sohail, donde la ya emblemática Gran Paella Bollera servirá como punto de encuentro para una jornada de celebración colectiva. La música de Maruja Limón y las sesiones de Sofía Cristo, Claudia León, Bailaferias, Mery Martín, Adame y Flashback Dls pondrán el broche final a una semana que se consolida como referente de soberanía femenina y diversidad cultural. Con un equilibrio preciso entre la sensibilidad individual y la fuerza del colectivo, el Fulanita Fest 2026 confirma que cualquier forma de identidad y crianza es legítima y reafirma a Fuengirola como el origen de una revolución luminosa que se vive, se baila y se reivindica en comunidad.

Novi, nombre artístico de Carolyne Neuman, continúa consolidando su identidad dentro del pop melódico contemporáneo con el lanzamiento de “May Every Step Be Eased”, un single publicado a finales de diciembre de 2025 que se suma a un año especialmente prolífico en su carrera. Originaria de Oregón, Estados Unidos, la artista ha sabido construir un universo sonoro propio, donde la introspección, la sensibilidad emocional y una atmósfera envolvente se convierten en los ejes de su propuesta.

Antes de dedicarse plenamente a la música, Novi se formó en comedia e improvisación, una experiencia que ella misma reconoce como clave en su proceso creativo. Esa formación le aportó rapidez, honestidad y una conexión directa con la emoción al momento de escribir canciones, cualidades que se perciben claramente en su lírica, siempre cercana y reflexiva. Su trayectoria ha ido ganando visibilidad de manera orgánica gracias a la inclusión de su música en campañas publicitarias de marcas como Samsung y en bandas sonoras de series emitidas en plataformas como Netflix, MTV, Amazon y CW, ampliando su alcance a audiencias internacionales.

Uno de los rasgos más distintivos de Novi es su ritmo de trabajo constante. La artista mantiene una disciplina creativa que la lleva a lanzar música nueva aproximadamente cada seis semanas, alimentando una discografía en permanente crecimiento y evolución. “May Every Step Be Eased” se inscribe dentro de esa dinámica, mostrando una faceta especialmente contemplativa de su sonido.

La canción se mueve dentro del pop melódico con matices atmosféricos, construyendo un espacio sonoro sereno que invita a la pausa y a la escucha atenta. Su enfoque está claramente vinculado al bienestar y al proceso interno de sanación. A nivel lírico, el tema funciona como una especie de mantra o plegaria personal, donde Novi reflexiona sobre la paciencia, el aprendizaje emocional y la necesidad de soltar aquello que pesa. Versos como “I'm learning how to let the burden go / Expanding patience in the ebb and flow” resumen el espíritu de la canción, planteando la sanación como un camino gradual, hecho de aceptación y confianza en el proceso.

El lanzamiento se acompaña de un video lírico oficial, publicado en su canal Novi Vibes, que refuerza el mensaje de paz y esperanza de la canción a través de una estética visual relajante y minimalista. La combinación entre imagen y sonido potencia la experiencia introspectiva del tema, convirtiéndolo en una invitación abierta a la calma en medio del ritmo acelerado de la vida cotidiana.

“May Every Step Be Eased” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Novi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

ATK Epop y la artista sevillana Valeria C unen fuerzas en “En mi jaula”, un nuevo sencillo que se adentra en los territorios más sombríos del synth pop para explorar la experiencia del encierro emocional sin perder claridad ni conciencia. La canción funciona como un cierre conceptual potente, manteniendo la línea sonora que vertebra el proyecto, pero llevando su discurso hacia un lugar más introspectivo, denso y reflexivo.

Desde la producción, ATK Epop construye un paisaje sonoro marcado por atmósferas densas, sintetizadores envolventes y una base rítmica contenida que refuerza la sensación de estar atrapado. Todo en el tema parece diseñado para acompañar ese estado de suspensión y bloqueo interno, donde avanzar resulta imposible, pero rendirse tampoco es una opción. La música no empuja hacia el dramatismo, sino que sostiene una tensión constante, casi claustrofóbica, que acompaña el relato con coherencia y precisión.

La voz de Valeria C se convierte en el eje emocional de “En mi jaula”. Su interpretación se mueve entre la fragilidad y la determinación, dando forma a un discurso que habla de manipulación, pérdida de libertad y control, pero también de una conciencia despierta que se niega a desaparecer. Lejos de victimizarse, la canción propone una mirada lúcida sobre el dolor, una aceptación amarga que no anula la resistencia interior.

La letra utiliza imágenes potentes y casi cinematográficas para describir un estado mental límite. Figuras como el hombre lobo, la jaula o la noche cerrada funcionan como símbolos de una transformación forzada, de una espera interminable y de una amenaza constante. Versos como “En mi jaula / Pero no estoy preso / No tengo esperanza / Pero no me desespero” condensan la contradicción central del tema: estar atrapado sin perder la conciencia, herido pero aún en pie. La repetición de “Nunca llegará el sol” refuerza la idea de un horizonte bloqueado, de un amanecer que no termina de llegar, pero que tampoco borra la lucidez del presente.

“En mi jaula” se erige así como un epílogo coherente e intenso para el próximo EP de Valeria C, cerrando el ciclo con una pieza honesta, oscura y emocionalmente directa. La canción no ofrece soluciones ni escapatorias fáciles, sino que se instala en ese espacio incómodo donde la herida convive con la resistencia, y donde la claridad mental se convierte en una forma de supervivencia.

Con este lanzamiento, ATK Epop y Valeria C consolidan una alianza artística marcada por la profundidad emocional y la coherencia sonora, reafirmando su apuesta por un pop electrónico que no renuncia al discurso ni a la identidad, y que entiende la oscuridad como un lugar legítimo desde el que crear y comunicar.

“En mi jaula” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop y Valeria C, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Los gigantes de la música independiente británica, Suede, atraviesan uno de los momentos más intensos y creativos de su carrera con el lanzamiento de un doble single de cara AA compuesto por “Sweet Kid” y “Antidepressants”, dos piezas clave de su nuevo álbum de estudio Antidepressants. El estreno llega acompañado de sus respectivos videoclips y en pleno contexto de una gira que está a punto de agotar todas las entradas tanto en Reino Unido como en gran parte de Europa.

Con una trayectoria avalada por un Disco de Platino, el Mercury Prize y el reconocimiento de NME como “God Like Genius”, Suede demuestra que, lejos de vivir de la nostalgia, sigue siendo una banda esencialmente contemporánea. “Sweet Kid” presenta una faceta profundamente íntima del grupo. La canción está dedicada por Brett Anderson a su hijo y explora la paternidad desde un lugar honesto y sin edulcorantes. El propio Anderson ha explicado que el tema está atravesado por una sombra de mortalidad, por ese miedo silencioso que comparten muchos padres a no ver crecer a sus hijos. Lejos de caer en lo sentimental, el cantante buscó un tono crudo y real, consciente de lo fácil que resulta convertir la familia en un terreno excesivamente dulce dentro de la composición musical.

La otra cara del single, “Antidepressants”, funciona como un potente contrapunto. El tema, que da nombre al décimo álbum de la banda, cuenta con un videoclip grabado en directo en el Alexandra Palace de Londres, durante un concierto celebrado en julio de 2024, donde la canción fue estrenada por sorpresa. Brett Anderson ha confesado que no tiene una interpretación cerrada sobre su significado, y que precisamente le interesa mantener esa ambigüedad. La canción se mueve entre la exaltación y la crítica, reflejando cómo la medicación se ha convertido en una presencia constante en la vida del siglo XXI, una realidad contemporánea que sintió la necesidad de abordar desde la música.

Antidepressants marca un punto de inflexión en la discografía de Suede. Tras los últimos tres años de gira con Autofiction, la experiencia colectiva y la energía del directo influyeron decisivamente en la composición del nuevo material. En lugar de refugiarse en fórmulas conocidas, la banda decidió trasladar esa intensidad del escenario al estudio, buscando capturar la electricidad del contacto con el público. El álbum fue grabado junto al productor Ed Buller, quien ya había trabajado con Suede en sus inicios, produciendo su single debut “The Drowners” en 1992. Más de 35 años después, la banda siente que está comenzando una nueva etapa creativa, impulsada por el entusiasmo y la curiosidad artística.

Las sesiones de grabación se desarrollaron entre distintos estudios de Bélgica, Londres y Suecia, dando como resultado un disco sólido, urgente y emocionalmente incisivo. El lanzamiento de Antidepressants en 2025 fue recibido con una avalancha de críticas positivas. El álbum debutó en el Top 2 de la lista oficial del Reino Unido y alcanzó el Top 3 de ventas en vinilo en España. Medios como The Sunday Times, MOJO, The Guardian, CLASH, Dazed & Confused y Fantastic Man Magazine coincidieron en señalarlo como uno de los trabajos más intensos, desafiantes y vitales de toda su carrera.

En directo, Suede continúa demostrando por qué sigue liderando el panorama del rock alternativo europeo. Brett Anderson ha definido a la banda como “antinostalgia”, una declaración que se ve reflejada en la fuerza de sus conciertos y en la respuesta del público. La gira de 2026 ya ha colgado el cartel de entradas agotadas en Reino Unido durante los meses de enero y febrero, y la posterior gira europea “Dancing With The Europeans” está a punto de repetir el mismo éxito en países como Finlandia, Suecia, Alemania, Países Bajos, Bélgica, Francia, España, Portugal, Italia y Suiza.

“Sweet Kid” y “Antidepressants” ya se encuentran disponibles para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlas, compartirlas y añadirlas a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Suede, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos y proyectos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Grecia Gon y Joaco Vasquez se consolidan como dos de los nombres más prometedores de la música urbana boliviana con el lanzamiento de “ME LLAMAS”, una colaboración que refleja el crecimiento, la ambición y la frescura de una nueva generación de artistas decididos a dejar huella dentro y fuera del país. Estrenado en enero de 2026, el single llega como una apuesta clara por el reguetón moderno, bailable y emocionalmente directo, pensado para conectar de inmediato con el público.

Grecia Gon, cuyo nombre completo es Grecia Fabiana Gonzales Jemio, nació en La Paz en 2005 y se ha convertido en una de las figuras femeninas con mayor proyección en Bolivia. Su perfil multitalento la distingue dentro de la escena: además de cantante, es compositora y bailarina, con una formación sólida que abarca desde ballet clásico y folklore hasta estilos urbanos, strip dance y guitarra. Esta versatilidad se refleja tanto en su música como en su propuesta visual, donde las coreografías juegan un papel clave. Su sonido se mueve entre el reguetón y el pop urbano, con una energía constante y letras que buscan ser cercanas y auténticas. Tras llamar la atención con sencillos como “TBT” y “Otra Vez”, en 2025 dio un paso importante en su carrera al comenzar a internacionalizarse con presentaciones en Buenos Aires, ampliando su alcance y visibilidad.

Por su parte, Joaco Vasquez representa otra de las voces emergentes que buscan refrescar el sonido tropical y urbano de la región. Su estilo vocal melódico le permite moverse con soltura entre el reguetón romántico y el más comercial, aportando una sensibilidad que equilibra las pistas de baile sin perder atractivo popular. Esa cualidad es precisamente la que complementa de forma natural la intensidad interpretativa de Grecia Gon en “ME LLAMAS”.

La canción se adentra en la dinámica de una relación marcada por las idas y vueltas, por esa conexión que parece negarse durante el día pero reaparece con fuerza en la madrugada. La letra retrata ese momento íntimo y contradictorio en el que, aunque se repita que el amor no es una prioridad, basta una llamada a medianoche para volver a caer. Musicalmente, el tema apuesta por un reguetón de ritmo sencillo y “easy”, diseñado para ser pegajoso, accesible y altamente bailable, con una producción limpia que deja espacio a la química vocal entre ambos intérpretes.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip oficial que refuerza la imagen de Grecia Gon y Joaco Vasquez como artistas integrales, cuidando tanto la estética como la narrativa visual. La propuesta apunta claramente a sonar en discotecas y radios, posicionándose como uno de los temas urbanos con mayor potencial del momento y reforzando el papel de Grecia Gon como referente femenina del género en Bolivia.

“ME LLAMAS” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Grecia Gon y Joaco Vasquez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Jean-Luc Delmonac presenta su nuevo single “Love is the Secret”, una canción luminosa y vital que pone en el centro la capacidad humana de amar como motor esencial de la existencia. El tema nace en el marco de Les Grandseigneurs Du Groove, el proyecto que comparte junto a DJ Mikkka, una alianza creativa que une a dos músicos apasionados con trayectorias sólidas y complementarias, procedentes de Lorena, en Francia, y Stuttgart, en Alemania.

La canción se define por un carácter optimista y afirmativo, con un pulso rápido y una melodía directa que invita al movimiento sin perder profundidad emocional. “Love is the Secret” celebra el amor no como un estado pasajero, sino como una fuerza que acompaña a las personas durante toda la vida, incluso en sus etapas más complejas. La frase que articula su mensaje es clara y contundente: el amor es el secreto que conduce a la vida, y sin él, la existencia pierde su sentido aunque se siga respirando. Esta idea se traduce musicalmente en un groove elegante, accesible y cálido, que refuerza el espíritu esperanzador de la canción.

La colaboración entre DJ Mikkka y Jean-Luc Delmonac se apoya en décadas de experiencia musical. DJ Mikkka, teclista y productor, aporta cerca de cincuenta años de trabajo en bandas en vivo y composición, dando forma a producciones seguras y equilibradas. Por su parte, Jean-Luc Delmonac, compositor y cantante, desarrolló durante años su carrera como baterista en numerosas formaciones del suroeste de Alemania y Lorena, una trayectoria que se refleja en el sólido sentido rítmico y la naturalidad con la que fluye cada arreglo. Juntos, han construido un sonido reconocible que combina melodía, groove y una cuidada utilización de sonidos vintage.

“Love is the Secret” continúa esa línea que ha llevado a Les Grandseigneurs Du Groove a ser valorados por playlists y radios online, gracias a su enfoque medido y elegante de la producción, donde cada elemento encuentra su espacio sin excesos. El resultado es una canción que transmite energía positiva y confianza, pensada tanto para la escucha atenta como para acompañar momentos cotidianos con una sensación de ligereza y bienestar.

“Love is the Secret” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jean-Luc Delmonac, conocer sus próximos lanzamientos y futuros proyectos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Non si vede” funciona como la puerta de entrada a In via di sviluppo, el álbum debut de Piergiorgio Corallo, estableciendo desde el primer momento un clima de suspensión que rehúye la resolución inmediata y se instala en la espera. La canción se construye a partir de una dinámica contenida, donde el tiempo parece dilatarse y el desarrollo no busca un desenlace, sino un estado. El arreglo avanza mediante capas sutiles: superficies electrónicas delicadas que delimitan el espacio emocional y una guitarra de carácter alt-rock que se incorpora de forma progresiva, siguiendo el pulso interno de la pieza más que imponiendo un protagonismo explícito. La voz, por su parte, se mantiene descentrada, casi en un plano lateral, como si el relato se narrara desde una distancia consciente, reforzando la sensación de observación más que de confesión directa.

En el plano lírico, “Non si vede” atraviesa una reflexión profunda sobre la condición del hombre contemporáneo. Se trata de una presencia paradójica: visible y expuesta, pero al mismo tiempo opaca, incapaz de reconocerse plenamente en el espacio que habita. La invisibilidad que plantea la canción no remite a la ausencia, sino a una forma de existencia desenfocada, marcada por la dificultad de ser visto y, sobre todo, de verse a uno mismo. Esta idea se convierte en el eje conceptual que delimita el territorio del álbum, anticipando un recorrido basado en la observación, la sustracción y una inestabilidad emocional que atraviesa cada composición.

Dentro del conjunto del disco, “Non si vede” dialoga de manera especialmente significativa con temas como “Erase her name”, estableciendo un vínculo entre la cancelación y la pérdida de identidad. En lugar de ofrecer respuestas cerradas, la canción propone un inicio abierto, un punto de partida desde el cual el relato se irá desplegando con el paso del tiempo y la escucha atenta. Más que marcar un destino, define un proceso, coherente con el propio título del álbum.

Piergiorgio Corallo, artista italiano, concibe la música y las artes visuales como un único vocabulario expresivo. En In via di sviluppo, guitarras alt-rock, electrónica medida y una voz suspendida se integran en un paisaje urbano de tintes distópicos, donde cada sonido cumple una función precisa. Su método creativo está profundamente influido por la pintura y la escultura: quitar antes que añadir, definir contornos, dejar espacio para que el detalle respire. Las canciones se presentan así como composiciones visuales en sí mismas, donde forma, ritmo y materia dialogan constantemente, consolidando una identidad artística que se mueve entre lo sonoro y lo plástico con naturalidad y coherencia.

“Non si vede” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Piergiorgio Corallo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Con Estafa Piramidal, Tigre y Diamante firman un disco que golpea y acaricia a partes iguales. Once canciones que tensan el músculo punk del grupo mientras dejan aflorar una fragilidad nueva, más pop y más expuesta, sin perder el filo ni el lenguaje crudo que los define. Entre humor negro, poesía sucia y escenas incómodamente reconocibles, la banda parece mirarse de frente y acompañar al oyente por un territorio emocional áspero, pero honesto. Este álbum no busca respuestas ni finales felices, sino permanecer en la herida el tiempo necesario para entenderla.

Estafa Piramidal suena a un disco de madurez, pero también de riesgo. ¿En qué momento sentisteis que este álbum os pedía ir un paso más allá de lo que ya habíais hecho, tanto emocional como musicalmente?

Alex: Es una cuestión de comunión y complicidad. Llevamos ya bastante tiempo tocando juntos en la actual formación, y además este es el segundo disco que grabamos con Pablo Martínez en su estudio, OVNI. Es decir, que ya está bastante engrasado el proceso de que salte un chispazo en la cabeza de Jon y se convierta en una canción terminada, con los espacios bastante bien definidos. Creo que en ese sentido, aparte de la autoría de las letras de Jon (que es lo más evidente), nos deja a todos los demás un lugar para expresarnos. Si percibes que hemos ido un paso más allá emocional y musicalmente es que estamos un poco más cerca de la verdad más cruda.

Musicalmente el disco mantiene las guitarras secas, pero suma capas y construye un muro sónico donde aparece una fragilidad pop inédita en vosotros. ¿Qué os permitió sentiros cómodos mostrando esa vulnerabilidad sin perder identidad?

Iker Glez: La idea fue aguantar las guitarras para dar solidez y dejar que los sintes acabasen de armar el sonido, fomentando también el diálogo entre esas texturas, eso nos da más libertad para acercarnos a esos sonidos que apuntas.

El álbum es muy diverso, casi poliédrico, pero mantiene una coherencia muy clara. ¿Cómo fue el proceso de ordenar las canciones para que convivieran escenas tan distintas dentro de un mismo relato emocional?

Jon: Nos encontramos más con un problema técnico. Es decir, yo tenía el orden my claro, pero también hay que pensar en la parte digamos comercia y en la técnica por tema de encajar las canciones coherentemente en el vinilo…

“Palomas entre halcones” plantea una escena casi cinematográfica, donde la amenaza está siempre latente. ¿Qué os interesa de ese tipo de narrativas en las que aparentemente no pasa nada, pero todo está a punto de romperse?

Iker Glez: Así es la vida ¿no? parece que casi nunca sucede nada relatable pero en cualquier momento puede saltar todo por los aires. La vida es una pareja jugando al mikado en la trayectoria de una pandilla de imbéciles en plena despedida de solteros, totalmente ebrios, llenos de vida.

En “Amanecer en la playa” habláis de rutinas que se quiebran y recuerdos que siguen tensando el presente. ¿Qué papel juega la memoria en vuestras canciones y cómo decidís qué recuerdos merecen convertirse en canción?

Jon: No se decide, de repente son una canción… demasiadas grietas en la rutina, demasiados conflictos…

“Los asesinos de tus hijos” utiliza una imagen muy brutal para criticar la cultura popular sin caer en consignas. ¿Os resulta más efectivo el símbolo incómodo que el mensaje explícito a la hora de hacer crítica política?

Alex: Una canción o un disco no deja de ser una conversación. Tú la escribes, la tocas, la grabas y dices: «Toma, ahora es tuya.» Es el público quien recorre el resto del camino y completa la tarea. Creemos que, en ese sentido, esa canción y muchas otras del disco tienen todos los ingredientes de nuestra cosecha, pero con el aire suficiente para que pienses por ti mismo. Eso es lo que más nos gusta encontrarnos cuando escuchamos artistas, desde luego.

“Albino busca sexo” se mueve entre la provocación y una ternura torcida, retratando personajes al límite. ¿Qué os atrae de esos personajes que parecen a punto de romperse, pero siguen avanzando?

Alex: Ese antihéroe probablemente esté presente en todos nosotros. Nos gusta pensar que todo el mundo tiene su pedrada, su vulnerabilidad, su rincón de humanidad, y es un sitio a donde nos gusta ir a buscar personajes.

“Minutos musicales” introduce un tono más introspectivo. ¿Sentís que este disco os ha permitido mirar más hacia dentro que en trabajos anteriores?

Jon: al llegar con las canciones muy claras, sobre todo hacia donde queríamos dirigirlas. Las letras en general son más introspectivas en este álbum

“Soy adicto”, con Nacho Vegas e Igor Paskual, es uno de los momentos más crudos del álbum. La canción enumera impulsos que normalmente se esconden. ¿Qué os removió más al escribirla y compartirla con otros artistas tan ligados a ese tipo de honestidad brutal?

Iker Glez: Tanto Igor como Nacho son personas muy cercanas al imaginario de Tigre y Diamante y siempre agradecen que nos desnudemos para ellos, no ha sido difícil.

En “Quieres ser mi amigo” mezcláis humor negro con un trasfondo emocional muy incómodo. ¿Por qué creéis que a veces el humor es la mejor forma de hablar de vínculos que duelen?

Alex: Somos asturianos. La relación con el humor es algo innato, aunque también muy límite: hay gente de otras latitudes que, cuando oye a dos asturianos saludarse, no sabe si están a punto de abrazarse o de liarse a tortazos. Es un recurso que siempre ha estado muy presente en Tigre y Diamante, pero que en este disco está algo más matizado que en trabajos anteriores.

“Represalias químicas” transforma un paisaje bucólico en algo perturbador. ¿Os interesa especialmente desmontar la idea del refugio y mostrar que incluso lo bello puede devolvernos imágenes duras?

Iker Glez: Y al revés, lo de Chernóbil al final dio una buena serie de HBO.

Varias canciones hablan de desgaste sentimental, del paso del tiempo y de una resignación que duele más que la ruptura. ¿Creéis que este disco refleja una relación distinta con el desencanto respecto a vuestros trabajos anteriores?

Alex: No es nada fácil mirar hacia adentro, hurgar en lo que te da miedo y vergüenza y que no te gusta de ti, y ponerlo ahí, encima de la mesa. Quizás en trabajos anteriores se hacía algo más de recurso a la ironía para afrontar ese desencanto, y aquí hayamos mirado más al demonio de frente.

“Contigo”, junto a Milana Bonita, es quizá el momento más pop del disco. ¿Qué os aportó esta colaboración para mostrar esa nueva sensibilidad que atraviesa el álbum?

jon: compuse esta canción en el local de Milana Bonita, fue muy divertido y funciona muy bien como un juego amor / odio...

Después de Estafa Piramidal, Tigre y Diamante parecen más expuestos, pero también más firmes en su lenguaje. ¿Qué os gustaría que se llevara el oyente al terminar el disco, aunque sea solo una sensación incómoda o una herida compartida?

Alex: Que forme parte de su memoria, de lo que tiene en la punta de la lengua y de los auriculares cuando necesita pasar un rato con unos buenos amigos. A veces esos amigos te llevan de fiesta hasta que se haga de día, y a veces te sientan a decirte alguna verdad que no te gustaría escuchar…

La artista Ozitamuzik lanza oficialmente su nuevo álbum titulado Litmiless, un trabajo sólido y ambicioso que representa un paso decisivo en su evolución artística y consolida una identidad musical cada vez más definida. Compuesto por once canciones, el disco despliega una propuesta fresca, versátil y auténtica, en la que la artista apuesta por un sonido actual sin perder coherencia ni personalidad, ofreciendo un recorrido pensado tanto para quienes ya siguen su trayectoria como para nuevos oyentes que se acerquen por primera vez a su música.

Litmiless funciona como una declaración de intenciones, reflejando el crecimiento creativo de Ozitamuzik y su capacidad para construir un universo propio a través de canciones que dialogan entre sí. Cada tema aporta una pieza clave al concepto general del álbum, generando una experiencia completa que combina sensibilidad, carácter y una visión moderna de la música contemporánea. La producción acompaña este enfoque con una atmósfera cuidada y envolvente, reforzando el mensaje y la identidad que la artista quiere transmitir en esta nueva etapa.

El sencillo principal del álbum, Honey, se perfila como uno de los puntos más destacados del proyecto. La canción ya cuenta con un video audio oficial disponible en YouTube y ha comenzado a conectar con el público gracias a su sonido y a la atmósfera que propone, funcionando como una carta de presentación eficaz del espíritu que atraviesa todo el disco. Con este lanzamiento, Ozitamuzik demuestra su habilidad para crear canciones que atrapan desde la primera escucha y que invitan a sumergirse en su universo artístico.

Con Litmiless, Ozitamuzik reafirma su compromiso con la música y con su propio crecimiento dentro de la escena, posicionándose como una propuesta a seguir de cerca en este nuevo momento de su carrera. El álbum ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ozitamuzik, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista estadounidense Jessica Baio, una de las voces emergentes más destacadas del pop alternativo actual, lanza su nuevo álbum titulado SACRED el 9 de enero de 2026, un trabajo que supone un punto de inflexión en su carrera y una clara evolución respecto a sus proyectos anteriores. Con una trayectoria marcada por la conexión emocional y la vulnerabilidad sin filtros, Baio da un paso adelante con un disco que apuesta por la introspección, el cuidado de lo privado y una mirada más consciente sobre el amor y la exposición pública.

Nacida en California en 2002 y actualmente afincada en Utah, Jessica Baio comenzó su camino musical compartiendo versiones en YouTube desde muy joven, pero su salto definitivo llegó gracias a sencillos que se viralizaron en plataformas como TikTok e Instagram, entre ellos at least y trust issues. Su estilo, a menudo comparado con el de artistas como Julia Michaels o Tate McRae, se caracteriza por baladas pop de gran carga emocional, letras confesionales y una honestidad que ha hecho de su música un refugio para una generación que se reconoce en sus relatos sobre relaciones, salud mental y vida cotidiana.

SACRED es su segundo álbum de larga duración y ha sido publicado bajo el sello 10K Projects. A lo largo de sus ocho canciones, el disco muestra una Jessica Baio más madura tanto en lo vocal como en lo narrativo, explorando un sonido más profundo y, en algunos momentos, más crudo. El concepto del álbum gira en torno a la idea de que no todo debe ser compartido ni expuesto, una reflexión que contrasta con su etapa anterior, en la que convertía cada detalle de su vida personal en material creativo. Aquí, la artista reivindica la importancia de proteger ciertos momentos, emociones y vínculos del escrutinio constante de las redes sociales.

La canción que da título al álbum, sacred, funciona como el núcleo conceptual del proyecto, planteando la necesidad de preservar el amor verdadero y los espacios íntimos como algo valioso y casi espiritual. Este enfoque convive con temas que abordan la decepción, el desgaste emocional y la intensidad de los vínculos afectivos, como accident, uno de los sencillos más comentados del disco. Este tema sorprendió a sus seguidores por su tono directo y áspero, mostrando una faceta de enojo y una madurez vocal que apenas se había asomado en trabajos anteriores como el EP Catalyst.

Completan el álbum canciones como bad times, love me less, ferrari, el roy st., got it bad y made for you, que construyen un recorrido emocional coherente y sincero, reforzando la identidad de una artista que ha sabido transformar su exposición personal en una narrativa cada vez más consciente y cuidada. Con SACRED, Jessica Baio no solo consolida su lugar dentro del pop alternativo contemporáneo, sino que también redefine su relación con la intimidad, demostrando que la vulnerabilidad puede convivir con los límites.

SACRED ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jessica Baio, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora Lea Lu y el guitarrista flamenco-jazz Juan Medina presentan Vergel, su primer EP en conjunto, un trabajo que nace del encuentro entre la canción de autor, el jazz y el flamenco, y que se despliega como una propuesta tan delicada como profunda. El disco propone una fusión colorida y melancólica que invita a soñar y a dejarse llevar, con canciones que hablan de nuevos comienzos, de la curiosidad por la vida y de la luz cálida del sol de enero.

Vergel destaca por el diálogo natural entre el estilo virtuoso y explosivo de Juan Medina y sus arreglos de carácter minimalista, que encuentran un equilibrio perfecto con la voz suave y envolvente de Lea Lu. Esta combinación da lugar a un sonido íntimo y a la vez sorprendente, capaz de conmover tanto desde lo musical como desde lo emocional. La sensibilidad del proyecto ha despertado elogios notables, como el del músico suizo Dieter Meier, integrante de Yello, quien afirmó: «Fue una de las cosas más hermosas que he escuchado en mi vida. Casi lloré».

La propuesta artística de Lea Lu y Juan Medina ha sido comparada con referentes como Norah Jones, Gretchen Parlato, Maro, Rita Payés o Bebel Gilberto, tanto por su sutileza sonora como por la elegancia con la que transita entre géneros sin perder identidad. El EP fue grabado principalmente en el estudio de Juan Medina, La Luciérnaga, situado en las montañas de la costa oeste de Mallorca, un entorno que impregna las canciones de calma y organicidad. Algunas tomas adicionales se realizaron en Zúrich, en el Studio Pas D’Oreilles, aportando matices distintos al conjunto.

En las grabaciones, Lea Lu se encargó de la voz y el piano, mientras que Juan Medina aportó guitarras y percusión. El proyecto se enriqueció además con colaboraciones especiales de Andreas Tschopp al trombón, Daniela Sarda en voces, Toni Cuenca al contrabajo e Ivan Ruiz al bajo. La mezcla estuvo a cargo de Saayan Fathi en Madrid, dando cohesión y profundidad a un trabajo que cuida cada detalle sonoro.

El lanzamiento de Vergel viene acompañado de una serie de presentaciones en directo dentro del Tour Vergel, con fechas confirmadas el 15 de enero en el Moods Jazz Club de Zúrich, el 30 de enero en la sala Jamboree Jazz de Barcelona y el 3 de abril en Sous-Soul, en Berna. Precisamente el próximo viernes 30 de enero, Lea Lu y Juan Medina presentarán oficialmente el EP en la Jamboree, ofreciendo al público barcelonés la oportunidad de experimentar en vivo esta fusión tan personal y emotiva.

Vergel ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lea Lu y Juan Medina, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora puertorriqueña Ivelisse del Carmen lanza su nuevo sencillo titulado Mi sangre baila, una obra intensa y profundamente personal que aborda la identidad, el legado cultural y el sentido de pertenencia desde la mirada de quien vive fuera de su tierra. La canción se construye como un puente sonoro entre Puerto Rico y el mundo, combinando ritmos tradicionales como la bomba y la plena con una producción contemporánea que dialoga entre pasado y presente de forma orgánica y emocional.

Mi sangre baila nace de una revelación vital para la artista. Tras más de veinte años viviendo fuera de Puerto Rico, Ivelisse comprendió que ella misma forma parte de la diáspora puertorriqueña, un descubrimiento que resignificó años de nostalgia, desarraigo y búsqueda cultural. La inspiración inicial llegó a través del mosaico Bomba Celestial, del reconocido artista del Bronx Manny Vega, una obra que actuó como detonante creativo y emocional para transformar esa experiencia personal en canción.

“Esta canción es una carta de amor a mis raíces y a todo lo que Puerto Rico sigue viviendo en mí, esté donde esté”, afirma Ivelisse, sintetizando el espíritu que atraviesa el tema. La composición fluye con naturalidad entre el español y el inglés, integrando narración poética, simbolismo ancestral y una atmósfera sonora moderna que sostiene el peso emocional del relato. Uno de sus versos más contundentes condensa el trasfondo histórico y afectivo que recorre la canción: “Por esta sangre corre caña de azúcar — lo dulce, lo amargo: machete, látigo…”.

El sencillo ha sido producido por el prestigioso productor británico Paul Stanborough, reconocido como uno de los productores musicales más destacados a nivel global, lo que aporta una dimensión internacional a una canción profundamente enraizada en la memoria colectiva puertorriqueña. La producción acompaña el mensaje sin diluirlo, permitiendo que la voz y la historia de Ivelisse se mantengan en primer plano.

Mi sangre baila continúa la trayectoria creativa que la artista inició en 2025 con sencillos como An Ocean in Between, Las Mariposas y Sin Filtro, y se sitúa en el centro de una evolución artística que también queda reflejada en su blog Letters in Melody. En ese espacio, Ivelisse reflexiona sobre los fragmentos culturales, emocionales y lingüísticos que conforman su obra, entendiendo su música como un mosaico de piezas diversas que solo cobran sentido al unirse a través del sonido.

Durante el proceso de composición, la artista alcanzó un momento de claridad creativa que marca el inicio de una nueva etapa, en la que lo personal y lo político, la tradición y la innovación, dialogan sin concesiones. “Esto no es nostalgia”, explica Ivelisse. “Es el resultado de mi crecimiento personal y de la evolución natural de mi música”.

Afincada actualmente en Londres, Ivelisse del Carmen es una cantautora de formación clásica cuya voz de soprano, ligera y expresiva, le permite moverse con soltura entre canciones enérgicas y baladas íntimas. Tras más de una década en Nueva York y un periodo de silencio creativo durante su estancia en Bruselas, su llegada a Londres supuso un punto de inflexión personal y artístico. El acceso al apoyo psicológico y su formación en ICMP London convirtieron la salud mental en un pilar fundamental de su proceso creativo, liberándola de juicios externos y permitiéndole escribir desde un lugar de absoluta honestidad. “Ahora escribo con intención. No para encajar ni buscar aprobación, sino para hacerme oír”, señala.

Con Mi sangre baila, Ivelisse del Carmen consolida una propuesta artística madura, valiente y profundamente conectada con sus raíces, proyectando su voz desde la diáspora hacia un público global.