El artista Redsky lanza su nuevo single “Master”, una propuesta contundente que marca un momento clave en su evolución musical y lo posiciona como una voz a tener muy en cuenta dentro del panorama urbano contemporáneo. Con una energía directa y una estética sonora poderosa, el tema se mueve entre el trap actual y el pop urbano, construyendo un relato que habla de ambición, determinación y la búsqueda constante de un lugar propio tanto en la industria como en la vida.

“Master” destaca por una producción moderna y envolvente, donde los beats marcados y los bajos profundos crean una base sólida para una interpretación segura y cargada de carácter. Redsky transmite una actitud firme, sin concesiones, dejando clara su identidad artística desde los primeros compases. El estribillo, pegadizo y memorable, se convierte en uno de los grandes puntos fuertes del single, reforzando su potencial para conectar de inmediato con el oyente.

La canción juega con el contraste entre lo aspiracional y lo personal, reflejando el deseo de éxito sin ocultar el recorrido que implica alcanzarlo. A través de su interpretación, Redsky logra equilibrar la ambición con una mirada honesta sobre el proceso creativo y vital, mostrando que el crecimiento no es solo una meta, sino un camino lleno de decisiones, sacrificios y aprendizaje constante.

A nivel lírico, “Master” funciona como una auténtica declaración de intenciones. El artista habla de esfuerzo, de noches largas y de la necesidad de mantenerse fiel a uno mismo en un entorno competitivo y cambiante. Lejos de quedarse en la superficie, el tema deja entrever una narrativa de superación personal, donde el dinero, el reconocimiento y el estatus aparecen como símbolos del trabajo realizado, más que como un fin en sí mismos. Esa combinación de ambición y verdad conecta con una generación que busca referentes reales y discursos auténticos.

Con este lanzamiento, Redsky reafirma su compromiso con una música que no solo busca impacto sonoro, sino también identidad y mensaje. “Master” se presenta como un paso firme hacia adelante, consolidando un estilo propio y una presencia cada vez más sólida dentro de la escena urbana actual.

“Master” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, síguelo en sus redes sociales.

Martta Sanz se confirma como una de las voces emergentes con mayor proyección del pop-rock español actual gracias al lanzamiento de “Flashback”, un single que refuerza su evolución artística y la sitúa dentro de una nueva generación que vuelve a poner las guitarras y el formato de banda en el centro del panorama musical. La artista alicantina continúa así un camino ascendente marcado por la honestidad emocional y una conexión directa con su público.

Originaria de Alicante, Martta Sanz comenzó a darse a conocer a través de las redes sociales, donde compartía versiones que rápidamente captaron la atención tanto del público como de artistas consolidados como Cepeda o Paula Mattheus. Ese primer reconocimiento fue el punto de partida de una carrera que tomó forma oficialmente en 2023 con el lanzamiento de su single debut “Tartamudeo”. Desde entonces, su crecimiento ha sido constante, destacando especialmente con canciones como “Solo quería ser niña”, que se viralizó en plataformas como TikTok y acumuló millones de reproducciones, convirtiéndose en un tema generacional.

Martta se define como una artista profundamente emocional, que utiliza la música como canal para expresar aquello que a veces resulta difícil decir en voz alta. Su sonido bebe del pop-rock de los años 2000, pero se presenta con una producción actualizada y una sensibilidad contemporánea que conecta con una audiencia joven sin perder identidad. Esa mezcla de nostalgia y presente es uno de los sellos más reconocibles de su propuesta.

Con “Flashback”, estrenado a comienzos de 2026, Martta Sanz da un paso más hacia un sonido más maduro, directo y enérgico. La canción gira en torno a los recuerdos intensos y persistentes que deja una relación, esos momentos compartidos que regresan a la mente en forma de destellos inevitables. La letra describe de manera sensorial esos flashes del pasado, abordando la dificultad de olvidar y la fuerza de la memoria emocional.

En lo musical, “Flashback” mantiene la esencia pop-rock de la artista, pero apuesta por un ritmo más marcado y un estribillo claramente diseñado para quedarse en la cabeza del oyente. El tema juega con la idea del instinto, la atracción física y la intensidad del recuerdo, alejándose parcialmente de la melancolía que definía algunos de sus trabajos anteriores para abrazar una energía más vibrante y expansiva.

El resultado es una canción pensada para el directo, con guitarras protagonistas, una base rítmica contundente y una interpretación vocal que evidencia el crecimiento de Martta Sanz como intérprete. “Flashback” no solo consolida su identidad artística, sino que la posiciona como parte fundamental de esa nueva ola de artistas que están devolviendo fuerza, emoción y carácter al pop español desde una perspectiva actual y honesta.

Jupiter Pulse presenta “I Let You Go”, su nuevo y esperado single en colaboración con el cantante David Adavi, una canción que profundiza en las emociones más complejas del amor perdido desde una perspectiva honesta y conmovedora. El DJ y productor emergente continúa así consolidando su identidad dentro del electronic pop, uniendo sensibilidad emocional y una producción pensada tanto para sentir como para bailar.

Escrita por el propio Jupiter Pulse y producida por el reconocido trío FMD, el mismo equipo creativo detrás de todos los lanzamientos en solitario de David Adavi, “I Let You Go” se construye como una confesión cruda y directa. La canción explora las consecuencias de una relación destruida por los celos, el miedo y el arrepentimiento, retratando ese momento en el que el amor se escapa de las manos cuando ya es demasiado tarde para recuperarlo. La narrativa avanza guiada por la memoria, convirtiendo el recuerdo en el eje emocional del tema.

La interpretación de David Adavi aporta una intensidad especial al single. Su voz, cargada de matices y alma, eleva la carga emocional de la canción y refuerza el mensaje de vulnerabilidad que atraviesa toda la pieza. Esta nueva colaboración vuelve a demostrar la fuerte química artística entre ambos, que ya había quedado patente en lanzamientos anteriores como “Forgive Me” y “Without You”, y que aquí alcanza un nuevo nivel de madurez sonora.

En lo musical, “I Let You Go” combina una base electrónica elegante y envolvente con una energía que conecta de inmediato con el oyente. Jupiter Pulse logra transformar una experiencia personal de pérdida y arrepentimiento en un tema con potencial bailable, reafirmando su capacidad para convertir la fragilidad emocional en una fuerza contagiosa dentro del electronic pop contemporáneo.

Con este lanzamiento, Jupiter Pulse sigue construyendo un espacio propio dentro de la escena, apostando por canciones que no solo funcionan en la pista de baile, sino que también acompañan a quienes atraviesan las complejidades del amor, la despedida y el aprendizaje emocional. “I Let You Go” se presenta como un nuevo capítulo en su evolución artística y como una propuesta destinada a conectar de forma profunda con el público.

“I Let You Go” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales. 

ATK Epop une fuerzas con Andreas en “Pensamientos gravitoriales”, un single que marca el debut de Andreas dentro del synth-pop lo-fi más crudo, directo y profundamente reivindicativo. El productor andaluz y el vocalista construyen juntos una pieza de electrónica áspera y atmosférica que no busca el artificio, sino una verdad sonora y emocional que conecta con el malestar urbano y la necesidad de refugio interior.

Desde los primeros compases, la canción plantea una mirada incómoda sobre la ciudad contemporánea, descrita como un espacio vigilado, controlado y diseñado para unos pocos. La letra señala sin rodeos un entorno dominado por el poder y la supervisión constante, donde las cámaras observan cada esquina y la libertad parece condicionada. Frente a ese paisaje opresivo, Andreas propone una huida simbólica hacia un mundo propio, íntimo y no registrable, donde el tiempo se ralentiza y la naturaleza aún tiene espacio para crecer.

“Pensamientos gravitoriales” se mueve entre la tensión y la calma, alternando pasajes densos con momentos de introspección que funcionan como un refugio nocturno. El estribillo invita a cerrar las puertas del mundo exterior y volver a ese espacio mental donde la luna observa en silencio, los árboles superan a los edificios y la lógica acelerada de la ciudad pierde fuerza. Es en ese contraste donde la canción encuentra su identidad y su carga emocional.

La producción de ATK Epop refuerza este discurso con sintetizadores densos, pulsos graves y texturas lo-fi que aportan carácter y autenticidad. Lejos de pulir en exceso el sonido, la apuesta es mantener una crudeza que acompañe el mensaje. Sobre esta base, la voz de Andreas irrumpe con frescura y sinceridad, convirtiéndose en uno de los grandes aciertos del tema y dejando claro que su debut llega con una personalidad bien definida.

El cierre de la canción funciona casi como un manifiesto poético y vital, una invitación a detenerse y replantear la propia realidad. “El arte de dejar de respirar… y cambiar tu mundo” resume el espíritu de “Pensamientos gravitoriales”: parar, observar y encontrar en lo interior una forma de resistencia frente a un entorno que pretende controlarlo todo.

Con este lanzamiento, ATK Epop y Andreas firman una colaboración que no solo destaca por su propuesta sonora, sino también por su discurso, posicionándose dentro de un synth-pop lo-fi con mensaje, identidad y una clara vocación artística.

Fyahbwoy y Ayla XO presentan “El Dorado”, un nuevo single que destaca por la fusión natural de dos mundos musicales aparentemente distintos, pero sorprendentemente complementarios. La colaboración supone un encuentro entre el reggae y el dancehall de raíz jamaicana, representados por uno de los artistas más influyentes del género en España, y una sensibilidad moderna, melódica y etérea que aporta una nueva dimensión sonora al proyecto.

Fyahbwoy, conocido también como El Chico de Fuego, es el máximo referente del reggae y el dancehall en España. Elán Swan Fernández inició su carrera en 2005 y se consolidó como un artista pionero al apostar por el crowdfunding para lanzar sus discos de manera independiente, marcando un antes y un después en el panorama musical alternativo. Su estilo se caracteriza por la mezcla de ritmos jamaicanos con letras en español, transitando con soltura entre el rap, el dancehall y registros más pausados, como demuestran trabajos ya icónicos como Innadiflames o Extremely Flammable.

Por su parte, Ayla XO representa una nueva generación de artistas con una propuesta mucho más atmosférica y experimental. Su música se mueve entre el R&B alternativo, el pop psicodélico y texturas sonoras contemporáneas, siempre acompañadas de una voz suave pero intensa y de una estética visual muy cuidada. En esta colaboración, Ayla aporta una sensibilidad diferente que se aleja del “roots” más tradicional para llevar el sonido de Fyahbwoy hacia terrenos más modernos y envolventes.

“El Dorado” se presenta como una canción de tempo contenido y atmósfera nocturna, lejos del dancehall acelerado con el que muchos asocian a Fyahbwoy. La producción, minuciosa y elegante, permite que las voces de ambos artistas se entrelacen con naturalidad, creando un clima hipnótico con influencias de afrobeats y R&B. El resultado es un tema que invita tanto a la escucha introspectiva como al viaje emocional.

En lo lírico, “El Dorado” utiliza la mítica ciudad de oro como metáfora. Más allá de la riqueza material, la canción se centra en la búsqueda de la paz interior, el éxito personal o esa conexión especial con otra persona que se siente como haber encontrado un auténtico tesoro. Esta idea de búsqueda constante también se refuerza en el apartado visual, donde suele predominar una estética de viaje y paisajes desérticos que acompañan el concepto del tema.

Esta colaboración marca una nueva etapa en la evolución artística de Fyahbwoy, quien continúa explorando sonidos más vanguardistas de la mano de nuevas voces como la de Ayla XO. Juntos logran un equilibrio entre profundidad rítmica y ligereza emocional, ampliando los límites del dancehall hacia un lenguaje más contemporáneo y atmosférico.

La artista Manayëve presenta “Et je danse et je chante”, su nuevo single y una vibrante pieza de salsa cantada en francés que marca el inicio oficial de su carrera musical en solitario. Originaria de la región de Île-de-France, la cantante da este paso tras años de experiencia sobre los escenarios formando parte de comedias musicales amateurs y espectáculos musicales, un recorrido que ha moldeado su versatilidad interpretativa y su conexión natural con el directo.

Con una base rítmica pensada para el baile y una energía luminosa, “Et je danse et je chante” se construye como una invitación abierta al movimiento y a la celebración. El tema refleja el espíritu libre de Manayëve y su deseo de transmitir alegría a través de la música, apoyándose en una interpretación fresca que combina soltura vocal y carisma escénico. La elección de la salsa como lenguaje principal no solo aporta dinamismo, sino que refuerza su afinidad con los sonidos cálidos y festivos.

Aunque sus influencias parten del R&B, la soul y las músicas caribeñas, Manayëve se caracteriza por desenvolverse con naturalidad en universos musicales muy diversos. Esa amplitud de referencias le permite explorar un repertorio amplio, sin límites estilísticos, con el objetivo de aprovechar todas las riquezas que ofrece la música. En este single, esa apertura creativa se traduce en una fusión accesible y contagiosa que conecta tradición y frescura contemporánea.

“Et je danse et je chante” representa también una declaración de intenciones dentro de esta nueva etapa artística. Tras años interpretando distintos personajes y estilos en producciones musicales, Manayëve canaliza ahora su identidad personal en un proyecto propio, donde la exploración sonora y la libertad creativa ocupan un lugar central. Este lanzamiento sienta las bases de un camino que promete seguir ampliándose con nuevas propuestas y matices.

El artista AKIBA' LKIMISTE lanza “UN”, un nuevo single que reafirma su identidad como autor, compositor e intérprete independiente, y que funciona como una declaración honesta de su vínculo vital con la música. Originario de Valencia, España, el artista construye este lanzamiento desde una visión profundamente personal, en la que cada detalle creativo nace de un proceso autodidacta y consciente, desarrollado en soledad a lo largo de los años.

Declarado oficialmente como autor, compositor e intérprete en la ASACEM, AKIBA' LKIMISTE concibe la creación musical como una necesidad constante y una forma de vida. “UN” surge de esa pulsión inagotable por componer y escribir, reflejando una manera de entender la música no solo como expresión artística, sino como motor existencial. En este nuevo tema, el artista vuelve a demostrar su compromiso absoluto con su obra, asumiendo también la autoproducción tanto de su música como de sus proyectos audiovisuales.

La propuesta sonora de AKIBA' LKIMISTE se caracteriza por una fusión abierta de influencias, sin encasillarse en un solo género o fórmula. Cada canción es concebida como una pieza única, con su propia historia y personalidad, y “UN” no es la excepción. El single invita al oyente a adentrarse en un universo creativo donde la libertad, la autenticidad y la exploración constante marcan el pulso del proyecto.

Con una trayectoria construida desde la independencia y la perseverancia, AKIBA' LKIMISTE continúa desarrollando un camino artístico coherente y personal, en el que la creación no se detiene y cada lanzamiento aporta una nueva capa a su identidad musical. “UN” se presenta así como una muestra más de su compromiso con el arte sincero y con una visión creativa que evoluciona sin perder su esencia.

“UN” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales. 

La artista emergente de pop y R&B Marlei presenta “2009”, su noveno single y una de sus entregas más personales hasta la fecha, en la que combina una atmósfera cinematográfica con la calidez del indie pop y la profundidad emocional del R&B contemporáneo. Nacida en Houston y afincada en Austin, la cantante abre un nuevo capítulo creativo marcado por la vulnerabilidad, la memoria y la reflexión sobre las distintas versiones de uno mismo que quedan atrás con el paso del tiempo.

Construida sobre una producción envolvente, matizada y melancólica, “2009” se apoya en unas voces cuidadas y cercanas que funcionan como hilo conductor de un relato íntimo. A través de una mirada nostálgica y madura, Marlei revisita su pasado desde la compasión, alejándose del arrepentimiento para abrazar el crecimiento personal como un proceso que no borra lo vivido, sino que lo honra. La canción fluye entre la confesión suave y una honestidad segura, logrando que el oyente se sienta parte de un universo emocional privado sin perder frescura ni actualidad sonora.

“‘2009’ soy yo hablándole a la chica que solía ser, la que soñaba en grande sin saber lo duro que podía golpear la vida. Quería darle espacio y mostrar que crecer no significa borrar quién fuiste, sino honrarlo”, explica la propia Marlei, dejando clara la intención emocional que atraviesa toda la pieza. Esta declaración se traduce en una narrativa sincera que conecta con quienes miran atrás buscando entender su propio recorrido vital.

Influenciada por el enfoque narrativo de artistas como Victoria Monét y Sabrina Carpenter, así como por la fusión moderna del K-pop con el R&B, Marlei demuestra en “2009” su capacidad para integrar referencias diversas sin perder su identidad artística. Su sello personal, una presencia vocal rica y en capas, se mantiene como eje central de una propuesta que amplía su universo sonoro y refuerza los temas recurrentes de su catálogo: la identidad, el amor y la autoexploración.

Desde que comenzó su camino musical a los 16 años, Marlei ha ido construyendo una carrera basada en un songwriting directo y emocional, acompañado de un cuidado mundo visual. Con una serie de singles pop/R&B de vibra moderna, ha logrado consolidar una comunidad de oyentes que conecta con su honestidad, su tono romántico y su sensibilidad contemporánea. “2009” se presenta así como un punto de inflexión en su discografía, reafirmando su evolución artística y su compromiso con contar historias reales y cercanas.

“2009” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales. Para más información sobre la artista y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

El inicio de 2026 ha estado marcado por una de las noticias más comentadas del panorama musical en español: el regreso de La Oreja de Van Gogh con Amaia Montero como vocalista. El reencuentro se materializa en “Todos Estamos Bailando La Misma Canción”, un single que no solo supone una nueva etapa para la banda, sino que se ha convertido en el símbolo emocional de este esperado retorno.

La canción fue presentada en exclusiva mundial durante la Nochevieja de 2025, en el especial de RTVE emitido justo antes de las Campanadas, sorprendiendo a millones de espectadores y cerrando el año con un momento histórico para el pop español. El tema ha sido compuesto conjuntamente por Amaia Montero y Xabi San Martín, recuperando la dupla creativa que dio forma a los primeros cuatro álbumes del grupo y que marcó una época para toda una generación.

En lo sonoro, “Todos Estamos Bailando La Misma Canción” mantiene la esencia melódica inconfundible de La Oreja de Van Gogh, pero se presenta envuelta en una producción actual firmada por Paco Salazar, con sutiles toques electrónicos que actualizan su sonido sin perder identidad. La letra destaca por su carácter introspectivo y espiritual, con referencias poco habituales en el repertorio histórico del grupo, como menciones al Edén, a la “precisión celestial” o frases tan directas como “Yo creo en Dios, a mi manera”, aportando una dimensión reflexiva que ha generado múltiples lecturas entre seguidores y oyentes.

El significado del single se ha interpretado como un himno a la conexión humana, al destino compartido y a la idea de que, pese al paso del tiempo y a los caminos separados, banda y público vuelven a encontrarse en el mismo punto emocional. Una declaración de intenciones que cobra aún más fuerza al tratarse del regreso de Amaia Montero tras casi 18 años fuera del grupo, después de su salida en 2007 y de la reciente marcha de Leire Martínez en 2024.

La actuación televisiva que acompañó al estreno fue grabada en el Palacio Miramar de San Sebastián y mostró a Amaia vestida completamente de blanco, un gesto cargado de simbolismo que muchos han interpretado como el inicio de un nuevo comienzo. La reacción del público no se ha hecho esperar y ha sido intensa y diversa. Mientras una parte de los fans celebra con emoción el regreso de la voz original y la carga nostálgica del momento, otros han mostrado opiniones críticas, especialmente por el uso de playback en la gala y por una producción que consideran alejada del sonido más clásico del grupo.

Más allá del impacto inmediato del single, “Todos Estamos Bailando La Misma Canción” es solo el primer paso de lo que ya se conoce como la nueva era de La Oreja de Van Gogh. Para 2026, la banda ha anunciado una gira por toda España con paradas en ciudades como Madrid, Barcelona, Bilbao o Sevilla, con muchas fechas ya colgando el cartel de sold out. El tour comenzará en mayo y promete ser uno de los acontecimientos musicales del año.

Entre las particularidades de este regreso destaca la ausencia del guitarrista Pablo Benegas en el lanzamiento inicial, ya que se encuentra tomándose un tiempo de descanso, aunque continúa formando parte oficial del grupo. Además, los rumores apuntan a que este reencuentro podría venir acompañado de un documental con motivo del 30 aniversario de la banda, que celebra tres décadas de trayectoria entre 1996 y 2026.

“Todos Estamos Bailando La Misma Canción” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales, donde marca el inicio de una etapa cargada de emoción, reencuentros y nuevas historias por escribir. Para más información sobre el grupo y sus futuros proyectos, síguelos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Maqueda presenta “Diciembre sin Ti”, un single profundamente emotivo que nace desde la experiencia personal y se transforma en un abrazo colectivo para todas aquellas personas que sienten la ausencia de sus seres queridos durante el mes de diciembre. La canción fue compuesta a comienzos de ese mes, poco después de la pérdida de su abuela, una figura muy importante en su vida que se marchó de manera repentina, dejando un vacío imposible de ignorar.

El tema habla de esas ausencias que se hacen más evidentes cuando llegan las luces, las reuniones familiares y los brindis compartidos. “Diciembre sin Ti” pone palabras y melodía a ese sentimiento de nostalgia que aparece al mirar una silla vacía, al recordar risas pasadas y al asumir que hay personas que ya no estarán físicamente, pero que siguen muy presentes en la memoria y en el corazón. La canción invita a quedarse con todo lo bueno vivido, con los momentos compartidos, y a brindar por ellos desde el amor y el agradecimiento.

A lo largo de la letra, Maqueda construye un relato íntimo y honesto que conecta fácilmente con quien escucha. La ausencia duele, pero también se transforma en fuerza; el recuerdo se convierte en compañía y los abrazos, aunque lejanos, siguen sintiéndose cerca. El tema subraya además la importancia de la familia y de esos lazos que permanecen incluso cuando la distancia o la pérdida se interponen, reforzando la idea de que quienes se van siguen cuidándonos desde otro lugar.

“Diciembre sin Ti” cuenta con letra firmada por el propio Maqueda, producción de Peach Music y coros de Curro Merino. El apartado visual acompaña la carga emocional del tema con un videoclip realizado por Tribu Estudio, con filmmaking a cargo de FS Prods y guion y dirección compartidos entre Tina Martínez y el propio Maqueda, aportando una narrativa sensible y coherente con el mensaje de la canción.

Este lanzamiento se convierte así en un brindis musical por todos aquellos que ya no están, un recordatorio de que el amor y los recuerdos no desaparecen con la ausencia, sino que se transforman en una presencia distinta, silenciosa pero constante. La música de Maqueda se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

Keen Levy cerró 2025 con el lanzamiento de “La Cura”, un single publicado oficialmente el 19 de diciembre de 2025 que sigue sonando con fuerza en este inicio de año. El artista almeriense vuelve a reafirmar su identidad musical con una canción que fusiona el pop urbano con su característico deje flamenco, dando forma a un tema bailable que mantiene una letra cargada de sentimiento y cercanía.

Tal y como sugiere el título, “La Cura” plantea el amor como un remedio capaz de aliviar los males, convirtiéndose en una declaración directa y romántica. A lo largo de la canción, Keen Levy expresa el deseo de compartir una vida y un futuro junto a la persona amada, transmitiendo una honestidad emocional que conecta de forma inmediata con el oyente. El equilibrio entre ritmo y emoción es una de las claves del tema, que invita tanto a bailar como a sentir.

La producción del single ha estado a cargo de Baghira, Jm Castillo y Dr Neo Cortex, con guitarras de Sergio Gallardo, logrando una sonoridad actual que potencia la esencia flamenca del artista sin perder frescura. El lanzamiento se ha realizado bajo el sello La Esencia 360, consolidando una propuesta coherente con la trayectoria de Keen Levy.

Detrás del nombre artístico se encuentra Antonio Jesús Espinosa Quesada, un creador almeriense orgulloso de sus raíces de barrio y convertido en una figura clave del panorama urbano en España. Su capacidad para mezclar flamenco con reggaetón, mambo y trap ha definido un estilo muy reconocible desde que alcanzara la popularidad en 2019 con “Borracho & Loco”. Desde entonces, temas como “Mi Consuelo”, “Mala Mía” o “Desnúdate” han acumulado millones de reproducciones y han reforzado su conexión con el público.

Más allá de los éxitos, Keen Levy destaca por su cercanía con sus seguidores, a quienes suele dirigirse con cariño, y por mantener una actitud auténtica y humilde. Tras cerrar 2025 con “La Cura”, el artista afronta los próximos meses con una agenda repleta de proyectos y actuaciones destacadas, entre ellas su concierto en la Sala Apolo de Barcelona previsto para mayo.

“La Cura” ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales, donde confirma a Keen Levy como una de las voces más personales y queridas del pop urbano con raíces flamencas. Para estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos y proyectos, no dudes en seguirlo a través de sus redes sociales.

Yhael May lanza “Te Encontré”, un nuevo single que une sensibilidad, honestidad y una profunda conexión emocional con la guitarra como eje narrativo. La artista, reconocida internacionalmente por su trayectoria en la música clásica, muestra en esta canción una faceta íntima y luminosa, donde la emoción personal y la delicadeza interpretativa se funden para dar forma a una historia de descubrimiento, luz y amor.

Natural de Pamplona y afincada en Madrid, Yhael May cuenta con una sólida formación académica como guitarrista clásica, graduada por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y con un Máster Universitario de Profesorado en la especialidad de Música. Su carrera ha sido avalada por importantes reconocimientos, como el premio a “Mejor Artista Clásica” en los World Entertainment Awards de Los Ángeles, así como primeros premios en prestigiosos concursos nacionales e internacionales de guitarra clásica en Granada y Zarautz, además del Giraldillo de Honor en Sevilla. Su talento la ha llevado también a actuar en directo para Radio Varna en Bulgaria y a acompañar en escenarios y televisión a artistas como Miguel Bosé, Vanesa Martín o El Arrebato.

En “Te Encontré”, Yhael May transforma esa excelencia técnica en un relato cercano y emotivo. La letra habla de un pasado marcado por la oscuridad y el deseo de dejar atrás el dolor, hasta que aparece una figura que devuelve el sentido, la fuerza y la ilusión. La guitarra, lejos de ser solo un instrumento, se convierte en un lugar de encuentro, en un espacio donde nace el amor y se redefinen los sueños. La canción transmite calma, abrigo y esperanza, con imágenes que evocan miradas cómplices, risas compartidas y la certeza de haber encontrado la luz que antes faltaba.

El tema ha sido compuesto íntegramente por la propia Yhael May, quien también se encarga de la interpretación de guitarras, bajo y voz, reforzando el carácter personal y honesto del proyecto. La producción corre a cargo de La Buhardilla Récords, mientras que la edición y masterización han sido realizadas por Javier García Verdugo. Como instrumento principal, la artista utiliza una ORTEGA GUITAR modelo GRANDSUITE-CE, cuyo sonido cálido y expresivo acompaña cada matiz emocional de la canción.

Además de su carrera artística, Yhael May compagina su labor musical con la docencia, siendo directora y profesora en MAYflower EXPERIENCE, un espacio donde continúa transmitiendo su pasión y conocimiento por la música. “Te Encontré” se presenta así como una obra que refleja no solo su madurez artística, sino también su capacidad para emocionar desde la sencillez y la verdad.

Brako lanza “Esa Cosquillita”, un nuevo single que se mueve con naturalidad entre el merengue más marchoso y una carga emocional honesta, directa y cercana. La canción nace con un objetivo claro y sin artificios: hacer que la gente disfrute, simple y llanamente, conectando con esa sensación ligera y alegre que recorre el cuerpo cuando la música hace su trabajo y no necesita más justificación.

Detrás de Brako se encuentra Fernando Pérez Valencia, nacido en León, criado en Asturias y actualmente residente en Fuerteventura. Aunque su actividad profesional se ha desarrollado siempre lejos del mundo de la música, Fernando descubrió que sus letras podían convertirse en universos sonoros propios, dando forma a un proyecto artístico que va más allá de la figura tradicional del intérprete. Así nace BRAKO, no como una persona, sino como la voz de un universo emocional.

Brako es un proyecto musical donde la sensibilidad humana y la tecnología se encuentran para contar historias que no necesitan un rostro para sentirse reales. Fernando escribe cada letra y diseña cada sonido, construyendo paisajes musicales en los que conviven la emoción más íntima con atmósferas digitales cuidadosamente creadas. En ese equilibrio entre lo humano y lo artificial, “Esa Cosquillita” se presenta como una pieza luminosa, rítmica y sincera, pensada para ser vivida desde el cuerpo y desde la emoción.

El proyecto Brako funciona como una vía de transformación creativa, una manera de convertir ideas, sensaciones y pensamientos en canciones sin límites ni etiquetas. No hay cuerpo, no hay personaje visible, solo música que habla por sí misma y que busca conectar con quien la escucha desde un lugar auténtico y libre.

“Esa Cosquillita” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

Terra Renae inaugura una nueva era artística con el lanzamiento de “Wild Again”, un single seductor y de tempo acelerado que señala con claridad el inicio de una etapa más decididamente pop y anticipa una serie de nuevos lanzamientos previstos a lo largo de 2026. La canción llega como una declaración de intenciones: fresca, luminosa y cargada de energía, invita a reconectar con la pasión y a sacudirse la rutina emocional desde un lugar de libertad y complicidad.

“Wild Again” gira en torno a la idea de reavivar el fuego dentro de una relación, celebrando el juego, la intimidad y la emoción de redescubrirse mutuamente. Terra Renae define el tema como una exploración de la energía compartida, la renovación emocional y el valor de permitir que cada persona conserve su lado libre y salvaje. Para la artista, mantener viva la chispa implica atreverse a no dejar que el entusiasmo se apague, apostando por una pasión que se renueva cuando se vive sin miedo ni ataduras.

Este nuevo lanzamiento llega tras la publicación de All I Have (Acoustic Sessions), un EP editado en octubre que ofrecía versiones desnudas y cercanas de algunas canciones clave de su álbum debut. Aquel proyecto mostró una faceta más íntima de Terra Renae, centrada en la vulnerabilidad, la calidez y la fuerza de su voz y su composición. Con “Wild Again”, la artista cambia de registro con naturalidad y vuelve a un terreno pop más audaz, el mismo que la dio a conocer al gran público, ahora con una seguridad renovada.

El single se presenta además después de un año decisivo en la carrera de Terra, marcado por su primera gira por Europa y Estados Unidos como artista invitada de Macy Gray, ganadora de un premio Grammy. Durante más de veinte conciertos en distintas ciudades, Terra actuó ante miles de personas, consolidando un crecimiento que comenzó en 2022, cuando fue descubierta por Gray en Los Ángeles. Desde entonces, su vínculo creativo ha sido clave, con Macy ejerciendo como productora ejecutiva de su álbum debut All I Have, un trabajo que ya ha superado el millón de reproducciones y le ha valido reconocimientos de plataformas y medios especializados como Live Nation’s Ones to Watch y Music Connection Magazine.

Criada en Louisville por su madre filipina tras perder a su padre a una edad temprana, la historia personal de Terra Renae está atravesada por la resiliencia y la reinvención constante. Tras alejarse temporalmente de la música debido a una lesión vocal en un momento crucial de su carrera, construyó una exitosa trayectoria como modelo y obtuvo un doctorado, antes de regresar al panorama musical con una visión más clara y decidida. Esa combinación de profundidad emocional y ambición pop sigue siendo una de las señas de identidad de su propuesta artística y se refleja con fuerza en “Wild Again”.

Con más canciones en camino y un proyecto completo previsto para 2026, “Wild Again” se presenta como el punto de partida de un nuevo capítulo para Terra Renae, impulsado por la confianza, la claridad creativa y una chispa imposible de ignorar. “Wild Again” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

Lewis Averon regresa con “Should I?”, un nuevo single que se mueve con soltura entre la elegancia, la seguridad y un punto de peligro sutil. La canción plantea una situación tan cotidiana como incómoda: el deseo de alguien por recibir atención, afecto o intimidad sin estar dispuesto a esforzarse realmente por ello. Desde ese lugar, el tema se construye como un juego de miradas, silencios y decisiones no tomadas, donde la protagonista tiene claro que lo que ofrece tiene valor y no está al alcance de cualquiera.

Con una actitud limpia y confiada, “Should I?” se apoya en una energía provocadora que no busca complacer, sino cuestionar. Cada repetición del título funciona como una pausa consciente, ese instante en el que surge la duda antes de ceder terreno. La canción no habla solo de atracción, sino de límites, de saber cuándo retirarse y de entender que no toda atención merece ser correspondida. Hay picardía, hay carácter, pero sobre todo hay una afirmación clara del propio valor.

Lewis Averon convierte la tentación en un ejercicio de poder personal, recordando que todo el mundo quiere buen trato, detalles y presencia, pero no todos han hecho lo necesario para merecerlo. En ese equilibrio entre deseo y autocontrol, el single propone una reflexión directa sobre a quién decidimos entregar nuestra energía y por qué, reforzando un mensaje de empoderamiento que conecta con quienes han aprendido a priorizarse.

“Should I?” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.