La conexión artística entre INNA y Florian Rus vuelve a brillar con intensidad en 7 Días, la versión en español del exitoso tema rumano 7 Zile. Esta colaboración revela una faceta profundamente emotiva de ambos artistas, alejándose del enfoque dance habitual de INNA para sumergirse juntos en una balada pop que respira nostalgia, silencio interior y una herida que aún no cicatriza. El resultado es un tema delicado, íntimo y cargado de sensibilidad, que rescata lo mejor de cada voz para construir una historia que se siente cercana y universal.

INNA, reconocida en todo el mundo por su presencia vibrante en la música pop-electrónica, sorprende al dejar a un lado el ritmo frenético para abrazar un sonido más suave, cálido y vulnerable. Su interpretación aporta claridad emocional, permitiendo que el relato se sostenga con honestidad y serenidad. Por su parte, Florian Rus —una de las voces más melódicas y expresivas del pop rumano contemporáneo— dirige gran parte de la atmósfera del single. Su timbre delicado y su capacidad para transmitir emoción desde la fragilidad añaden una profundidad esencial que convierte 7 Días en una pieza de escucha íntima.

La letra explora el peso de la ausencia y el desgarro emocional después de una ruptura. Cada uno de los siete días que menciona la canción funciona como un pequeño universo donde la persona protagonista intenta recomponerse mientras revive su relación perdida. Este número, repetido como un mantra, refuerza la idea de un ciclo que se repite y que no termina, donde cada amanecer trae un nuevo recordatorio de lo que ya no está. La producción, delicada y atmosférica, acompaña con sutileza el vaivén emocional de la historia, dejando que las voces respiren y se encuentren en un punto de equilibrio perfecto.

7 Días es una muestra de la versatilidad de INNA y Florian Rus, quienes aquí no buscan encender una pista de baile, sino abrir un espacio para la nostalgia y la reflexión. Es una balada que conecta desde la honestidad y que demuestra que, incluso en la sencillez, hay lugar para la grandeza emocional.

7 Días ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de INNA y Florian Rus, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Estrellas” es el nuevo y poderoso lanzamiento de DJ MODERNO en su formato Live, un trío que continúa consolidándose como una de las propuestas más frescas del indie electrónico nacional. El productor y artista presenta aquí su single más luminoso, energético y festivo hasta la fecha: un tema de pop electrónico que combina intensidad emocional y un sonido directo con influencias de Black Eyed Peas, Martin Solveig y ese inconfundible toque eurovisivo que se ha convertido en parte esencial de su identidad. Es una canción que invita al baile, pero también a ese instante íntimo donde la música ilumina zonas más profundas.

La fuerza del single recae en el trabajo conjunto de un equipo creativo muy sólido: la voz de Isa Atómica, la producción de Spam DJ (Fangoria) y las guitarras y sintetizadores de Berty García. Juntos construyen una pieza que rinde homenaje a todas aquellas personas que, aun sintiéndose fuera de lugar, descubren su propio momento de luz. La canción captura ese instante casi cinematográfico en el que alguien aparentemente invisible se transforma, por una noche, en el centro del universo. Un retrato emocional que se mezcla con una producción festiva para crear un himno de empoderamiento, brillo y liberación.

Dentro de la letra, “Estrellas” incorpora un guiño claro al imaginario de David Bowie al incluir la frase “we are heroes for one night”, evocando el espíritu de “Heroes” y celebrando la posibilidad de brillar contra todo pronóstico, aunque sea solo durante unas horas. También aparece una referencia literaria a Bukowski, reforzando la mezcla entre melancolía, crudeza emocional y energía bailable que atraviesa todo el proyecto. Esta dualidad convierte al single en una pieza vibrante y sensible, destinada a convertirse en uno de los himnos de pista del año.

“Estrellas” llega en un momento clave para DJ MODERNO. Su segundo álbum, “Astronautas en Madrid”, publicado en abril de 2025, supera ya 1,2 millones de streams en Spotify y cuenta con más de 50.000 oyentes mensuales, consolidando al artista navarro afincado en Madrid como una de las voces más activas, creativas y prolíficas del indie electrónico español. Este nuevo single funciona como el primer adelanto del próximo EP del productor, previsto para 2026, y anticipa una nueva etapa de madurez artística y expansión sonora.

Paralelamente, DJ MODERNO Live —el trío de electrónica nacido en 2022 para presentar su primer disco “La Nave Nodriza”— continúa creciendo en visibilidad y consolidándose en el circuito nacional. Actualmente interpretan en directo su segundo álbum, “Astronautas en Madrid”, junto a nuevos singles que continúan ampliando el universo musical del proyecto. Entre sus logros recientes destacan la victoria en el concurso de bandas de las Fiestas de Arganzuela, su presencia en la Mercedes-Benz Madrid Fashion Week, su presentación en los Latin Grammy en Sevilla y actuaciones en numerosas salas y eventos de referencia del país.

La actividad en directo no se detiene: DJ MODERNO Live ya ha confirmado actuaciones clave para final de año, incluyendo su presentación el 27 de diciembre en el festival Santas Pascuas (Pamplona), donde compartirán cartel con Cycle, Rufus T. Firefly, Hinds, Barry B y Sanguijules del Guadiana, y su show del 2 de enero de 2026 en el Festival Actual de Logroño, dentro del Festival de Bandas. A esto se suma la intensa actividad del productor como remixer, publicando semanalmente remixes y mashups —incluyendo trabajos recientes de Rosalía o la banda sonora de Stranger Things— que circulan de forma habitual entre DJs de la escena electrónica e indie.

También continúa su presencia constante en cabina, donde hace bailar al público con sets eclécticos, imprevisibles y profundamente personales en algunas de las salas y festivales alternativos más importantes del país. Con toda esta actividad, “Estrellas” se posiciona no solo como un nuevo lanzamiento, sino como un reflejo del momento creativo expansivo que vive DJ MODERNO: un artista en crecimiento continuo, vibrante y dispuesto a seguir sorprendiendo.

“Estrellas” es, en definitiva, un adelanto potente, luminoso y bailable del próximo EP que verá la luz en 2026, y uno de los singles más sólidos y emocionantes de la trayectoria del proyecto hasta la fecha.

Pablo Dage continúa ampliando su presencia en la escena electrónica latinoamericana con el lanzamiento de su esperado remix oficial de “Love Sick”, una reinterpretación realizada para el reconocido productor mexicano Olbaid. Este lanzamiento marca un momento clave en la carrera del artista argentino, que sigue consolidando su nombre más allá de fronteras gracias a su capacidad para fusionar técnica, creatividad y un estilo propio que evoluciona con cada proyecto.

El remix de “Love Sick” no solo representa una colaboración entre dos talentos influyentes de la música electrónica en Latinoamérica, sino también un ejercicio de admiración mutua y profundo respeto profesional. En esta nueva versión, Pablo Dage logra aportar su impronta sonora sin despojar a la canción de la esencia que caracteriza la obra original de Olbaid. El resultado es un equilibrio preciso entre homenaje y reinvención, una apuesta fresca que mantiene el alma del track pero lo impulsa hacia una dimensión distinta, marcada por la sensibilidad artística del productor tucumano.

La relación artística entre ambos nace de años de reconocimiento y seguimiento recíproco. Pablo Dage destacó públicamente la importancia de esta oportunidad, describiéndola como un honor y un sueño cumplido. Para él, trabajar con Olbaid —productor, referente educativo y figura clave en la comunidad musical gracias a su constante labor en YouTube— es un paso significativo que valida su crecimiento como artista y productor. El lanzamiento refuerza además el valor de las alianzas creativas dentro de la escena electrónica latinoamericana, donde cada colaboración abre caminos para nuevas sonoridades y propuestas.

“Love Sick – Remix” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales de Pablo Dage, ofreciendo una experiencia sonora renovada que refleja años de dedicación, aprendizaje y pasión por la música electrónica. Su carrera, que comenzó en San Miguel de Tucumán entre remixes caseros y la inspiración de grandes nombres como Tiësto, David Guetta, Bob Sinclar y Benny Benassi, ha ido evolucionando hasta convertirlo en un productor respetado dentro de la escena. Con más de una década creando remixes y edits, y tras profesionalizarse apenas unos años después de iniciar su camino, Pablo Dage ha construido un catálogo sólido que crece con cada nueva colaboración.

Este lanzamiento simboliza un paso más en esa trayectoria ascendente y confirma su compromiso con la innovación y la calidad. Su capacidad para reinterpretar, transformar y expandir el universo de una canción demuestra no solo su madurez artística, sino también su deseo permanente de conectar con públicos nuevos y diversos.

“Love Sick – Remix” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Pablo Dage, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, remixes, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Noche Entera” es el nuevo single de George Hunter Tórtola, un artista y productor que continúa afianzando un estilo propio dentro de la escena latina y electrónica actual. Publicado bajo el sello GHT Records y ya disponible en todas las plataformas digitales, el tema se presenta como una apuesta sólida por la fusión entre sensibilidad melódica, ritmos contemporáneos y una estética nocturna que envuelve desde el primer segundo. Lejos de buscar el artificio, la canción propone un equilibrio entre sutileza y energía, una cadencia constante que invita tanto a escuchar con atención como a dejarse llevar por su atmósfera envolvente.

La producción destaca por su limpieza y precisión, dos rasgos cada vez más característicos en la evolución de George Hunter Tórtola. Aquí, los elementos electrónicos no saturan, sino que dialogan con influencias del pop latino moderno, creando un entorno sonoro elegante, urbano y emocional. La línea melódica avanza con fluidez, apoyada en detalles electrónicos que brillan sin imponerse, generando un paisaje sonoro que recuerda a las noches largas y luminosas de la ciudad, donde cada sonido parece tener un reflejo propio. Esta estética, cuidada al detalle, refuerza la identidad del artista y su compromiso con un sonido donde la modernidad convive con la calidez.

Con una presencia que crece de manera constante en España y Latinoamérica, George Hunter Tórtola se ha consolidado como una voz singular dentro de las nuevas fusiones electrónicas. Su trabajo combina emoción, ritmo y una esencia mediterránea muy vinculada a sus raíces manchegas, algo que aporta un sello distintivo a todas sus producciones. Este equilibrio entre personalidad artística y apertura hacia nuevos lenguajes le permite construir un catálogo que no deja de expandirse, donde cada lanzamiento es una pieza más dentro de una visión musical coherente y en plena evolución.

“Noche Entera” se suma así a un camino creativo que destaca por su sofisticación y su capacidad para evocar sensaciones. El tema invita a recorrer espacios íntimos, carreteras silenciosas, encuentros inesperados y momentos donde la música se convierte en un hilo conductor entre lo emocional y lo sensorial. Más que un simple single, es una declaración del tipo de atmósferas que George Hunter Tórtola quiere seguir construyendo: nocturnas, modernas, pulidas y profundamente personales.

“Noche Entera” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de George Hunter Tórtola, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Get Your Purse Get in the Truck” es el nuevo single de The Flu, la banda con sede en Texas conocida por su inagotable capacidad para fusionar géneros y romper moldes. Rock, R&B, pop, soul, rap y country conviven con naturalidad en su identidad sonora, una mezcla que refleja su visión sin restricciones y un estilo guiado por el instinto y la personalidad. Con este lanzamiento, la agrupación vuelve a demostrar que su creatividad no conoce límites, mientras prepara el terreno para su esperado álbum Symptoms, que será estrenado próximamente.

El sencillo arranca con un guiño nostálgico al rock ’n’ roll clásico, teñido de matices country que recuerdan a los grandes paisajes abiertos del sur estadounidense. Sin embargo, The Flu no tarda en sacudir esa calma inicial para introducir elementos de punk-rock que elevan la intensidad y empujan la canción hacia una energía juvenil, vibrante y descarada. El resultado es un viaje musical explosivo, una pieza que mezcla dinamismo, actitud y un espíritu libre que se mantiene firme durante todo el tema.

A medida que avanza la canción, las guitarras adquieren un protagonismo feroz, creciendo en rugosidad y llevando al oyente hacia una estética cruda de “garage band”. Esta capa sonora, directa y sin pulir, encaja con la esencia rebelde de la banda, que apuesta por la espontaneidad y un pulso creativo intrépido. La voz se mueve entre una narración con fanfarronería inicial y una melodía más accesible, generando un contraste que potencia su vibra indie y su atractivo impredecible. Es precisamente esta mezcla de estilos, texturas y actitudes lo que convierte el sencillo en un recorrido emocionante y completamente imprevisible.

“Get Your Purse Get in the Truck” captura ese tipo de energía diseñada para carreteras interminables, fiestas improvisadas y momentos donde lo único que importa es dejarse llevar por la música. Es un tema “upbeat”, lleno de vida, de tensión juvenil y de una celebración constante de la libertad creativa. Una de esas canciones que parecen hechas para sonar fuerte, para moverse, para escapar de la rutina y para recordar que la música también puede ser puro impulso.

“Get Your Purse Get in the Truck” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de The Flu, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista sevillano Beret vuelve a colocarse en el centro de la escena musical con el lanzamiento de Lo Bello y Lo Roto, el tema que acompaña la publicación de su esperado tercer álbum de estudio del mismo nombre. Esta nueva canción exhibe, con una sinceridad descarnada, el espíritu que atraviesa todo el proyecto: una búsqueda emocional profunda en la que lo imperfecto se convierte en fuente de belleza y las grietas personales se transforman en un espacio para reconstruirse.

Lo Bello y lo roto es un disco concebido entre España y Argentina, donde Beret se sumergió en un proceso creativo que mezcla introspección, vulnerabilidad y una crudeza emocional que pocas veces había mostrado con tanta claridad. El álbum reúne trece canciones: siete adelantos que ya habían conquistado a su público y seis temas completamente inéditos que expanden su universo musical. Entre ellos destaca Nadie más te la cree, una pieza directa, visceral y emocionalmente afilada, en la que el artista expone la frustración que surge cuando las palabras pierden valor y dejan de ofrecer refugio. Este tema se ha convertido en uno de los pilares expresivos del proyecto, un reflejo fiel del tono humano que atraviesa todo el álbum.

Sumándose a esta nueva etapa, Lo Bello y lo roto incorpora colaboraciones de gran calibre que enriquecen la propuesta y la abren a nuevas sensibilidades. Diegote, Mr. Rain, SFDK, Morodo y Domelipa se unen a Beret para aportar matices, estilos y perspectivas distintas. Entre todas ellas destaca SUPERHÉROES, el encuentro musical con Mr. Rain que ya se perfila como uno de los himnos inevitables del disco. La mezcla entre la delicadeza melódica del sevillano y la fuerza emocional del italiano construye un tema que subraya la capacidad que tiene la música de tender puentes entre realidades y experiencias.

Este trabajo supone un viaje emocional donde Beret combina lo frágil y lo contundente con un equilibrio medido y honesto. Su propuesta se adentra en el pop contemporáneo sin renunciar a la profundidad lírica que ha definido toda su trayectoria, construyendo paisajes sonoros que dialogan con la fortaleza interna, la fragilidad humana y las historias que se esconden detrás de cada cicatriz. Diseñado también para quienes valoran el formato físico, Lo Bello y lo roto está disponible en vinilo, CD Digipack y una edición especial en CD BOX.

Con más de seis millones de oyentes mensuales y una comunidad sólida tanto en España como en Latinoamérica, Beret confirma con este lanzamiento que continúa siendo una de las voces más influyentes de su generación. Su capacidad para conectar con el público a través de letras íntimas, directas y profundamente humanas lo ha convertido en el autor de la banda sonora emocional de miles de personas. Lo Bello y lo roto no solo reafirma su madurez artística, sino que también demuestra que su sensibilidad y su honestidad creativa siguen evolucionando, abriendo nuevas rutas en su camino musical.

Francisco Javier Álvarez Beret, nacido en Sevilla en 1996, comenzó a interesarse por la música desde muy joven, adentrándose en el rap y el reggae mientras exploraba otros géneros que terminaron dando forma a su identidad artística. Con grabaciones caseras que compartía en YouTube, su carrera comenzó a tomar forma de manera orgánica, impulsada por un estilo que mezcla pop urbano, reggae y una visión libre de etiquetas. Su éxito masivo llegó con Lo Siento, un single que se convirtió en un fenómeno internacional, alcanzando cinco discos de Platino en España y conquistando Latinoamérica con su versión junto a Sofía Reyes. El reconocimiento se materializó con premios como Mejor Canción del Año en Los 40 Music Awards 2019 y Mejor Artista del Año en los Premios Odeón 2020. Su álbum Prisma, publicado en 2019, reunió algunos de sus mayores éxitos y colaboraciones con artistas como Pablo Alborán, Vanesa Martín, Melendi, Sofía Reyes y Sebastián Yatra, alcanzando el número 2 en ventas y convirtiéndose en el primer álbum español con ocho semanas en el número uno de la lista de streaming. Prisma fue certificado disco de oro y consolidó definitivamente el alcance internacional del artista.

Hoy, con Lo Bello y lo roto, Beret abre una nueva etapa marcada por la madurez emocional, la vulnerabilidad y la capacidad de convertir el dolor en arte. Es un recordatorio de que en cada fractura hay una historia y en cada historia, una forma distinta de encontrar la belleza.

Lo Bello y lo Roto ya se encuentra disponible en streaming en todas las plataformas digitales. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, no dudes en seguirlo de cerca a través de sus redes sociales.

Christina Aguilera, una de las voces más influyentes y admiradas de la música pop contemporánea, regresa esta temporada con un lanzamiento que combina elegancia, nostalgia y un despliegue vocal de altura. Se trata de My Favorite Things (Live from the Eiffel Tower), su nuevo single navideño y el primer adelanto oficial de su proyecto cinematográfico Christina Aguilera: Christmas in Paris, una producción que conmemora el 25 aniversario de su clásico álbum navideño My Kind of Christmas, publicado en el año 2000.

La artista estadounidense de ascendencia ecuatoriana e irlandesa, nacida el 18 de diciembre de 1980, vuelve a demostrar por qué ha sido denominada “La Voz de una Generación”. Su incomparable rango vocal, su presencia escénica y su capacidad para reinventarse continúan manteniéndola como una figura esencial en la industria musical. Desde sus inicios como niña prodigio en programas como Star Search y The New Mickey Mouse Club, donde compartió escenario con talentos que más tarde marcarían época como Britney Spears y Justin Timberlake, Aguilera ha construido una carrera marcada por la autenticidad, la fuerza artística y la experimentación sonora. Su salto a la fama internacional llegó gracias a Reflection, la emotiva balada de la película Mulan de Disney, que en 1998 la llevó a firmar con RCA Records y abrir un camino global. Su álbum debut, Christina Aguilera (1999), la consolidó como fenómeno mundial gracias a éxitos como Genie in a Bottle, What a Girl Wants y Come On Over Baby.

A lo largo de más de dos décadas de trayectoria, Aguilera ha vendido más de 30 millones de discos, ha logrado varios números uno en el Billboard Hot 100 y ha sido galardonada con seis Premios Grammy, incluyendo un Grammy Latino. Su versatilidad la ha llevado a explorar el pop, el R&B, el soul, el dance y, en los últimos años, a volver a sus raíces latinas con los EP La Fuerza, La Tormenta y La Luz, reafirmando su capacidad de evolucionar y conectar con nuevas generaciones.

Ahora, Christina Aguilera sorprende al mundo con una deslumbrante interpretación en vivo del clásico compuesto por Rodgers y Hammerstein para la película The Sound of Music (Sonrisas y Lágrimas). My Favorite Things (Live from the Eiffel Tower) es más que una canción: es una experiencia visual y sonora. Grabada en una terraza parisina con la Torre Eiffel como protagonista, la actuación se convierte en un espectáculo navideño único, ya que el icónico monumento fue transformado especialmente para la ocasión en un enorme árbol de Navidad luminoso que envuelve la escena en un ambiente mágico. La elección del tema y del escenario refleja el tono que guiará todo el filme Christina Aguilera: Christmas in Paris, una obra dirigida por el ganador del premio Emmy Sam Wrench, reconocido por su reciente trabajo en Taylor Swift: The Eras Tour.

El especial combina actuaciones de clásicos navideños, grandes éxitos de la carrera de Aguilera y nuevos arreglos que exploran su inmenso rango vocal, a la vez que intercala momentos íntimos de la artista en diferentes rincones de París. La producción también incluye escenas grabadas en el legendario cabaret Crazy Horse, donde la cantante reflexiona sobre el amor, la maternidad, la reinvención artística y la conexión emocional que mantiene con su público. Esta nueva etapa representa una celebración de su historia, pero también una declaración de presente: Aguilera demuestra que sigue siendo una intérprete capaz de elevar cada proyecto a una dimensión cinematográfica y emocional.

My Favorite Things (Live from the Eiffel Tower) es el primer destello de un universo navideño desbordante de elegancia y sentimiento, un homenaje a su legado y un paso adelante hacia una Navidad reinventada a su estilo: majestuosa, vocalmente impecable y profundamente personal.

My Favorite Things (Live from the Eiffel Tower) ya se encuentra disponible en streaming en todas las plataformas digitales. Para más información sobre la artista y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla de cerca a través de sus redes sociales.

El artista canario Dellacruz, conocido por su destacada participación en el Benidorm Fest 2024, regresa con fuerza y sensibilidad para presentar “De Cero”, el primer adelanto de un proyecto que redefine su identidad artística y abre una nueva etapa creativa marcada por la autenticidad, la elegancia y una fusión renovada de pop urbano con matices emocionales. Con este lanzamiento, Dellacruz se adentra en un terreno más íntimo y maduro, reafirmando su compromiso con una música que conecta desde la verdad y que invita a mirar hacia adelante con optimismo.

“De Cero” surge en un momento vital clave para el artista, un periodo en el que la introspección se convierte en motor creativo. Compuesta por el propio Dellacruz, producida por el madrileño Travv y grabada en Cero Studios —uno de los espacios creativos más influyentes de Madrid—, la canción se desarrolla como un relato honesto que abraza la vulnerabilidad sin miedo. Su mensaje se articula alrededor de la capacidad humana para recomenzar, aprendiendo del pasado y descubriendo en el presente una oportunidad constante para reconstruirse. El artista plantea así una visión esperanzadora de las segundas oportunidades, entendidas como un impulso para reescribir la propia historia, tanto en lo personal como en lo emocional y profesional.

En lo musical, “De Cero” mantiene la sofisticación lírica que caracteriza a Dellacruz, pero la sitúa sobre una producción más urbana, con ritmos contemporáneos y melodías pulidas que acompañan el tono emocional del tema sin perder su esencia pop. Esta evolución sonora refleja la búsqueda del artista por un equilibrio entre modernidad y sensibilidad, dando como resultado una propuesta sólida, reconocible y a la vez sorprendente. La canción se convierte en una declaración de intenciones: un punto de partida desde el que el artista se proyecta hacia un futuro musical más arriesgado, maduro y profundamente conectado con sus experiencias reales.

El lanzamiento llega, además, acompañado de un nuevo hito en su trayectoria: su regreso al Benidorm Fest, pero esta vez desde el rol de compositor en la edición de 2026. Dellacruz firma la canción con la que la cantante Atyat competirá en el certamen, un tema que nace de una colaboración que lleva desarrollándose casi dos años. Este regreso al festival demuestra no solo su consolidación como creador en el panorama nacional, sino también su habilidad para mantenerse vigente en un formato que ha impulsado su carrera como artista y compositor.

Jorge de la Cruz Correa, conocido artísticamente como Dellacruz, es una de las voces más versátiles y respetadas de la escena pop-urbana actual. Natural de Santa Cruz de Tenerife y residente en Madrid, acumula más de 5 millones de streams en plataformas digitales gracias a éxitos como “Beso en la mañana”, “Un millón de locuras” y “Cuántas veces”, junto a Polo Nández. Su proyecto suma ya más de 600.000 oyentes, consolidando una trayectoria que lo sitúa entre los artistas emergentes más influyentes del panorama nacional.

A lo largo de su carrera, Dellacruz ha trabajado como compositor y productor para figuras de renombre como Sergio Dalma, Ana Guerra, DVICIO, Soraya, Jorge González, Polo Nández, Rasel, Mar Lucas y Almacor, entre muchos otros. Su trabajo le ha otorgado discos de oro y platino, así como el respaldo de Sony Music Publishing y, posteriormente, de Universal Music. Su participación en el Benidorm Fest 2024 lo catapultó al gran público, fortaleciendo un camino que ahora se renueva con una visión más introspectiva y urbana. Su música ha sido parte de las principales playlists editoriales del país y ha sonado en emisoras como Cadena Dial y Los 40 Principales, formando también parte de giras nacionales que han reforzado su conexión con la audiencia.

Con una identidad capaz de fusionar géneros sin perder coherencia, Dellacruz se encuentra en plena expansión artística. Actualmente trabaja en la construcción de un proyecto más urbano, con una narrativa emocional más marcada y una producción que realza la importancia de las historias que inspiran sus composiciones. Su presencia constante en el Benidorm Fest como creador reafirma su papel como una de las figuras más activas y versátiles dentro del formato.

“De Cero” representa solo el inicio de lo que promete ser la etapa más madura, honesta y emocionante de Dellacruz, un periodo en el que el artista se reafirma como narrador de experiencias reales que conectan con un público cada vez más amplio y entregado.

“De Cero” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Dellacruz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Struggle”, el nuevo single de Joantony y Vale Pintos, irrumpe en el panorama urbano como una pieza que captura la tensión irresistible entre el deseo y la lógica, describiendo ese pulso emocional donde dos personas intentan alejarse pero terminan cayendo una y otra vez en una conexión que los supera. Con un sonido que fusiona reggaetón, pop urbano y matices latinos, el tema se enmarca en un estilo nocturno, melódico y profundamente sensual, construido para envolver al oyente en un universo cargado de adrenalina, luces rojas, mensajes no respondidos y esa energía eléctrica que solo existe cuando la química es más fuerte que cualquier decisión racional.

El lanzamiento, bajo el sello On Top Events LLC, cuenta con la escritura de Joan Antonio González, Valeria Pintos, Christian Mojica “Cauty” y Carlos A. Ayala, quien además funge como productor ejecutivo. La producción estuvo a cargo de Cauty y Robertson, responsables de crear un paisaje sonoro con tintes cinematográficos donde el placer, la culpa y la tentación conviven en un ecosistema emocional adictivo. “Struggle” se presenta como la continuación natural del universo de “Energía Remix”: más íntimo, más visual y capaz de capturar un estado emocional en loop, donde el cuerpo siempre toma la decisión final antes que la mente. Su objetivo es mantener y amplificar el momentum alcanzado por éxitos recientes como “Energía Remix” y “La Father”, consolidando a Joantony y Vale Pintos como una de las duplas más magnéticas del cierre de 2025 y el inicio de 2026.

La letra del single refuerza esta narrativa de tensión emocional y física. Joantony abre el tema desde la vulnerabilidad de quien intenta resistirse a una atracción que lo desestabiliza, describiendo noches cargadas de dudas, deseo y esa contradicción interna entre lo que sabe que está mal y lo que, inevitablemente, lo atrae. Su interpretación refleja una mezcla de honestidad y seducción, con versos como “Ahora todas las noches con este struggle / Sé que envolverme contigo eso es trouble / Tú me pones a pensar que difícil decidir / Que si te busco está mal / Pero me meto a tu perfil / Y creo que vale más / Tenerte aquí encima de mí”.

Vale Pintos toma el mando en la segunda parte del track con una energía explosiva y auténtica, aportando una perspectiva femenina potente, directa y sin filtros. Su voz encarna la seguridad de quien reconoce su magnetismo y su poder en la dinámica emocional, con líneas que refuerzan el tono sensual y atrevido del tema: “Mis polvos son exclusivos pero yo te los presté / Te gustan mis labios parece que me los inyecté / Tú sabes que tú estés donde estés / Necesitas una dosis de mí muchas veces al mes”. Su presencia vocal añade una capa de intensidad que amplifica el concepto central del tema, mientras describe un vínculo marcado por la adrenalina, la obsesión y la dependencia emocional.

Ambos artistas coinciden en la construcción de un universo sonoro donde los encuentros furtivos, la tensión no resuelta y un deseo casi eléctrico son los ejes centrales de un relato que se siente auténtico y visual. La vibra de “Struggle” evoca imágenes de noches largas, miradas que no se pueden evitar, silencios que lo dicen todo y un juego emocional del que ninguno de los dos parece capaz —ni dispuesto— a salir. El outro de Joantony cierra la historia con una mezcla de confesiones, humor y anhelo, dando un matiz más íntimo que deja abierta la posibilidad de más capítulos dentro de este universo narrativo compartido.

El lanzamiento sirve también para reforzar la química artística entre ambos. Joantony, uno de los escritores más respetados del género urbano latino con certificaciones platino y diamante por éxitos para artistas como Shakira, Karol G, Anuel AA y Brytiago, continúa consolidando su faceta como artista emergente con un sonido que mezcla reggaetón clásico, trap melódico y una vibra cinematográfica que conecta con las emociones de la nueva generación. Su propuesta gira en torno al deseo, la dopamina y las relaciones modernas, con una versatilidad que le permite moverse entre lo sensual, lo introspectivo y lo bailable.

Por su parte, Vale Pintos, artista urbana nacida en Miami, criada en Cali y actualmente residente en Puerto Rico, se posiciona como una figura clave de la nueva ola femenina del trap y el reggaetón latino. Su estilo combina sensualidad, vulnerabilidad y actitud dentro de un lenguaje sonoro que refleja emociones de la generación digital: deseo libre, poder personal, independencia y autoconfianza. Tras colaboraciones con Papi Sousa, DIA y TUTU, y tras el éxito de “La Father” junto a Héctor el Father, su participación en “Struggle” evidencia una evolución hacia un sonido más cinematográfico, sensual y emocionalmente honesto, fortaleciendo su presencia en mercados como Puerto Rico, Colombia y España.

“Struggle” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Joantony y Vale Pintos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La banda castellonense Anora Kito continúa trazando su propia órbita dentro de la escena alternativa mediterránea y lo hace con fuerza renovada. Su nuevo single, Vacilas, ya disponible, se convierte en el tercer adelanto de Universal, el álbum con el que el grupo abrirá una nueva etapa artística tras el sólido camino que comenzaron con La gravitación de Kito (2023), su debut producido por Carlos Hernández Nombela. Con este lanzamiento, la formación reafirma la solidez de un sonido que se mueve entre la emoción cruda, la tensión poética y una intensidad sonora que los distingue en el panorama nacional.

Vacilas nace como una exploración directa y honesta de las fisuras que deja el paso del tiempo en los vínculos. Grabada en los Estudios Nu y producida entre Pau Ortiz y la propia banda, la canción retrata un paisaje emocional lleno de contradicciones, memorias que pesan y verdades incómodas que ya no se pueden esquivar. La banda se mueve en un territorio donde duele más lo que no llegó a suceder que lo que sí se vivió, donde las raíces se secan por falta de humedad y donde el desgaste afectivo se convierte en una grieta que atraviesa cada verso.

Con una producción elegante, de tensión contenida y con una contundencia que abraza lo emocional, Vacilas despliega un imaginario cargado de imágenes potentes: acrobacias afectivas, almas que rehúyen romper las normas, distancias que se agrandan sin avisar y cicatrices cuya profundidad cuesta medir. La narrativa recuerda esa sensación de caminar sobre un hilo frágil, donde cada palabra puede ser un impulso o una herida.

En pleno crecimiento, Anora Kito ha recorrido el arco mediterráneo y gran parte de la geografía española, consolidándose como una de las propuestas con más proyección de la escena levantina. Sus directos intensos y su facilidad para conectar con el público se han convertido en una de sus señas más reconocibles, reforzando el vínculo entre la banda y quienes encuentran refugio en su universo sonoro.

Vacilas no solo confirma esta evolución, sino que anticipa el carácter del que será su nuevo trabajo, Universal, un disco que apunta a ser el más ambicioso, maduro y emocional de la banda. Anora Kito continúa expandiendo su identidad musical, afinando un lenguaje propio que combina sensibilidad, contundencia y una mirada profundamente humana hacia las fracturas que nos definen.

La letra de Vacilas, disponible íntegra, profundiza en ese choque entre el yo y el tú, entre lo que permanece y lo que se rompe, entre lo que se recuerda y lo que jamás llegó a existir. Una canción que resuena por su honestidad y que confirma que Anora Kito se encuentra en uno de los momentos creativos más inspirados de su trayectoria.

El artista Emduay ha lanzado el pasado 1 de noviembre su nuevo single, “Someone Love”, un lanzamiento que marca un momento significativo en su evolución musical y emocional. La canción abre una nueva etapa artística para el cantante, explorando con mayor profundidad la vulnerabilidad humana y la búsqueda de conexión real en un mundo donde las emociones suelen ocultarse bajo capas de ruido, expectativas y desgaste. Desde sus primeras notas, “Someone Love” propone un viaje hacia la intimidad, hacia ese territorio interior donde la necesidad de afecto, presencia y sostén adquiere una fuerza casi universal.

El single combina elementos melódicos cuidadosamente diseñados con una base rítmica contemporánea que sostiene el relato sin imponerse, dejando espacio para que la voz y el mensaje de Emduay respiren. Este equilibrio entre producción moderna y sentimiento crudo permite que el tema genere una atmósfera que se mueve entre lo confesional y lo aspiracional, conectando con quienes han experimentado la sensación de querer ser vistos en su forma más auténtica. La narrativa del tema, construida desde la honestidad más directa, refleja ese impulso de abrirse sin miedo, de expresar lo que normalmente se calla por temor a la vulnerabilidad. “El objetivo de esta canción era contar una verdad sin máscaras”, afirma Emduay, quien se adentra en un proceso creativo más introspectivo, guiado por historias personales y por un deseo creciente de dar voz a emociones que a menudo permanecen en silencio.

“Someone Love” no solo habla de la necesidad de amor, sino también del valor que implica reconocerla. En sus versos se percibe la fragilidad de quien se atreve a pedir compañía y afecto, una experiencia que resuena en un público amplio que encuentra en la música un espacio seguro para explorar sus propias emociones. La interpretación vocal de Emduay se sostiene sobre matices cuidados que refuerzan esta intención, con una entrega que oscila entre la serenidad y la intensidad, permitiendo que cada palabra adquiera un peso emocional particular. Esta búsqueda de una expresión artística más sincera conversa con las influencias pop y urbanas que caracterizan el sonido del cantante, adaptándolas a una propuesta más madura y contemplativa.

Emduay, cantante y compositor con una identidad musical en constante desarrollo, continúa demostrando su capacidad para transformar experiencias personales en relatos que encuentran eco en su audiencia. “Someone Love” confirma su compromiso con una visión creativa en la que las emociones ocupan un lugar central, reforzando la importancia de la autenticidad dentro de su proyecto. Este nuevo single se integra dentro de un proceso artístico que promete seguir aportando historias profundas, melodías envolventes y una mirada honesta hacia el mundo emocional que inspira sus canciones.

“Someone Love” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Emduay, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista Leo XIV regresa con “Feel”, un single que expande su universo alt-pop/R&B y confirma la fuerza emocional de un proyecto que busca desafiar las fronteras del pop alternativo. Después de su debut con “Midas”, este nuevo lanzamiento llega con una intensidad minimalista construida a partir de motivos claros, una línea de bajo acid vibrante, sintetizadores envolventes y voces en capas que respiran sobre un beat de dance pulsante. El resultado es un paisaje sonoro hipnótico que combina oscuridad y luz, y que al mismo tiempo funciona como una reflexión íntima sobre la autodestrucción, la reconstrucción y la búsqueda de una identidad emocional más auténtica.

Para Leo XIV, “Feel” es mucho más que un single. Representa el cierre de una década marcada por un bloqueo creativo profundo, atravesado por desafíos de salud mental y un conflicto interno que lo alejó de su propia esencia artística. En sus palabras, es la canción que encendió nuevamente su llama creativa y le permitió reconectar con su necesidad expresiva, algo que se percibe en la honestidad radical que impregna cada capa del track. Este lanzamiento también funciona como preludio de su álbum debut Cold Open, previsto para marzo de 2026, un proyecto que promete consolidar la narrativa conceptual y emocional que Leo lleva tiempo construyendo.

El sonido de Leo XIV, alter ego del artista, cantante, compositor y productor Dylan Leo Azadi, se caracteriza por una vulnerabilidad intensa y una autenticidad sin concesiones. Su propuesta artística es una manifestación catártica donde el dolor, la pasión y la introspección profunda se transforman en melodías hermosamente inquietantes, entrelazadas con grooves hipnóticos, atmósferas etéreas y paisajes sonoros provocativos. Su estilo combina delicadeza y minimalismo con una actitud experimental audaz, dando forma a composiciones que parecen dialogar con lo cósmico, la geometría sagrada y memorias emocionales marcadas por el trauma, las crisis de identidad y los despertares espirituales.

“Feel” es una muestra clara de cómo Leo XIV utiliza la música como un puente entre distintos estados del ser. El single ofrece una experiencia sensorial donde la vulnerabilidad se convierte en motor creativo y donde la narrativa invita a transitar el camino entre la oscuridad, la luz y ese espacio liminal que las separa. Su aproximación al arte no solo busca conmover, sino también desafiar la percepción del oyente, empujándolo a explorar paisajes emocionales complejos mientras juega con los límites de la música moderna y sus códigos narrativos.

A través de cada release, Leo XIV se consolida como un narrador capaz de construir universos íntimos y expansivos, donde conviven la crudeza emocional, la espiritualidad y un tratamiento sonoro que se siente tan personal como universal. “Feel” se convierte así en un punto de inflexión dentro de su trayectoria, una declaración de renacimiento y, al mismo tiempo, una invitación abierta a sumergirse en su próximo álbum, que promete seguir explorando los confines de la sensibilidad humana.

“Feel” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Leo XIV, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos conceptuales, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Marta Sánchez, una de las voces más emblemáticas de la música española y figura clave del pop desde hace cuarenta años, vuelve a emocionar al público con Abrázame, un tema íntimo y profundamente sentimental que marca el inicio de las celebraciones por sus cuatro décadas sobre los escenarios. La artista madrileña, nacida el 8 de mayo de 1966 y conocida como la Reina del Pop Español, estrena así el primer adelanto de su álbum conmemorativo 40 años 1985-2025, un doble CD/LP que recorre su trayectoria desde sus inicios en Olé Olé hasta su consolidación como solista.

La publicación del sencillo, disponible desde el 21 de noviembre de 2025, llega acompañada de un videoclip dirigido por Salva Musté, estrenado apenas un día antes. En esta nueva etapa, Marta Sánchez vuelve a apostar por una balada poderosa y cargada de emoción, compuesta por Tony Sánchez-Ohlsson, que explora el refugio emocional que se encuentra en los brazos de alguien querido cuando el mundo parece derrumbarse. Con una interpretación madura y llena de matices, la artista entrega una pieza luminosa incluso en su melancolía, capaz de transmitir vulnerabilidad y fortaleza al mismo tiempo.

Las primeras líneas de Abrázame dibujan un escenario de desasosiego: Hoy, sé que la vida te pesa / ya no le quedan ni fuerzas / a tu alma hoy solo llueve dolor. La canción describe la caída emocional de alguien que siente que todo es en vano, mientras la voz de Marta se erige como sostén, un abrazo que promete calma, compañía y renacimiento. El estribillo, de una intensidad conmovedora, reivindica el contacto humano como salvación: Abrázame fuerte ahora que estás conmigo / que el tiempo anochezca y se quede dormido. La pieza avanza entre versos que hablan de resiliencia, amor y apoyo mutuo, recordando la importancia de tener un lugar donde resguardarse cuando arrecia la incertidumbre.

Este lanzamiento adquiere una relevancia especial al formar parte del gran proyecto que celebra las cuatro décadas de carrera de Marta Sánchez. 40 años 1985-2025 promete reunir sus mayores éxitos, colaboraciones destacadas, rarezas y temas inéditos, entre ellos esta nueva balada que llega para reafirmar su papel esencial en la historia del pop español. Con más de 10 millones de discos vendidos en el mundo, una voz inconfundible y una presencia escénica que ha dejado huella a lo largo de generaciones, Marta demuestra que continúa en plena forma creativa y emocional.

Abrázame ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Marta Sánchez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El nuevo single Extrañándote, interpretado por Dama y Tony Lozano, llega como una versión profundamente emotiva del éxito de Zhamira Zambrano y Jay Wheeler, transformado en bachata y elevado por la fuerza y sensibilidad vocal de ambos artistas. La canción busca poner a flor de piel los sentimientos más profundos, apelando a la nostalgia, la vulnerabilidad y la intensidad emocional de quienes han vivido una despedida que nunca termina de cerrarse.

Tony Lozano, artista español originario de Alcalá la Real (Jaén) y nacido el 6 de octubre de 1995, suma este lanzamiento a una carrera de más de diez años como productor, cantante y compositor. Tras destacar en sus inicios dentro del electro latino y el reguetón, trabajando con discográficas como Music Hit Factory, el artista dio un giro decisivo hacia la bachata en 2021. Desde entonces se ha consolidado como una de las voces más prometedoras del género en España y ha compartido escenario con figuras de talla internacional como Daddy Yankee, Nicky Jam, Prince Royce, Farruko y Karol G. Entre sus lanzamientos más conocidos se encuentran canciones como Demasiado tarde, A escondidas, Loco junto a Derek Vinci, El Arte de Vivir con DJ Khalid, Toa la Noche con El Tiguere e Hipnotizado, nuevamente con Derek Vinci.

Dama, conocida artísticamente como La Dama y nacida en Sevilla el 25 de julio de 1986, aporta a Extrañándote su inconfundible sello interpretativo. Cantante y compositora especializada en música latina, es una referente nacional e internacional dentro del género de la bachata. Su presencia sobre el escenario la ha llevado a ser telonera de artistas tan influyentes como Marc Anthony y Romeo Santos. Además, proviene de una familia marcada por la música, siendo hermana del también reconocido cantante Rasel Abad.

La unión de Dama y Tony Lozano consigue renovar la esencia del tema original, convirtiéndolo en una bachata íntima y poderosa que conecta con el público desde la primera nota. Su química vocal, sumada a una producción elegante y cargada de sentimiento, convierte este lanzamiento en una pieza imprescindible para los amantes del género.

Extrañándote ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Dama y Tony Lozano, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista británica Eloise Viola inaugura una nueva etapa creativa con su single Fever, un tema que encapsula el momento exacto en el que una persona empieza a levantarse después de darse cuenta de que no necesita la aprobación de nadie más. La canción, disponible desde medianoche, explora ese estado intermedio entre la duda y el renacimiento personal, donde aún no se tiene plena seguridad pero ya se ha tomado la decisión definitiva de apostar por una misma. Fever se construye desde la idea de centrarse en los propios objetivos, deseos y metas, bloqueando el ruido exterior y abrazando una nueva versión de uno mismo con determinación y vulnerabilidad. “He de mantenerme enfocada en lo que quiero, en lo que necesito, en mis metas, y bloquear el ruido”, expresa Eloise para definir lo que considera el inicio de su “era de creer en sí misma”.

Eloise Viola se ha consolidado como una artista ferozmente independiente, con presencia destacada en plataformas digitales, radios y escenarios internacionales. Tras el lanzamiento de su álbum debut Glasshouse —respaldado por BBC Radio 2, BBC Introducing y Radio 1— la cantante ha acumulado más de 17 millones de escuchas en Spotify y un millón de reproducciones en TikTok, cifras que reflejan el crecimiento constante de una comunidad de seguidores profundamente conectados con su mensaje y su autenticidad.

A medida que 2025 avanza hacia su final, Eloise abre un nuevo capítulo musical descrito como más valiente, oscuro y vulnerable. Sus próximos lanzamientos se inspiran en sonoridades experimentales que incorporan matices de afrobeat y amapiano, un giro estilístico que permite mostrar, según Billboard, toda la extensión de su “poderío vocal”. Su voz, capaz de transformarse con naturalidad entre lo crudo, lo dinámico y lo soul, actúa como un vehículo emocional que narra historias desde la honestidad más pura.

Su música siempre ha explorado temas como la imagen corporal, la salud mental y la confianza personal. Pero ahora, detrás de la pérdida del brillo pop, aparece una estética más desnuda y real: texturas atrevidas, sonidos que desafían géneros y emociones que van desde el desgarro hasta la fortaleza, invitando a llorar, bailar y reconectar con el propio centro. Esta evolución también bebe de su experiencia reciente en festivales y en su gira de composición por Sudamérica. De aquella etapa nació New Dawn, escrita en Ciudad de México, que narra el viaje de alguien que decide dejar de esconderse y tomar el control absoluto de su vida.

Fever se inscribe dentro de esta metamorfosis artística con un mensaje claro: reconstruirse es un proceso, y aunque la confianza no llegue de inmediato, el camino empieza por seguir avanzando. Con un sonido íntimo y explosivo a la vez, Eloise Viola confirma que su nueva era no solo ha comenzado, sino que promete ser una de las más definitorias de su carrera.

Fever ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Eloise Viola, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.