Grecia Gon y Joaco Vasquez se consolidan como dos de los nombres más prometedores de la música urbana boliviana con el lanzamiento de “ME LLAMAS”, una colaboración que refleja el crecimiento, la ambición y la frescura de una nueva generación de artistas decididos a dejar huella dentro y fuera del país. Estrenado en enero de 2026, el single llega como una apuesta clara por el reguetón moderno, bailable y emocionalmente directo, pensado para conectar de inmediato con el público.

Grecia Gon, cuyo nombre completo es Grecia Fabiana Gonzales Jemio, nació en La Paz en 2005 y se ha convertido en una de las figuras femeninas con mayor proyección en Bolivia. Su perfil multitalento la distingue dentro de la escena: además de cantante, es compositora y bailarina, con una formación sólida que abarca desde ballet clásico y folklore hasta estilos urbanos, strip dance y guitarra. Esta versatilidad se refleja tanto en su música como en su propuesta visual, donde las coreografías juegan un papel clave. Su sonido se mueve entre el reguetón y el pop urbano, con una energía constante y letras que buscan ser cercanas y auténticas. Tras llamar la atención con sencillos como “TBT” y “Otra Vez”, en 2025 dio un paso importante en su carrera al comenzar a internacionalizarse con presentaciones en Buenos Aires, ampliando su alcance y visibilidad.

Por su parte, Joaco Vasquez representa otra de las voces emergentes que buscan refrescar el sonido tropical y urbano de la región. Su estilo vocal melódico le permite moverse con soltura entre el reguetón romántico y el más comercial, aportando una sensibilidad que equilibra las pistas de baile sin perder atractivo popular. Esa cualidad es precisamente la que complementa de forma natural la intensidad interpretativa de Grecia Gon en “ME LLAMAS”.

La canción se adentra en la dinámica de una relación marcada por las idas y vueltas, por esa conexión que parece negarse durante el día pero reaparece con fuerza en la madrugada. La letra retrata ese momento íntimo y contradictorio en el que, aunque se repita que el amor no es una prioridad, basta una llamada a medianoche para volver a caer. Musicalmente, el tema apuesta por un reguetón de ritmo sencillo y “easy”, diseñado para ser pegajoso, accesible y altamente bailable, con una producción limpia que deja espacio a la química vocal entre ambos intérpretes.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip oficial que refuerza la imagen de Grecia Gon y Joaco Vasquez como artistas integrales, cuidando tanto la estética como la narrativa visual. La propuesta apunta claramente a sonar en discotecas y radios, posicionándose como uno de los temas urbanos con mayor potencial del momento y reforzando el papel de Grecia Gon como referente femenina del género en Bolivia.

“ME LLAMAS” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Grecia Gon y Joaco Vasquez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Jean-Luc Delmonac presenta su nuevo single “Love is the Secret”, una canción luminosa y vital que pone en el centro la capacidad humana de amar como motor esencial de la existencia. El tema nace en el marco de Les Grandseigneurs Du Groove, el proyecto que comparte junto a DJ Mikkka, una alianza creativa que une a dos músicos apasionados con trayectorias sólidas y complementarias, procedentes de Lorena, en Francia, y Stuttgart, en Alemania.

La canción se define por un carácter optimista y afirmativo, con un pulso rápido y una melodía directa que invita al movimiento sin perder profundidad emocional. “Love is the Secret” celebra el amor no como un estado pasajero, sino como una fuerza que acompaña a las personas durante toda la vida, incluso en sus etapas más complejas. La frase que articula su mensaje es clara y contundente: el amor es el secreto que conduce a la vida, y sin él, la existencia pierde su sentido aunque se siga respirando. Esta idea se traduce musicalmente en un groove elegante, accesible y cálido, que refuerza el espíritu esperanzador de la canción.

La colaboración entre DJ Mikkka y Jean-Luc Delmonac se apoya en décadas de experiencia musical. DJ Mikkka, teclista y productor, aporta cerca de cincuenta años de trabajo en bandas en vivo y composición, dando forma a producciones seguras y equilibradas. Por su parte, Jean-Luc Delmonac, compositor y cantante, desarrolló durante años su carrera como baterista en numerosas formaciones del suroeste de Alemania y Lorena, una trayectoria que se refleja en el sólido sentido rítmico y la naturalidad con la que fluye cada arreglo. Juntos, han construido un sonido reconocible que combina melodía, groove y una cuidada utilización de sonidos vintage.

“Love is the Secret” continúa esa línea que ha llevado a Les Grandseigneurs Du Groove a ser valorados por playlists y radios online, gracias a su enfoque medido y elegante de la producción, donde cada elemento encuentra su espacio sin excesos. El resultado es una canción que transmite energía positiva y confianza, pensada tanto para la escucha atenta como para acompañar momentos cotidianos con una sensación de ligereza y bienestar.

“Love is the Secret” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jean-Luc Delmonac, conocer sus próximos lanzamientos y futuros proyectos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Non si vede” funciona como la puerta de entrada a In via di sviluppo, el álbum debut de Piergiorgio Corallo, estableciendo desde el primer momento un clima de suspensión que rehúye la resolución inmediata y se instala en la espera. La canción se construye a partir de una dinámica contenida, donde el tiempo parece dilatarse y el desarrollo no busca un desenlace, sino un estado. El arreglo avanza mediante capas sutiles: superficies electrónicas delicadas que delimitan el espacio emocional y una guitarra de carácter alt-rock que se incorpora de forma progresiva, siguiendo el pulso interno de la pieza más que imponiendo un protagonismo explícito. La voz, por su parte, se mantiene descentrada, casi en un plano lateral, como si el relato se narrara desde una distancia consciente, reforzando la sensación de observación más que de confesión directa.

En el plano lírico, “Non si vede” atraviesa una reflexión profunda sobre la condición del hombre contemporáneo. Se trata de una presencia paradójica: visible y expuesta, pero al mismo tiempo opaca, incapaz de reconocerse plenamente en el espacio que habita. La invisibilidad que plantea la canción no remite a la ausencia, sino a una forma de existencia desenfocada, marcada por la dificultad de ser visto y, sobre todo, de verse a uno mismo. Esta idea se convierte en el eje conceptual que delimita el territorio del álbum, anticipando un recorrido basado en la observación, la sustracción y una inestabilidad emocional que atraviesa cada composición.

Dentro del conjunto del disco, “Non si vede” dialoga de manera especialmente significativa con temas como “Erase her name”, estableciendo un vínculo entre la cancelación y la pérdida de identidad. En lugar de ofrecer respuestas cerradas, la canción propone un inicio abierto, un punto de partida desde el cual el relato se irá desplegando con el paso del tiempo y la escucha atenta. Más que marcar un destino, define un proceso, coherente con el propio título del álbum.

Piergiorgio Corallo, artista italiano, concibe la música y las artes visuales como un único vocabulario expresivo. En In via di sviluppo, guitarras alt-rock, electrónica medida y una voz suspendida se integran en un paisaje urbano de tintes distópicos, donde cada sonido cumple una función precisa. Su método creativo está profundamente influido por la pintura y la escultura: quitar antes que añadir, definir contornos, dejar espacio para que el detalle respire. Las canciones se presentan así como composiciones visuales en sí mismas, donde forma, ritmo y materia dialogan constantemente, consolidando una identidad artística que se mueve entre lo sonoro y lo plástico con naturalidad y coherencia.

“Non si vede” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Piergiorgio Corallo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Con Estafa Piramidal, Tigre y Diamante firman un disco que golpea y acaricia a partes iguales. Once canciones que tensan el músculo punk del grupo mientras dejan aflorar una fragilidad nueva, más pop y más expuesta, sin perder el filo ni el lenguaje crudo que los define. Entre humor negro, poesía sucia y escenas incómodamente reconocibles, la banda parece mirarse de frente y acompañar al oyente por un territorio emocional áspero, pero honesto. Este álbum no busca respuestas ni finales felices, sino permanecer en la herida el tiempo necesario para entenderla.

Estafa Piramidal suena a un disco de madurez, pero también de riesgo. ¿En qué momento sentisteis que este álbum os pedía ir un paso más allá de lo que ya habíais hecho, tanto emocional como musicalmente?

Alex: Es una cuestión de comunión y complicidad. Llevamos ya bastante tiempo tocando juntos en la actual formación, y además este es el segundo disco que grabamos con Pablo Martínez en su estudio, OVNI. Es decir, que ya está bastante engrasado el proceso de que salte un chispazo en la cabeza de Jon y se convierta en una canción terminada, con los espacios bastante bien definidos. Creo que en ese sentido, aparte de la autoría de las letras de Jon (que es lo más evidente), nos deja a todos los demás un lugar para expresarnos. Si percibes que hemos ido un paso más allá emocional y musicalmente es que estamos un poco más cerca de la verdad más cruda.

Musicalmente el disco mantiene las guitarras secas, pero suma capas y construye un muro sónico donde aparece una fragilidad pop inédita en vosotros. ¿Qué os permitió sentiros cómodos mostrando esa vulnerabilidad sin perder identidad?

Iker Glez: La idea fue aguantar las guitarras para dar solidez y dejar que los sintes acabasen de armar el sonido, fomentando también el diálogo entre esas texturas, eso nos da más libertad para acercarnos a esos sonidos que apuntas.

El álbum es muy diverso, casi poliédrico, pero mantiene una coherencia muy clara. ¿Cómo fue el proceso de ordenar las canciones para que convivieran escenas tan distintas dentro de un mismo relato emocional?

Jon: Nos encontramos más con un problema técnico. Es decir, yo tenía el orden my claro, pero también hay que pensar en la parte digamos comercia y en la técnica por tema de encajar las canciones coherentemente en el vinilo…

“Palomas entre halcones” plantea una escena casi cinematográfica, donde la amenaza está siempre latente. ¿Qué os interesa de ese tipo de narrativas en las que aparentemente no pasa nada, pero todo está a punto de romperse?

Iker Glez: Así es la vida ¿no? parece que casi nunca sucede nada relatable pero en cualquier momento puede saltar todo por los aires. La vida es una pareja jugando al mikado en la trayectoria de una pandilla de imbéciles en plena despedida de solteros, totalmente ebrios, llenos de vida.

En “Amanecer en la playa” habláis de rutinas que se quiebran y recuerdos que siguen tensando el presente. ¿Qué papel juega la memoria en vuestras canciones y cómo decidís qué recuerdos merecen convertirse en canción?

Jon: No se decide, de repente son una canción… demasiadas grietas en la rutina, demasiados conflictos…

“Los asesinos de tus hijos” utiliza una imagen muy brutal para criticar la cultura popular sin caer en consignas. ¿Os resulta más efectivo el símbolo incómodo que el mensaje explícito a la hora de hacer crítica política?

Alex: Una canción o un disco no deja de ser una conversación. Tú la escribes, la tocas, la grabas y dices: «Toma, ahora es tuya.» Es el público quien recorre el resto del camino y completa la tarea. Creemos que, en ese sentido, esa canción y muchas otras del disco tienen todos los ingredientes de nuestra cosecha, pero con el aire suficiente para que pienses por ti mismo. Eso es lo que más nos gusta encontrarnos cuando escuchamos artistas, desde luego.

“Albino busca sexo” se mueve entre la provocación y una ternura torcida, retratando personajes al límite. ¿Qué os atrae de esos personajes que parecen a punto de romperse, pero siguen avanzando?

Alex: Ese antihéroe probablemente esté presente en todos nosotros. Nos gusta pensar que todo el mundo tiene su pedrada, su vulnerabilidad, su rincón de humanidad, y es un sitio a donde nos gusta ir a buscar personajes.

“Minutos musicales” introduce un tono más introspectivo. ¿Sentís que este disco os ha permitido mirar más hacia dentro que en trabajos anteriores?

Jon: al llegar con las canciones muy claras, sobre todo hacia donde queríamos dirigirlas. Las letras en general son más introspectivas en este álbum

“Soy adicto”, con Nacho Vegas e Igor Paskual, es uno de los momentos más crudos del álbum. La canción enumera impulsos que normalmente se esconden. ¿Qué os removió más al escribirla y compartirla con otros artistas tan ligados a ese tipo de honestidad brutal?

Iker Glez: Tanto Igor como Nacho son personas muy cercanas al imaginario de Tigre y Diamante y siempre agradecen que nos desnudemos para ellos, no ha sido difícil.

En “Quieres ser mi amigo” mezcláis humor negro con un trasfondo emocional muy incómodo. ¿Por qué creéis que a veces el humor es la mejor forma de hablar de vínculos que duelen?

Alex: Somos asturianos. La relación con el humor es algo innato, aunque también muy límite: hay gente de otras latitudes que, cuando oye a dos asturianos saludarse, no sabe si están a punto de abrazarse o de liarse a tortazos. Es un recurso que siempre ha estado muy presente en Tigre y Diamante, pero que en este disco está algo más matizado que en trabajos anteriores.

“Represalias químicas” transforma un paisaje bucólico en algo perturbador. ¿Os interesa especialmente desmontar la idea del refugio y mostrar que incluso lo bello puede devolvernos imágenes duras?

Iker Glez: Y al revés, lo de Chernóbil al final dio una buena serie de HBO.

Varias canciones hablan de desgaste sentimental, del paso del tiempo y de una resignación que duele más que la ruptura. ¿Creéis que este disco refleja una relación distinta con el desencanto respecto a vuestros trabajos anteriores?

Alex: No es nada fácil mirar hacia adentro, hurgar en lo que te da miedo y vergüenza y que no te gusta de ti, y ponerlo ahí, encima de la mesa. Quizás en trabajos anteriores se hacía algo más de recurso a la ironía para afrontar ese desencanto, y aquí hayamos mirado más al demonio de frente.

“Contigo”, junto a Milana Bonita, es quizá el momento más pop del disco. ¿Qué os aportó esta colaboración para mostrar esa nueva sensibilidad que atraviesa el álbum?

jon: compuse esta canción en el local de Milana Bonita, fue muy divertido y funciona muy bien como un juego amor / odio...

Después de Estafa Piramidal, Tigre y Diamante parecen más expuestos, pero también más firmes en su lenguaje. ¿Qué os gustaría que se llevara el oyente al terminar el disco, aunque sea solo una sensación incómoda o una herida compartida?

Alex: Que forme parte de su memoria, de lo que tiene en la punta de la lengua y de los auriculares cuando necesita pasar un rato con unos buenos amigos. A veces esos amigos te llevan de fiesta hasta que se haga de día, y a veces te sientan a decirte alguna verdad que no te gustaría escuchar…

La artista Ozitamuzik lanza oficialmente su nuevo álbum titulado Litmiless, un trabajo sólido y ambicioso que representa un paso decisivo en su evolución artística y consolida una identidad musical cada vez más definida. Compuesto por once canciones, el disco despliega una propuesta fresca, versátil y auténtica, en la que la artista apuesta por un sonido actual sin perder coherencia ni personalidad, ofreciendo un recorrido pensado tanto para quienes ya siguen su trayectoria como para nuevos oyentes que se acerquen por primera vez a su música.

Litmiless funciona como una declaración de intenciones, reflejando el crecimiento creativo de Ozitamuzik y su capacidad para construir un universo propio a través de canciones que dialogan entre sí. Cada tema aporta una pieza clave al concepto general del álbum, generando una experiencia completa que combina sensibilidad, carácter y una visión moderna de la música contemporánea. La producción acompaña este enfoque con una atmósfera cuidada y envolvente, reforzando el mensaje y la identidad que la artista quiere transmitir en esta nueva etapa.

El sencillo principal del álbum, Honey, se perfila como uno de los puntos más destacados del proyecto. La canción ya cuenta con un video audio oficial disponible en YouTube y ha comenzado a conectar con el público gracias a su sonido y a la atmósfera que propone, funcionando como una carta de presentación eficaz del espíritu que atraviesa todo el disco. Con este lanzamiento, Ozitamuzik demuestra su habilidad para crear canciones que atrapan desde la primera escucha y que invitan a sumergirse en su universo artístico.

Con Litmiless, Ozitamuzik reafirma su compromiso con la música y con su propio crecimiento dentro de la escena, posicionándose como una propuesta a seguir de cerca en este nuevo momento de su carrera. El álbum ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ozitamuzik, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista estadounidense Jessica Baio, una de las voces emergentes más destacadas del pop alternativo actual, lanza su nuevo álbum titulado SACRED el 9 de enero de 2026, un trabajo que supone un punto de inflexión en su carrera y una clara evolución respecto a sus proyectos anteriores. Con una trayectoria marcada por la conexión emocional y la vulnerabilidad sin filtros, Baio da un paso adelante con un disco que apuesta por la introspección, el cuidado de lo privado y una mirada más consciente sobre el amor y la exposición pública.

Nacida en California en 2002 y actualmente afincada en Utah, Jessica Baio comenzó su camino musical compartiendo versiones en YouTube desde muy joven, pero su salto definitivo llegó gracias a sencillos que se viralizaron en plataformas como TikTok e Instagram, entre ellos at least y trust issues. Su estilo, a menudo comparado con el de artistas como Julia Michaels o Tate McRae, se caracteriza por baladas pop de gran carga emocional, letras confesionales y una honestidad que ha hecho de su música un refugio para una generación que se reconoce en sus relatos sobre relaciones, salud mental y vida cotidiana.

SACRED es su segundo álbum de larga duración y ha sido publicado bajo el sello 10K Projects. A lo largo de sus ocho canciones, el disco muestra una Jessica Baio más madura tanto en lo vocal como en lo narrativo, explorando un sonido más profundo y, en algunos momentos, más crudo. El concepto del álbum gira en torno a la idea de que no todo debe ser compartido ni expuesto, una reflexión que contrasta con su etapa anterior, en la que convertía cada detalle de su vida personal en material creativo. Aquí, la artista reivindica la importancia de proteger ciertos momentos, emociones y vínculos del escrutinio constante de las redes sociales.

La canción que da título al álbum, sacred, funciona como el núcleo conceptual del proyecto, planteando la necesidad de preservar el amor verdadero y los espacios íntimos como algo valioso y casi espiritual. Este enfoque convive con temas que abordan la decepción, el desgaste emocional y la intensidad de los vínculos afectivos, como accident, uno de los sencillos más comentados del disco. Este tema sorprendió a sus seguidores por su tono directo y áspero, mostrando una faceta de enojo y una madurez vocal que apenas se había asomado en trabajos anteriores como el EP Catalyst.

Completan el álbum canciones como bad times, love me less, ferrari, el roy st., got it bad y made for you, que construyen un recorrido emocional coherente y sincero, reforzando la identidad de una artista que ha sabido transformar su exposición personal en una narrativa cada vez más consciente y cuidada. Con SACRED, Jessica Baio no solo consolida su lugar dentro del pop alternativo contemporáneo, sino que también redefine su relación con la intimidad, demostrando que la vulnerabilidad puede convivir con los límites.

SACRED ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jessica Baio, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora Lea Lu y el guitarrista flamenco-jazz Juan Medina presentan Vergel, su primer EP en conjunto, un trabajo que nace del encuentro entre la canción de autor, el jazz y el flamenco, y que se despliega como una propuesta tan delicada como profunda. El disco propone una fusión colorida y melancólica que invita a soñar y a dejarse llevar, con canciones que hablan de nuevos comienzos, de la curiosidad por la vida y de la luz cálida del sol de enero.

Vergel destaca por el diálogo natural entre el estilo virtuoso y explosivo de Juan Medina y sus arreglos de carácter minimalista, que encuentran un equilibrio perfecto con la voz suave y envolvente de Lea Lu. Esta combinación da lugar a un sonido íntimo y a la vez sorprendente, capaz de conmover tanto desde lo musical como desde lo emocional. La sensibilidad del proyecto ha despertado elogios notables, como el del músico suizo Dieter Meier, integrante de Yello, quien afirmó: «Fue una de las cosas más hermosas que he escuchado en mi vida. Casi lloré».

La propuesta artística de Lea Lu y Juan Medina ha sido comparada con referentes como Norah Jones, Gretchen Parlato, Maro, Rita Payés o Bebel Gilberto, tanto por su sutileza sonora como por la elegancia con la que transita entre géneros sin perder identidad. El EP fue grabado principalmente en el estudio de Juan Medina, La Luciérnaga, situado en las montañas de la costa oeste de Mallorca, un entorno que impregna las canciones de calma y organicidad. Algunas tomas adicionales se realizaron en Zúrich, en el Studio Pas D’Oreilles, aportando matices distintos al conjunto.

En las grabaciones, Lea Lu se encargó de la voz y el piano, mientras que Juan Medina aportó guitarras y percusión. El proyecto se enriqueció además con colaboraciones especiales de Andreas Tschopp al trombón, Daniela Sarda en voces, Toni Cuenca al contrabajo e Ivan Ruiz al bajo. La mezcla estuvo a cargo de Saayan Fathi en Madrid, dando cohesión y profundidad a un trabajo que cuida cada detalle sonoro.

El lanzamiento de Vergel viene acompañado de una serie de presentaciones en directo dentro del Tour Vergel, con fechas confirmadas el 15 de enero en el Moods Jazz Club de Zúrich, el 30 de enero en la sala Jamboree Jazz de Barcelona y el 3 de abril en Sous-Soul, en Berna. Precisamente el próximo viernes 30 de enero, Lea Lu y Juan Medina presentarán oficialmente el EP en la Jamboree, ofreciendo al público barcelonés la oportunidad de experimentar en vivo esta fusión tan personal y emotiva.

Vergel ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lea Lu y Juan Medina, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora puertorriqueña Ivelisse del Carmen lanza su nuevo sencillo titulado Mi sangre baila, una obra intensa y profundamente personal que aborda la identidad, el legado cultural y el sentido de pertenencia desde la mirada de quien vive fuera de su tierra. La canción se construye como un puente sonoro entre Puerto Rico y el mundo, combinando ritmos tradicionales como la bomba y la plena con una producción contemporánea que dialoga entre pasado y presente de forma orgánica y emocional.

Mi sangre baila nace de una revelación vital para la artista. Tras más de veinte años viviendo fuera de Puerto Rico, Ivelisse comprendió que ella misma forma parte de la diáspora puertorriqueña, un descubrimiento que resignificó años de nostalgia, desarraigo y búsqueda cultural. La inspiración inicial llegó a través del mosaico Bomba Celestial, del reconocido artista del Bronx Manny Vega, una obra que actuó como detonante creativo y emocional para transformar esa experiencia personal en canción.

“Esta canción es una carta de amor a mis raíces y a todo lo que Puerto Rico sigue viviendo en mí, esté donde esté”, afirma Ivelisse, sintetizando el espíritu que atraviesa el tema. La composición fluye con naturalidad entre el español y el inglés, integrando narración poética, simbolismo ancestral y una atmósfera sonora moderna que sostiene el peso emocional del relato. Uno de sus versos más contundentes condensa el trasfondo histórico y afectivo que recorre la canción: “Por esta sangre corre caña de azúcar — lo dulce, lo amargo: machete, látigo…”.

El sencillo ha sido producido por el prestigioso productor británico Paul Stanborough, reconocido como uno de los productores musicales más destacados a nivel global, lo que aporta una dimensión internacional a una canción profundamente enraizada en la memoria colectiva puertorriqueña. La producción acompaña el mensaje sin diluirlo, permitiendo que la voz y la historia de Ivelisse se mantengan en primer plano.

Mi sangre baila continúa la trayectoria creativa que la artista inició en 2025 con sencillos como An Ocean in Between, Las Mariposas y Sin Filtro, y se sitúa en el centro de una evolución artística que también queda reflejada en su blog Letters in Melody. En ese espacio, Ivelisse reflexiona sobre los fragmentos culturales, emocionales y lingüísticos que conforman su obra, entendiendo su música como un mosaico de piezas diversas que solo cobran sentido al unirse a través del sonido.

Durante el proceso de composición, la artista alcanzó un momento de claridad creativa que marca el inicio de una nueva etapa, en la que lo personal y lo político, la tradición y la innovación, dialogan sin concesiones. “Esto no es nostalgia”, explica Ivelisse. “Es el resultado de mi crecimiento personal y de la evolución natural de mi música”.

Afincada actualmente en Londres, Ivelisse del Carmen es una cantautora de formación clásica cuya voz de soprano, ligera y expresiva, le permite moverse con soltura entre canciones enérgicas y baladas íntimas. Tras más de una década en Nueva York y un periodo de silencio creativo durante su estancia en Bruselas, su llegada a Londres supuso un punto de inflexión personal y artístico. El acceso al apoyo psicológico y su formación en ICMP London convirtieron la salud mental en un pilar fundamental de su proceso creativo, liberándola de juicios externos y permitiéndole escribir desde un lugar de absoluta honestidad. “Ahora escribo con intención. No para encajar ni buscar aprobación, sino para hacerme oír”, señala.

Con Mi sangre baila, Ivelisse del Carmen consolida una propuesta artística madura, valiente y profundamente conectada con sus raíces, proyectando su voz desde la diáspora hacia un público global.

Mar Lucas presenta su nuevo sencillo “Cosas De Superstar”, una canción que captura el vértigo de la vida bajo los focos y la dificultad de encontrar estabilidad emocional cuando todo sucede a gran velocidad. Con una propuesta sonora fresca y dinámica, la artista vuelve a demostrar su capacidad para conectar con una generación que vive el momento, prioriza la experiencia y avanza sin mirar atrás, envuelta en luces, fiestas y una actitud decididamente segura.

El tema se construye sobre un sonido vibrante que atrapa desde el primer segundo gracias a un beat contagioso, especialmente presente en su estribillo. “Cosas De Superstar” fusiona ritmos actuales con una interpretación natural y confiada, reforzando su concepto central: para quienes viven intensamente, el amor no siempre ocupa el centro del escenario. En su lugar, la diversión, el trabajo y las vivencias personales se convierten en el verdadero motor de una vida en constante movimiento.

A nivel conceptual y visual, la canción nos transporta a la etapa más girly de Mar Lucas, con una clara inspiración en la estética de los años 2000. La escenografía está cargada de referencias que marcaron a toda una generación, desde revistas y reproductores MP3 hasta teléfonos móviles, CDs y el icónico pants de terciopelo de Juicy Couture, símbolo indiscutible de la moda Y2K. El color rosa actúa como hilo conductor de toda la estética, reforzando una identidad visual nostálgica, pero reinterpretada desde una mirada contemporánea.

Con este lanzamiento, Mar Lucas se posiciona como la voz de una generación que abraza la velocidad de la vida, la intensidad de los sentimientos y la decisión consciente de seguir adelante sin anclarse al pasado. “Cosas De Superstar” no solo celebra el aquí y ahora, sino que también reivindica la libertad de disfrutar sin culpa, entendiendo el éxito y la felicidad desde una perspectiva personal y auténtica.

Mar Lucas Vilar, nacida el 9 de septiembre de 2002 en Sitges, Barcelona, es una artista polifacética que comenzó su trayectoria como creadora de contenido en 2015. Desde entonces, se ha convertido en una de las figuras más influyentes de España, acumulando más de 15 millones de seguidores en redes sociales. Su carrera abarca la creación de contenido, el modelaje y colaboraciones con importantes marcas nacionales e internacionales, a la vez que expande su faceta musical de la mano de Sólido Records y Dale Play Records.

“Cosas De Superstar” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Mar Lucas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o nuevos proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El encuentro entre dos de los artistas latinoamericanos con mayor impacto a nivel mundial ya es una realidad. Bizarrap presenta la BZRP Music Session Vol. 62/66 junto a J Balvin, una colaboración largamente esperada que conecta al productor argentino que revolucionó el formato de las sesiones musicales con una de las figuras clave en la expansión global de la música latina. El lanzamiento marca un nuevo hito dentro del proyecto BZRP y consolida a ambos artistas como referentes indiscutidos de la escena internacional.

Esta nueva Music Session llega después de un momento histórico para Bizarrap con la BZRP Music Session Vol. 0 junto a Daddy Yankee, que debutó en el puesto número 2 del ranking global de Spotify y alcanzó el número 7 en el chart Global, convirtiéndose en uno de los logros más importantes de su carrera y del proyecto en general. Aquella colaboración lo posicionó además como el único artista argentino en colaborar con Daddy Yankee, reforzando el carácter icónico de sus sesiones.

En la BZRP Music Session Vol. 62/66, Bizarrap y J Balvin proponen un cruce sonoro que combina la identidad colombiana del artista de Medellín con el sello inconfundible del productor argentino. La canción se abre con una referencia directa al vallenato, uno de los géneros tradicionales de Colombia, un gesto que vuelve a demostrar la capacidad de Bizarrap para reinterpretar raíces culturales desde una mirada contemporánea, integrándolas a su universo sonoro sin perder su identidad ni su espíritu innovador.

La participación de J Balvin aporta una dimensión global y culturalmente significativa a la Session. Considerado uno de los artistas más influyentes de la música latina de las últimas décadas, su presencia refuerza el carácter internacional del proyecto y subraya la conexión entre distintas generaciones y territorios de la música urbana. El resultado es una colaboración que no solo dialoga con el presente, sino que también rinde homenaje a las raíces y a la evolución del sonido latino.

Este lanzamiento marca además el cierre de un nuevo ciclo para Bizarrap, ya que se trata de la última BZRP Music Session del año. Con ello, el productor argentino reafirma su posición como uno de los artistas más influyentes de la escena global. Sus cifras lo respaldan: más de 19 mil millones de reproducciones acumuladas entre Spotify y YouTube, más de 20 BZRP Music Sessions dentro del Top 200 Global y múltiples canciones alcanzando el número 1 a nivel mundial.

Ganador de cuatro Latin Grammys y poseedor de cuatro Récords Guinness, Bizarrap continúa expandiendo el alcance cultural de su proyecto. Recientemente presentó la BZRP Music Session Vol. 0 junto a Daddy Yankee en un escenario inédito para el formato, la NFL, consolidando el impacto de sus sesiones más allá de la música y posicionándolas en el centro de la conversación cultural global. Su visión artística lo ha convertido en un puente entre culturas y generaciones, llevando la bandera argentina a los escenarios más importantes del mundo.

Con la BZRP Music Session Vol. 62/66 junto a J Balvin, Bizarrap reafirma su liderazgo y su capacidad para seguir redefiniendo los límites de la música latina contemporánea, demostrando que el formato de las Music Sessions continúa siendo un espacio clave para la innovación, el diálogo cultural y los encuentros históricos.

“Ghostlight” es el nuevo álbum del artista y representa, según sus propias palabras, la versión más completa y definida de su sonido hasta la fecha. Se trata de un trabajo que nace de un momento vital en el que la oscuridad y la claridad conviven, un disco que no se centra en el miedo en sí, sino en lo que viene después: la luz tenue que permanece cuando todo lo demás se apaga. Esa idea atraviesa todo el álbum y se convierte en el eje conceptual y emocional de una obra profundamente introspectiva.

Musicalmente, “Ghostlight” se mueve entre el dark electropop, el synthpop y el EDM, construyendo una atmósfera envolvente y coherente de principio a fin. El álbum ha sido producido por FMD, el equipo formado por Fuchs, Marquesa y Delgado, responsables también de sus anteriores lanzamientos. La conexión creativa entre el artista y el trío de productores ha permitido llevar el sonido un paso más allá, explorando nuevas texturas y dinámicas sin perder una identidad clara y reconocible a lo largo de todo el disco.

A nivel temático, “Ghostlight” profundiza en conceptos como el aislamiento, el deseo, la supervivencia emocional, los demonios internos y las conexiones fugaces. Cada canción funciona como una escena dentro de una narrativa visual y emocional más amplia, en la que las emociones se presentan de forma cruda, pero también poética. El álbum propone un recorrido que va de la inquietud a la catarsis, dejando espacio tanto para la vulnerabilidad como para la liberación.

El viaje comienza con Touch My Shadow, una introducción inquietante que habla del anhelo por una conexión intangible, sostenida por sintetizadores que crecen como una tormenta a punto de estallar. Le sigue Alone In The Desert, una colaboración con David Adavi que combina un potente drop de EDM con aristas de dark pop, explorando la soledad en un espacio vasto y vacío, con la voz de David aportando una capa áspera y magnética. Kisses In The Rain muestra un lado más romántico y retorcido, una balada synthpop sobre un amor que se desvanece, tan emocional como eufórica, mientras que Pocketful Of Sand reflexiona sobre los recuerdos que se escapan entre los dedos, con ritmos que evocan olas rompiendo una y otra vez.

Snow Flowers introduce un clima más introspectivo, mezclando un EDM suave con sensaciones invernales y la idea de florecer en el frío, frágil pero hermoso. Fleeting, breve e intensa, captura esos instantes que desaparecen demasiado rápido, con una energía synthpop oscura y directa. Dancing On Ashes, señalado como próximo single, destaca por su pulso EDM y su espíritu liberador, pensado para quemar el pasado y soltarse sin mirar atrás. Robot Soul se adentra en la sensación de sentirse mecánico en un mundo humano, con sonidos electropop glitchy que refuerzan una estética futurista e inquietante. All My Demons construye uno de los clímax emocionales del disco, abrazando el caos interior con beats oscuros y voces expansivas, mientras que Letter With No Name cierra el álbum con un tono misterioso, como una confesión sin firma que permanece flotando mucho después del último acorde.

Con “Ghostlight”, el artista firma un trabajo sólido, coherente y emocionalmente intenso, que confirma su evolución y su capacidad para transformar experiencias personales en un universo sonoro propio. El álbum no solo amplía su propuesta musical, sino que también refuerza su narrativa visual y conceptual, consolidándolo como una voz con identidad dentro de la electrónica contemporánea de tintes oscuros.

“Ghostlight” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico del artista, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Aaron Marques continúa abriéndose camino en la escena musical española con el lanzamiento de “Solo hay uno”, su nuevo single publicado el 8 de enero de 2026. La canción se presenta como una propuesta cargada de sensibilidad que se mueve entre el flamenco urbano y el pop sentimental, apostando por una narrativa directa que conecta con quienes han vivido un amor profundo y difícil de olvidar. Este tema es además el segundo adelanto del álbum Alma, un proyecto en el que Aaron Marques trabaja junto a Kick Key y Dimelo Hifi y que perfila con claridad su identidad artística.

“Solo hay uno” gira en torno a la idea del amor único, ese vínculo que deja huella y al que siempre se regresa desde el recuerdo. La letra pone el foco en la pérdida y la soledad que llegan tras una ruptura, utilizando imágenes sencillas pero muy evocadoras, como la comparación entre la ausencia de la persona amada y el frío inesperado de una noche de verano. Frases como “dicen que amores solo hay uno y tú fuiste el primero” refuerzan ese sentimiento de apego y nostalgia, dibujando el retrato de alguien que fue refugio emocional y abrigo en los momentos más vulnerables.

En lo musical, la canción combina una base rítmica moderna con una interpretación vocal que conserva el quejío característico del flamenco, logrando un equilibrio entre tradición y actualidad. Aaron Marques apuesta por una interpretación honesta, sin excesos, buscando una conexión emocional directa con el oyente y dejando que la letra sea la protagonista. Este enfoque refuerza el carácter confesional del tema y encaja con la nueva ola de artistas que están redefiniendo el sonido urbano desde una mirada más íntima y personal.

Con este lanzamiento, Aaron Marques reafirma su interés por explorar la vulnerabilidad romántica a través de un lenguaje cercano, abordando el amor y el desamor desde una perspectiva sincera y reconocible. Su propuesta se alinea con los sonidos que dominan actualmente las listas en España, pero sin perder una identidad propia marcada por la emoción y el respeto por las raíces flamencas.

“Solo hay uno” se consolida así como un paso firme dentro del camino artístico de Aaron Marques y como una pieza clave dentro del universo de su próximo álbum Alma, anticipando un proyecto que promete seguir profundizando en historias personales y sentimientos universales.

“Solo hay uno” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Aaron Marques, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Lenier y Saudy unen fuerzas en “Namoré”, un single que conecta el pulso tropical con el lenguaje urbano actual y que se presenta como una de esas canciones diseñadas para levantar el ánimo y mover el cuerpo desde la primera escucha. La colaboración reúne a dos figuras muy queridas del panorama latino, combinando experiencia y frescura en un tema que celebra el amor desde una perspectiva luminosa y festiva.

Lenier Mesa, artista cubano afincado en Miami, se ha consolidado como uno de los nombres más influyentes de la música latina contemporánea. Reconocido tanto por su faceta de compositor como de intérprete, es el autor de éxitos de alcance internacional como “Cómo te pago” y ha sido galardonado con múltiples premios Latin Grammy. Su estilo se distingue por una voz melódica y versátil, capaz de moverse con naturalidad entre el reggaetón, la salsa, la balada y otros sonidos caribeños, una cualidad que vuelve a quedar patente en este nuevo lanzamiento.

A su lado aparece Saudy, una artista emergente que viene ganando terreno dentro del género tropical y urbano gracias a una propuesta fresca y una voz potente, con una energía que conecta especialmente bien con el público joven. Su participación en “Namoré” refuerza su proyección y demuestra su capacidad para compartir protagonismo con artistas consolidados, aportando carácter y dinamismo a la canción.

“Namoré” es una fusión tropical y urbana en la que se perciben matices de merengue y bachata moderna, construida sobre una base rítmica alegre y contagiosa. El título juega de forma coloquial con la palabra “enamoré”, anticipando el tono desenfadado del tema. La letra celebra ese momento en el que uno cae rendido ante alguien casi sin darse cuenta, describiendo la emoción, la fiesta y el estado de felicidad casi ingenua que provoca el amor cuando irrumpe de manera inesperada.

La producción destaca por su limpieza y claridad, dejando que el ritmo caribeño marque el camino y permitiendo que las voces brillen con naturalidad. El contraste entre el romanticismo característico de Lenier y la energía vibrante de Saudy crea una combinación equilibrada que ha conectado rápidamente con el público en plataformas digitales, reforzando el carácter bailable y positivo de la canción.

Con “Namoré”, Lenier reafirma su habilidad para reinventarse y seguir sumando colaboraciones relevantes sin perder su esencia, mientras que Saudy da un paso firme en su crecimiento artístico, consolidándose como una voz a tener en cuenta dentro del panorama tropical urbano. Juntos, proponen un tema que invita a celebrar el amor, la música y el baile, manteniendo vivo el espíritu caribeño que conecta generaciones y estilos.

“Namoré” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lenier y Saudy, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

JustDiego continúa afianzando su identidad dentro del rock alternativo con el lanzamiento de “La periferia de tu boca”, un nuevo sencillo que se suma al camino trazado por “Tus Bestiarios”, “Andrómeda”, “Salvarme de mí” y “Resuelvo que tengo que huir”. El dúo zaragozano, formado por Diego en voz y guitarra y Felipe en batería y coros, presenta una canción que vuelve a mirar de frente al grunge de los años noventa, pero desde una sensibilidad contemporánea marcada por la introspección emocional y la crudeza expresiva. El tema formará parte de su próximo álbum, “Sutura”, un trabajo que se perfila como la consolidación definitiva de su universo sonoro.

Grabado nuevamente bajo la producción de Xavi Estivill y en el entorno creativo de La Cafetera Atómica de Zaragoza, “La periferia de tu boca” se construye sobre guitarras densas, una base rítmica firme y una interpretación vocal cargada de tensión. El sonido actúa como un vehículo directo para una letra que no esquiva el conflicto interno, sino que se sumerge en él con honestidad, dejando al descubierto las contradicciones que atraviesan los vínculos afectivos y la lucha constante entre la necesidad de apego y el deseo de liberación.

La canción funciona como una oda al desequilibrio emocional, a los vértigos íntimos y a esa sensación de caminar al borde del vacío cuando las relaciones se convierten en un territorio inestable. A lo largo del tema, el protagonista reconoce sus temores, observa cómo su energía oscila entre picos y valles y trata de encontrar un punto de aterrizaje emocional en medio del ruido. Versos como “Aún en mis peores días sigo queriendo libar de ti” o “Saberme que puedo volar asusta la idea sin ti” resumen con precisión esa tensión entre la dependencia y la conciencia de uno mismo.

JustDiego apuestan una vez más por un lenguaje directo y poético a la vez, cargado de imágenes físicas y sensoriales que refuerzan el impacto emocional del relato. La letra se despliega como un viaje introspectivo donde el miedo, la fragilidad y el deseo conviven sin filtros, mientras la instrumentación va construyendo una atmósfera de intensidad creciente que acompaña cada giro emocional del texto. No hay artificios innecesarios, solo una expresividad cruda que remite a la esencia del rock alternativo más visceral.

Con este quinto lanzamiento, el dúo reafirma su lugar dentro de la escena alternativa aragonesa, consolidando una propuesta coherente que prioriza la autenticidad y el peso emocional por encima de las tendencias. “La periferia de tu boca” no solo amplía el universo narrativo de JustDiego, sino que también refuerza la expectativa en torno a “Sutura”, un álbum que promete profundizar aún más en las heridas, las contradicciones y los procesos de sanación que atraviesan su discurso artístico.

“La periferia de tu boca” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de JustDiego, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, conciertos o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Pedro Pastor une su voz y su discurso a El Plan de la Mariposa en una nueva versión de “Amar”, una canción que nace desde una premisa tan clara como provocadora: el mundo ya no necesita otra canción de amor, y mucho menos otra de desamor. Desde ese punto de partida, el tema se convierte en una reflexión profunda sobre las formas hegemónicas de vincularnos afectivamente, invitando a repensar el amor desde lugares más libres, conscientes y empáticos.

“Amar” no propone un relato romántico convencional, sino que pone en tela de juicio los modelos aprendidos que muchas veces reproducen dependencia, posesión o sacrificio. La canción abre la puerta a imaginar otras relaciones posibles, basadas en el respeto, la autonomía, la generosidad y el cuidado mutuo, planteando el amor como un espacio de crecimiento compartido y no como una jaula emocional. En este sentido, el mensaje conecta de forma directa con una sensibilidad cada vez más presente en las nuevas generaciones, que buscan nuevas maneras de entender los afectos.

En esta nueva versión, “Amar” se enriquece con la incorporación de El Plan de la Mariposa, una de las bandas más destacadas del rock argentino actual. Sus voces, violines y acordeones aportan una nueva dimensión sonora al tema, ampliando su carga emocional y dotándolo de una épica colectiva que refuerza el mensaje de la canción. La colaboración llega en un momento especialmente dulce para la banda argentina, que recientemente llenó el Estadio Diego Armando Maradona y se consagró ante más de 22.000 personas, confirmando su enorme conexión con el público.

Este lanzamiento funciona además como el último adelanto de “10 Locos Años Descalzos”, el nuevo disco de Pedro Pastor, que verá finalmente la luz el próximo 6 de febrero. El álbum se perfila como un proyecto especialmente significativo dentro de su trayectoria, no solo por el contenido de las canciones, sino también por la lista de colaboraciones que lo acompañan, entre las que destacan nombres como Silvio Rodríguez, Rozalén, Chico César, Monsieur Periné o El Kanka. Un conjunto de voces que refuerzan el carácter colectivo, político y emocional del proyecto.

La presentación oficial del disco y el inicio de la gira tendrán lugar el 14 de marzo en el Auditorio Pilar Bardem de Rivas, en Madrid, marcando el comienzo de una nueva etapa en la carrera de Pedro Pastor, donde la música vuelve a funcionar como herramienta de reflexión y transformación social. “Amar”, en colaboración con El Plan de la Mariposa, se erige así como una pieza clave dentro de este nuevo trabajo, no solo por su fuerza musical, sino por su capacidad de cuestionar y abrir conversaciones necesarias sobre cómo nos relacionamos.

“Amar” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Pedro Pastor y El Plan de la Mariposa, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.