El dúo Rick and Sarah Blasi acaba de estrenar "Travelin’ Man", un nuevo single que fusiona de forma magistral la energía urbana del Future Garage con la calidez y profundidad emocional del R&B. La canción, ya disponible en plataformas digitales, se presenta como una experiencia sonora envolvente y sofisticada que invita a dejarse llevar por su atmósfera introspectiva y sus irresistibles melodías.

El Future Garage, conocido por su carácter cinematográfico y sus texturas ambientales, se convierte en el escenario perfecto para esta propuesta de los Blasi. En "Travelin’ Man", los característicos ritmos sincopados del género británico se entrelazan con teclados eléctricos texturizados, sintetizadores brillantes y una base rítmica hipnótica que atrapa desde el primer compás. Todo ello, acompañado por una interpretación vocal delicada y sentida que da vida a la letra, construyendo una pieza que se siente a la vez actual y emocionalmente cargada.

La canción gira en torno a un estribillo magnético, tan pegadizo como conmovedor, que se instala en la memoria y permanece mucho después de la última nota. Se trata de un viaje musical a través del movimiento, los recuerdos y las huellas que deja en nosotros alguien que nunca permanece en un mismo lugar. "Queríamos crear una atmósfera enérgica y sofisticada", comenta Sarah. "‘Travelin’ Man’ captura el espíritu inquieto de alguien que siempre está en tránsito, dejando una marca imborrable en cada lugar que pisa."

Pensada para acompañar esos trayectos nocturnos bajo las luces de la ciudad o momentos de introspección en soledad, la canción refleja la filosofía musical de Rick and Sarah Blasi: derribar barreras de género y explorar nuevas texturas sonoras. Este single es una prueba más del talento del dúo para mezclar estilos como el R&B, Soul, UK Garage, Pop, Jazz y World Music, logrando composiciones de gran riqueza instrumental, letras cuidadas y hooks memorables.

Desde su estudio en Florida, Rick y Sarah escriben, graban y producen su música, consolidando una propuesta que no teme experimentar y que busca conectar con el oyente a través de emociones genuinas y ambientes sonoros sofisticados.

"Travelin’ Man" ya está disponible en plataformas digitales. Para más información sobre Rick and Sarah Blasi y sus próximos lanzamientos, puedes seguirlos en sus redes sociales.

El grupo barcelonés Cara B vuelve a la escena con "Inmortales", el primer adelanto de su esperado tercer álbum de estudio. La banda, que ha sabido ganarse un espacio propio dentro del rock en español gracias a su energía, identidad y compromiso emocional, presenta ahora una pieza que trasciende lo musical para convertirse en un homenaje sincero a un amigo muy cercano que falleció recientemente.

"Inmortales" es una composición cuidada, emotiva y poderosa que recorre distintas atmósferas sonoras a lo largo de sus minutos. La canción comienza con una delicada introducción de piano que marca un tono íntimo y reflexivo, para después evolucionar hacia los terrenos más característicos del hard rock clásico, donde guitarras afiladas y una base rítmica contundente acompañan una interpretación vocal cargada de sentimiento. Como colofón, la canción culmina con un poema recitado que cierra el tema con una carga emocional profunda, convirtiéndolo en un viaje sonoro y sentimental que conecta de forma directa con el oyente.

Después del éxito cosechado con su anterior álbum "Frágiles", que logró incluir dos de sus canciones en playlists editoriales de Spotify y sumar más de 250.000 reproducciones en "Sed" y 48.000 en "Esperanzas bajo el mar", Cara B confirma con este lanzamiento su intención de seguir aportando una propuesta honesta y contundente al panorama del rock en español.

“Con ‘Inmortales’ queríamos rendir tributo a ese amigo que, aunque ya no está físicamente, sigue muy presente en nuestra vida y nuestra música. Es una canción que habla de la huella que dejan las personas que amamos y de cómo, a través de los recuerdos y las canciones, se vuelven inmortales”, explican desde la banda.

Este nuevo single no solo refuerza la identidad sonora de Cara B —una mezcla de rock progresivo, hard rock clásico y sensibilidad lírica—, sino que también anticipa la dirección emocional y musical de su próximo disco, una obra que, a juzgar por este primer adelanto, promete ser una de sus más personales y contundentes hasta la fecha.

"Inmortales" ya está disponible en plataformas digitales. 

Cuando las palabras ya no bastan y el silencio pesa más que cualquier reproche, la música se convierte en el lenguaje de las despedidas. Así lo demuestran Joshua Gellman y Eliza Smith en "You Don’t Love Me", su nuevo single conjunto, una sobrecogedora conversación entre dos amantes al borde del abismo emocional. Más que una simple canción, este tema se presenta como un duelo de voces que desnudan tensiones, negaciones y heridas abiertas, atrapadas en ese instante donde el amor tambalea y el orgullo amenaza con silenciarlo todo.

Con una base que fusiona la calidez del soul vintage y el R&B con la urgencia contemporánea de la producción hip hop, "You Don’t Love Me" despliega una atmósfera cruda y magnética. Los acordes de un Fender Rhodes marcan el tono nostálgico, mientras beats contundentes y sutiles scratches de vinilo dan forma a un paisaje sonoro que resulta tan moderno como atemporal.

La interpretación vocal de Eliza Smith se lleva parte del protagonismo: elegante, dolida y firme, su voz recorre cada línea con una mezcla de precisión y alma que estremece. Frente a ella, Joshua Gellman aporta una interpretación desgastada y emotiva, cargada de grietas y humanidad. Juntos, logran una dinámica vibrante, un tira y afloja que más que un dueto parece una discusión a medianoche capturada en directo, en la que cada frase es una confesión que late entre el amor que queda y la amargura acumulada.

La composición, firmada por Gellman, se sostiene en una estructura minimalista pero cargada de intención. Cada nota y cada palabra pesan, creando un crescendo emocional que atrapa desde la primera frase hasta su fade final. "You Don’t Love Me" es, más que una canción de ruptura, una fotografía sincera y sin filtros de esos momentos donde la vulnerabilidad y el orgullo se enfrentan cara a cara.

Con este single, Joshua Gellman y Eliza Smith no solo entregan una pieza impecable desde lo técnico y lo interpretativo, sino también una experiencia emocional capaz de resonar en cualquiera que haya sentido el vértigo de un adiós inminente.

"You Don’t Love Me" ya se encuentra disponible en plataformas digitales. Además, los artistas presentarán este poderoso tema en vivo el próximo 13 de junio en el Terminal Bar de Nanaimo, como parte del Speak to My Dreams Album Release Show. Para conocer más sobre Joshua Gellman, Eliza Smith y sus próximos proyectos, puedes seguirlos en sus redes sociales.

La nueva escena musical española no deja de sorprender y esta vez lo hace con una colaboración que promete dejar huella. Caluu C. y Guarino presentan ¿Quieres de VD?, un tema cargado de intensidad, deseo y honestidad brutal que desde su primer acorde atrapa al oyente y lo sumerge en una historia donde lo inesperado se vuelve inevitable.

Este nuevo sencillo no es solo una canción: es un retrato descarnado de los vínculos emocionales en tiempos donde lo fugaz y lo eterno pueden convivir en un mismo instante. ¿Quieres de VD? plantea de forma directa una de las preguntas más reales y crudas del amor contemporáneo: ¿esto es de verdad o solo estamos jugando? A través de una narrativa visceral y sin adornos, Caluu C. y Guarino logran poner en palabras y melodías ese instante en el que el deseo se convierte en necesidad y la casualidad en destino.

La producción, con una atmósfera envolvente y una base rítmica que seduce sin esfuerzo, potencia cada verso como si fuera un latido, y convierte cada estribillo en un suspiro contenido. La química entre ambos artistas se percibe con naturalidad, creando una tensión emocional que se cuela en cada rincón de la canción. Caluu C. aporta su voz íntima y penetrante, mientras Guarino suma su interpretación sincera y afilada, logrando un equilibrio perfecto entre sensibilidad y arrojo.

Con este lanzamiento, ambos artistas consolidan su lugar en la vanguardia de la música urbana-pop nacional, demostrando que se puede hablar de amor, deseo y vulnerabilidad sin clichés y con una estética sonora atrevida que no deja indiferente. ¿Quieres de VD? es de esas canciones que no solo se escuchan, sino que se sienten y se quedan.

El tema ya está disponible en plataformas digitales, listo para colarse en las playlists de quienes buscan música que hable sin rodeos y que emocione de verdad. Para estar al tanto de todas las novedades de Caluu C., Guarino y sus próximos proyectos, puedes seguirlos a través de sus redes sociales.

Lili Ritz ha lanzado Harakiri, su nuevo single disponible desde el pasado 23 de mayo en todas las plataformas digitales. Con esta canción, la joven promesa del soul-pop español profundiza en el dolor que se vive tras una ruptura, comparándolo con el acto simbólico del harakiri: una forma de rendirse al final de una historia que no se quiso terminar.

El harakiri hace referencia al suicidio ritual japonés que practicaban los guerreros samuráis por razones de honor. Se realizaba voluntariamente para que muriesen con dignidad aquellos que habían cometido una ofensa o preferían evitar ser capturados y torturados por el enemigo. Este acto consistía en clavarse una daga en el abdomen y moverla de izquierda a derecha para cortarse el vientre.

En este contexto, Lili Ritz utiliza el concepto del harakiri para expresar la tristeza y la nostalgia de los primeros días tras una ruptura amorosa. “El harakiri era un ritual de honor, y en esta canción quise expresar ese momento en el que sientes que el otro decide terminar una relación sin darte opción. Como si te atravesaran sin avisar”, explica. Una metáfora poderosa que se refuerza en el videoclip, donde la artista aparece vestida con estética japonesa y empuñando una katana, en clara alusión visual al ritual que da nombre al tema.

La frase “Nos has hecho el harakiri en cinco segundos”, que aparece en la canción, condensa el sentimiento de desgarro que recorre el tema. Lili no habla desde el reproche, sino desde el dolor de quien no ha querido acabar con ese amor, pero se ve obligada a asumir la decisión del otro. A pesar de la crudeza de la metáfora, Harakiri no culpa: solo muestra una herida abierta.

Este lanzamiento es el segundo adelanto del primer EP de la artista madrileña, que verá la luz después del verano bajo el título Kintsugi. Cada canción del proyecto representa una etapa emocional en el proceso de reconstrucción tras una ruptura, y cada título está inspirado en un concepto japonés. “Quería mostrar que romperse también puede ser bello, porque es el principio de un nuevo yo”, afirma Lili.

El EP estará compuesto por una introducción y cinco canciones. Su portada general representa una baldosa de cerámica rota y reparada con pintura dorada, siguiendo la técnica japonesa del kintsugi que da nombre al trabajo. En ella, el rostro de Lili aparece fragmentado en seis partes —una por cada pista—, y cada lanzamiento individual desvela una de esas piezas. La portada de Harakiri corresponde al ojo derecho de esa baldosa, haciendo un guiño visual a la imagen del primer single, Kintsugi, para remarcar que ambas forman parte del mismo conjunto.

Kintsugi, el primer adelanto, se publicó en marzo e inauguró este viaje emocional. Inspirada en la técnica de reparar con oro lo que se ha roto, la canción habla de sanar, de abrazar nuestras grietas y de encontrar belleza en las heridas del pasado.

Aunque Lili ya ha confirmado que habrá más canciones, por ahora nos invita a disfrutar de los dos primeros capítulos de esta historia musical. ¿Qué término japonés dará título a su próximo lanzamiento?

Con apenas 21 años, Lili Ritz se está consolidando como una voz nueva, sensible y honesta dentro del panorama musical. Su estilo, a caballo entre el soul y el pop, ya ha sido reconocido en certámenes como el de Jóvenes Autores de El Escorial o CREA 2025.

Harakiri y Kintsugi ya están disponibles en todas las plataformas digitales. El viaje apenas ha comenzado.

La cantautora venezolana Nella vuelve a emocionar con su nueva canción ‘No más que a mí’, un tema que no solo reafirma su sensibilidad artística, sino que también marca un momento muy personal y significativo en su carrera. Disponible desde hace unos días en plataformas digitales, este nuevo single se presenta como una suerte de cierre emocional, una despedida necesaria y luminosa que la artista espera también pueda convertirse en un refugio y una liberación para todo aquel que lo escuche.

Con una voz que acaricia y una interpretación cargada de honestidad, Nella comparte una pieza que nace de lo más íntimo y que conecta con cualquiera que haya sentido la necesidad de dejar atrás el dolor para reencontrarse consigo mismo. ‘No más que a mí’ es una canción que habla de decir adiós, pero también de reconciliarse con el propio corazón y aprender a quererse por encima de todo.

La artista, que se define como una voz que escribe canciones que mueven el alma y, con suerte, llegan a donde más se necesitan, ha compuesto este tema junto a Fernando Osorio, otro nombre esencial dentro de la escena musical latina. La producción ha estado a cargo de Nico Ramírez y de la propia Nella, sumando así otra obra sincera y cuidada a su repertorio.

El videoclip que acompaña la canción también ha sido concebido como una extensión visual de esa búsqueda de liberación. Dirigido por Federica Arévalo, con producción de Isabel Montenegro y dirección de fotografía de Greg de Franca, el trabajo audiovisual apuesta por una narrativa sensible y cargada de simbolismo, reflejando ese viaje interior de soltar y reconstruirse. La asistencia general estuvo a cargo de Ignacio Rangel Pacheco, completando un equipo que supo capturar la esencia de esta etapa tan especial en la vida de Nella.

Con una trayectoria que ha conquistado públicos de todo el mundo gracias a su capacidad de emocionar y conectar desde la sencillez y la verdad de sus canciones, Nella sigue demostrando por qué se ha convertido en una de las voces más respetadas y queridas de su generación.

‘No más que a mí’ ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales, y para no perderte ninguna novedad sobre la artista, sus próximos lanzamientos y presentaciones en vivo, puedes seguirla en sus redes sociales. Una canción que, sin duda, tocará a quienes aún tienen algo por soltar y a quienes buscan la valentía de elegir amarse primero.

El artista LYRICFLOW81 vuelve a llenar de color y ritmo la escena musical con el estreno de Samba do Mar, una canción vibrante que captura toda la energía festiva de la samba y la esencia despreocupada de la vida junto al mar. Con una combinación irresistible de percusiones alegres, melodías contagiosas y letras que invitan a disfrutar del sol, la playa y la libertad, este nuevo single promete convertirse en un himno para los amantes de los días de verano y las celebraciones frente al océano.

Desde sus primeros compases, Samba do Mar transporta al oyente a una jornada costera repleta de baile, risas y buena compañía. LYRICFLOW81, fiel a su estilo enérgico y fresco, imprime a la canción una interpretación vocal cargada de vitalidad que, junto a una instrumentación colorida y envolvente, crea una atmósfera que resulta imposible no disfrutar. El tema evoca la calidez de la arena, el sonido de las olas y la alegría de las fiestas improvisadas al atardecer.

Con esta propuesta, LYRICFLOW81 consolida su capacidad para mezclar géneros y sensaciones, logrando que Samba do Mar no sea solo una canción, sino una experiencia sonora que invita a celebrar la vida, el verano y todo lo bueno que trae consigo. Ya disponible en plataformas digitales, este sencillo se perfila como una de las piezas imprescindibles de la temporada.

Para conocer más sobre LYRICFLOW81, sus próximos lanzamientos y no perderse ninguna de sus novedades, puedes seguirlo en sus redes sociales.

El artista independiente Same After presenta When We Were Young, una emotiva canción que invita a recorrer los pasillos de la memoria y a reencontrarse con esos instantes que dejaron huella. Con una mezcla delicada de melancolía y calidez, el tema rinde tributo a las amistades eternas, las tardes sin prisa y esos capítulos de la vida que, aunque queden atrás, permanecen vivos en el corazón.

La inspiración para When We Were Young surgió de un detalle cargado de significado: una Fender Telecaster que Same After recibió como regalo de sus amigos de la infancia. Ese gesto fue el punto de partida para crear una canción íntima y sincera, que evoca imágenes de parques, bicicletas, primeras aventuras y esa sensación irrepetible de libertad que acompaña a la juventud. “Quería crear una canción que te hiciera sonreír con una lágrima en los ojos. Algo para escuchar mientras piensas en tu antiguo vecindario, tu primer skate o esos amigos que ya no ves”, confiesa el artista.

Musicalmente, Same After propone una fusión de pop nostálgico, electrónica minimalista y toques de dark R&B, logrando una atmósfera envolvente y emocional que mantiene la esencia de lo casero y lo auténtico. Cada sonido está cuidadosamente elegido para reforzar esa sensación de viaje emocional, desde sintetizadores etéreos hasta guitarras suaves que acarician la melodía.

Desde Francia, Same After ha consolidado una identidad sonora propia como artista autoproducido, con proyectos que reflejan su sensibilidad y su mirada personal sobre los recuerdos, las emociones y el paso del tiempo. Propuestas como sus playlists temáticas (25MILEs : Memory Glow) demuestran su capacidad para narrar historias a través de la música, conectando con oyentes que buscan algo más que una canción.

When We Were Young ya está disponible en plataformas digitales y se perfila como una de esas piezas capaces de acompañar a cualquiera en un momento de nostalgia luminosa. Para seguir de cerca las novedades de Same After y conocer sus próximos proyectos, puedes encontrarlo en sus redes sociales.

La talentosa vocalista Katya Burns, afincada en Dubái, vuelve a conquistar corazones con el lanzamiento de Best Man, una canción que rinde homenaje a la complicidad, el amor incondicional y el apoyo mutuo en una relación. Con su característico estilo que fusiona la energía vibrante del pop con la profundidad emocional del R&B, la artista ofrece un tema cargado de sensibilidad y honestidad que promete convertirse en banda sonora de momentos inolvidables.

Best Man es mucho más que una canción; es una declaración de afecto y gratitud hacia esa persona que se convierte en refugio, en compañero de vida y en aliado incondicional. A través de una letra íntima y conmovedora, Katya Burns invita al oyente a sumergirse en un relato de entrega, confianza y alegría compartida. Su inconfundible voz, capaz de traspasar idiomas y géneros, envuelve cada verso con una calidez especial que conecta de inmediato con quienes han experimentado el amor en su forma más pura.

El estribillo de la canción destaca por su melodía envolvente y su capacidad de transmitir cercanía, haciendo de este tema una elección ideal para celebrar historias de amor, aniversarios o momentos especiales entre parejas. La artista, fiel a su estilo innovador, vuelve a tejer un puente entre influencias culturales orientales y occidentales, creando un diálogo musical que resulta fresco, familiar y sorprendente a la vez.

Best Man ya se encuentra disponible en plataformas digitales, invitando a todos a descubrir esta nueva faceta de Katya Burns y dejarse llevar por su propuesta sonora, que continúa conquistando escenarios y audiencias alrededor del mundo. Para no perderse ninguna novedad sobre la artista y sus próximos proyectos, se recomienda seguirla a través de sus redes sociales.

El pop latino sigue viviendo una de sus etapas más vibrantes y una prueba de ello es el reciente lanzamiento del remix de ‘Nadie Dijo’, una colaboración internacional entre Ariann, la talentosa artista española, y Juli Obregón, una de las voces emergentes más prometedoras de Argentina. Estrenado hace apenas dos días, este nuevo tema ya empieza a ganar fuerza en plataformas digitales, conquistando a fans de ambos países y de toda la escena latina.

El remix de ‘Nadie Dijo’ llega como una auténtica explosión sonora de pop bailable con tintes de EDM, combinando la esencia fresca y juvenil de ambas artistas con una producción moderna y contundente. Con melodías pegadizas, un ritmo que invita a moverse y drops potentes que recuerdan a los mejores pasajes de los 2000, este tema está hecho para sonar en las pistas de baile, en las playlists más calientes del momento y en cada rincón donde se celebre la música sin complejos.

Pero lo que hace aún más especial este lanzamiento es la historia que une a Ariann y Juli. Ambas se conocieron el año pasado en Buenos Aires, cuando la artista española participó en un Reality Show Musical. Desde entonces, surgió una amistad auténtica que traspasó lo personal para convertirse en complicidad artística. Esa química se percibe desde la primera nota de esta canción, donde ambas no solo comparten su talento, sino también una actitud luminosa y enérgica que conecta con el público.

Ariann, con una trayectoria que arrancó desde la infancia y una comunidad digital que la sigue fielmente, y Juli Obregón, que ha ido consolidando su nombre en la escena argentina, encontraron en esta colaboración un punto de encuentro perfecto. Ambas empezaron sus carreras muy jóvenes y, hoy en día, con edades similares, han logrado reunir cientos de miles de seguidores en sus redes sociales, reflejo de una generación de artistas que apuestan por la cercanía y el contacto directo con su audiencia.

El remix de ‘Nadie Dijo’, disponible desde el pasado 23 de mayo, representa además ese auge de colaboraciones internacionales entre España y Argentina, que sigue dando frutos espectaculares y refrescando la escena pop latina con sonidos vibrantes y colaboraciones inesperadas.

Ya puedes disfrutar de este tema en plataformas digitales. Y para no perderte ninguna de las novedades de Ariann, Juli Obregón y sus futuros proyectos conjuntos e individuales, recuerda seguirlas en sus redes sociales. Sin duda, esta unión musical acaba de empezar a escribir su historia.

La joven promesa del flamenco-pop Shakira Martínez vuelve a emocionar con el lanzamiento de su nuevo single “Quédate”, una canción que confirma su lugar como una de las voces emergentes más auténticas y conmovedoras del panorama musical actual. Interpretada por la propia artista y compuesta en colaboración con Jose Miguel Reche, la pieza ha sido producida por Baghira y Mees Bickle, dos nombres que aportan al tema una producción cuidada, moderna y cargada de matices.

En “Quédate”, Shakira Martínez despliega una interpretación visceral, donde su inconfundible mezcla de flamenco y soul se entrelaza sobre una base pop contemporánea. La canción habla de ese amor que uno no quiere dejar escapar, de las palabras que se dicen con el corazón en la mano y de la necesidad de retener lo que se ama antes de que sea demasiado tarde. Un tema cargado de sentimiento, que conecta de inmediato por su honestidad y su manera de desnudar las emociones sin artificio.

A pesar de que su carrera acaba de comenzar, Shakira Martínez cuenta ya con una sólida base de seguidores que crece cada día. En sus redes sociales acumula miles de fans y en su canal de YouTube supera los 170.000 suscriptores, con un impresionante registro de 50 millones de visualizaciones totales. Uno de sus grandes éxitos, “Hasta el infinito” junto a Maki, logró alcanzar Disco de Oro en plataformas digitales, consolidándola como una de las artistas a seguir muy de cerca en la nueva escena flamenca.

Con “Quédate”, la cantante demuestra una vez más que en su voz conviven el eco ancestral del flamenco y la sutileza emotiva del soul, logrando transmitir en cada nota una verdad que cala hondo. Este nuevo single está disponible ya en plataformas digitales, y forma parte de una etapa llena de ilusión y proyectos en camino.

Para más información sobre la artista y sus futuros lanzamientos, no dudes en seguirla en sus redes sociales.

El artista valenciano RedMoon, nombre artístico de Carlos Cuesta, vuelve a la carga con su nuevo y explosivo single “@lolalolita”, una apuesta directa para conquistar las redes sociales, especialmente TikTok. Distribuido por Warner Music y ADA Music, este sencillo llega para consolidar su sonido único y su posición como una de las voces emergentes más prometedoras del panorama nacional.

“@lolalolita” es una mezcla vibrante de pop punk, hyperpop y tintes urbanos, con una energía desbordante y una producción fresca pensada para bailar, compartir y convertirse en tendencia. La canción, dedicada a la famosa tiktoker española Lolalolita, relata un amor platónico no correspondido, con una sensibilidad que recuerda al más puro estilo de Dani Martín, especialmente en su canción dedicada a Ester Expósito.

Siguiendo la estela de artistas como Funzo, Delgao, Enol, Hens o Paula Koops, RedMoon mantiene su sello personal con melodías pegadizas, estribillos coreables y una presencia muy marcada de guitarras que evocan la nostalgia del pop punk de los 2000, al estilo de Pignoise, Despistaos o El Canto del Loco.

Tras el éxito viral de “Barbieturicos” y su versión del clásico “Baby” de Justin Bieber, que le valió el apodo de “el nuevo Justin Bieber español”, RedMoon no ha dejado de crecer. Su reciente nombramiento como “MEMBER VOTING” de los Latin Grammys marca un nuevo hito en su prometedora carrera.

“@lolalolita” forma parte de su esperado álbum “Distintos”, un trabajo que promete sorprender y enamorar especialmente a su fiel base de fans, conocidas como las Cayetanas.

Una tormenta se cierne sobre la escena musical global y su nombre es The Corruption Project. Esta misteriosa y explosiva colectiva, nacida entre el fuego caribeño y la crudeza del underground latino, ha llegado para quedarse. Con su mezcla feroz de vocales seductores en Spanglish, dancehall incendiario y adrenalina electrónica, presentan “Reina de la Noche”, su single debut que no es solo una canción: es un ritual de ritmo, poder y descontrol.

Desde los primeros compases, “Reina de la Noche” enciende la pista con beats demoledores y una energía que invita a soltarse sin miedo, a adueñarse de la oscuridad y a sentirse invencible. Es un track hecho para prender clubes, invadir festivales desde Ibiza hasta Medellín y quedarse resonando en la piel mucho después del último drop.

Al frente de esta tormenta está Shiney Shanna, una artista tan letal como magnética. Con su voz hipnótica que se desliza entre la sensualidad del R&B y la crudeza del urban latino, Shanna no solo canta: gobierna. DJ, performer y reina absoluta del ritmo, es la cara visible de un proyecto que ha decidido no seguir las reglas.

Junto a ella, Masta, conocido como The Ragga General, pone la pólvora caribeña. Artista oriundo de Curaçao, Masta ya acumula más de 30 millones de reproducciones en éxitos internacionales como “Go Gyal” de Ahzee, “Loco”, “Dada”, y más recientemente un millón de streams junto a DJ Galaga y Rubin Thurnim. Con un micrófono en mano y festival en la sangre, Masta trae su inconfundible presencia escénica y su capacidad para incendiar cualquier escenario.

Pero la gran pregunta sigue en el aire: ¿quién está realmente detrás de The Corruption Project? Las voces corren. Algunos apuntan a productores de élite de la escena global, otros susurran sobre un experimento sonoro diseñado para la dominación viral. Lo único cierto es que esto no es solo música. Es una irrupción. Una advertencia. Y “Reina de la Noche” es su primer disparo.

Además, para quienes han seguido la carrera de Masta, este lanzamiento representa una evolución. Inspirado desde sus inicios por el legendario Yellowman, el artista caribeño ha sabido transitar con soltura entre reggae, rap y dancehall, defendiendo siempre que “la música es como el estado de ánimo, tiene muchos sabores”. Desde sus días con 45 Style hasta sus sets demoledores en Volcano, Masta ha construido una trayectoria que hoy lo lleva a ser parte de este proyecto que reivindica a las reinas de la noche y que promete no dejar indiferente a nadie.

Disponible ya en plataformas digitales, “Reina de la Noche” marca el nacimiento de un movimiento. Un golpe de autoridad que invita a quienes escuchan a conquistar la pista, a hacerse dueños de la noche y a formar parte de esta revolución sonora.

El músico, compositor y productor Alex Carrasco presenta “Muévete”, un potente llamado a despertar el cuerpo y sacudir la rutina a través de la música. Este tema, que forma parte de su reciente EP UMAMI, es una pieza vibrante donde la electrónica, los ritmos orgánicos y las raíces del mestizaje cultural se funden en una experiencia sonora envolvente y liberadora.

Cantado íntegramente en español, “Muévete” combina una base de electrónica orgánica, un tumbao de congas que late con fuerza y sintetizadores con matices orientales, creando un ambiente hipnótico y festivo. Es una canción que no solo invita a bailar, sino también a reconectar con la energía vital, liberarse de la rutina diaria y dejarse llevar por el impulso natural del movimiento.

Fiel a su ADN musical, Alex Carrasco vuelve a demostrar su maestría para mezclar sonidos y culturas. Profundamente influenciado por sus raíces españolas y por la riqueza de la música del mundo, de Cuba a los Balcanes, pasando por el Magreb, el artista lleva más de dos décadas transitando un camino que abarca la creación, el directo y la producción, siempre desde una perspectiva libre y mestiza.

Tras haber fundado proyectos como METISOLEA’ y colaborar con artistas de la talla de Bénabar, Qairo, Taïnos o Duende, Carrasco da un paso al frente con UMAMI, su primer trabajo en solitario completamente autoproducido. Este EP marca un punto de inflexión personal y artístico, donde cada canción funciona como un puente entre las raíces, la modernidad y una libertad sonora sin etiquetas.

Con un directo en preparación, “Muévete” se perfila como uno de los himnos imprescindibles de este nuevo capítulo en la carrera de Alex Carrasco. Disponible ya en plataformas digitales, es el adelanto perfecto para descubrir un artista que entiende la música como una celebración de la diversidad y el mestizaje.

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La cantautora hispano-francesa Marta Cancela vuelve a tocar el corazón de su público con “Dos Amores”, su cuarto single y quizás el más personal de su carrera. Fiel a su estilo, que fusiona el pop rock español con una sensibilidad propia y delicada, Marta presenta una canción íntima, luminosa y cargada de emoción, dedicada a sus dos hijos, sus dos grandes amores.

Compuesta íntegramente en español, “Dos Amores” es más que una canción: es una carta abierta al amor incondicional y a la capacidad humana de querer intensamente a más de una persona sin que ese amor se divida. “Este tema habla del poder de amar profundamente a dos personas al mismo tiempo, sin que una reste a la otra”, explica la artista. Un mensaje profundo, honesto y universal que rompe con la idea arraigada de que el amor debe ser exclusivo para ser verdadero.

Musicalmente, “Dos Amores” se sostiene sobre una base pop rock de líneas suaves y envolventes, donde la calidez de la voz de Marta Cancela guía al oyente por un recorrido emocional que conecta con cualquiera que haya sentido ese amor abundante que desborda, ya sea por un hijo, una pareja, un amigo o un ser querido. Es una canción que acaricia, que abraza y que deja un mensaje esperanzador en tiempos donde el amor necesita decirse más.

Para Marta, este single representa no solo una declaración personal, sino una invitación a normalizar la idea de que se puede querer sin medida y sin restar a nadie. “Es un canto a ese amor que no compite, que convive y que crece”, afirma la cantautora, quien desde sus primeros lanzamientos ha sabido construir un espacio propio dentro de la escena independiente, mezclando influencias hispanas y francesas con letras honestas y cercanas.

“Dos Amores” se convierte en una nueva muestra del talento y la sensibilidad de Marta Cancela, una artista que escribe desde lo vivido y canta desde lo sentido.

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