Un nuevo año está a punto de comenzar y queremos detenernos un momento para miraros de frente y daros las gracias por haber formado parte de este camino compartido. El 2025 nos ha dejado aprendizajes, emociones, retos superados y muchos instantes que ya forman parte de nuestra historia común.
Desde ElFiesta.es, deseamos que el 2026 llegue a vuestras vidas cargado de ilusión, salud, amor y razones para sonreír. Que sea un año de nuevos comienzos, de sueños que se atrevan a dar el paso, de metas que se construyan con paciencia y de momentos sencillos que se conviertan en recuerdos imborrables.
Que cada día del nuevo año esté lleno de energía positiva, de encuentros sinceros, de abrazos que reconforten y de pequeñas victorias que merezcan ser celebradas. Que la esperanza marque el ritmo de vuestros pasos y que nunca falten la alegría, la unión y la confianza en todo lo bueno que está por venir.
Nos sentimos profundamente agradecidos por vuestra cercanía, vuestro apoyo y vuestra fidelidad. Vosotros sois parte esencial de ElFiesta.es y la razón por la que seguimos creciendo, creando y celebrando juntos cada etapa.
Brindamos por un 2026 lleno de oportunidades, de caminos compartidos y de experiencias que nos sigan uniendo. Que este nuevo año os regale motivos para creer, para disfrutar y para seguir celebrando la vida.
De parte de todo el equipo de ElFiesta.es, os enviamos nuestros mejores deseos para el nuevo año. ¡Feliz 2026!
Celeste Sanazi presenta “Cúlpame”, su nuevo sencillo, una salsa intensa y profundamente emocional que transforma la complejidad de las relaciones humanas en ritmo, verdad y catarsis. La artista argentina radicada en México abre así una nueva etapa creativa marcada por una mayor madurez interpretativa, donde la pasión, el conflicto y la vulnerabilidad se convierten en el motor de una propuesta musical vibrante y honesta.
“Cúlpame” aborda esas relaciones en las que convivir con el amor implica también aceptar el error, la contradicción y la dificultad de soltar a tiempo. A través de una producción poderosa y llena de matices, Celeste convierte el dolor compartido en una experiencia bailable, demostrando que la salsa también puede ser un vehículo para narrar emociones complejas. La artista define la canción como un reflejo de sentirse víctima y victimario al mismo tiempo, una dualidad que se percibe tanto en la letra directa como en la intensidad de su interpretación.
El lanzamiento viene acompañado de un videoclip con una estética cinematográfica cuidada al detalle, dirigido por Diana Martínez y Guigo Sánchez. La pieza audiovisual narra de forma misteriosa y sensual una ruptura amorosa, apoyándose en una paleta de colores expresiva, una coreografía cargada de intención y un lenguaje visual que refuerza el trasfondo emocional del tema. Cada plano está pensado para traducir los estados internos de la historia en imágenes, creando una experiencia visual que dialoga constantemente con la música.
La propuesta artística de Celeste Sanazi se construye desde la fusión. En su universo conviven las raíces tropicales con el pop y los guiños urbanos, siempre al servicio de letras que se atreven a decir lo incómodo desde una mirada femenina auténtica. Sus canciones hablan de vínculos, deseo, injusticias emocionales y procesos de transformación personal, combinando sensibilidad, carácter e ironía sin perder fuerza interpretativa.
Parte de esta solidez artística proviene de su trayectoria como actriz, con experiencia en producciones para plataformas y cadenas como Netflix, Paramount, Nickelodeon, Telefé, Televisa y Viacom. Ese recorrido le ha permitido entender el valor del trabajo en equipo, la narrativa y la entrega emocional, elementos que hoy traslada con naturalidad a su proyecto musical, donde la interpretación ocupa un lugar central.
De cara a 2026, Celeste Sanazi prepara el lanzamiento de un nuevo álbum que promete profundizar en este universo sonoro y emocional. El disco incluirá canciones potentes y emotivas, pensadas para bailar, sentir y reflexionar al mismo tiempo, reafirmando su idea de que la música no es solo algo que se escucha, sino algo que se vive intensamente.
Con “Cúlpame”, Celeste continúa transformando experiencias personales en canciones que conectan desde la verdad, invitando al público a reconocerse en lo que duele, en lo que incomoda y también en lo que libera.
“Cúlpame” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Celeste Sanazi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
ATK Epop presenta “No digas que me quieres”, un nuevo sencillo firmado junto a Mara Vélez que se sitúa en un punto de encuentro tan arriesgado como elegante entre el flamenco tradicional y una producción de carácter cinematográfico. La propuesta cuenta también con la participación del cantaor gaditano Josele Vargas, cuya voz aporta profundidad y autenticidad a una canción que eleva la raíz flamenca hacia un terreno orquestal, envolvente y emocionalmente intenso.
En esta colaboración, ATK Epop construye una atmósfera sonora cuidada al detalle, donde el respeto por el cante se combina con arreglos de cuerdas, dinámicas amplias y una narrativa musical que remite al cine clásico. El resultado es una pieza que no solo se escucha, sino que se vive, gracias a una producción que acompaña y potencia cada matiz vocal sin restarle verdad ni fuerza expresiva.
La unión de Mara Vélez y Josele Vargas funciona como un diálogo emocional desde dos orillas distintas del mismo sentimiento. La voz aflamencada y delicada de Mara se entrelaza con el quejío profundo de Josele para dar forma a un relato compartido, cargado de dramatismo y honestidad, que redefine el flamenco contemporáneo desde una mirada abierta y actual.
La letra de “No digas que me quieres” se mueve entre la devoción, la duda y el destino. Entre velitas encendidas, luces de colores, música, flores y remedios para el mal de amores, la canción retrata una relación marcada por la contradicción, donde el amor es al mismo tiempo refugio y condena. El estribillo, “No me digas que ya no sientes que soy la mejor de tus bendiciones”, se convierte en el eje emocional del tema, una frase que resume la imposibilidad de desprenderse de un querer que duele, pero que sigue llamando.
Con este lanzamiento, ATK Epop continúa explorando nuevos lenguajes dentro del flamenco, ampliando sus límites sin romper con su esencia. “No digas que me quieres” se presenta así como una obra intensa, sofisticada y profundamente emotiva, en la que tradición y modernidad conviven con naturalidad y coherencia artística.
“No digas que me quieres” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop, Mara Vélez y Josele Vargas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.
SUNOX, nombre artístico de Iván Fernández Marinas, continúa afianzando su identidad dentro de la música electrónica independiente con el lanzamiento de “DEJA VU”, uno de sus trabajos más recientes, estrenado a finales de 2025. El artista y productor valenciano, nacido en mayo de 2005, demuestra con este single una madurez creativa sorprendente para su edad, reafirmando una propuesta sonora que huye de lo convencional y apuesta por una esencia propia, introspectiva y cargada de sensibilidad.
Desde que comenzó a compartir su música de forma pública en 2020, SUNOX ha construido una trayectoria constante y prolífica, con más de veinte temas publicados y varios EPs como Bucle o 19, que reflejan su evolución artística. Su sonido se mueve entre el deep house ambiental, influencias latinas y texturas atmosféricas, creando paisajes sonoros envolventes que apelan directamente a la emoción y al recuerdo.
“DEJA VU” mantiene esa línea estética tan reconocible en su obra, apoyándose en beats delicados y una producción cuidada al detalle para generar una sensación de bucle emocional, acorde con el significado del título. La canción funciona como un retrato de esas conexiones intensas que aparecen cuando menos se esperan, alterando planes, certezas y rutinas, y dejando una huella difícil de borrar.
La letra refleja con honestidad la lucha interna entre la promesa de mantenerse al margen del amor y la irrupción inesperada de alguien capaz de cambiarlo todo. A través de imágenes cotidianas, confesiones íntimas y pensamientos no enviados, SUNOX explora la vulnerabilidad, el apego y la necesidad de encontrar refugio en el otro, abordando también el miedo a perder y la dependencia emocional que nace cuando el sentimiento es real.
Este single representa un paso firme en su consolidación artística, especialmente tras la buena acogida de temas anteriores como “el pequeño refugio”, donde ya dejaba entrever su interés por hablar del paso del tiempo, la nostalgia y las emociones que se repiten como un eco. En “DEJA VU”, esa narrativa se vuelve aún más directa y cercana, reforzada por una atmósfera sonora que acompaña cada verso con sutileza y coherencia.
Con una producción totalmente independiente y bajo su propia gestión, SUNOX continúa demostrando que es posible construir un proyecto sólido desde la honestidad creativa, conectando con una audiencia que busca música que se sienta y se recuerde, más allá de las tendencias pasajeras.
Japiwor presenta “Por amor al arte”, un álbum que funciona como un testimonio artístico, vital y sonoro de una trayectoria marcada por la perseverancia y la independencia creativa. Lejos de responder a las dinámicas habituales de la industria o a una lógica temporal convencional, este trabajo reúne 17 grabaciones realizadas en distintos estudios de Ciudad Real a lo largo de dos décadas, entre 1997 y 2017, dando forma a una obra construida sin prisas, sin concesiones y guiada únicamente por la necesidad expresiva.
El disco es el resultado de un proceso largo y fragmentado en el tiempo, en el que han participado músicos pertenecientes a diferentes etapas y formaciones de Japiwor, además de diversas colaboraciones externas que enriquecen el conjunto. Esa diversidad de momentos, personas y contextos no fragmenta el discurso, sino que lo fortalece, aportando matices, texturas y estados de ánimo que conviven bajo una misma mirada artística.
“Por amor al arte” transita por un rock de baja intensidad con raíces claras en el pop y el rock alternativo de los años noventa, incorporando ecos de indie, grunge, power-pop y una constante voluntad de experimentación. Cada canción refleja una forma muy concreta de entender la música: como un espacio de libertad, honestidad y resistencia frente a la inmediatez, donde lo importante no es el resultado comercial, sino la fidelidad a una voz propia.
Dentro del álbum, “El rito del aullido” destaca como una de las piezas más intensas y representativas del universo de Japiwor. Se trata de una canción poseída por la rabia, atravesada por el delirio y la entelequia, que condensa el lado más visceral y primitivo de Ángel, mostrando una faceta cruda y sin filtros. La letra, de carácter poético y surrealista, construye una sucesión de imágenes salvajes y perturbadoras en las que aparecen bandoleros sin miedo, alpinistas extremos, trogloditas hambrientos o jugadores al borde del abismo, todos ellos unidos por un mismo impulso: la búsqueda del peligro y la ruptura de la moral establecida.
Ese impulso se resume en un estribillo que funciona como un auténtico mantra, “El rito del aullido, de un salvaje final”, una frase que canaliza el espíritu de la canción y refuerza su dimensión casi ritual. A nivel musical, el tema se sostiene sobre guitarras ásperas, atmósferas densas y una tensión constante que transmite urgencia, desasosiego y una furia contenida que nunca termina de estallar, pero que permanece latente durante toda la escucha.
Con “El rito del aullido”, Japiwor tiende un puente entre la melancolía alternativa de finales del siglo XX y una crudeza emocional plenamente vigente, conectando pasado y presente desde una honestidad que resulta especialmente significativa en un contexto de renovado interés por el rock alternativo. La canción se presenta así como un manifiesto, un grito colectivo y sincero donde convergen rabia, poesía y espíritu underground.
“Por amor al arte” no es solo una recopilación de canciones, sino una declaración de principios. Un disco que reivindica el rock como catarsis, como grito primigenio y como forma de liberación, recordando que, más allá de las modas y las tendencias, la música sigue siendo un espacio donde decir lo que duele, lo que arde y lo que necesita ser expresado.
Carmen Avilés lanza “Niña Mariola”, el nuevo single que sirve como adelanto de su esperado primer disco titulado CARMELA, una obra con la que la artista comienza a trazar un universo propio donde la sensibilidad, la raíz y la narración simbólica ocupan un lugar central. En esta ocasión, la canción adquiere una dimensión especial al cobrar vida en la voz de Albertucho, que se convierte en el narrador de esta historia transformada en nana mitológica.
“Niña Mariola” se construye como un relato sonoro delicado y evocador, donde la ternura se entrelaza con el misterio. Entre caracolas, olas y paisajes oníricos, Mariola deja de ser solo un nombre para convertirse en leyenda, como esos cuentos antiguos que pasan de generación en generación y se susurran al oído antes de dormir. La canción bebe del folclore y lo reinterpreta desde una mirada contemporánea, creando una atmósfera íntima y profundamente emocional.
La elección de Albertucho como voz protagonista aporta un carácter narrativo y casi ritual al tema, reforzando esa sensación de estar ante una historia ancestral. Su interpretación transforma la canción en una nana cargada de simbolismo, donde cada verso parece flotar entre el sueño y la vigilia, envolviendo al oyente en un clima de calma y ensoñación.
Con este lanzamiento, Carmen Avilés adelanta algunas de las claves de CARMELA, un disco que promete explorar territorios donde la tradición y la sensibilidad actual dialogan de forma natural. “Niña Mariola” se presenta así como una pieza que combina misterio, folclore y ternura, confirmando la intención artística de la cantante de construir canciones que no solo se escuchan, sino que también se sienten y se imaginan.
“Niña Mariola” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carmen Avilés, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.
The Moorland presenta “Mi Testamento”, el primer adelanto de su próximo disco previsto para 2026 y, al mismo tiempo, la primera canción de la banda interpretada íntegramente en castellano. Este lanzamiento supone un punto de inflexión en la trayectoria del grupo de Binéfar, Huesca, que da un paso valiente hacia una expresión más directa y emocional sin renunciar a la oscuridad y la intensidad que definen su identidad sonora.
En esta ocasión, la banda cuenta con la colaboración de Nerea, cuya voz aporta una fuerza expresiva y una sensibilidad especial que eleva la carga emocional del tema. Su interpretación se integra de forma natural con la instrumentación densa y envolvente de The Moorland, creando un contraste melódico que refuerza el carácter introspectivo de la canción y amplía el espectro emocional del grupo.
“Mi Testamento” conserva las señas de identidad de The Moorland, con atmósferas oscuras, bajos contundentes y una melancolía latente que remite a influencias como Joy Division o Interpol, pero al mismo tiempo refleja una clara evolución hacia un sonido más maduro y experimental. La elección del castellano permite que el mensaje de la letra se sienta más crudo y cercano, abordando temas como el legado personal, la introspección y la huella que dejamos tras nuestro paso.
Formada en el verano de 2022 por Jorge Gallart, voz y guitarra, y Leandro Lasheras, a los sintetizadores, ambos procedentes del proyecto de electro-rock Distopía, The Moorland se completa con Javi Torres al bajo, Óscar Mur a la guitarra y Óscar Satué a la batería. Desde sus inicios, la banda ha destacado por una estética muy cuidada y un sonido que fusiona post-punk, darkwave y shoegaze con una producción contemporánea, lo que les ha permitido ganar una notable proyección dentro de la escena independiente española.
Su crecimiento se ha visto respaldado por el reconocimiento recibido en 2024, cuando fueron galardonados como Mejor Grupo de Aragón en los Premios de la Música Aragonesa, consolidándose como una de las propuestas más interesantes y prometedoras del panorama actual.
El lanzamiento de “Mi Testamento”, publicado a finales de 2025, no solo abre una nueva etapa creativa para The Moorland, sino que también sirve como carta de presentación de lo que será su próximo trabajo discográfico. Además, la banda ha querido agradecer especialmente a Madison y Ethan por sus palabras y por el excelente trabajo realizado en el videoclip que acompaña al tema, una pieza audiovisual que refuerza el universo estético y emocional de la canción.
“Mi Testamento” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de The Moorland, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.
Barroso lanza “Mi regalo”, un nuevo single profundamente emotivo en el que el artista granadino abre su corazón para compartir una de las experiencias más transformadoras de su vida. Con una letra cargada de ternura, verdad y emoción, la canción se convierte en una declaración de amor anticipada, un canto a la llegada de un hijo y a todo lo que despierta ese momento único.
La historia de Barroso es la de alguien que decidió apostar por su vocación sin red. Vendedor de mercadillo y apasionado del flamenco desde siempre, en 2018 lo dejó todo para dedicarse por completo a la música. Natural de Granada y orgulloso de su tierra, ha sabido construir una identidad artística muy personal, en la que conviven la tradición flamenca con sonidos urbanos como el trap y el reggaetón. Ese equilibrio le ha permitido conectar con un público amplio, primero a través de versiones que superan los dieciséis millones de reproducciones en streaming, y más tarde con composiciones propias que consolidan su voz como autor.
Uno de los momentos más simbólicos de su trayectoria llegó cuando interpretó algunos de sus temas en el estadio de Los Cármenes durante la celebración del ascenso a Primera División del equipo granadino, reafirmando su vínculo con la ciudad y con una comunidad que siente como suya. Canciones como “El Barrio de la Alegría”, junto a Haze, que supera los cuatro millones de streams en Spotify, marcaron un antes y un después en su carrera, mostrando que su propuesta tenía alma, identidad y recorrido.
Con “Mi regalo”, Barroso da un paso más hacia lo personal. La canción nace desde la espera, desde la imaginación de un padre que sueña con el rostro, las manías y la mirada de su hijo antes incluso de tenerlo en brazos. La letra avanza entre imágenes cotidianas y promesas sinceras: noches en vela, canciones susurradas, palabras de amor dichas en silencio, y el deseo profundo de proteger y acompañar. Todo ello envuelto en un lenguaje cercano, directo y honesto, que conecta desde la primera escucha.
El estribillo resume el espíritu del tema con una sencillez conmovedora, presentando al hijo como el mayor tesoro, como la luz que lo cambia todo y detiene el tiempo desde el instante en que se sabe que viene en camino. La canción también incorpora una dimensión espiritual, en la que Barroso pide protección, bendición y fuerza, reconociendo los miedos, pero también la fe y la esperanza que acompañan a este nuevo comienzo.
Musicalmente, “Mi regalo” mantiene la esencia de Barroso, fusionando su alma flamenca con una producción actual que potencia la emoción del mensaje sin restarle naturalidad. La interpretación vocal, sentida y sin artificios, refuerza la autenticidad de una canción que no busca impacto inmediato, sino verdad y conexión emocional.
El tema se completa con un mensaje final que funciona casi como una carta al futuro, en la que el artista expresa el amor incondicional que ya siente, incluso antes del encuentro, y pone en valor la belleza de formar una familia y compartir ese camino junto a la madre.
“Mi regalo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Barroso, estar al tanto de sus próximos lanzamientos y proyectos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.
Despistaos calientan motores para uno de los lanzamientos más esperados de su carrera y lo hacen invitando a sus seguidores a formar parte de una celebración muy especial. La banda ha anunciado la llegada de su nuevo disco, “Un millón de madrugadas”, que verá la luz el próximo 20 de febrero de 2026, y que ya se puede reservar en formato vinilo por primera vez, acompañado de una serie de incentivos pensados especialmente para sus fans más fieles.
El anuncio llega en un momento clave para el grupo, que recientemente hizo sold out en un histórico concierto en el Palacio Vistalegre, confirmando el excelente estado de forma que atraviesan Dani, Krespo, Lázaro y Álex. Con este undécimo trabajo de estudio, Despistaos firma una colección de canciones que recupera el sonido más reconocible de la banda, apostando por una vuelta a sus raíces rockeras sin perder de vista las tendencias actuales que han marcado su evolución en los últimos años.
“Un millón de madrugadas” se presenta como un disco que equilibra energía, emoción y madurez artística. Ese espíritu ya se ha podido percibir en algunos de los temas adelantados, como la potente “Mi mejor momento”, el reciente single “Por volver a verte” o las colaboraciones con artistas plenamente vigentes dentro del panorama nacional. Canciones como “Nunca la primera” junto a Veintiuno o “Muérdeme” con Suu muestran la capacidad del grupo para dialogar con nuevas generaciones sin renunciar a su identidad.
Como parte de esta nueva etapa, Despistaos ha querido cuidar especialmente el vínculo con su comunidad, lanzando una preventa del vinilo cargada de sorpresas. Todas las personas que reserven el disco recibirán una postal firmada por la banda y entrarán automáticamente en el sorteo de “La Última Cena”, una experiencia exclusiva que permitirá a un grupo reducido de seguidores cenar con los integrantes del grupo. Además, quince afortunados obtendrán un pase para una listening party privada, donde podrán escuchar el álbum antes de su lanzamiento oficial en un entorno íntimo y cercano.
Con esta iniciativa, Despistaos no solo celebran la salida de un nuevo disco, sino también una trayectoria sólida y una relación muy especial con su público, que ha acompañado a la banda a lo largo de más de una década de canciones, conciertos y emociones compartidas. “Un millón de madrugadas” se perfila así como un punto de encuentro entre pasado, presente y futuro, reafirmando a Despistaos como una de las formaciones más queridas y consistentes del rock nacional.
Un pueblo de apenas 4.000 habitantes ha logrado convertirse en el epicentro de una experiencia artística y humana sin precedentes. Noblejas, en la provincia de Toledo, fue el escenario del rodaje del videoclip “Donde habitan los sueños”, un ambicioso proyecto musical y cinematográfico impulsado por el compositor y director Óscar Navarro junto a su Óscar Navarro Symphony Orchestra, que reunió a cerca de 500 personas en una celebración colectiva de la música, la emoción y el espíritu navideño.
Durante cinco intensos días, del 27 de noviembre al 1 de diciembre, las calles de Noblejas se transformaron en un gran plató al aire libre, acogiendo una producción de gran formato poco habitual en un entorno rural. Más de 400 vecinos participaron activamente como figurantes, acompañados por 50 músicos profesionales de la orquesta y un coro infantil de 40 voces, convirtiendo al pueblo en un punto de encuentro donde el arte y la comunidad caminaron de la mano.
El proyecto lleva la firma de Óscar Navarro, uno de los compositores españoles más destacados de su generación, que recientemente ha sido responsable de la Música Conmemorativa del X Aniversario de la Proclamación de Su Majestad el Rey Felipe VI. En “Donde habitan los sueños”, Navarro no solo dirige, sino que también compone una obra original creada específicamente para este videoclip, en la que la música se convierte en el motor narrativo y emocional de toda la historia.
La Óscar Navarro Symphony Orchestra, integrada por 50 músicos profesionales afincados en la Comunidad de Madrid, es el alma sonora del proyecto. Bajo la batuta de Navarro, la orquesta protagoniza algunas de las secuencias más impactantes del videoclip, especialmente las rodadas el 29 de noviembre, jornada que supuso el clímax del rodaje con cerca de 500 personas reunidas entre músicos, equipo técnico, actores y figurantes. Estas escenas lograron una fusión única entre cine y concierto, donde la fuerza visual se unió a la potencia emocional de la música en directo.
A esta atmósfera se sumó el Coro Infantil “La Paloma”, con 30 voces, que aportó la ternura y la magia propias de la Navidad, enriqueciendo el relato con una sensibilidad especial. Cada gesto, cada mirada y cada nota musical fueron captados bajo una cuidada dirección artística que buscó resaltar tanto la belleza del entorno como la emoción genuina de sus participantes.
El videoclip, dirigido por el multipremiado cineasta canario Fran Casanova, cuenta además con una historia profundamente humana. La actriz Xenia Tostado, conocida por su trabajo en series como “Amar es para siempre”, “Física o Química” y “Sin tetas no hay paraíso”, encabeza el reparto junto a los actores infantiles Mila Borrás y Jael Borrás. Juntos dan vida a un relato ambientado en la noche de Reyes, centrado en la familia, los recuerdos y la ilusión compartida, pilares fundamentales del espíritu navideño.
Con una duración aproximada de cuatro minutos y medio, “Donde habitan los sueños” combina una narrativa cinematográfica delicada con la intensidad emocional de una gran orquesta sinfónica, mostrando no solo una historia entrañable, sino también el alma de un pueblo que se volcó por completo en el proyecto.
La música de Óscar Navarro ha resonado en algunos de los escenarios más emblemáticos del mundo, como el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro La Scala de Milán, el Walt Disney Hall de Los Ángeles, el Auditorio Nacional de España o el Teatro Real, consolidando su proyección internacional. Con este nuevo proyecto, Navarro demuestra que la grandeza artística no depende del tamaño del lugar, sino de la capacidad de unir a las personas a través de la música y los sueños compartidos.
El pasado 18 de diciembre se estrenó “Jo pintava un cor”, el primer single del proyecto musical de Chloe Nicole, una joven artista que, a pesar de su corta edad, sorprende por su madurez creativa, sensibilidad y carisma natural. Con tan solo 10 años, esta artista del Empordà comienza a dar sus primeros pasos en la música con una propuesta fresca y honesta que ya apunta a un futuro lleno de posibilidades dentro del panorama musical infantil y juvenil.
“Jo pintava un cor” es una canción original escrita por la propia Chloe Nicole junto a su madre, una colaboración que une talento, emoción y una conexión muy especial que se refleja en cada verso. El tema se mueve dentro del pop bailable, con melodías alegres, ritmos contagiosos y una letra positiva que invita a cantar, bailar y disfrutar, transmitiendo ilusión y optimismo desde la primera escucha.
Sobre el escenario y frente a la cámara, Chloe Nicole brilla con luz propia. Su naturalidad, su energía desbordante y una presencia espontánea hacen que conecte de inmediato con el público, demostrando que el carisma no entiende de edades. Su voz, fresca y sorprendente, se convierte en el vehículo perfecto para un mensaje sincero que nace desde la creatividad y la emoción, sin artificios.
Este primer lanzamiento no solo presenta una canción, sino que marca el inicio de un proyecto artístico cuidado y lleno de sensibilidad. Chloe Nicole no se limita a interpretar, sino que transmite autenticidad, ilusión y una manera muy personal de vivir la música, cualidades que la están posicionando como uno de los nuevos talentos más prometedores del momento dentro de su generación.
“Jo pintava un cor” representa ese primer trazo de un camino que comienza con entusiasmo y que promete crecer paso a paso, acompañado de aprendizaje, creatividad y nuevas historias por contar. Un debut que deja claro que, cuando la música nace desde el corazón, no importa la edad para emocionar y conectar.
“Jo pintava un cor” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre Chloe Nicole y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla a través de sus redes sociales.
NDROID lanza “La Cone”, un nuevo single que irrumpe con fuerza en la escena del trap latino y que reafirma su identidad como productor clave dentro del sonido urbano contemporáneo. Interpretado por Jhey Q y producido por NDROID Music Productions, el tema apuesta por una propuesta oscura, intensa y profundamente callejera, marcada por 808s pesados, percusiones afiladas y un flow agresivo que define su energía desde el primer compás.
“La Cone” se construye sobre una base sonora densa y envolvente, donde el trap latino encuentra un espacio de expresión auténtico y sin concesiones. La producción destaca por su contundencia y precisión, reforzando una atmósfera tensa que acompaña una narrativa centrada en la supervivencia, el poder y la lealtad dentro del entorno urbano. Jhey Q interpreta el tema con seguridad y actitud, encarnando un discurso directo que conecta con la realidad de la calle y sus códigos.
El lanzamiento viene acompañado de un videoclip oficial que potencia aún más el impacto del single. La pieza audiovisual presenta una estética urbana oscura y cinematográfica, poblada de escenas nocturnas cargadas de suspenso. Hombres enmascarados, armas, coches negros y figuras envueltas en sombras construyen un universo visual donde el peligro es constante. La iluminación de alto contraste, los planos cerrados, los ángulos bajos y los movimientos de cámara dramáticos intensifican la sensación de amenaza y refuerzan el carácter crudo de la canción.
En el video, los personajes que rodean a Jhey Q funcionan como símbolos de lealtad, poder y resistencia, elementos fundamentales dentro del imaginario del trap latino. Todo el conjunto logra una coherencia total entre imagen y sonido, posicionando a “La Cone” como una de las propuestas más sólidas dentro del género gracias a su estética hood auténtica y una producción profesional de alto nivel.
Detrás de este lanzamiento se encuentra NDROID, conocido como “La Máquina”, productor neerlandés de reggaetón y música latina/urbana activo desde 1999. Miembro del trío Reggaeton Para Siempre (RPS) junto a Rowano “El Fuego” y Sahied Beats “El Musicólogo”, NDROID ha dedicado décadas a la exploración y difusión de los ritmos latinos. Desde 2008, el colectivo compartió su pasión a través de mixtapes y presentaciones, y tras un periodo de pausa, regresó en 2021 con el objetivo de seguir expandiendo su sonido a través de las redes y nuevas plataformas digitales.
“La Cone” confirma la versatilidad de NDROID como productor y su capacidad para adaptarse a las corrientes más duras del urbano actual sin perder autenticidad. El single se presenta como una pieza ideal para los seguidores del trap latino, la música urbana y los videoclips con una estética intensa y cinematográfica.
“La Cone” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre NDROID y sus futuros proyectos, no dudes en seguirlo a través de sus redes sociales.
El recinto de la CaixaBank Tarraco Arena acogerá una de las grandes citas musicales del año con el paso de la gira de Mónica Naranjo “Greatest Hits Concerts 2026” el próximo 19 de septiembre. Un espectáculo concebido para celebrar el 30º aniversario sobre los escenarios de una de las voces más icónicas del pop español, con una de las trayectorias más espectaculares del panorama musical en España y América. Tarragona se convierte así en una de las fechas destacadas de una gira especialmente diseñada para seguir acercando al público a un directo intenso y majestuoso, con la personalidad arrolladora de Mónica Naranjo.
“Greatest Hits Concerts 2026” nace como una celebración por todo lo alto de tres décadas de música, materializada en un show de gran formato que repasa los principales hitos de la discografía de Mónica Naranjo con banda, coristas y bailarines, un potente diseño de luces, vestuario especialmente concebido para el espectáculo y un ritmo escénico de alta intensidad. «Estos 30 años se me han pasado volando. Y lo mejor de todo, es que después de todo este tiempo, seguimos con más energía e ilusión que nunca», señaló recientemente la artista, subrayando el pulso emocional de una propuesta que combina excelencia interpretativa, carácter y cercanía, y que sitúa la voz como eje central de una puesta en escena creada para impactar.
El repertorio convierte el concierto en una auténtica celebración colectiva, recuperando en directo las versiones originales de himnos que forman parte de la historia reciente de la música en español, como “Desátame”, “Sobreviviré”, “Europa” o “Pantera en libertad”, junto a su single “Por un like” y momentos especialmente aclamados por el público, como “Chicas malas”. Con el anuncio de sus nuevos conciertos en 2026, y tras superar más de 60.000 espectadores, el proyecto “Greatest Hits” continúa creciendo para seguir emocionando y conquistando al público en algunos de los escenarios más importantes, el nombre de Mónica Naranjo en un lugar propio entre las voces más potentes, personales y admiradas del panorama musical.
Las entradas para el concierto estarán disponibles a partir de este martes 30 de diciembre, a las 12:00 h, a través de la web oficial de venta www.tickets.tarracoarena.com
El regreso de Don Omar a España continúa escribiendo páginas históricas y reafirmando su lugar como una de las figuras más influyentes de la música urbana a nivel mundial. El artista puertorriqueño ha agotado todas las entradas para su concierto en Sevilla en cuestión de minutos, una cita prevista para el 18 de julio de 2026 en el Estadio La Cartuja que ya se perfila como uno de los mayores acontecimientos musicales del próximo verano.
Este nuevo sold out llega tras el éxito arrollador de su actuación en Tenerife, donde Don Omar logró vender 40.000 entradas dentro del Tenerife Cook Music Fest, colgando el cartel de entradas agotadas en tiempo récord y dejando a miles de seguidores sin posibilidad de asistir. La respuesta del público sevillano ha sido igual de contundente, demostrando una vez más la extraordinaria conexión que el artista mantiene con sus fans en España y el impacto intergeneracional de su música.
Con este lleno total, Sevilla se consolida como una de las grandes capitales musicales del verano de 2026, al acoger una de las fechas más esperadas del año. El concierto en el Estadio La Cartuja será, además, una nueva oportunidad de ver a Don Omar en directo en España durante 2026, después de haber agotado todas las fechas anunciadas hasta el momento, confirmando la enorme expectación que rodea su regreso a los escenarios españoles.
A sus 47 años y con más de 25 años de trayectoria, William Omar Landrón se mantiene como una figura clave en la historia y evolución del reggaetón y la música urbana latina. Su repertorio está marcado por himnos que han definido a varias generaciones y que siguen sonando con fuerza en todo el mundo, como Danza Kuduro, Dile, Dale Don Dale, Virtual Diva, Salió el Sol, Guaya Guaya u Ojitos Chiquitos, canciones que forman parte del imaginario colectivo de públicos de todas las edades.
La carrera de Don Omar está respaldada por una impresionante lista de reconocimientos, entre los que destacan 3 Latin Grammy, 20 Premios Billboard y 19 Premios Lo Nuestro, además de múltiples nominaciones internacionales, incluyendo los MTV Video Music Awards. En el último año, su influencia volvió a ser celebrada con el Premio Icono Global de Premio Lo Nuestro y su inclusión en la lista de Los 50 Más Bellos de People en Español, confirmando su vigencia y relevancia dentro y fuera del ámbito musical.
El show previsto para Sevilla contará con una producción de gran formato, diseñada especialmente para esta gira, que combinará sus grandes clásicos con una propuesta renovada y una puesta en escena a la altura de su legado. La organización ha adelantado además que el concierto incluirá artistas invitados, cuyos nombres se darán a conocer próximamente, sumando aún más atractivo a una noche que promete ser inolvidable.
Desde la organización se ha querido agradecer el enorme respaldo del público y destacar el carácter histórico de este doble sold out en España, un hito que confirma a Don Omar como uno de los artistas latinos más influyentes, respetados y queridos a nivel mundial, y que convierte su regreso a los escenarios españoles en uno de los grandes eventos musicales de 2026.
Efi Gjika da un paso firme y profundamente honesto con el lanzamiento de su nuevo single “Ajo që Doja”, una canción que habla del proceso de crecer, de enfrentarse a las expectativas ajenas y de la decisión consciente de no renunciar a la propia identidad. Con una narrativa cargada de emoción y verdad, la artista construye un relato que conecta con cualquiera que alguna vez sintió que el camino que eligió no era el que otros habían imaginado para él.
“Ajo që Doja” es, ante todo, la historia de una voz que no se apagó, incluso cuando la ruta cambió. La canción pone palabras a ese momento vital en el que los sueños se transforman, las certezas se tambalean y uno se mira al espejo reconociéndose distinto, pero no derrotado. Lejos de la resignación, el tema abraza la perseverancia y la fidelidad a uno mismo como acto de valentía.
La letra, escrita desde la introspección, recorre imágenes de madurez y aprendizaje. Efi canta sobre planes que no salieron como se esperaban, sobre ilusiones que tuvieron que adaptarse a una realidad cambiante, pero también sobre una convicción inquebrantable: no abandonar aquello que hace latir el corazón. Versos como “S’di me u fik, edhe kur s’ka dritë” reflejan esa idea central de una voz interior que permanece viva incluso en la oscuridad.
Uno de los ejes más potentes del tema es su crítica sutil a la comparación constante y a la búsqueda de validación externa. “Ajo që Doja” reivindica el valor personal frente a los números, los nombres y la aprobación superficial, dejando claro que la música, en este caso, nace de una necesidad auténtica y no del deseo de agradar. Es una declaración de principios que pone el arte y la verdad emocional por encima de las expectativas del público o de la industria.
Musicalmente, la canción acompaña este mensaje con una atmósfera íntima y reflexiva, permitiendo que la voz y la letra sean las grandes protagonistas. Cada nota refuerza la sensación de confesión personal, como si Efi Gjika compartiera un fragmento de su propio recorrido vital, invitando al oyente a reconocerse en él.
Con “Ajo që Doja”, Efi Gjika firma una canción para quienes no pudieron ser lo que otros esperaban, pero eligieron mantenerse fieles a sí mismos. Un tema que no habla de renuncias, sino de transformación, de resistencia silenciosa y de seguir brillando, noche tras noche, nota tras nota, desde la convicción de ser quien realmente se es.
