El cantante y productor Ricardo Nameu lanza su nuevo single “Carita Rojita”, una propuesta fresca y seductora dentro del pop contemporáneo que combina ternura, ritmo y un toque de deseo. Con una melodía envolvente y una interpretación llena de calidez y pasión, el tema retrata ese momento mágico en que una mirada basta para encender el alma y sonrojar el corazón.

“Carita Rojita” narra una historia de amor que se siente cercana, sincera y profundamente humana. Es una canción que vibra entre sonrisas, complicidad y emociones a flor de piel, ideal para quienes disfrutan del pop romántico con una chispa sensual. Ricardo Nameu logra capturar en pocos minutos esa mezcla de atracción y nerviosismo que surge cuando las palabras sobran, y el lenguaje de los gestos dice mucho más.

Producida y dirigida por el propio Ricardo Nameu, la canción destaca por su energía contagiosa, su atmósfera luminosa y un ritmo que invita a dejarse llevar. “Carita Rojita” no solo celebra el amor, sino también esa vulnerabilidad encantadora que lo acompaña: la de sentirse vivo frente a otra persona.

“Carita Rojita” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ricardo Nameu, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista y compositor Alpaca in Chief presenta su nuevo single “You Lead the Way”, una canción que combina sensibilidad, humor y una profunda mirada hacia lo que nos guía en los momentos más inciertos. Con su característico tono sincero y una producción que abraza tanto lo íntimo como lo inspirador, el tema se convierte en una declaración de fe en la amistad, la vulnerabilidad y la alegría de seguir adelante incluso cuando el camino no está del todo claro.

Detrás del nombre artístico se encuentra Daniel, un “nerd profesional” y trovador entrañablemente torpe, conocido por ser el fundador y “Alpaca-in-Chief” del World Scholar’s Cup, un evento global que celebra el aprendizaje colaborativo y la curiosidad intelectual. Su incursión en la música comenzó durante sus años como estudiante en Stanford, donde escribió sus primeras canciones —entre ellas “M Building”— con la nostalgia precoz, el optimismo inquebrantable y la desafinación entrañable que aún hoy definen su estilo.

Con el tiempo, la música dejó de ser un pasatiempo para convertirse en un lenguaje vital, uno que ha ido infiltrándose con alegría en cada rincón de su vida gracias al apoyo de amigos leales y colegas pacientes. “You Lead the Way” es una extensión natural de ese viaje: un himno a las personas que nos inspiran a ser valientes, a reírnos de nosotros mismos y a continuar soñando.

“You Lead the Way” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

“Así es” es el nuevo single de Oiyup, una canción que se adentra en los sentimientos más humanos y en esa relación profunda que mantenemos con la vida y con el amor. Es un tema que no busca definir con palabras lo que muchas veces sólo se puede sentir: esa mezcla de emociones universales que todos experimentamos y que, sin embargo, resultan imposibles de explicar del todo.

Producida por Chode, con letras de Guillem Mateos y la inconfundible voz y composición de Oiyup, la canción se presenta como una experiencia sonora sincera, introspectiva y abierta a la interpretación. “Así es” no intenta dar respuestas, sino acompañar, resonar y dejar que cada oyente encuentre su propia verdad en ella.

Durante años, la música fue para Oiyup un refugio silencioso, guardado entre cintas, carpetas y recuerdos. Hoy, ese refugio se convierte en un universo compartido: un espacio donde las canciones emergen como fragmentos del tiempo, diálogos entre lo que fue y lo que aún vibra. Bajo el nombre Oiyup, el artista construye un viaje sin etiquetas, sin géneros ni fronteras, en el que cada pieza es una expresión libre de autenticidad y memoria. Porque la pasión —como sugiere su historia— nunca se apaga, sólo espera su momento para volver a brillar.

“Así es” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Oiyup, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirle muy de cerca a través de sus redes sociales.

Dani Martín vuelve con fuerza y emoción con Veinticinco, su nuevo single con el que celebra un cuarto de siglo en la música. Este lanzamiento, presentado a finales de octubre de 2025, marca un punto de inflexión en su carrera: un homenaje a su pasado con El Canto del Loco y una reafirmación de su presente como uno de los artistas más queridos del pop-rock español.

Con Veinticinco, Dani Martín ofrece un viaje lleno de memoria, cariño y electricidad. La canción se convierte en un guiño a los fans que lo han acompañado durante todos estos años, al incluir referencias directas a algunos de sus temas más emblemáticos —como 16 Añitos, Emocional, Qué bonita la vida, La suerte de mi vida, Zapatillas o Peter Pan—, creando una especie de collage emocional que condensa toda una vida dedicada a la música.

El sonido recupera la esencia más rockera y vital del artista, evocando sus primeros años con El Canto del Loco, pero con una madurez que solo el tiempo y la experiencia pueden aportar. En palabras del propio Dani, “No, no vuelve, lo dije y jamás volverá. El Canto y yo estamos vivos, ¿las manos dónde están?”, una frase que ya se ha vuelto icónica entre sus seguidores y que resume la energía y el espíritu de este nuevo capítulo.

El estreno del tema estuvo acompañado por un encuentro muy especial en Madrid, donde el músico convocó a un grupo reducido de fans para que fueran los primeros en escucharlo. Un gesto de cercanía que refuerza ese vínculo único que Dani mantiene con su público desde hace más de dos décadas.

Veinticinco también sirve como antesala de su gran gira aniversario “25 Pts Años”*, que recorrerá España a partir de noviembre de 2025 y durante todo 2026. Este tour promete ser una auténtica celebración de su historia, combinando los himnos que marcaron generaciones con la energía renovada de una carrera que sigue muy viva.

Desde sus inicios como líder de El Canto del Loco, una de las bandas más exitosas de la música española, hasta su consolidación como solista con discos como Pequeño, La Montaña Rusa o Lo Que Me Dé la Gana, Dani Martín ha sabido mantenerse fiel a su esencia: emoción, autenticidad y conexión real con la gente. Veinticinco no solo celebra su trayectoria, sino también su capacidad de reinventarse sin perder su identidad.

Veinticinco ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Dani Martín, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El talentoso cantautor dominicano Johandy estrena su esperado álbum It’s Undeniable, una obra que transforma la esencia de la bachata tradicional en una experiencia fresca, elegante y profundamente emocional. Producido por DerekVinci y respaldado por EQS Música, este lanzamiento marca una nueva etapa en la carrera del artista, donde el sentimiento y la innovación se dan la mano.

Con diez canciones cargadas de pasión, vulnerabilidad y ritmo, Johandy invita a redescubrir el amor y el desamor desde una perspectiva contemporánea, más internacional y cercana a las nuevas generaciones. Cada tema refleja una búsqueda personal por equilibrar la raíz dominicana con la sofisticación del pop latino, creando un sonido propio que se siente moderno sin perder su alma romántica.

El productor DerekVinci, conocido por su habilidad para combinar los sonidos caribeños con producciones de vanguardia, aporta su sello distintivo a It’s Undeniable, construyendo una identidad sonora envolvente, elegante y global. Bajo su dirección, cada arreglo ha sido pensado para realzar la interpretación de Johandy, cuya voz transmite una autenticidad capaz de conectar de inmediato con el corazón del oyente.

EQS Música respalda este lanzamiento como parte de su compromiso con los nuevos talentos de la música latina, reforzando la proyección internacional de Johandy y consolidando su lugar entre las voces emergentes más prometedoras del género.

Sobre este nuevo capítulo, el artista expresa: “It’s Undeniable es mi verdad hecha música. Es una carta abierta al amor, a la vida y al crecimiento. Cada canción lleva un pedazo de mi historia, y DerekVinci supo transformar esas emociones en sonido.”

It’s Undeniable ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Johandy, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El productor y artista ATK EPOP regresa con una colaboración brillante junto a Valeria C y Álvaro Sanz en “Como en Septiembre”, una pieza de pop electrónico vanguardista que fusiona modernidad, nostalgia y emoción. Este nuevo single no solo marca el regreso de Valeria C como voz protagonista, sino que además sirve como adelanto de su próximo EP, abriendo una nueva etapa musical cargada de frescura y sofisticación sonora.

“Como en Septiembre” es una producción luminosa y envolvente que combina la elegancia del pop con una base electrónica moderna, donde los beats se entrelazan con sutiles toques de distorsión melódica. ATK EPOP consigue un equilibrio perfecto entre lo experimental y lo clásico, entregando una obra que captura el espíritu de un pop emocionalmente honesto, diseñado tanto para bailar como para sentir.

La canción retrata una historia de amor que se repite como un estribillo, una mezcla de deseo y memoria que se resiste a desvanecerse con el paso del tiempo. Su letra, sencilla pero cargada de significado, evoca ese anhelo de permanecer en la mente del otro, atrapado en el recuerdo de un mes que simboliza lo eterno: “Quiero estar contigo siempre / Que nunca te olvides de mí / Piensa en mí como en septiembre.”

Con “Como en Septiembre”, Valeria C reafirma su talento dentro del pop actual, desplegando una interpretación cálida y emocional que se complementa a la perfección con la voz de Álvaro Sanz. La química vocal entre ambos aporta una dimensión íntima y nostálgica al tema, mientras que la producción de ATK EPOP envuelve la melodía en una atmósfera que recuerda a los grandes himnos pop contemporáneos, con un toque melancólico y adictivo.

Este lanzamiento consolida la alianza artística entre los tres músicos, que logran crear una experiencia sonora elegante y cautivadora. “Como en Septiembre” es una canción para quienes creen que el amor —aunque se repita o se pierda— siempre deja una melodía que vuelve, una sensación que no se olvida.

“Como en Septiembre” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK EPOP, Valeria C y Álvaro Sanz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantante, compositora y productora Penélope Robin da la bienvenida a la temporada más oscura y enigmática del año con el lanzamiento de su nuevo single “Dulce Maldición”, una propuesta atrevida y magnética en la que combina el roller disco pop, los ritmos latinos y un toque country-western, creando una experiencia sonora tan seductora como peligrosa. Publicada bajo el sello Sony Music, la canción es una invitación a dejarse llevar por la tentación y a disfrutar del vértigo de lo prohibido, con esa mezcla de deseo y misterio que convierte al peligro en algo irresistible.

“Tus ojos cafés fueron en mi cora la llave, voy entendiendo tu lenguaje, imaginarte solos tú y yo, qué dulce maldición”, canta Penélope con una voz que alterna entre la dulzura y el poder, envolviendo al oyente en una historia donde la atracción se vuelve un hechizo del que nadie quiere escapar. En “Dulce Maldición”, el miedo y el deseo se confunden, el juego de la seducción se intensifica y la artista demuestra su capacidad para reinventar el pop desde una mirada femenina y empoderada.

El video musical, producido por La Mona Group y dirigido por Penélope Robin junto a Patricia Nieto, traslada al público a un universo gótico lleno de energía, movimiento y deseo. Inspirado en el mundo de los vampiros, el clip presenta a Penélope como una fuerza irresistible que domina y atrae a todos a su alrededor, mientras la danza se convierte en el eje central de esta historia oscura y sensual. La coreografía, dirigida por Vanessa Thunder, destaca por su dinamismo y su lenguaje corporal poderoso, acompañada por la participación de la bailarina Tahiana Bueno y un elenco que completa este misterioso universo visual.

En palabras de la artista, “Dulce Maldición” es más que una canción sobre la tentación: es una declaración de empoderamiento, una celebración del control, la atracción y la libertad de una mujer que decide su propio destino, incluso cuando el deseo parece tener colmillos.

Penélope Robin, conocida en redes como @thepennyrobin, nació en Miami, Florida, y desde muy joven ha construido una sólida carrera artística que hoy la posiciona como una de las voces emergentes más interesantes del pop latino actual. Con más de una década de trayectoria, ha desarrollado un estilo personal que fusiona sonidos modernos con influencias retro, explorando su identidad y sus raíces latinas a través de letras honestas y melodías envolventes.

Tras conquistar escenarios en Miami y Colombia, y haber compartido cartel con artistas como Karol G, Yandel y Cosculluela, Penélope continúa afianzando su camino internacional. En 2019 fue reconocida por la Phil Collins Little Dreams Foundation y finalista en el certamen Young Talent Big Dreams, además de realizar una gira por el noreste de Estados Unidos. Durante la pandemia encontró su sonido actual, más introspectivo y poderoso, en el que guitarras y baterías potentes se entrelazan con un giro pop fresco y emocional.

“Dulce Maldición” llega como la continuación natural de “Curazao”, su anterior sencillo, que marcó el inicio de una nueva etapa junto a Sony Music Colombia, centrada en el amor propio y la libertad creativa. Ahora, con esta nueva entrega, Penélope Robin muestra su faceta más arriesgada, seductora y teatral, reafirmando su lugar como una artista capaz de transformar la emoción en espectáculo y la vulnerabilidad en arte.

“Dulce Maldición” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Penélope Robin, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

A sus 15 años, ASHA irrumpe en la escena musical con una voz fresca, letras sinceras y una visión artística sorprendentemente madura. La joven cantante y compositora presenta su nuevo single “High School Cuts”, una pieza que refleja con honestidad las emociones, los miedos y las esperanzas de la adolescencia.

“High School Cuts” forma parte de su primer EP Teenage Cuts, un proyecto que reúne historias verdaderas sobre el amor, el dolor y los desafíos de crecer. Cada canción fue escrita y compuesta por la propia ASHA, convirtiéndose en una ventana íntima hacia su mundo interior. Su música es cruda, emocional y directa, una radiografía del paso de la inocencia a la madurez, donde los sentimientos se expresan sin filtros ni artificios.

El tema captura la esencia de los días escolares: las amistades que cambian, los primeros amores, las inseguridades, y esa constante búsqueda de identidad que define la adolescencia. Con un sonido pop moderno y una voz cálida que transmite vulnerabilidad y fuerza a la vez, ASHA consigue conectar con quienes atraviesan —o recuerdan— esa etapa vital tan intensa y contradictoria.

El EP Teenage Cuts incluye también temas como Cloudy Rain, que aborda la soledad y el bullying, My Mind, una reflexión sobre la salud mental y el autoconocimiento, y L17, una explosión de energía juvenil y libertad. En conjunto, el proyecto muestra el poder de una generación que siente profundamente y se atreve a contar su historia con autenticidad.

ASHA se consolida así como una nueva voz del pop adolescente, con una propuesta honesta que combina letras profundas y melodías pegadizas. “Quiero que mis canciones hagan sentir a otros adolescentes que no están solos”, comenta la artista, quien busca que su música sea un refugio y una inspiración para quienes atraviesan los altibajos de crecer.

“High School Cuts” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ASHA, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista suizo de origen peruano VILCASE regresa con un lanzamiento tan hipnótico como perturbador. Su nuevo single, “Olvídate de ese cabrón”, estrenado el 31 de octubre de 2025, coincide con la noche de Halloween, una fecha perfecta para una canción que explora las sombras del deseo, la manipulación y la dependencia emocional. Producido por ARGO da Hitmaker (Elvis Dzinic), el tema es un retrato directo y provocador de las relaciones envenenadas por el poder y la atracción.

Desde las primeras líneas, VILCASE juega con la ironía del título: el protagonista parece aconsejar a alguien que se libere de un “cabrón”, pero poco a poco se revela como uno más. No hay víctimas ni héroes, solo dos personas que se necesitan y se dañan al mismo tiempo. Con una mezcla de sensualidad, cinismo y vulnerabilidad, el artista construye un relato tan humano como incómodo.

“Olvídate de ese cabrón” muestra la dualidad que define el universo de VILCASE: el amante y el manipulador, la luz y la oscuridad, la voz que cura y la que hiere. Su interpretación mantiene esa tensión constante entre el deseo y la culpa, entre la dominación y la entrega, acompañada por una producción elegante que combina ritmos de reggaetón y pop latino con un aura cinematográfica.

El videoclip, estrenado junto con la canción, eleva aún más esa simbología. VILCASE bebe de una copa teñida de rojo, un gesto que representa una adicción emocional: la energía que uno extrae del otro en una relación que se alimenta del daño mutuo. Filmado con una estética limpia y controlada, el visual juega con contrastes entre pureza y oscuridad, entre lo visible y lo que se esconde detrás de cada mirada. No hay redención, solo el reconocimiento de la dependencia.

Tras el impacto de su primer álbum MI CV —donde exploró su historia personal a través de un formato conceptual que combinaba introspección y performance— y canciones como Asesino e Ironía, este nuevo single marca el inicio de una etapa más psicológica, visceral y madura. Con “Olvídate de ese cabrón”, VILCASE reafirma su identidad artística: una fusión entre música urbana, pop alternativo y un imaginario visual profundamente simbólico.

El color blanco, característico en su universo estético, vuelve a aparecer como signo de contradicción: pureza y locura, amor y control, deseo y culpa. Así, VILCASE no solo lanza una canción, sino un nuevo capítulo en su exploración de los límites emocionales y artísticos.

“Olvídate de ese cabrón” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de VILCASE, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El cantautor y guitarrista canadiense Jesse Creatchman regresa con “Highway Time”, un single que captura toda la esencia de su inconfundible estilo folk-rock y su manera de contar historias con una honestidad cruda y poética. El tema forma parte de su nuevo EP Quick Wins, un trabajo que representa tanto un renacer personal como un regreso a las raíces del sonido orgánico y auténtico que lo caracteriza.

Desde Montreal, Creatchman ha ido construyendo una identidad musical marcada por su voz rasgada, su sensibilidad narrativa y su habilidad para convertir la experiencia cotidiana en canciones cargadas de verdad. “Highway Time” es precisamente eso: una pieza de carretera, una travesía emocional que combina imágenes vívidas con emociones sencillas y directas, propias de un trovador moderno que busca sentido en cada kilómetro recorrido.

El proyecto Quick Wins nació de una necesidad muy humana: la de recuperar el impulso creativo y celebrar las pequeñas victorias. “Necesitaba una victoria rápida”, confiesa Jesse. “Así que decidí empezar con lo que tenía: cuatro canciones que había grabado hace unos años. Las hicimos en vivo, sin trucos, y tenían ese aire clásico de las grabaciones de antes”. Entre esas canciones se encuentra “Highway Time”, una de las joyas del EP, que refleja la búsqueda constante de movimiento, libertad y propósito.

La producción de Quick Wins contó con la colaboración de Tom Shemerr, guitarrista y productor de la banda The Damn Truth, quien se unió a Creatchman para dar forma final al proyecto durante una pausa en la grabación de su próximo disco. Juntos lograron rescatar y pulir aquellas grabaciones originales, manteniendo su carácter cálido, humano y espontáneo. La mezcla estuvo a cargo del propio Shemerr, mientras que la masterización fue realizada por Dave Traina, en los reconocidos Planet Studios de Montreal y en el estudio personal de Shemerr.

El EP completo incluye cuatro temas: “Put Your Trust in Me”, “Highway Time”, “Tommy Is a Heartbreaker” y “Heat of the Summer Night”. Cada uno funciona como una página de un diario gastado por el viaje, lleno de personajes, paisajes y emociones que resuenan con la tradición del folk rock y el americana.

Creatchman explica que lanzar los temas como sencillos antes del EP fue una forma de generar impulso, aunque confiesa que sigue prefiriendo el formato de álbum: “Es lo que me marcó cuando crecí, escuchar un disco de principio a fin, entender su historia completa. Ahora, por fin, todas las piezas están reunidas”.

Con “Highway Time”, Jesse Creatchman no busca la perfección, sino el movimiento; no persigue un destino, sino el significado que se encuentra en cada parada del camino. Es una canción que huele a asfalto, a guitarras viejas y a noches interminables, donde el arte y la vida se confunden en una misma carretera hacia lo desconocido.

“Highway Time” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Jesse Creatchman, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora malagueña Alba LaMerced estrena su nuevo single “Ponte guapa”, una poderosa canción que reivindica la independencia, la sororidad y el orgullo de ser mujer sin miedo ni prejuicios. Con una voz que mezcla dulzura y firmeza, y un estilo que fusiona el folk, el pop y la canción de autor, la joven artista continúa consolidándose como una de las voces más prometedoras de la nueva generación de cantautores españoles.

Nacida en 2001 en Málaga, Alba LaMerced ha construido un universo sonoro propio en el que las letras poéticas se entrelazan con melodías honestas y cercanas. Pianista, guitarrista y cantante, su música no solo emociona, sino que también invita a reflexionar. Con “Ponte guapa”, la artista vuelve a hacer gala de su autenticidad, ofreciendo un mensaje claro y directo: el empoderamiento no pasa por complacer las expectativas ajenas, sino por reconocerse a una misma y ocupar el lugar que nos pertenece.

La canción, compuesta y escrita íntegramente por Alba, y producida por Trikel bajo el sello ACE Música, se levanta como un canto de afirmación personal frente a las miradas y comentarios que aún hoy pesan sobre las mujeres. “Ponte guapa y no te escondas más, ponte guapa que este es tu lugar”, repite el estribillo como una declaración de libertad y pertenencia. A lo largo de la letra, la artista retrata escenas cotidianas en las que el barrio se convierte en espejo de una sociedad que todavía cuestiona la autonomía femenina: “Hay gente que aún me pregunta si ya tengo quien me quiera o si prefiero seguir esperando”.

Sin embargo, “Ponte guapa” no se queda en la denuncia: también es una celebración. Alba canta por las mujeres que fueron silenciadas, por las que soñaron en secreto y por las que hoy se levantan sin miedo: “Ya no somos princesas buscando el amor al doblar una esquina… que nos hemos levantado y no tememos al adversario”. Su voz se alza como un puente entre generaciones, honrando la memoria de quienes abrieron el camino con palabras y valentía.

Este nuevo single llega tras un año de intensa actividad en el que Alba LaMerced ha ofrecido más de 40 conciertos por toda España, participando en festivales como el Brisa Festival —junto a artistas como El Jose y Soleá Morente— o el Festival de Las Cuevas de Nerja, donde fue telonera de María Peláe. Además, la artista se encuentra inmersa en la grabación de su primer disco junto al reconocido productor Carlos Avatar, responsable del sonido de artistas como El Kanka o Muerdo.

“Ponte guapa” es más que una canción: es un manifiesto hecho melodía, una invitación a brillar sin pedir permiso, a caminar con la cabeza en alto y a transformar la vulnerabilidad en fuerza. Alba LaMerced demuestra una vez más que la música puede ser poesía, resistencia y abrazo.

“Ponte guapa” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Alba LaMerced, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El reconocido cantautor argentino Axel celebra sus 25 años de trayectoria con un lanzamiento muy especial: “Solo tu voz”, una emotiva colaboración junto a la artista española Rozalén, que une dos sensibilidades únicas a ambos lados del Atlántico. La canción, una poderosa balada pop cargada de emoción y ternura, se presenta como un encuentro musical entre dos mundos que comparten una misma esencia: la profundidad, la honestidad y el poder transformador del amor.

Axel Fernando Witteveen, conocido artísticamente como Axel, es una de las voces más queridas de la música latina. Con más de dos décadas de carrera, el artista argentino ha dejado una huella imborrable en el panorama musical con sus letras sinceras y melodías que acarician el alma. Su “25 Tour” ha sido una celebración de ese recorrido, un reencuentro con su público y una reafirmación de su estilo inconfundible: el de un cantautor que convierte las emociones humanas en himnos de vida.

En “Solo tu voz”, Axel encuentra en Rozalén una cómplice perfecta. La artista española, originaria de Albacete, es una de las grandes referentes del pop de autor en España. Reconocida por su calidez, su compromiso social y la manera en que fusiona música y mensaje, Rozalén aporta su timbre inconfundible y su sensibilidad a una canción que se siente como una confesión compartida. Su presencia, acompañada habitualmente por la intérprete de lengua de signos Beatriz Romero, simboliza también una música que abraza y que no deja a nadie fuera.

La canción celebra ese instante mágico en el que el amor, en cualquiera de sus formas, logra detener el tiempo. Según el propio Axel, “Solo tu voz” es una “declaración de vida” que puede representar tanto el descubrimiento del amor romántico como la emoción profunda de un padre al escuchar por primera vez la voz de su hijo. Con esa dualidad tan humana, la letra y la interpretación de ambos artistas construyen un espacio íntimo, universal y profundamente conmovedor.

El videoclip oficial, estrenado por Axel en plena gira por España, refuerza el carácter poético del tema con una estética sobria y luminosa que deja que la emoción de las voces sea la verdadera protagonista. La química entre Axel y Rozalén es palpable: dos artistas que, desde su autenticidad, logran transmitir una conexión que va más allá de las fronteras y los estilos.

“Solo tu voz” no solo representa una colaboración artística, sino también un símbolo de unión cultural entre Argentina y España. La canción suena como un abrazo musical entre dos orillas que comparten la misma lengua y la misma pasión por decir y sentir a través de la música.

“Solo tu voz” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Axel y Rozalén, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista peruana Hanna Levy, una de las voces femeninas más poderosas del sur, presenta su nuevo single “Quiero ser”, una canción luminosa y apasionada que combina el pop con una sensibilidad moderna y un mensaje profundamente humano. Desde su natal Ica (Perú), Hanna continúa consolidando su carrera como compositora e intérprete, explorando en cada tema nuevas formas de expresar el amor, la libertad y la fuerza femenina.

Con una voz que transmite dulzura y determinación a partes iguales, “Quiero ser” nos lleva a un viaje íntimo a través de los sentimientos más intensos del amor correspondido. En su letra, Hanna declara su entrega total: el deseo de acompañar, de compartir, de ser parte de la vida del otro desde lo cotidiano hasta lo más profundo. “Quiero ser la melodía que te susurra en las mañanas / quiero estar cada día / ser el desayuno allá en tu cama”, canta, en un estribillo tan tierno como sensual, que encapsula la esencia de la canción: amar sin miedo, con todo el cuerpo y el alma.

El tema combina una base de pop fresco y elegante con arreglos que evocan cercanía y energía emocional, logrando un sonido envolvente y contemporáneo. A lo largo de la canción, Hanna despliega un lenguaje poético lleno de imágenes, donde la pasión y la ternura conviven con naturalidad. “Quiero ser la mariposa que se posa en tu mirada / sin espinas ser tu rosa”, expresa, haciendo de cada verso un gesto de amor libre, sin posesión ni límites.

Más allá de la historia romántica que narra, “Quiero ser” también representa una declaración de principios artísticos. Para Hanna, la música es una herramienta de conexión y de transformación colectiva, especialmente para las mujeres que buscan ser escuchadas y reconocidas desde su autenticidad. Su voz, cálida y poderosa, es reflejo de esa búsqueda: la de una generación que canta al amor, pero también a la independencia, al placer y a la verdad emocional.

Con este lanzamiento, Hanna confirma su lugar como una de las artistas emergentes más prometedoras de la escena pop latinoamericana. Su talento para unir sensibilidad y fuerza convierte cada canción en una experiencia emocional profunda, cargada de vida y honestidad.

“Quiero ser” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Hanna, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El músico y compositor Fernando Ramos presenta su nuevo single “Concierto de músicos muertos”, una canción que combina la fuerza del rock con una profunda reflexión sobre la transformación —y en muchos casos, la decadencia— de la industria musical en el siglo XXI. El tema surge como una respuesta personal a las consecuencias que este cambio ha tenido especialmente para los grupos emergentes de pop y rock, aquellos que alguna vez soñaron con abrirse camino en un panorama que hoy parece haber olvidado su esencia.

Inspirado por frases como la del conocido periodista Diego A. Manrique, quien señaló que “cuando la música es gratuita, deja de parecer especial”, Ramos construye una letra que pone el foco en cómo el consumo digital y la pérdida de valor percibido han afectado tanto al arte como a los artistas. El título, “Concierto de músicos muertos”, funciona como una metáfora del silencio forzado que ha invadido a tantos creadores, una especie de homenaje a todos aquellos que quedaron en el camino.

El propio Fernando explica que la idea de la canción nació de una frase escuchada hace años: “La música debería ser gratis, como el agua.” Una afirmación que, según él, malinterpretaba el verdadero sentido del arte y su valor: “El agua en la naturaleza es gratis, pero en casa hay que pagarla. La música también tiene un coste, el del trabajo, la dedicación y la pasión de quienes la crean.”

La trayectoria de Ramos es tan extensa como honesta. Su historia comenzó en los primeros años noventa con su grupo Los Cucas, formado junto a amigos del instituto y profundamente influido por The Beatles. Aunque los comienzos fueron duros —tocando por apenas unas pesetas, viajando a Madrid para intentar abrirse paso, y recibiendo incontables negativas de discográficas—, la perseverancia dio frutos: con Sony Music, logró un disco de oro gracias a “El ser humano es raro” y un número uno en Los 40 Principales con “La última carta”.

Tras su salida de la banda, Ramos fundó 4 Bajo Cero, donde asumió también el rol de vocalista. Más adelante, ante la crisis de la industria discográfica y el auge de lo “indie”, tuvo que reinventarse. De ahí surgieron dos proyectos fundamentales en su vida: su escuela de música Islamúsica y el grupo de versiones Retroversión, con los que ha seguido vinculado a su pasión, sin perder nunca la conexión con el escenario ni con el público.

Con “Concierto de músicos muertos”, Fernando Ramos vuelve a la esencia. Ya sin preocuparse por modas ni etiquetas, emprende esta nueva etapa en solitario con una actitud libre, madura y sin filtros. “No me juego nada y quiero disfrutar todo lo posible. Si hay gente que también lo hace con mis canciones, mucho mejor”, afirma.

Su propuesta es también una invitación a mirar atrás, a recordar los días en los que la música era un oficio artesanal y profundamente humano, pero sin perder la esperanza de que aún haya espacio para ella en el presente.

Concierto de músicos muertos ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Fernando Ramos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, conciertos o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El carismático artista Gary Sebastian, también conocido como Gaz Mo, vuelve a escena este otoño con “Try”, un single que invita a reflexionar sobre los desafíos del amor en la era contemporánea. En una época en la que las relaciones parecen fugaces y el compromiso escasea, el cantante australiano propone con esta canción un mensaje claro y honesto: vale la pena intentarlo.

Inspirada en la vibrante —y a veces solitaria— vida urbana de Berlín, ciudad que hoy Gary llama su hogar, “Try” relata la historia de una pareja que se encuentra en el punto decisivo entre seguir adelante o rendirse. La canción es un ruego íntimo, una súplica sincera de uno de los protagonistas que pide a su pareja “intentarlo una vez más”, recordando que el amor, como la música, requiere esfuerzo, fe y vulnerabilidad.

La idea nació en una improvisada sesión de jam junto a Mickey Malibu, pero no fue hasta un año después, cuando el productor Jonathan Edward escuchó la maqueta, que el proyecto cobró nueva vida. El resultado es una pieza que combina elegancia melódica con emoción cruda, fiel al estilo inconfundible de Gary Sebastian: una fusión vibrante de jazz, blues, funk y rock ‘n’ roll.

El artista, originario de Melbourne, ha recorrido un largo camino desde sus primeras actuaciones en coros eclesiásticos impulsadas por su madre y su abuela. Desde adolescente, cuando tocaba la guitarra rítmica en una banda local, hasta su actual etapa como cantante, productor y compositor en Berlín, Gary ha mantenido una relación constante con la música. Su pasión, nutrida por influencias que van desde Stevie Wonder, Prince y Michael Jackson hasta Bruno Mars, Pink y John Mayer, se refleja en la riqueza sonora y emocional de su repertorio.

Tras el éxito crítico de su tema navideño “Under the Mistletoe”, “Try” consolida a Gary Sebastian como un artista que no teme explorar las emociones humanas con profundidad. En palabras del propio músico: “Mi amor por la música me ha llevado a un viaje increíble. He aprendido lecciones valiosas y conocido personas talentosas. Me siento agradecido de poder compartir alegría y esperanza con quienes escuchan mis canciones.”

“Try” es más que un tema romántico; es una radiografía del amor contemporáneo, de sus miedos y de su fragilidad, pero también de su poder para transformarnos cuando decidimos dar una oportunidad más.

Try ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Gary Sebastian, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista andaluza sélpide presenta “MoMA (Museum of Misplaced Art)”, un álbum conceptual que convierte la escucha en una experiencia sensorial y emocional, un espacio donde cada canción es una sala y cada sonido, una pieza expuesta. Grabado en Corea del Sur durante su formación como topliner en la industria del K-pop, el disco reúne trece temas en castellano e inglés que transitan entre el pop alternativo, la electrónica, el rock y el reggaetón. En este museo imaginario, no hay una sola estética ni un único lenguaje: cada obra tiene su propio color, su textura, su manera de respirar.

El proyecto —una especie de autorretrato colectivo— convierte la vulnerabilidad en una forma de belleza y la observación en un ejercicio de poder creativo. “MoMA (Museum of Misplaced Art)” no busca ofrecer respuestas, sino construir un mapa emocional donde los referentes, las ciudades y las historias se cruzan y se confunden. sélpide explica su propuesta como “un museo que encuentra belleza en lo cotidiano, donde las canciones son pósters colgados en la habitación de un adolescente, una exposición de lo que amamos y de lo que dejamos atrás”.

Nacida en Jerez y afincada entre allí y Madrid, sélpide es el alter ego de Nuria, una creadora que mezcla idiomas y estilos con naturalidad. En su música conviven el espíritu experimental del pop alternativo europeo con la energía pulida del K-pop, y su voz —a veces introspectiva, a veces incendiaria— se mueve entre el castellano, el inglés y pequeños destellos de coreano.

El álbum, gestado a lo largo de varios años, se construye como una triple exposición: un homenaje a referentes reales, ficticios y espaciales. Las canciones se convierten así en obras que dialogan entre sí desde distintas perspectivas, unidas por un mismo hilo emocional. La grabación de las voces en Seúl fue el último paso de un proceso largo, casi artesanal, en el que sélpide trabajó cada tema como si fuese una instalación sonora.

El recorrido por el disco comienza con “museum audio guide: steal like an artist”, una introducción irónica que invita a entrar al museo y cuestionar los límites de la originalidad. Luego llegan piezas como “girlsgirlsgirls”, donde la artista juega con la idea del espejo y la mirada ajena; “Aquí no muere nadie” y “OOC”, que mezclan vulnerabilidad y energía contenida; o “Esmeralda” y “red velvet”, dos polos opuestos del corazón emocional del disco, entre la pulsión electrónica y la calma acústica.

En la segunda mitad del álbum, canciones como “i’ll drink to that”, “en tallo verde / oropéndola” o “hubris” exploran nuevas texturas, combinando capas de voces, fragmentos rítmicos y atmósferas que desafían el equilibrio. El cierre llega con “madison song (august again)”, “alexandra palace”, “BURN YOURSELF” y “el tapiz de los fantasmas pt. 2”, donde el museo se apaga lentamente y solo queda el eco, una despedida suspendida en el aire.

Más que un debut, “MoMA (Museum of Misplaced Art)” es una declaración de principios. sélpide construye un espacio donde la identidad es movimiento, la vulnerabilidad es fortaleza y la música es una forma de observar el mundo con otros ojos. En su museo, no hay obras intocables, sino reflejos que cambian con cada escucha, espejos que devuelven a cada oyente una versión distinta de sí mismo.

Un álbum que no se contempla: se habita.

El cantautor y músico Matteo Scalusa regresa con una nueva pieza profundamente emotiva titulada “Cécile mi esposa”, una canción que combina sensibilidad, ternura y una declaración de amor sincera. Escrita e interpretada con un tono íntimo, el tema refleja la madurez artística de Scalusa, quien ha sabido construir un estilo propio basado en la honestidad lírica y la calidez melódica.

Detrás del nombre artístico se encuentra Christian Stutzig, músico y compositor originario de Augsburgo (Alemania), cuya pasión por la música comenzó a los nueve años, cuando tomó sus primeras clases de guitarra. A lo largo de los años, su interés por la teoría musical y la composición lo llevó a desarrollar un profundo entendimiento de la armonía y de la estructura de las canciones. Aunque en sus inicios combinó su formación como administrativo con su amor por la música, pronto decidió dedicarse plenamente a la creación artística, lanzando su primer tema en 2016. Desde entonces, su obra ha estado marcada por letras reflexivas y melodías de fuerte carga emocional.

Cécile mi esposa representa una oda al amor verdadero, un homenaje a la persona amada desde la sinceridad más pura. En la canción, Scalusa da voz a un hombre que se dirige a la familia de su amada con respeto y gratitud, reconociendo la belleza y la bondad de quien pronto será su compañera de vida. Con versos como “Gracias por haberla criado, cuando ella era tu princesa, ahora es mía”, el artista logra transmitir un mensaje de respeto, amor y compromiso, envolviendo al oyente en una atmósfera de ternura y devoción.

Musicalmente, la canción se construye sobre una base sencilla pero llena de matices, donde la guitarra juega un papel protagonista. La interpretación vocal, delicada y honesta, resalta la emoción de cada palabra, logrando un equilibrio perfecto entre romanticismo y vulnerabilidad. El estribillo —“Cécile, Cécile mi esposa”— se repite como un mantra amoroso, reforzando la idea de entrega total y de unión profunda.

Más que una simple canción de amor, “Cécile mi esposa” es una declaración que celebra la conexión humana y la promesa de cuidar, respetar y compartir la vida con alguien especial. Matteo Scalusa demuestra nuevamente su habilidad para transformar sentimientos universales en piezas musicales que llegan al corazón, confirmando su lugar como un compositor que valora la autenticidad por encima de las modas.

Cécile mi esposa ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

La cantante y compositora puertorriqueña GALE vuelve a sorprender con su nuevo single “No Quería Quererte”, una colaboración junto al talentoso artista español Abraham Mateo que combina el pop moderno con toques dance y una letra tan irresistible como honesta. El tema, incluido en el segundo álbum de estudio de GALE, Lo que puede pasar, muestra una química musical explosiva entre ambos artistas y confirma el gran momento creativo que ambos atraviesan.

En “No Quería Quererte”, GALE y Abraham Mateo narran la historia de un amor que surge sin buscarlo, una conexión inesperada que se impone pese a las advertencias del corazón. La canción juega con la ironía del deseo y la resistencia, con frases directas y seductoras como: “No quería quererte, no quería quererte… pero cuando me miras con esos ojitos, me dan ganas de comerte.” A través de una producción pulida y un ritmo contagioso, el tema captura ese instante en el que la pasión se convierte en destino, aunque ambos protagonistas sepan que puede doler.

Musicalmente, el sencillo combina la energía del pop/dance con una sensualidad marcada por sintetizadores, percusiones latinas y una base rítmica que invita al movimiento. La voz rasgada y expresiva de GALE se mezcla con la versatilidad vocal de Abraham Mateo, creando una fusión de estilos que fluye con naturalidad entre lo emocional y lo bailable.

GALE, nominada a Mejor Nuevo Artista en los Latin Grammy 2023, continúa demostrando su madurez artística y su habilidad para escribir canciones con identidad propia. Antes de brillar como solista, ya había conquistado la industria como compositora de grandes figuras como Shakira, Christina Aguilera, Juanes, Anitta y Manuel Turizo. Su sonido combina la fuerza del pop con influencias punk, dance y latinas, reflejando una personalidad artística potente y contemporánea.

Por su parte, Abraham Mateo aporta a la colaboración su sello inconfundible: una mezcla de carisma, sensibilidad y ritmo. El cantante gaditano, que alcanzó fama internacional a los 14 años con “Señorita”, ha evolucionado hasta convertirse en uno de los artistas más versátiles del pop latino actual, colaborando con nombres como Jennifer Lopez, Luis Fonsi y Sebastián Yatra. Su participación en “No Quería Quererte” refuerza su faceta más pop y demuestra su capacidad para adaptarse a diferentes estilos sin perder autenticidad.

El tema, además de destacar por su impecable producción, muestra un equilibrio entre lo romántico y lo provocador. La letra combina imágenes de deseo, nostalgia y conexión física, dando lugar a una historia que se siente tan real como universal: dos personas que intentan evitar el amor, pero terminan cayendo inevitablemente en él.

Con “No Quería Quererte”, GALE reafirma su posición como una de las voces femeninas más innovadoras del pop latino, mientras que Abraham Mateo continúa consolidando su legado como artista integral y camaleónico.

“No Quería Quererte” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de GALE y Abraham Mateo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o colaboraciones, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista onubense María Isabel vuelve a la escena musical con “Pa ti soy la mala”, una canción poderosa y desafiante que consolida su regreso al panorama pop-latino. Este nuevo lanzamiento, el tercero de su próximo álbum, marca una evolución sonora y emocional en la carrera de una de las voces más reconocidas de España.

Conocida por su histórica victoria en el Festival de Eurovisión Junior 2004 con el icónico tema “Antes muerta que sencilla”, María Isabel López Rodríguez —natural de Ayamonte, Huelva— demuestra con este single que ha dejado atrás su imagen infantil para abrazar una nueva etapa de madurez, autenticidad y empoderamiento.

“Pa ti soy la mala” es un canto a la libertad personal tras una relación marcada por la manipulación emocional. A través de una letra directa y contundente, la artista redefine el concepto de “mala” para transformarlo en sinónimo de independencia y autovaloración. “Pa ti soy la mala, ahora soy la gata, la que disfruta la vida y se la vive con su pana…” canta con fuerza, celebrando su capacidad de reconstruirse y dejar atrás el pasado sin miedo ni culpa.

En lo musical, la canción fusiona el pop urbano con matices latinos y un sutil alma de tango, creando un sonido sofisticado y contemporáneo que destaca por su producción moderna y su intensidad interpretativa. Este estilo híbrido refuerza la identidad artística de María Isabel, quien continúa explorando nuevas formas de expresión sin perder su esencia.

Tras un retiro temporal en 2021 por motivos de salud mental y su posterior maternidad en 2023, la cantante regresa más fuerte que nunca, demostrando que la vulnerabilidad también puede ser fuente de poder creativo. Con “Pa ti soy la mala”, María Isabel no solo presenta un nuevo single, sino también una declaración de principios: la de una mujer que ha aprendido a quererse y a poner límites, transformando el dolor en arte.

“Pa ti soy la mala” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de María Isabel, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o proyectos musicales, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista andaluza Carmen Ferre, una de las voces jóvenes más prometedoras del panorama musical español, presenta su nuevo sencillo “Noviembre”, una balada intensa y profundamente emocional que fusiona el pop con matices flamencos. Con esta canción, la cantautora demuestra una vez más su capacidad para transformar el dolor en arte y conectar con el público desde la verdad más íntima.

Noviembre es una historia contada desde el corazón roto, desde ese punto en el que el amor ya no está, pero los recuerdos aún arden. A través de una letra poética y desgarradora, Carmen repasa los meses del año como si fueran capítulos de una herida que no termina de cerrar: “Enero dice vas por buen camino / Febrero duele cuando yo respiro…”. La canción alcanza su clímax con un estribillo tan bello como devastador: “Y llega noviembre / y me obliga a aceptar que te amo / me recuerda que hoy somos extraños / que soltaste mi mano / y hay alguien que camina a tu lado.”

El tema no solo refleja una pérdida amorosa, sino también la lucha interna por aceptar la realidad y aprender a vivir con la ausencia. Con su voz llena de matices, Carmen Ferre transmite una autenticidad que atraviesa, combinando delicadeza y fuerza en cada frase.

Musicalmente, “Noviembre” se enmarca dentro del pop aflamencado que caracteriza a la artista, con arreglos contemporáneos que realzan su interpretación y una producción cuidada que deja respirar la emoción. Es un tema que invita tanto a la reflexión como al desahogo, donde el tiempo —representado por los meses— se convierte en el verdadero protagonista.

Carmen Ferre ha construido paso a paso una carrera sólida desde su paso por talent shows como La Voz Kids, Got Talent y Tierra de Talento, donde su voz y carisma cautivaron al público. Desde entonces, ha compartido escenario con grandes nombres como Antonio Orozco, Pastora Soler, Vanesa Martín y El Arrebato, consolidándose como una artista completa y con una identidad musical muy personal.

Tras éxitos anteriores como “Cicatrices”, “Nueve Vidas” y “Fuiste tú”, la joven cantautora vuelve a emocionar con “Noviembre”, reafirmando su madurez artística y su capacidad para escribir canciones que se sienten tan reales como universales.

“Noviembre” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carmen Ferre, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips o proyectos musicales, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.