Con el lanzamiento de Dalai Lama, HANIMAMI da un paso más dentro del universo que comenzó a construir con Fake Prada, su EP debut. La artista birracial vuelve a desafiar los límites entre lo espiritual y lo sensual, entre lo místico y lo urbano, con una canción que vibra como un mantra en medio del club. Dalai Lama no busca respuestas: las provoca.

En este nuevo tema, HANIMAMI retoma el pulso híbrido que ya caracteriza su propuesta. Entre percusiones árabes, beats electrónicos y una cadencia que oscila entre el reggaetón introspectivo y la electrónica ritual, la artista convierte el deseo en oración y la pista de baile en un templo. Su voz, etérea y poderosa, se eleva entre capas de sintetizadores para invocar una energía que es tanto terrenal como divina.

Fiel a su visión de “reescribir lo real desde la diáspora”, HANIMAMI utiliza Dalai Lama como un espejo de su identidad. A medio camino entre el norte de África y la periferia europea, su música se nutre de raíces profundas y de un presente en constante transformación. Lo sagrado y lo profano conviven sin conflicto, porque para ella no hay contradicción entre el placer y la fe.

Con este lanzamiento, HANIMAMI reafirma su lugar como una de las voces más singulares de la nueva escena alternativa iberoárabe. Dalai Lama es un llamado a la iluminación desde el cuerpo, una invitación a dejarse poseer por el ritmo y a entender la espiritualidad como una forma de resistencia y de libertad.

Dalai Lama ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de HANIMAMI, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Carlos Rivera vuelve a conmover al público con “Almas”, su nuevo single lanzado en octubre de 2025, una de las canciones más íntimas y profundas de toda su trayectoria. Con esta composición, el artista mexicano rinde un homenaje lleno de amor y memoria a su padre, recordando que hay lazos que nunca se rompen, ni siquiera cuando la vida obliga a decir adiós.

Originario de Huamantla, Tlaxcala, Carlos Rivera ha construido una carrera impecable gracias a su talento, disciplina y sensibilidad artística. Desde sus primeros pasos en escenarios locales, su voz y presencia han conquistado audiencias dentro y fuera de México. Su discografía, marcada por álbumes como Carlos Rivera, Mexicano, El Hubiera No Existe, Yo Creo, Guerra, Leyendas, Sincerándome y ¿Qué Significa el Amor?, ha sido la plataforma de una propuesta musical auténtica, íntima y emocional.

Además de su trabajo en la música, ha brillado en el teatro musical al interpretar a Simba en El Rey León tanto en México como en España, donde realizó más de mil funciones, consolidando su versatilidad artística. Como compositor, ha escrito gran parte de su repertorio, impregnando cada canción con su visión, emociones y vivencias, lo que le ha permitido conectar profundamente con el público a lo largo de los años.

“Almas” fue escrita junto a José Luis Roma y nace desde un lugar profundamente personal: la pérdida de su padre. Con versos como “Y aunque llore y vuelva a llorar, nunca va a ser suficiente ni será”, la canción expresa la tristeza desgarradora de la ausencia, pero también la permanencia del amor como fuerza que trasciende el tiempo y la vida. Con una interpretación vocal cargada de emoción y una producción sobria que realza cada palabra, Rivera logra convertir el dolor en una obra de arte luminosa.

Este lanzamiento también marca el inicio de una nueva etapa musical para el artista, ya que “Almas” será parte de su próximo álbum de estudio. El tema se perfila como una de las piezas centrales de este proyecto, no solo por su significado personal, sino por la manera en que logra resonar con quienes han vivido una pérdida similar.

Fiel a su esencia, Carlos Rivera entrega no solo una canción, sino un testimonio de amor incondicional, de vínculos que permanecen más allá del tiempo y de las palabras. Con “Almas”, vuelve a recordarle al mundo por qué es uno de los intérpretes más queridos y respetados de su generación.

“Almas” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Carlos Rivera, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Olga Lucía Vives presenta “Pensar Al Revés”, un lanzamiento que marca un nuevo capítulo en su ascendente carrera como solista. La artista colombiana, reconocida por su autenticidad y su potente sensibilidad interpretativa, vuelve a cautivar con una canción que explora la autocrítica, el amor y la imperfección humana desde una mirada profundamente honesta.

La intérprete, compositora y actriz ha construido un camino sólido en la música y el entretenimiento. Su voz se dio a conocer como una de las integrantes del exitoso grupo pop Ventino, y más tarde conquistó nuevos espacios al ser parte del elenco de la película Encanto de Disney, dando voz a la protagonista en el doblaje latino y participando en la banda sonora. Su talento como compositora también la ha llevado a firmar canciones para otros artistas, como Quiero que me odies de Andrés Cepeda y la canción principal de la serie Medusa de Netflix.

En 2025 Olga dio un giro artístico decisivo al iniciar su etapa solista con Veneno, un tema que reveló su fuerza y evolución personal. A este debut le siguieron Si No Te Quise y Amiga, consolidándola como una de las voces femeninas más prometedoras y auténticas de la escena musical hispanoamericana. Su versatilidad y sensibilidad artística le han permitido compartir escenario con grandes figuras, entre ellas Carlos Vives, en conciertos inolvidables en Santa Marta.

“Pensar Al Revés” continúa esta senda con una propuesta íntima y emocional. A través de su letra, la canción revela a una mujer que, con total franqueza, reconoce sus errores en una relación amorosa: despistes, olvidos y torpezas que no nacen de la falta de amor, sino de su manera distinta de sentir y vivir. Con versos como “Si se me escapa algo otra vez, no pienses que es por falta de interés”, Olga expone con claridad el miedo a perder a alguien por no saber amar como el otro espera.

La canción combina una interpretación vocal cargada de sentimiento con una producción pop elegante y sutil, en la que la vulnerabilidad se convierte en el centro del relato. “Pensar Al Revés” es, en esencia, un retrato sensible de cómo a veces el amor se ve atravesado por la imperfección humana, pero también por la voluntad de seguir intentando.

Olga Lucía Vives, con su autenticidad y entrega, reafirma con este lanzamiento que su propuesta artística va más allá de lo musical: es una invitación a reconocerse, aceptarse y amar desde la honestidad. Próximamente, la artista llevará esta nueva etapa de su carrera a escenarios internacionales, con actividades en México, Perú y Ecuador como parte de su proyección global.

“Pensar Al Revés” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Olga Lucía Vives, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora venezolana Joaquina continúa consolidándose como una de las voces más destacadas de la nueva generación del pop en español. Con apenas 21 años, la ganadora del Latin Grammy a Mejor Artista Nuevo en 2023 sorprende nuevamente con “Los 41”, un tema pop-rock afilado, irónico y cargado de energía, que convierte una decepción amorosa en una poderosa declaración generacional.

Nacida en Caracas en 2004 y criada en Miami, Joaquina ha demostrado desde sus inicios un talento innato para componer letras honestas, directas y emocionalmente complejas. Tras el éxito de su álbum al romper la burbuja, la artista regresa con este nuevo sencillo, en el que combina su característico estilo pop con tintes de rock, una producción vibrante y una actitud desafiante que invita a la reflexión tanto como al desahogo.

“Los 41” nació de una conversación cargada de sarcasmo sobre una relación en la que la otra persona insistía en que “no quería nada serio”, aunque Joaquina intuía que, en realidad, simplemente “no quería nada con ella”. De ese diálogo surge una letra afilada y con mucho humor, que desmonta los comportamientos inmaduros y evasivos de ciertos hombres contemporáneos. La artista los describe como “niños eternos”, incapaces de asumir compromisos reales y emocionalmente dependientes de la figura materna.

Frases como “Tal vez mamá te doblará la ropa hasta que cumplas los 41” encapsulan perfectamente ese espíritu: una crítica generacional disfrazada de ironía, en la que la artista desnuda su desilusión con mordacidad, lucidez y una buena dosis de sarcasmo. Más allá del desamor, “Los 41” es un himno sobre la liberación emocional y la importancia de aceptar la verdad —por dura que sea— para seguir adelante con dignidad y humor.

La canción despliega una producción enérgica, guiada por guitarras y una percusión poderosa, que refuerzan el carácter rebelde y contestatario del mensaje. Joaquina combina vulnerabilidad y fuerza con una madurez sorprendente, confirmando que su talento trasciende edades y etiquetas. En poco tiempo, ha logrado posicionarse como una de las compositoras más influyentes de la nueva ola del pop latino, gracias a su capacidad de transformar experiencias personales en mensajes universales con los que su público se identifica de inmediato.

“Los 41” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Joaquina, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La banda mexicana TREEM, una de las propuestas más sólidas y prometedoras del rock alternativo en español, estrena “Espero”, un sencillo cargado de emoción que combina la fuerza característica del rock con la sutileza melódica del indie contemporáneo. Con este lanzamiento, el grupo reafirma su identidad sonora y su lugar dentro de la nueva generación del rock latinoamericano.

Fundada en 2016 por Julio Durán, TREEM ha crecido a través de una búsqueda constante por explorar nuevas texturas, sonidos y emociones que conectan con un público cada vez más amplio. Con casi 500.000 reproducciones en Spotify y dos nominaciones a los Monster Music Awards, la agrupación consolida su proyección en la escena alternativa, demostrando que su propuesta trasciende fronteras y etiquetas.

“Espero” representa un momento de madurez artística y emocional para la banda. La canción aborda la espera como un espacio íntimo donde el amor, el tiempo y la distancia se entrelazan con el autodescubrimiento. “Esperamos que la gente sienta esta canción como un respiro, una pausa en medio del ruido. Habla de esperar por algo o alguien, pero también de encontrarse a uno mismo en ese proceso”, comparte Julio Durán, fundador y vocalista del grupo.

La batería del tema fue grabada por Toni Mateos, reconocido músico español que ha trabajado con artistas de talla internacional como Alejandro Sanz y Sergio Dalma, además de formar parte del programa La Voz España. Su aporte rítmico aporta una fuerza elegante y precisa que potencia la intensidad emocional de la canción.

Con influencias que van desde Caifanes, Héroes del Silencio y Enanitos Verdes hasta referentes internacionales contemporáneos, TREEM ha desarrollado un sonido propio que combina melancolía, energía y autenticidad. “Espero” es el cuarto sencillo original de la banda y llega como una declaración artística clara: la música de TREEM no solo pertenece a una escena, sino que construye un puente entre generaciones y sensibilidades.

“Espero” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de TREEM, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Con una mezcla intensa de ritmos urbanos y letras que apuntan directo al corazón, el cantante, compositor y productor dominicano-estadounidense Dariel Amant lanza su nuevo sencillo “Ando y Busco”, una propuesta musical que se aleja de lo convencional para hablar sin rodeos de uno de esos momentos que muchos prefieren callar. 

El tema explora los matices de una relación paralela, ese terreno delicado en el que dos personas se encuentran fuera de sus vínculos formales, sabiendo que lo que viven no es sostenible, pero tampoco fácil de dejar. Con una base urbana cargada de ritmo y tensión emocional, "Ando y Busco" pone sobre la mesa una conversación incómoda pero necesaria. 

El personaje en la canción se planta firme, ya no quiere ser el secreto, pero también disfruta al máximo de esta situación llena de pasión. Con esta producción, el artista demuestra una vez más su capacidad para convertir situaciones cotidianas en piezas musicales con peso narrativo. "Ando y Busco" no es solo un tema para sonar en las plataformas, sino una invitación a mirar de frente esas decisiones que a veces se toman en la sombra. 

Este nuevo sencillo también marca un momento importante en la evolución musical de Dariel. Con un sonido más pulido, un enfoque más maduro y una narrativa clara, el artista urbano sigue consolidando su estilo, que combina la sensualidad del género con un fondo emocional cada vez más trabajado. El nombre artístico de Dariel no es casualidad. “Amant”, que en francés significa "amante", define no solo su estética sino su propuesta completa. Su música celebra el amor en todas sus formas, el romántico, el carnal, el confuso, el que duele, el que libera. 

Así como el corazón de un amante se abre a la vulnerabilidad, las propuestas de Dariel desnudan su alma, sin miedo al juicio, con la convicción de que ser honesto también es un acto de valentía. Sus raíces dominicanas y su vida en Nueva Jersey le han dado una mirada cultural amplia, que se refleja en su sonido, una fusión de R&B latino, Hip Hop y Pop que lo posiciona como pionero de una nueva ola urbana más introspectiva y emocional.  

El artista vigués Álex Cassen vuelve a conquistar con su sensibilidad única y su estilo inconfundible. Tras abrirse camino en la música con su EP debut Las cartas sobre la mesa (febrero de 2025), presenta “Culpable”, un nuevo sencillo que combina pop con reminiscencias funky y que funciona como adelanto de su primer álbum de estudio, previsto para 2026. Con esta canción, Cassen abre un nuevo capítulo en su trayectoria, manteniendo intacta su capacidad para narrar emociones profundas desde una perspectiva íntima y directa.

“Culpable” es un retrato sonoro de la fuerza del deseo y la intensidad de un amor prohibido. Con ritmo, frescura y un estribillo pegadizo, el tema se sumerge en esa tensión entre lo que se quiere y lo que no debería ocurrir, dibujando escenas tan cinematográficas como cercanas. La letra, cargada de imágenes sensoriales y momentos precisos —un coche caro, una canción de Queen sonando en la radio, la noche como cómplice— logra transmitir la atracción inevitable entre dos personas que saben que su historia está condenada, pero deciden vivirla igual.

Nacido en Vigo, Álex Cassen es un artista que ha hecho de la honestidad su sello personal. Antes de lanzarse a la música, publicó dos poemarios —Golondrinos (2022) y Algia (2023)— en los que ya dejaba entrever su capacidad para poner en palabras emociones complejas. Su salto al ámbito musical ha sido natural: desde pequeño siente una profunda pasión por este lenguaje artístico, y en su propuesta combina elementos electrónicos con melodías pop muy pegadizas, sin atarse a un solo género. Cada canción suya parte de vivencias personales, pero logra convertirse en una historia universal con la que muchos pueden sentirse identificados.

En “Culpable”, la voz de Cassen navega entre la confesión y la rendición, con frases que se clavan: “Soy culpable de soñar con bailes, pero nunca has intentado despertarme”. La producción, fresca y elegante, sostiene el pulso de la canción, potenciando la tensión entre el deseo y la certeza de que el final es inevitable. Esta dualidad es precisamente una de las grandes fortalezas de su escritura y de su propuesta musical.

Con este single, Álex Cassen se reafirma como una de las voces emergentes más interesantes de la escena pop actual, combinando sensibilidad lírica, una estética cuidada y un sonido contemporáneo que atrapa desde la primera escucha.

“Culpable” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Álex Cassen, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La música no entiende de edades ni de límites, y Virtualcoverparty es prueba viva de ello. A sus 70 años, este artista autodidacta ha emprendido una nueva aventura musical que combina su pasión de toda la vida por el pop y el rock clásico con las posibilidades creativas que ofrece la tecnología actual. Su más reciente lanzamiento, “You are not in my heart”, es un homenaje profundamente personal a Dua Lipa y a la huella emocional que dejó en él su concierto en el Royal Albert Hall de Londres en 2024.

La historia de Virtualcoverparty comenzó cuando tenía solo diez años, con una guitarra acústica y una curiosidad inagotable. Formado de manera autodidacta, se dedicó a explorar los sonidos del pop y rock de los años 70 y 80, una época que marcaría su sensibilidad artística. Durante muchos años vivió la música como un apasionado amateur, mientras su carrera profesional transcurría en otro ámbito. Pero la irrupción de la tecnología le dio una nueva herramienta: la posibilidad de unir sus dos pasiones —la informática y la música— y convertirlas en un proyecto creativo sólido.

“You are not in my heart” forma parte de un álbum compuesto por tres canciones originales dedicadas a Dua Lipa, una artista que para Virtualcoverparty representa inspiración, superación y autenticidad. A través de esta canción, busca transmitir la emoción vivida durante aquel concierto londinense, un momento que describe como profundamente transformador. El tema no es simplemente un tributo a su carrera musical, sino también a la persona que hay detrás de la estrella, destacando su carisma y la conexión especial que logra con su público.

Este proyecto, nacido de la admiración y de un impulso artístico renovado, marca también la evolución personal del artista. Tras años versionando clásicos, Virtualcoverparty ha dado el salto a la composición y producción originales, demostrando que nunca es tarde para explorar nuevos horizontes creativos. Su historia es la de un “adolescente maduro” que no teme comenzar de nuevo y compartir con el mundo su pasión por la música.

“You are not in my heart” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Virtualcoverparty, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El cantautor chileno Mr Don vuelve a irrumpir en la escena musical con el lanzamiento de su nuevo álbum Yugo Desigual, una producción de gran nivel realizada junto al prestigioso productor DerekVinci y respaldada por EQS Música, la discográfica número uno en bachata. Este lanzamiento no solo consolida su posición como una de las voces más potentes del género, sino que reafirma su apuesta por una propuesta musical fresca, auténtica y profundamente emocional.

Yugo Desigual es un viaje por el universo de las emociones humanas. A lo largo de sus canciones, el álbum explora el delicado equilibrio entre la ternura del amor y la crudeza del desamor; entre la euforia del deseo, la nostalgia por lo perdido, la reconciliación, el dolor y la esperanza. Cada pista está construida con la intención de conectar directamente con el corazón del oyente, ya sea a través de letras honestas, cargadas de sentimiento, o de melodías que invitan a bailar, llorar o simplemente dejarse llevar.

El trabajo de DerekVinci en la producción se percibe en cada detalle: arreglos precisos, sonoridad impecable, mezclas limpias que respetan la esencia más pura de la bachata tradicional, pero con toques modernos que le dan un carácter distintivo. Juntos, Mr. Don y DerekVinci han creado un álbum que se mueve entre la elegancia melódica y la intensidad emocional, en el que los contrastes se sienten naturales y poderosos.

En Yugo Desigual, Mr Don apuesta por letras directas y sin filtros, donde la vulnerabilidad no es una debilidad, sino una declaración de fuerza. Sus canciones son relatos sinceros que reflejan historias de amor y desamor, de despedidas que duelen, reencuentros inesperados y pasiones intensas. Esta honestidad lírica, sumada a su estilo vocal inconfundible, le ha permitido convertirse en uno de los artistas más queridos de la nueva generación de bachateros.

La participación de EQS Música en este proyecto no es menor. Además de ofrecer respaldo institucional, la discográfica brinda una plataforma internacional para que Yugo Desigual llegue a oyentes de toda América Latina, Estados Unidos y Europa, ampliando el alcance de la música de Mr Don y fortaleciendo su proyección global.

Este álbum representa un punto de inflexión en su carrera: no solo es un trabajo esperado por su público, sino también una declaración artística que reafirma su identidad. Mr Don logra capturar la esencia romántica de la bachata, pero también la moderniza, llevándola a nuevas generaciones sin traicionar sus raíces.

Con Yugo Desigual, el artista chileno se muestra más maduro, más personal y más decidido que nunca. Una obra que promete quedarse en el corazón de quienes aman la bachata y buscan canciones que hablen con el alma.

La primera girl band argentina de K-Pop vuelve a revolucionar la escena musical con su más reciente sencillo, “Té Kila”, una propuesta explosiva que fusiona el ritmo, la actitud y la estética coreana con letras en español y una energía festiva que promete convertirse en uno de los hits del año. K4OS, integrado por Mariana Taurozzi “Tau” (líder y voz principal), Inés Civit “Ine” (vocalista), Mercedes Bitzer “Mechi” (vocalista) y Lynette Ladelfa “Lily” (bailarina principal), reafirma con este lanzamiento su lugar como pioneras del K-Pop en Argentina y en toda la comunidad hispanohablante.

“Té Kila” llega con la fuerza de un beat urbano contagioso y una producción impecable, fiel al sello del grupo. Su propuesta se nutre de coreografías precisas, un estribillo pegadizo y una puesta en escena visual de alto impacto que remite directamente a la sofisticación característica del K-Pop, pero con identidad latina. El juego de palabras en el título —“Té Kila” / “Tequila”— esconde un mensaje más profundo: transformar el dolor en libertad a través de la música, el baile y la celebración.

La letra aborda el desahogo y la sanación emocional desde un lugar festivo y empoderado. Frases como “Salen las heridas te queman la garganta, y esta vida chat / Pero con un beso se me ay ay ay / Lima y una botella sana todas tus penas” encapsulan a la perfección la idea de dejar atrás las penas y sumergirse en un instante de liberación. En ese equilibrio entre intensidad emocional y diversión radica gran parte de la fuerza de K4OS.

Desde su formación en 2023, el grupo ha sabido construir una base sólida de fans a través de TikTok y otras plataformas, convirtiéndose en un fenómeno digital. Su single debut “Caos” marcó el inicio de una nueva etapa para el pop argentino, abriendo camino a un sonido híbrido que algunos ya llaman A-Pop. Con lanzamientos como “Extra” y “Mente en blanco”, K4OS ha demostrado que su propuesta no es una moda pasajera, sino un proyecto sólido que combina disciplina artística, creatividad y visión internacional.

“Té Kila”, lanzado en octubre de 2025, consolida esta identidad: un puente entre culturas, con el magnetismo del K-Pop y la calidez de la lengua española. El videoclip, que acompaña al sencillo, ha generado gran repercusión en redes sociales y YouTube, confirmando la creciente popularidad del grupo y su impacto entre el público joven.

“Té Kila” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de K4OS, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlas muy de cerca a través de sus redes sociales.

Uniendo a tres potencias de la música latina contemporánea, Mau y Ricky, Luísa Sonza y Big One lanzan el single “Tocando Madera”.  La canción, que mezcla funk brasileño, reggaetón y pop, celebra la conexión cultural entre Venezuela, Brasil y Argentina, y promete conquistar tanto las pistas de baile como las tendencias en toda América Latina.

Inspirada en la expresión popular “tocar madera” —utilizada para alejar la mala suerte—, la canción retrata una noche inolvidable, de esas que uno quisiera repetir: “estoy tocando madera pa que esto vuelva a pasar”, dicen sus versos. La producción está a cargo del argentino Big One, responsable de éxitos de artistas como Emilia, Tini, María Becerra, Lali y FMK, incorporando arreglos modernos, ritmos marcados y una atmósfera bailable. Cantada en español y portugués, “Tocando Madera” evidencia la colaboración creativa entre los artistas.

“Luísa es nuestra primera colaboración con una artista de Brasil, aunque ya habíamos escrito canciones que los brasileños conocen. Estamos muy emocionados de sumar su talento a nuestra carrera. Con Big One mezclamos funk con merengue; tenemos una química increíble creando música juntos, y esta canción nació en una tarde en Miami”, comparte el dúo.

“Fui a Argentina a comienzos de año para promocionar Motinha 2.0, y allí surgió la oportunidad de grabar Tocando Madera con Mau y Ricky, a quienes ya conocía y adoro. La invitación vino de Big One, que también conocía, y nos metimos directo al estudio. Escribí mi parte, fue genial. La canción es animada y tiene esa mezcla de ritmos de ambos países”, comparte Luísa Sonza.

“Si hay algo que siempre me inspiró, fue fusionar sonidos de distintos lugares, y esta colaboración con Mau, Ricky y Luísa fue perfecta para eso. Logramos unir sus estilos en el funk brasileño, en una canción que tiene mucha energía y alma. ¡Espero que disfruten esta canción tanto como nosotros disfrutamos crearla!”, comenta Big One.

El exitoso dúo venezolano Mau y Ricky, con más de 5 mil millones de streams, ganadores de múltiples discos de platino y nominados repetidas veces a los Latin Grammy viven inmersos en la música desde la infancia. Mau y Ricky marcaron su entrada en 2014, coescribiendo grandes éxitos globales como Vente Pa’ Ca de Ricky Martin y Maluma, Sin Pijama de Becky G & Natti Natasha—esta última certificada con 13 diamantes en Latinoamérica y destacada en la lista de Rolling Stone de las “100 Mejores Canciones de Reggaetón de Todos los Tiempos” o para otros grandes artistas como Anitta o Karol G. Su trayectoria habla por sí sola de su innegable talento e influencia en la industria musical. Con Tocando Madera desembarcan por primera vez en Brasil de la mano de Luísa Sonza con la intención de dejar huella.

Por su parte, Big One, uno de los productores más influyentes de la música argentina actual, es conocido por crear hits que trascienden fronteras y consolidan la fuerza de la nueva generación del pop latino.

Esta colaboración refuerza la expansión internacional de Luísa Sonza. A sus 27 años, la artista acumula más de 3 mil millones de streams en plataformas digitales y ha sido nominada tres veces al Grammy Latino. Elegida como la cantante pop número uno de Spotify Brasil durante tres años consecutivos, Luísa ostenta el récord del mayor debut en la historia de Spotify Brasil con su álbum más reciente, Escândalo Íntimo, que alcanzó 15,6 millones de streams en 24 horas y generó éxitos como “Penhasco 2”, “Chico” y “Sagrado Profano”. Con una trayectoria marcada por colaboraciones internacionales con artistas como Mariah Carey, Joe Jonas, Demi Lovato, Katy Perry, Marshmello, Tokischa, Emilia y Sofía Reyes, Luísa se consolida como una de las voces más importantes del pop brasileño a nivel global. 

En “Tocando Madera”, los tres artistas construyen un puente sonoro entre países, transmitiendo a través de la música el espíritu vibrante y multicultural que define la nueva era del pop latino.

La joven artista catalana Poncelam continúa consolidando su propuesta dentro del panorama urbano español con “Pausa”, un nuevo sencillo que refleja con fuerza la madurez artística y personal que ha ido construyendo desde sus inicios. Nacida como Irene Poncela Martínez en El Prat de Llobregat (Barcelona) en 2004, la cantante, compositora y productora ha desarrollado un estilo propio en el que confluyen géneros como el R&B, el hip-hop, el soul, el pop y ecos del jazz, una influencia que proviene de sus estudios en el Conservatori del Liceu y de la escena musical francesa.

“Pausa” es un viaje dividido en dos atmósferas sonoras que dialogan entre sí: una más oscura, íntima y contenida, y otra más luminosa, abierta y esperanzadora. Este contraste no es casual. La canción surge de un proceso de introspección profunda, en el que Poncelam detiene el ritmo vertiginoso de su vida para conectar con su propia voz, replantearse su camino y encontrar claridad en medio del ruido. El título no solo alude a un momento de respiro, sino a la decisión consciente de cerrar una etapa para iniciar otra con más madurez y determinación.

Desde su debut en 2019, Poncelam ha sabido destacar por la autenticidad de su propuesta. Con tres EPs a sus espaldas —Lágrima de Ángel (2022), Vértigo (2023) y Besos, Irene (2024)— y varios sencillos que se han viralizado, la artista ha explorado temas como el amor, la familia, la ambición, la incertidumbre y la relación con la industria musical, siempre desde una sensibilidad honesta y sin adornos. Su historia personal también está marcada por una fuerte conexión familiar con la música: su padre, Ángel Poncela, fue teclista del emblemático grupo Fórmula V, una herencia que ha influido profundamente en su pasión creativa.

“Pausa” se presenta así como uno de los lanzamientos más representativos de Poncelam hasta la fecha, anticipando la nueva etapa que marcará su esperado álbum debut, No Certificada, previsto para 2025. Es una invitación a mirar hacia adentro y a abrazar los contrastes que conforman la identidad artística de una de las voces emergentes más prometedoras del pop urbano español.

“Pausa” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Poncelam, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora guipuzcoana Maria Amolategui abre un nuevo capítulo en su carrera con el lanzamiento de Equilibrio, su primer álbum en solitario, una obra profundamente personal que combina pop con raíz y que ya está disponible en todas las plataformas digitales y en formato físico. A través de diez canciones, Maria invita a recorrer un paisaje sonoro donde la fragilidad y la fuerza conviven en perfecta armonía, celebrando las emociones que habitan en lo más simple de la vida.

Equilibrio se erige como un refugio musical que navega con serenidad entre lo íntimo y lo universal. Amolategui explora temas como la búsqueda del amor, la pérdida, la importancia de los vínculos y el valor de soltar, pero lo hace desde un enfoque sereno, sin dramatismos, abrazando la belleza de lo cotidiano. “Este álbum habla de lo que duele y de lo que cura, de quienes nos cuidan y de cómo a veces hay que dejar ir incluso a quienes amamos”, explica la artista.

Uno de los rasgos más distintivos del disco es la voz de Maria: un registro cálido, grave y profundamente reconocible que envuelve cada composición con cercanía y honestidad. Influenciada por artistas como Jorge Drexler o Natalia Lafourcade, Amolategui construye un repertorio de pop con alma, capaz de emocionar, acompañar y conectar con distintos estados vitales. El álbum transita entre baladas íntimas, medios tiempos y suaves cadencias latinas, manteniendo siempre la naturalidad de los arreglos acústicos y dejando que la emoción sea la protagonista.

La construcción de Equilibrio ha sido un proceso artesanal y honesto. Producido por la propia Maria junto a Antxon Sarasua, el disco cuenta con la colaboración de destacados músicos como Daniel Venegas, Fernando Neira y Karlos Arancegui, quienes aportan solidez y sutileza a cada tema. Esta cuidada producción se traduce en una experiencia sonora orgánica y elegante.

El lanzamiento llega tras un ciclo de adelantos que ya habían despertado gran expectación. Canciones como “Equilibrio” y “Abrázame” anticiparon el espíritu del álbum, y “Días”, su último single previo, se convirtió en un broche vibrante gracias a su ritmo animado y percusiones marcadas. Cada tema contribuye a la cohesión de un proyecto que brilla por su coherencia musical y emocional.

Con Equilibrio, Maria Amolategui ofrece un refugio para quienes buscan en la música un espacio de calma, verdad y belleza sencilla. Es un trabajo que no solo consolida su identidad como compositora y cantante, sino que también la posiciona como una de las voces más sensibles y prometedoras del pop con raíz en España.

Equilibrio ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Maria Amolategui, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, presentaciones o colaboraciones, no dudes en acompañarla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Liz vuelve a conquistar a su público con una nueva versión de uno de sus temas más icónicos: “Ay Amor”. Esta vez, la artista une fuerzas con el inconfundible Magic Juan, dando vida a una colaboración potente, bailable y llena de sabor que promete convertirse en uno de los grandes éxitos del último tramo del año.

El tema original, que en su momento inspiró a Karol G para su hit “Papasito”, regresa renovado, con un sonido actual y un ritmo arrollador que combina la esencia romántica del clásico con el estilo único de Magic Juan, figura indiscutible de la música urbana tropical. El resultado es un track que mezcla nostalgia y frescura, perfecto para dominar las pistas de baile.

La letra mantiene intacta su carga emocional: un relato de amor intenso, celos y reconciliación. Con versos como “Ay, amor / No estés jugando con mis sentimientos / Ven a mí / No puedo amarte solo en pensamientos”, la canción evoca esa pasión que quema por dentro, mientras los beats y la energía vocal de ambos artistas elevan la intensidad a otro nivel.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip cinematográfico que lleva la historia al terreno de la acción. Inspirado en un clásico de espías, el video presenta a Liz y Magic Juan como protagonistas de un juego de seducción y tensión, donde se debaten entre amarse o eliminarse. Con una estética elegante y una narrativa cargada de suspenso, la pieza visual mantiene al espectador al borde del asiento durante sus cuatro minutos de ritmo, fuego y adrenalina.

Magic Juan, reconocido mundialmente como “El Negrito del Swing”, aporta su sello inconfundible a la canción, potenciando su energía fiestera sin restarle emotividad. Por su parte, Liz reafirma su posición como una de las voces femeninas más icónicas de su generación, capaz de reinventarse sin perder la esencia que la hizo brillar.

“Ay Amor” no es solo un regreso, es una declaración de vigencia. Liz y Magic Juan logran traer de vuelta un clásico y convertirlo en una propuesta fresca, moderna y con alma latina, lista para conquistar audiencias de todas las edades.

“Ay Amor” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Liz y Magic Juan, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o giras, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El productor y DJ emergente DJ Rukhlove presenta “Flying Over The Earth”, su nuevo single incluido en el EP Völkerfreundschaft. Con una propuesta electrónica envolvente, esta canción invita a sumergirse en una experiencia auditiva que transmite ligereza, amplitud y una sensación casi celestial de libertad.

“Flying Over The Earth” es mucho más que un track electrónico: es un viaje sensorial. A través de melodías etéreas y vocales suaves, DJ Rukhlove construye un paisaje sonoro que transporta al oyente a la sensación de un vuelo sublime sobre la Tierra. Euforia, energía libre y amplitud se funden en un lienzo musical que equilibra precisión técnica con emoción pura.

Aunque es su primer año dentro de la escena EDM, DJ Rukhlove ya ha demostrado tener una identidad artística clara. En sus producciones, mezcla ritmos electrónicos con motivos étnicos, melodías orgánicas y un espíritu libre que busca generar sensaciones reales. “Hago mezclas con buen material de siempre y me gusta experimentar con la música. Todo lo hago con amor”, afirma el artista, dejando ver la filosofía que impulsa su trabajo creativo.

El lanzamiento de “Flying Over The Earth” refuerza el sello sonoro que DJ Rukhlove está construyendo: una electrónica que no se limita a hacer bailar, sino que propone un viaje emocional, conectando con quienes buscan algo más profundo que un simple beat.

“Flying Over The Earth” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. 

Baddiem, conocida como “La nena mala de Argentina”, presentó oficialmente el videoclip de su sencillo “Qué esperas” en un evento íntimo cargado de brillo, energía y actitud. Rodeada de amigas, colegas de la industria y periodistas, la artista compartió los detalles detrás de esta nueva etapa de su carrera, reafirmando su identidad artística audaz, sin filtros y con una impronta única dentro de la escena urbana.

“Qué esperas” no es solo una canción: es un manifiesto personal. “Es mi forma de decirle al mundo quién soy. No busco encajar, busco brillar a mi manera”, expresó Baddiem durante la presentación, dejando en claro que su propuesta musical y visual está construida sobre la autenticidad y el empoderamiento.

El videoclip, cuidado hasta en los mínimos detalles, despliega toda la fuerza visual y sonora que caracteriza a la artista. Cada escena está diseñada para transmitir sensualidad, rebeldía y confianza, con una estética urbana elegante y poderosa que se combina con coreografías intensas, luces vibrantes y un estilismo que refleja su identidad. “Quiero que cuando vean este video, sientan lo mismo que yo sentí al crearlo: libertad, fuego y flow”, agregó la cantante.

El lanzamiento representa un paso firme dentro de la carrera de Baddiem, quien ha construido un perfil sólido en la escena musical argentina gracias a su voz distintiva, su presencia escénica y un estilo urbano que no teme desafiar moldes. Con “Qué esperas”, eleva aún más su propuesta, fusionando ritmo, actitud y un mensaje claro: brillar sin pedir permiso.

La artista también adelantó novedades: su segundo videoclip de trap ya está grabado y verá la luz muy pronto, prometiendo sorprender con una propuesta igual de potente y disruptiva. “Lo que viene es fuego”, aseguró con complicidad y entusiasmo.

Con este lanzamiento, Baddiem confirma que su carrera va en ascenso, respaldada por una estética cuidada, una identidad musical clara y un mensaje que conecta con una generación que apuesta por la autenticidad. “Qué esperas” ya está disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas.

La artista bilbaína Lucía de la Puerta da un paso más en la expansión de su universo musical con el lanzamiento del videoclip oficial de “Aire (Techno Remix)”, una poderosa reinterpretación de su exitoso single “Aire”. Esta nueva entrega audiovisual transforma el mensaje de empoderamiento que caracteriza la canción en una experiencia visual intensa, festiva y liberadora, pensada para brillar en festivales, clubs y pistas de baile.

El remix, producido por Atomic Brain Music y con la colaboración de Jayxme, ya se había consolidado como una propuesta energética y envolvente, con un ritmo hipnótico y un drop potente que convierte cada verso en un grito colectivo de independencia. Ahora, con su videoclip, esa energía se eleva aún más, combinando estética club, visuales vibrantes y coreografías que transmiten libertad, orgullo y celebración.

La canción original, lanzada en septiembre de 2025, se convirtió rápidamente en un himno dentro de la escena pop española gracias a su mensaje claro y directo: vivir como uno quiera, amar sin restricciones y ser auténticamente uno mismo, sin miedo a las críticas. La frase central, “al que no le guste, pues aire”, resonó con fuerza en el público, especialmente dentro de la comunidad LGTBIQ+, de la cual Lucía es una de las voces más visibles y queridas.

Lucía de la Puerta, nacida en Bilbao el 5 de febrero de 2000, es una figura multifacética que a sus 25 años se define como “Mecatriz” —un concepto propio que refleja sus múltiples facetas como médica en formación, cantante y actriz. Además de su proyección artística, se ha consolidado como una de las influencers más seguidas de España y Latinoamérica, y en 2024 fue galardonada con el Premio Ídolo a Influencer Revelación del Año.

Su música conecta profundamente con el público joven al hablar de libertad, diversidad y amor propio. Con el álbum A lo Callao (2025), Lucía consolidó su identidad artística con letras honestas y sonidos frescos. “Aire (Techno Remix)” representa la evolución de esa identidad, demostrando su versatilidad y su capacidad para convertir un mensaje personal en un himno colectivo.

El videoclip de “Aire (Techno Remix)” ya está disponible en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadir la canción a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Lucía de la Puerta, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o giras, no dudes en acompañarla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El músico gaditano José Romero estrena su nuevo single “Lo que no hice yo”, una propuesta fresca que fusiona su esencia pop-rock con los vibrantes matices del afropop latino. Grabado y producido por José María Moreno en el estudio La Luna Récords, este lanzamiento marca un nuevo capítulo en la carrera del artista, reafirmando su versatilidad y su capacidad para explorar nuevos sonidos sin perder su identidad.

“Lo que no hice yo” destaca por su ritmo contagioso, su energía positiva y una letra que mezcla emoción y honestidad, invitando a vivir el presente sin mirar atrás. Es un tema que conecta directamente con el público gracias a su sencillez melódica y su groove bailable, ideal para convertirse en un favorito en conciertos y playlists.

José Romero, nacido en Barbate (Cádiz), es un artista con una trayectoria sólida dentro de la escena musical española. Su historia comenzó a temprana edad como baterista, para luego dar el salto como cantante y compositor. A lo largo de su carrera ha formado parte de diversas agrupaciones como Llámalo como quieras, Infussion y Habanalup, además de colaborar con distintos artistas reconocidos, siempre aportando su toque personal y su energía característica.

Con un estilo que se mueve entre el pop y el rock andaluz y nacional, José Romero ha sabido construir un camino propio, alimentado por su pasión por la música en directo y por la búsqueda constante de nuevas formas de expresión. “Lo que no hice yo” refleja justamente esa inquietud creativa y su deseo de ofrecer al público canciones que emocionen y hagan bailar por igual.

Este lanzamiento confirma la evolución de un artista que, lejos de encasillarse, apuesta por el crecimiento y la experimentación sonora. “Lo que no hice yo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas.

Si quieres seguir el recorrido artístico de José Romero, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o presentaciones en vivo, no dudes en acompañarlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Gonzalo Alhambra, el joven artista andaluz, ex concursante de La Voz y La Voz All Stars, presenta su nuevo single “Amor de Bandera”, una balada pop cargada de emoción y verdad, que ya puedes escuchar en todas las plataformas digitales. Con una letra directa y desgarradora, la canción narra la pérdida de un amor inmenso, de esos que marcan una vida entera, y lo convierte en un himno íntimo y universal al mismo tiempo.

El videoclip de “Amor de Bandera”, que ha sido dirigido por Jota Muñoz una vez más, acompaña la emoción de la canción con una narrativa visual íntima y poética. Rodado en Benaocaz (Cádiz), combina la calidez de la luz dorada con la serenidad de los campos abiertos y los pueblos blancos, transmitiendo una profunda sensación de nostalgia y autenticidad. A través de imágenes cargadas de simbolismo el artista recorre escenarios que evocan el paso del tiempo y la búsqueda de lo perdido.

El artista gaditano finalizará su gira “Lo demás me sobra” en los próximos días, el próximo 08 de noviembre en la Sala Musik de Murcia, tras haber pasado por Barcelona, Arriate (Málaga), y multitud de escenarios a lo largo del verano de 2025 por el sur de España.

Gonzalo Alhambra es un compositor autodidacta, que destaca por su voz y sentimiento a la hora de interpretar que ha consolidado una ascendente trayectoria marcada por su capacidad de transmitir emociones más allá de la música.

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

La artista internacional SCHAR irrumpe con fuerza en la escena global con el lanzamiento de su single debut “Get Ready For Me”, una explosiva fusión de latin pop, dark pop y energía de club que marca el inicio de su era internacional y abre el camino de su esperado EGO EP. Con un sonido cinematográfico, pulsos latinos y una actitud arrolladora, SCHAR llega para dejar una huella imborrable.

“‘Get Ready For Me’ es el momento en el que dejé de esperar permiso y asumí por completo mi poder”, declara la artista. “Es esa energía ardiente que aparece cuando finalmente te adueñas de quién eres — sin disculpas”.

Escrita y producida originalmente por SCHAR en 2021, la canción representa la chispa creativa que dio vida a su alter ego. En el verano de 2025, el tema renació en Montreal y Toronto con la colaboración de Mixed by Gee (EE. UU.) y Momelo (Canadá), y fue grabado en Planet Studio (Montreal). El resultado es un sonido potente y envolvente que combina intensidad dark-pop con ritmos latinos pensados para conquistar la pista de baile.

Para celebrar el lanzamiento, SCHAR encabezará el escenario de Breaking Sound en el Cinegrill del Roosevelt Hotel de Hollywood este 18 de octubre de 2025, donde interpretará por primera vez en vivo todas las canciones de su EGO EP. El show promete ser un despliegue ardiente y cinematográfico de poder femenino oscuro y seducción.

El lanzamiento también llega acompañado de un videoclip de alto impacto visual disponible en YouTube, que captura su transformación artística y su energía dominante. Cada escena es un manifiesto de fuerza, sensualidad y control, elementos que definen esta nueva etapa en su carrera.

Pero “Get Ready For Me” es solo el inicio: SCHAR continuará su conquista musical con un doble lanzamiento —“BOYS” y “NEEDED”— previsto para el 24 de octubre de 2025, donde mostrará dos caras de su EGO EP: el deseo más crudo y la vulnerabilidad emocional más profunda.

SCHAR es el poderoso alter ego de Scharliina, artista, actriz y activista nacida en Finlandia, reconocida por su capacidad de unir música, cine y narrativas de empoderamiento. A través de SCHAR, canaliza una energía femenina oscura, cruda y sin filtros, redefiniendo la fuerza, la sensualidad y la autoexpresión para una audiencia global.

“Get Ready For Me” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de SCHAR, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.