“Get Your Purse Get in the Truck” es el nuevo single de The Flu, la banda con sede en Texas conocida por su inagotable capacidad para fusionar géneros y romper moldes. Rock, R&B, pop, soul, rap y country conviven con naturalidad en su identidad sonora, una mezcla que refleja su visión sin restricciones y un estilo guiado por el instinto y la personalidad. Con este lanzamiento, la agrupación vuelve a demostrar que su creatividad no conoce límites, mientras prepara el terreno para su esperado álbum Symptoms, que será estrenado próximamente.

El sencillo arranca con un guiño nostálgico al rock ’n’ roll clásico, teñido de matices country que recuerdan a los grandes paisajes abiertos del sur estadounidense. Sin embargo, The Flu no tarda en sacudir esa calma inicial para introducir elementos de punk-rock que elevan la intensidad y empujan la canción hacia una energía juvenil, vibrante y descarada. El resultado es un viaje musical explosivo, una pieza que mezcla dinamismo, actitud y un espíritu libre que se mantiene firme durante todo el tema.

A medida que avanza la canción, las guitarras adquieren un protagonismo feroz, creciendo en rugosidad y llevando al oyente hacia una estética cruda de “garage band”. Esta capa sonora, directa y sin pulir, encaja con la esencia rebelde de la banda, que apuesta por la espontaneidad y un pulso creativo intrépido. La voz se mueve entre una narración con fanfarronería inicial y una melodía más accesible, generando un contraste que potencia su vibra indie y su atractivo impredecible. Es precisamente esta mezcla de estilos, texturas y actitudes lo que convierte el sencillo en un recorrido emocionante y completamente imprevisible.

“Get Your Purse Get in the Truck” captura ese tipo de energía diseñada para carreteras interminables, fiestas improvisadas y momentos donde lo único que importa es dejarse llevar por la música. Es un tema “upbeat”, lleno de vida, de tensión juvenil y de una celebración constante de la libertad creativa. Una de esas canciones que parecen hechas para sonar fuerte, para moverse, para escapar de la rutina y para recordar que la música también puede ser puro impulso.

“Get Your Purse Get in the Truck” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de The Flu, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista sevillano Beret vuelve a colocarse en el centro de la escena musical con el lanzamiento de Lo Bello y Lo Roto, el tema que acompaña la publicación de su esperado tercer álbum de estudio del mismo nombre. Esta nueva canción exhibe, con una sinceridad descarnada, el espíritu que atraviesa todo el proyecto: una búsqueda emocional profunda en la que lo imperfecto se convierte en fuente de belleza y las grietas personales se transforman en un espacio para reconstruirse.

Lo Bello y lo roto es un disco concebido entre España y Argentina, donde Beret se sumergió en un proceso creativo que mezcla introspección, vulnerabilidad y una crudeza emocional que pocas veces había mostrado con tanta claridad. El álbum reúne trece canciones: siete adelantos que ya habían conquistado a su público y seis temas completamente inéditos que expanden su universo musical. Entre ellos destaca Nadie más te la cree, una pieza directa, visceral y emocionalmente afilada, en la que el artista expone la frustración que surge cuando las palabras pierden valor y dejan de ofrecer refugio. Este tema se ha convertido en uno de los pilares expresivos del proyecto, un reflejo fiel del tono humano que atraviesa todo el álbum.

Sumándose a esta nueva etapa, Lo Bello y lo roto incorpora colaboraciones de gran calibre que enriquecen la propuesta y la abren a nuevas sensibilidades. Diegote, Mr. Rain, SFDK, Morodo y Domelipa se unen a Beret para aportar matices, estilos y perspectivas distintas. Entre todas ellas destaca SUPERHÉROES, el encuentro musical con Mr. Rain que ya se perfila como uno de los himnos inevitables del disco. La mezcla entre la delicadeza melódica del sevillano y la fuerza emocional del italiano construye un tema que subraya la capacidad que tiene la música de tender puentes entre realidades y experiencias.

Este trabajo supone un viaje emocional donde Beret combina lo frágil y lo contundente con un equilibrio medido y honesto. Su propuesta se adentra en el pop contemporáneo sin renunciar a la profundidad lírica que ha definido toda su trayectoria, construyendo paisajes sonoros que dialogan con la fortaleza interna, la fragilidad humana y las historias que se esconden detrás de cada cicatriz. Diseñado también para quienes valoran el formato físico, Lo Bello y lo roto está disponible en vinilo, CD Digipack y una edición especial en CD BOX.

Con más de seis millones de oyentes mensuales y una comunidad sólida tanto en España como en Latinoamérica, Beret confirma con este lanzamiento que continúa siendo una de las voces más influyentes de su generación. Su capacidad para conectar con el público a través de letras íntimas, directas y profundamente humanas lo ha convertido en el autor de la banda sonora emocional de miles de personas. Lo Bello y lo roto no solo reafirma su madurez artística, sino que también demuestra que su sensibilidad y su honestidad creativa siguen evolucionando, abriendo nuevas rutas en su camino musical.

Francisco Javier Álvarez Beret, nacido en Sevilla en 1996, comenzó a interesarse por la música desde muy joven, adentrándose en el rap y el reggae mientras exploraba otros géneros que terminaron dando forma a su identidad artística. Con grabaciones caseras que compartía en YouTube, su carrera comenzó a tomar forma de manera orgánica, impulsada por un estilo que mezcla pop urbano, reggae y una visión libre de etiquetas. Su éxito masivo llegó con Lo Siento, un single que se convirtió en un fenómeno internacional, alcanzando cinco discos de Platino en España y conquistando Latinoamérica con su versión junto a Sofía Reyes. El reconocimiento se materializó con premios como Mejor Canción del Año en Los 40 Music Awards 2019 y Mejor Artista del Año en los Premios Odeón 2020. Su álbum Prisma, publicado en 2019, reunió algunos de sus mayores éxitos y colaboraciones con artistas como Pablo Alborán, Vanesa Martín, Melendi, Sofía Reyes y Sebastián Yatra, alcanzando el número 2 en ventas y convirtiéndose en el primer álbum español con ocho semanas en el número uno de la lista de streaming. Prisma fue certificado disco de oro y consolidó definitivamente el alcance internacional del artista.

Hoy, con Lo Bello y lo roto, Beret abre una nueva etapa marcada por la madurez emocional, la vulnerabilidad y la capacidad de convertir el dolor en arte. Es un recordatorio de que en cada fractura hay una historia y en cada historia, una forma distinta de encontrar la belleza.

Lo Bello y lo Roto ya se encuentra disponible en streaming en todas las plataformas digitales. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, no dudes en seguirlo de cerca a través de sus redes sociales.

Christina Aguilera, una de las voces más influyentes y admiradas de la música pop contemporánea, regresa esta temporada con un lanzamiento que combina elegancia, nostalgia y un despliegue vocal de altura. Se trata de My Favorite Things (Live from the Eiffel Tower), su nuevo single navideño y el primer adelanto oficial de su proyecto cinematográfico Christina Aguilera: Christmas in Paris, una producción que conmemora el 25 aniversario de su clásico álbum navideño My Kind of Christmas, publicado en el año 2000.

La artista estadounidense de ascendencia ecuatoriana e irlandesa, nacida el 18 de diciembre de 1980, vuelve a demostrar por qué ha sido denominada “La Voz de una Generación”. Su incomparable rango vocal, su presencia escénica y su capacidad para reinventarse continúan manteniéndola como una figura esencial en la industria musical. Desde sus inicios como niña prodigio en programas como Star Search y The New Mickey Mouse Club, donde compartió escenario con talentos que más tarde marcarían época como Britney Spears y Justin Timberlake, Aguilera ha construido una carrera marcada por la autenticidad, la fuerza artística y la experimentación sonora. Su salto a la fama internacional llegó gracias a Reflection, la emotiva balada de la película Mulan de Disney, que en 1998 la llevó a firmar con RCA Records y abrir un camino global. Su álbum debut, Christina Aguilera (1999), la consolidó como fenómeno mundial gracias a éxitos como Genie in a Bottle, What a Girl Wants y Come On Over Baby.

A lo largo de más de dos décadas de trayectoria, Aguilera ha vendido más de 30 millones de discos, ha logrado varios números uno en el Billboard Hot 100 y ha sido galardonada con seis Premios Grammy, incluyendo un Grammy Latino. Su versatilidad la ha llevado a explorar el pop, el R&B, el soul, el dance y, en los últimos años, a volver a sus raíces latinas con los EP La Fuerza, La Tormenta y La Luz, reafirmando su capacidad de evolucionar y conectar con nuevas generaciones.

Ahora, Christina Aguilera sorprende al mundo con una deslumbrante interpretación en vivo del clásico compuesto por Rodgers y Hammerstein para la película The Sound of Music (Sonrisas y Lágrimas). My Favorite Things (Live from the Eiffel Tower) es más que una canción: es una experiencia visual y sonora. Grabada en una terraza parisina con la Torre Eiffel como protagonista, la actuación se convierte en un espectáculo navideño único, ya que el icónico monumento fue transformado especialmente para la ocasión en un enorme árbol de Navidad luminoso que envuelve la escena en un ambiente mágico. La elección del tema y del escenario refleja el tono que guiará todo el filme Christina Aguilera: Christmas in Paris, una obra dirigida por el ganador del premio Emmy Sam Wrench, reconocido por su reciente trabajo en Taylor Swift: The Eras Tour.

El especial combina actuaciones de clásicos navideños, grandes éxitos de la carrera de Aguilera y nuevos arreglos que exploran su inmenso rango vocal, a la vez que intercala momentos íntimos de la artista en diferentes rincones de París. La producción también incluye escenas grabadas en el legendario cabaret Crazy Horse, donde la cantante reflexiona sobre el amor, la maternidad, la reinvención artística y la conexión emocional que mantiene con su público. Esta nueva etapa representa una celebración de su historia, pero también una declaración de presente: Aguilera demuestra que sigue siendo una intérprete capaz de elevar cada proyecto a una dimensión cinematográfica y emocional.

My Favorite Things (Live from the Eiffel Tower) es el primer destello de un universo navideño desbordante de elegancia y sentimiento, un homenaje a su legado y un paso adelante hacia una Navidad reinventada a su estilo: majestuosa, vocalmente impecable y profundamente personal.

My Favorite Things (Live from the Eiffel Tower) ya se encuentra disponible en streaming en todas las plataformas digitales. Para más información sobre la artista y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla de cerca a través de sus redes sociales.

El artista canario Dellacruz, conocido por su destacada participación en el Benidorm Fest 2024, regresa con fuerza y sensibilidad para presentar “De Cero”, el primer adelanto de un proyecto que redefine su identidad artística y abre una nueva etapa creativa marcada por la autenticidad, la elegancia y una fusión renovada de pop urbano con matices emocionales. Con este lanzamiento, Dellacruz se adentra en un terreno más íntimo y maduro, reafirmando su compromiso con una música que conecta desde la verdad y que invita a mirar hacia adelante con optimismo.

“De Cero” surge en un momento vital clave para el artista, un periodo en el que la introspección se convierte en motor creativo. Compuesta por el propio Dellacruz, producida por el madrileño Travv y grabada en Cero Studios —uno de los espacios creativos más influyentes de Madrid—, la canción se desarrolla como un relato honesto que abraza la vulnerabilidad sin miedo. Su mensaje se articula alrededor de la capacidad humana para recomenzar, aprendiendo del pasado y descubriendo en el presente una oportunidad constante para reconstruirse. El artista plantea así una visión esperanzadora de las segundas oportunidades, entendidas como un impulso para reescribir la propia historia, tanto en lo personal como en lo emocional y profesional.

En lo musical, “De Cero” mantiene la sofisticación lírica que caracteriza a Dellacruz, pero la sitúa sobre una producción más urbana, con ritmos contemporáneos y melodías pulidas que acompañan el tono emocional del tema sin perder su esencia pop. Esta evolución sonora refleja la búsqueda del artista por un equilibrio entre modernidad y sensibilidad, dando como resultado una propuesta sólida, reconocible y a la vez sorprendente. La canción se convierte en una declaración de intenciones: un punto de partida desde el que el artista se proyecta hacia un futuro musical más arriesgado, maduro y profundamente conectado con sus experiencias reales.

El lanzamiento llega, además, acompañado de un nuevo hito en su trayectoria: su regreso al Benidorm Fest, pero esta vez desde el rol de compositor en la edición de 2026. Dellacruz firma la canción con la que la cantante Atyat competirá en el certamen, un tema que nace de una colaboración que lleva desarrollándose casi dos años. Este regreso al festival demuestra no solo su consolidación como creador en el panorama nacional, sino también su habilidad para mantenerse vigente en un formato que ha impulsado su carrera como artista y compositor.

Jorge de la Cruz Correa, conocido artísticamente como Dellacruz, es una de las voces más versátiles y respetadas de la escena pop-urbana actual. Natural de Santa Cruz de Tenerife y residente en Madrid, acumula más de 5 millones de streams en plataformas digitales gracias a éxitos como “Beso en la mañana”, “Un millón de locuras” y “Cuántas veces”, junto a Polo Nández. Su proyecto suma ya más de 600.000 oyentes, consolidando una trayectoria que lo sitúa entre los artistas emergentes más influyentes del panorama nacional.

A lo largo de su carrera, Dellacruz ha trabajado como compositor y productor para figuras de renombre como Sergio Dalma, Ana Guerra, DVICIO, Soraya, Jorge González, Polo Nández, Rasel, Mar Lucas y Almacor, entre muchos otros. Su trabajo le ha otorgado discos de oro y platino, así como el respaldo de Sony Music Publishing y, posteriormente, de Universal Music. Su participación en el Benidorm Fest 2024 lo catapultó al gran público, fortaleciendo un camino que ahora se renueva con una visión más introspectiva y urbana. Su música ha sido parte de las principales playlists editoriales del país y ha sonado en emisoras como Cadena Dial y Los 40 Principales, formando también parte de giras nacionales que han reforzado su conexión con la audiencia.

Con una identidad capaz de fusionar géneros sin perder coherencia, Dellacruz se encuentra en plena expansión artística. Actualmente trabaja en la construcción de un proyecto más urbano, con una narrativa emocional más marcada y una producción que realza la importancia de las historias que inspiran sus composiciones. Su presencia constante en el Benidorm Fest como creador reafirma su papel como una de las figuras más activas y versátiles dentro del formato.

“De Cero” representa solo el inicio de lo que promete ser la etapa más madura, honesta y emocionante de Dellacruz, un periodo en el que el artista se reafirma como narrador de experiencias reales que conectan con un público cada vez más amplio y entregado.

“De Cero” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Dellacruz, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

“Struggle”, el nuevo single de Joantony y Vale Pintos, irrumpe en el panorama urbano como una pieza que captura la tensión irresistible entre el deseo y la lógica, describiendo ese pulso emocional donde dos personas intentan alejarse pero terminan cayendo una y otra vez en una conexión que los supera. Con un sonido que fusiona reggaetón, pop urbano y matices latinos, el tema se enmarca en un estilo nocturno, melódico y profundamente sensual, construido para envolver al oyente en un universo cargado de adrenalina, luces rojas, mensajes no respondidos y esa energía eléctrica que solo existe cuando la química es más fuerte que cualquier decisión racional.

El lanzamiento, bajo el sello On Top Events LLC, cuenta con la escritura de Joan Antonio González, Valeria Pintos, Christian Mojica “Cauty” y Carlos A. Ayala, quien además funge como productor ejecutivo. La producción estuvo a cargo de Cauty y Robertson, responsables de crear un paisaje sonoro con tintes cinematográficos donde el placer, la culpa y la tentación conviven en un ecosistema emocional adictivo. “Struggle” se presenta como la continuación natural del universo de “Energía Remix”: más íntimo, más visual y capaz de capturar un estado emocional en loop, donde el cuerpo siempre toma la decisión final antes que la mente. Su objetivo es mantener y amplificar el momentum alcanzado por éxitos recientes como “Energía Remix” y “La Father”, consolidando a Joantony y Vale Pintos como una de las duplas más magnéticas del cierre de 2025 y el inicio de 2026.

La letra del single refuerza esta narrativa de tensión emocional y física. Joantony abre el tema desde la vulnerabilidad de quien intenta resistirse a una atracción que lo desestabiliza, describiendo noches cargadas de dudas, deseo y esa contradicción interna entre lo que sabe que está mal y lo que, inevitablemente, lo atrae. Su interpretación refleja una mezcla de honestidad y seducción, con versos como “Ahora todas las noches con este struggle / Sé que envolverme contigo eso es trouble / Tú me pones a pensar que difícil decidir / Que si te busco está mal / Pero me meto a tu perfil / Y creo que vale más / Tenerte aquí encima de mí”.

Vale Pintos toma el mando en la segunda parte del track con una energía explosiva y auténtica, aportando una perspectiva femenina potente, directa y sin filtros. Su voz encarna la seguridad de quien reconoce su magnetismo y su poder en la dinámica emocional, con líneas que refuerzan el tono sensual y atrevido del tema: “Mis polvos son exclusivos pero yo te los presté / Te gustan mis labios parece que me los inyecté / Tú sabes que tú estés donde estés / Necesitas una dosis de mí muchas veces al mes”. Su presencia vocal añade una capa de intensidad que amplifica el concepto central del tema, mientras describe un vínculo marcado por la adrenalina, la obsesión y la dependencia emocional.

Ambos artistas coinciden en la construcción de un universo sonoro donde los encuentros furtivos, la tensión no resuelta y un deseo casi eléctrico son los ejes centrales de un relato que se siente auténtico y visual. La vibra de “Struggle” evoca imágenes de noches largas, miradas que no se pueden evitar, silencios que lo dicen todo y un juego emocional del que ninguno de los dos parece capaz —ni dispuesto— a salir. El outro de Joantony cierra la historia con una mezcla de confesiones, humor y anhelo, dando un matiz más íntimo que deja abierta la posibilidad de más capítulos dentro de este universo narrativo compartido.

El lanzamiento sirve también para reforzar la química artística entre ambos. Joantony, uno de los escritores más respetados del género urbano latino con certificaciones platino y diamante por éxitos para artistas como Shakira, Karol G, Anuel AA y Brytiago, continúa consolidando su faceta como artista emergente con un sonido que mezcla reggaetón clásico, trap melódico y una vibra cinematográfica que conecta con las emociones de la nueva generación. Su propuesta gira en torno al deseo, la dopamina y las relaciones modernas, con una versatilidad que le permite moverse entre lo sensual, lo introspectivo y lo bailable.

Por su parte, Vale Pintos, artista urbana nacida en Miami, criada en Cali y actualmente residente en Puerto Rico, se posiciona como una figura clave de la nueva ola femenina del trap y el reggaetón latino. Su estilo combina sensualidad, vulnerabilidad y actitud dentro de un lenguaje sonoro que refleja emociones de la generación digital: deseo libre, poder personal, independencia y autoconfianza. Tras colaboraciones con Papi Sousa, DIA y TUTU, y tras el éxito de “La Father” junto a Héctor el Father, su participación en “Struggle” evidencia una evolución hacia un sonido más cinematográfico, sensual y emocionalmente honesto, fortaleciendo su presencia en mercados como Puerto Rico, Colombia y España.

“Struggle” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Joantony y Vale Pintos, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La banda castellonense Anora Kito continúa trazando su propia órbita dentro de la escena alternativa mediterránea y lo hace con fuerza renovada. Su nuevo single, Vacilas, ya disponible, se convierte en el tercer adelanto de Universal, el álbum con el que el grupo abrirá una nueva etapa artística tras el sólido camino que comenzaron con La gravitación de Kito (2023), su debut producido por Carlos Hernández Nombela. Con este lanzamiento, la formación reafirma la solidez de un sonido que se mueve entre la emoción cruda, la tensión poética y una intensidad sonora que los distingue en el panorama nacional.

Vacilas nace como una exploración directa y honesta de las fisuras que deja el paso del tiempo en los vínculos. Grabada en los Estudios Nu y producida entre Pau Ortiz y la propia banda, la canción retrata un paisaje emocional lleno de contradicciones, memorias que pesan y verdades incómodas que ya no se pueden esquivar. La banda se mueve en un territorio donde duele más lo que no llegó a suceder que lo que sí se vivió, donde las raíces se secan por falta de humedad y donde el desgaste afectivo se convierte en una grieta que atraviesa cada verso.

Con una producción elegante, de tensión contenida y con una contundencia que abraza lo emocional, Vacilas despliega un imaginario cargado de imágenes potentes: acrobacias afectivas, almas que rehúyen romper las normas, distancias que se agrandan sin avisar y cicatrices cuya profundidad cuesta medir. La narrativa recuerda esa sensación de caminar sobre un hilo frágil, donde cada palabra puede ser un impulso o una herida.

En pleno crecimiento, Anora Kito ha recorrido el arco mediterráneo y gran parte de la geografía española, consolidándose como una de las propuestas con más proyección de la escena levantina. Sus directos intensos y su facilidad para conectar con el público se han convertido en una de sus señas más reconocibles, reforzando el vínculo entre la banda y quienes encuentran refugio en su universo sonoro.

Vacilas no solo confirma esta evolución, sino que anticipa el carácter del que será su nuevo trabajo, Universal, un disco que apunta a ser el más ambicioso, maduro y emocional de la banda. Anora Kito continúa expandiendo su identidad musical, afinando un lenguaje propio que combina sensibilidad, contundencia y una mirada profundamente humana hacia las fracturas que nos definen.

La letra de Vacilas, disponible íntegra, profundiza en ese choque entre el yo y el tú, entre lo que permanece y lo que se rompe, entre lo que se recuerda y lo que jamás llegó a existir. Una canción que resuena por su honestidad y que confirma que Anora Kito se encuentra en uno de los momentos creativos más inspirados de su trayectoria.

El artista Emduay ha lanzado el pasado 1 de noviembre su nuevo single, “Someone Love”, un lanzamiento que marca un momento significativo en su evolución musical y emocional. La canción abre una nueva etapa artística para el cantante, explorando con mayor profundidad la vulnerabilidad humana y la búsqueda de conexión real en un mundo donde las emociones suelen ocultarse bajo capas de ruido, expectativas y desgaste. Desde sus primeras notas, “Someone Love” propone un viaje hacia la intimidad, hacia ese territorio interior donde la necesidad de afecto, presencia y sostén adquiere una fuerza casi universal.

El single combina elementos melódicos cuidadosamente diseñados con una base rítmica contemporánea que sostiene el relato sin imponerse, dejando espacio para que la voz y el mensaje de Emduay respiren. Este equilibrio entre producción moderna y sentimiento crudo permite que el tema genere una atmósfera que se mueve entre lo confesional y lo aspiracional, conectando con quienes han experimentado la sensación de querer ser vistos en su forma más auténtica. La narrativa del tema, construida desde la honestidad más directa, refleja ese impulso de abrirse sin miedo, de expresar lo que normalmente se calla por temor a la vulnerabilidad. “El objetivo de esta canción era contar una verdad sin máscaras”, afirma Emduay, quien se adentra en un proceso creativo más introspectivo, guiado por historias personales y por un deseo creciente de dar voz a emociones que a menudo permanecen en silencio.

“Someone Love” no solo habla de la necesidad de amor, sino también del valor que implica reconocerla. En sus versos se percibe la fragilidad de quien se atreve a pedir compañía y afecto, una experiencia que resuena en un público amplio que encuentra en la música un espacio seguro para explorar sus propias emociones. La interpretación vocal de Emduay se sostiene sobre matices cuidados que refuerzan esta intención, con una entrega que oscila entre la serenidad y la intensidad, permitiendo que cada palabra adquiera un peso emocional particular. Esta búsqueda de una expresión artística más sincera conversa con las influencias pop y urbanas que caracterizan el sonido del cantante, adaptándolas a una propuesta más madura y contemplativa.

Emduay, cantante y compositor con una identidad musical en constante desarrollo, continúa demostrando su capacidad para transformar experiencias personales en relatos que encuentran eco en su audiencia. “Someone Love” confirma su compromiso con una visión creativa en la que las emociones ocupan un lugar central, reforzando la importancia de la autenticidad dentro de su proyecto. Este nuevo single se integra dentro de un proceso artístico que promete seguir aportando historias profundas, melodías envolventes y una mirada honesta hacia el mundo emocional que inspira sus canciones.

“Someone Love” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Emduay, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista Leo XIV regresa con “Feel”, un single que expande su universo alt-pop/R&B y confirma la fuerza emocional de un proyecto que busca desafiar las fronteras del pop alternativo. Después de su debut con “Midas”, este nuevo lanzamiento llega con una intensidad minimalista construida a partir de motivos claros, una línea de bajo acid vibrante, sintetizadores envolventes y voces en capas que respiran sobre un beat de dance pulsante. El resultado es un paisaje sonoro hipnótico que combina oscuridad y luz, y que al mismo tiempo funciona como una reflexión íntima sobre la autodestrucción, la reconstrucción y la búsqueda de una identidad emocional más auténtica.

Para Leo XIV, “Feel” es mucho más que un single. Representa el cierre de una década marcada por un bloqueo creativo profundo, atravesado por desafíos de salud mental y un conflicto interno que lo alejó de su propia esencia artística. En sus palabras, es la canción que encendió nuevamente su llama creativa y le permitió reconectar con su necesidad expresiva, algo que se percibe en la honestidad radical que impregna cada capa del track. Este lanzamiento también funciona como preludio de su álbum debut Cold Open, previsto para marzo de 2026, un proyecto que promete consolidar la narrativa conceptual y emocional que Leo lleva tiempo construyendo.

El sonido de Leo XIV, alter ego del artista, cantante, compositor y productor Dylan Leo Azadi, se caracteriza por una vulnerabilidad intensa y una autenticidad sin concesiones. Su propuesta artística es una manifestación catártica donde el dolor, la pasión y la introspección profunda se transforman en melodías hermosamente inquietantes, entrelazadas con grooves hipnóticos, atmósferas etéreas y paisajes sonoros provocativos. Su estilo combina delicadeza y minimalismo con una actitud experimental audaz, dando forma a composiciones que parecen dialogar con lo cósmico, la geometría sagrada y memorias emocionales marcadas por el trauma, las crisis de identidad y los despertares espirituales.

“Feel” es una muestra clara de cómo Leo XIV utiliza la música como un puente entre distintos estados del ser. El single ofrece una experiencia sensorial donde la vulnerabilidad se convierte en motor creativo y donde la narrativa invita a transitar el camino entre la oscuridad, la luz y ese espacio liminal que las separa. Su aproximación al arte no solo busca conmover, sino también desafiar la percepción del oyente, empujándolo a explorar paisajes emocionales complejos mientras juega con los límites de la música moderna y sus códigos narrativos.

A través de cada release, Leo XIV se consolida como un narrador capaz de construir universos íntimos y expansivos, donde conviven la crudeza emocional, la espiritualidad y un tratamiento sonoro que se siente tan personal como universal. “Feel” se convierte así en un punto de inflexión dentro de su trayectoria, una declaración de renacimiento y, al mismo tiempo, una invitación abierta a sumergirse en su próximo álbum, que promete seguir explorando los confines de la sensibilidad humana.

“Feel” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Leo XIV, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos conceptuales, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Marta Sánchez, una de las voces más emblemáticas de la música española y figura clave del pop desde hace cuarenta años, vuelve a emocionar al público con Abrázame, un tema íntimo y profundamente sentimental que marca el inicio de las celebraciones por sus cuatro décadas sobre los escenarios. La artista madrileña, nacida el 8 de mayo de 1966 y conocida como la Reina del Pop Español, estrena así el primer adelanto de su álbum conmemorativo 40 años 1985-2025, un doble CD/LP que recorre su trayectoria desde sus inicios en Olé Olé hasta su consolidación como solista.

La publicación del sencillo, disponible desde el 21 de noviembre de 2025, llega acompañada de un videoclip dirigido por Salva Musté, estrenado apenas un día antes. En esta nueva etapa, Marta Sánchez vuelve a apostar por una balada poderosa y cargada de emoción, compuesta por Tony Sánchez-Ohlsson, que explora el refugio emocional que se encuentra en los brazos de alguien querido cuando el mundo parece derrumbarse. Con una interpretación madura y llena de matices, la artista entrega una pieza luminosa incluso en su melancolía, capaz de transmitir vulnerabilidad y fortaleza al mismo tiempo.

Las primeras líneas de Abrázame dibujan un escenario de desasosiego: Hoy, sé que la vida te pesa / ya no le quedan ni fuerzas / a tu alma hoy solo llueve dolor. La canción describe la caída emocional de alguien que siente que todo es en vano, mientras la voz de Marta se erige como sostén, un abrazo que promete calma, compañía y renacimiento. El estribillo, de una intensidad conmovedora, reivindica el contacto humano como salvación: Abrázame fuerte ahora que estás conmigo / que el tiempo anochezca y se quede dormido. La pieza avanza entre versos que hablan de resiliencia, amor y apoyo mutuo, recordando la importancia de tener un lugar donde resguardarse cuando arrecia la incertidumbre.

Este lanzamiento adquiere una relevancia especial al formar parte del gran proyecto que celebra las cuatro décadas de carrera de Marta Sánchez. 40 años 1985-2025 promete reunir sus mayores éxitos, colaboraciones destacadas, rarezas y temas inéditos, entre ellos esta nueva balada que llega para reafirmar su papel esencial en la historia del pop español. Con más de 10 millones de discos vendidos en el mundo, una voz inconfundible y una presencia escénica que ha dejado huella a lo largo de generaciones, Marta demuestra que continúa en plena forma creativa y emocional.

Abrázame ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Marta Sánchez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El nuevo single Extrañándote, interpretado por Dama y Tony Lozano, llega como una versión profundamente emotiva del éxito de Zhamira Zambrano y Jay Wheeler, transformado en bachata y elevado por la fuerza y sensibilidad vocal de ambos artistas. La canción busca poner a flor de piel los sentimientos más profundos, apelando a la nostalgia, la vulnerabilidad y la intensidad emocional de quienes han vivido una despedida que nunca termina de cerrarse.

Tony Lozano, artista español originario de Alcalá la Real (Jaén) y nacido el 6 de octubre de 1995, suma este lanzamiento a una carrera de más de diez años como productor, cantante y compositor. Tras destacar en sus inicios dentro del electro latino y el reguetón, trabajando con discográficas como Music Hit Factory, el artista dio un giro decisivo hacia la bachata en 2021. Desde entonces se ha consolidado como una de las voces más prometedoras del género en España y ha compartido escenario con figuras de talla internacional como Daddy Yankee, Nicky Jam, Prince Royce, Farruko y Karol G. Entre sus lanzamientos más conocidos se encuentran canciones como Demasiado tarde, A escondidas, Loco junto a Derek Vinci, El Arte de Vivir con DJ Khalid, Toa la Noche con El Tiguere e Hipnotizado, nuevamente con Derek Vinci.

Dama, conocida artísticamente como La Dama y nacida en Sevilla el 25 de julio de 1986, aporta a Extrañándote su inconfundible sello interpretativo. Cantante y compositora especializada en música latina, es una referente nacional e internacional dentro del género de la bachata. Su presencia sobre el escenario la ha llevado a ser telonera de artistas tan influyentes como Marc Anthony y Romeo Santos. Además, proviene de una familia marcada por la música, siendo hermana del también reconocido cantante Rasel Abad.

La unión de Dama y Tony Lozano consigue renovar la esencia del tema original, convirtiéndolo en una bachata íntima y poderosa que conecta con el público desde la primera nota. Su química vocal, sumada a una producción elegante y cargada de sentimiento, convierte este lanzamiento en una pieza imprescindible para los amantes del género.

Extrañándote ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Dama y Tony Lozano, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista británica Eloise Viola inaugura una nueva etapa creativa con su single Fever, un tema que encapsula el momento exacto en el que una persona empieza a levantarse después de darse cuenta de que no necesita la aprobación de nadie más. La canción, disponible desde medianoche, explora ese estado intermedio entre la duda y el renacimiento personal, donde aún no se tiene plena seguridad pero ya se ha tomado la decisión definitiva de apostar por una misma. Fever se construye desde la idea de centrarse en los propios objetivos, deseos y metas, bloqueando el ruido exterior y abrazando una nueva versión de uno mismo con determinación y vulnerabilidad. “He de mantenerme enfocada en lo que quiero, en lo que necesito, en mis metas, y bloquear el ruido”, expresa Eloise para definir lo que considera el inicio de su “era de creer en sí misma”.

Eloise Viola se ha consolidado como una artista ferozmente independiente, con presencia destacada en plataformas digitales, radios y escenarios internacionales. Tras el lanzamiento de su álbum debut Glasshouse —respaldado por BBC Radio 2, BBC Introducing y Radio 1— la cantante ha acumulado más de 17 millones de escuchas en Spotify y un millón de reproducciones en TikTok, cifras que reflejan el crecimiento constante de una comunidad de seguidores profundamente conectados con su mensaje y su autenticidad.

A medida que 2025 avanza hacia su final, Eloise abre un nuevo capítulo musical descrito como más valiente, oscuro y vulnerable. Sus próximos lanzamientos se inspiran en sonoridades experimentales que incorporan matices de afrobeat y amapiano, un giro estilístico que permite mostrar, según Billboard, toda la extensión de su “poderío vocal”. Su voz, capaz de transformarse con naturalidad entre lo crudo, lo dinámico y lo soul, actúa como un vehículo emocional que narra historias desde la honestidad más pura.

Su música siempre ha explorado temas como la imagen corporal, la salud mental y la confianza personal. Pero ahora, detrás de la pérdida del brillo pop, aparece una estética más desnuda y real: texturas atrevidas, sonidos que desafían géneros y emociones que van desde el desgarro hasta la fortaleza, invitando a llorar, bailar y reconectar con el propio centro. Esta evolución también bebe de su experiencia reciente en festivales y en su gira de composición por Sudamérica. De aquella etapa nació New Dawn, escrita en Ciudad de México, que narra el viaje de alguien que decide dejar de esconderse y tomar el control absoluto de su vida.

Fever se inscribe dentro de esta metamorfosis artística con un mensaje claro: reconstruirse es un proceso, y aunque la confianza no llegue de inmediato, el camino empieza por seguir avanzando. Con un sonido íntimo y explosivo a la vez, Eloise Viola confirma que su nueva era no solo ha comenzado, sino que promete ser una de las más definitorias de su carrera.

Fever ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Eloise Viola, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El nuevo single Tú no eres mi marido marca una de las colaboraciones más intensas y comentadas del año, uniendo las voces de la sevillana Joana Santos y el artista madrileño El Jhota en un tema cargado de tensión emocional, carácter y fusión urbana. Lanzado el 21 de noviembre de 2025, el sencillo presenta un enfrentamiento directo entre una expareja que vuelve a encontrarse entre reproches, verdades incómodas y un empoderamiento que atraviesa cada verso.

Joana Santos, cantante y compositora nacida en Sevilla en 1994, reafirma con este lanzamiento su capacidad para combinar géneros urbanos como el reguetón y el trap con sus profundas raíces flamencas y andaluzas. Su trayectoria comenzó siendo muy joven en programas como Veo Veo y Se Llama Copla, donde llegó a ser finalista en dos ediciones. Con el tiempo consolidó un estilo propio que la llevó a ganar popularidad tanto por sus covers como por canciones originales que conectaron con el público, como Peligro y La isla del amor junto a Demarco Flamenco. En Tú no eres mi marido, Joana despliega una interpretación firme y llena de carácter, defendiendo la fuerza femenina con un estribillo que se queda grabado desde la primera escucha: “Tú no eres mi marido / Ni yo tu mujer y ahora vas a ver / Lo que te has perdido.”

El Jhota, cuyo nombre real es José Ramón García, aporta la contrarrespuesta masculina desde un estilo marcado por la mezcla entre reguetón, trap, R&B y matices flamencos. El artista madrileño alcanzó notoriedad nacional tras su paso por el reality Gran Hermano 12, plataforma que impulsó su carrera musical. Con éxitos como Casa de papel y su primer sencillo La media vuelta, El Jhota se consolidó dentro de la escena urbana española. En este nuevo tema, su intervención añade tensión y contraste con líneas que reivindican su propio papel en la historia: “Yo sí fui tu marido / Y tú mi mujer y ahora vas a ver / Lo que te has perdido.”

La narrativa del single se desarrolla como una discusión abierta en forma de canción, un intercambio donde ambos artistas exponen heridas, orgullo y deseo de pasar página. Los versos de Joana desvelan una ruptura que dejó cicatrices pero también renovación: “Sé que me tiene en su memoria, pero solo puede verme por historias y le jode saber que estoy mucho más linda desde que se fue.” Ella rechaza la idea de volver, dejando claro que no quiere “ni boda ni luna de miel.” Por su parte, El Jhota responde desde un lugar de nostalgia y arrepentimiento, alternando entre la intensidad del recuerdo y la aceptación de que ya no hay vuelta atrás: “Me quiso mal, me deseó la muerte… fue dos extraños jugando a quererse.”

El estribillo repetido por ambos termina de consolidar la tensión central del tema, mientras la producción mezcla ritmos urbanos con un pulso emocional que recuerda las raíces de ambos artistas. Tú no eres mi marido se convierte así en un himno para quienes han cerrado una historia difícil y han encontrado fuerza en su propio camino.

Tú no eres mi marido ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Joana Santos y El Jhota, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantautora madrileña Bely Basarte vuelve a poner el corazón sobre la mesa con Desconocerte, el cuarto corte y single de enfoque de su nuevo álbum Amor letal, un trabajo profundamente introspectivo que explora el redescubrimiento personal y la recuperación de la propia voz tras relaciones que dejan cicatriz. Con su estilo inconfundible, donde la vulnerabilidad convive con la fuerza y la delicadeza se funde con la ironía, la artista firma uno de los temas más reveladores de esta etapa creativa.

Bely Basarte, nacida el 14 de diciembre de 1991, inició su carrera compartiendo versiones y composiciones propias en YouTube, construyendo una comunidad que hoy suma más de medio millón de seguidores. Su crecimiento artístico la llevó a convertirse en la voz de Bella en la versión live action de La Bella y la Bestia en castellano y a consolidar una discografía marcada por la honestidad y un sonido que combina guitarras acústicas, sintetizadores analógicos y una esencia pop-folk atemporal. Desde su debut con el EP Si quieres pierdes en 2015 y el éxito de su álbum Desde mi otro cuarto en 2018 —que alcanzó el número 3 en listas oficiales—, la artista ha seguido ampliando su creatividad entre proyectos como El camino que no me llevó a Roma, Psicotropical y su participación en la gala de los Premios Goya 2023, además de formar parte del grupo 30s40s50s junto a David Otero y Tato Latorre.

En Desconocerte, Bely entra de lleno en el territorio emocional que define a Amor letal. La canción, compuesta por ella misma y producida por Tato Latorre en La Sucursal con la colaboración de Alex Granero, plantea el proceso de liberación de una relación dañina desde una perspectiva cruda y sincera. La letra recoge el cansancio acumulado ante la manipulación —estoy cansada de enredarme en tus palabras cada vez que intento irme de aquí—, la aceptación del daño —no necesito manchar tu nombre, desde siempre tú lo haces por mí— y la revelación que llega al dejar ir —es un placer desconocerte y a veces para siempre—. También cuestiona la incapacidad emocional del otro —tanto miedo te da mostrarte vulnerable, ¿cómo pude enamorarme?— mientras reivindica el derecho a la propia paz —mi único delito fue escampar de tu prisión—.

El videoclip oficial, codirigido por Ale Lanoix y la propia artista, se estrenó el 21 de noviembre de 2025 junto al lanzamiento del álbum, reforzando el carácter íntimo y visualmente evocador de esta nueva etapa.

Desconocerte ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Bely Basarte, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El artista colombiano Venesti vuelve a encender la escena internacional con Beso, un single vibrante que combina su identidad afro-latina con una energía romántica y magnética. La canción despliega una producción cálida, bailable y envolvente, donde el artista convierte la intensidad del deseo en un relato sonoro que late al ritmo de su herencia del Pacífico. Con un estribillo que atrapa desde la primera escucha —“Cuando me diste ese beso / hasta el mismo universo me dijo quédate aquí”— Venesti vuelve a demostrar por qué es considerado una de las voces más influyentes y definitorias del panorama actual.

Nacido en Guapi, Cauca, y criado entre la riqueza cultural de la costa pacífica colombiana, Venesti ha alcanzado un reconocimiento internacional sin precedentes. Conocido como The King of Afro Latin Pop según Univision, el artista ha construido una trayectoria ascendente que no solo ha dominado las listas, sino que también ha marcado un antes y un después en la representación del sonido afro-latino en la música global. Su explosión mundial llegó en 2023, cuando Umaye conquistó simultáneamente las listas Billboard Latin Airplay y Latin Rhythm Airplay, situándolo como un fenómeno imparable.

El año 2024 consolidó aún más su impacto: su éxito No Es Normal, junto a Nacho y Maffio, se mantuvo 16 semanas en el número 1 de Latin Pop y Latin Rhythm Airplay, alcanzó el puesto 2 en Latin Airplay y le valió nominaciones en Premios Juventud y Premios HEAT. Ese mismo año ganó el premio a Mejor Canción Pop Latina en los Billboard Latin Music Awards, obtuvo tres nominaciones en Premio Lo Nuestro —incluyendo Mejor Canción Urbana— y actuó en escenarios tan prestigiosos como los Latin AMAs y Premio Lo Nuestro.

Ya en 2025, Venesti continuó su evolución artística con el número 1 Fuera de Lugar y el lanzamiento de Origen, un álbum que homenajea sus raíces del Pacífico y que se convirtió en un referente cultural dentro del afropop latino. Con cuatro presentaciones en premiaciones internacionales, ocho nominaciones y tres números uno en apenas dos años, Venesti no solo avanza: redefine lo que significa ser un artista afro-latino en la industria actual.

Beso se suma a este recorrido como un tema que mezcla sensualidad, complicidad y una vibra emocional innegable. La canción presenta un relato donde el amor y la atracción se viven con intensidad absoluta: “En ti me gasto los pesos, de tu boca un preso que nunca quiere salir”, canta Venesti con su ya emblemático estilo entre lo suave y lo contagioso. La letra combina guiños callejeros, confesiones íntimas y un estribillo pegajoso que promete convertirse en uno de los favoritos del público.

“Ey, ma’, quédate ratito más / pa’ toda la vida y más”, repite Venesti en un coro que captura la esencia de un romance que lo cambia todo. Con su sonido característico y una producción que celebra sus orígenes, Beso reafirma el lugar del artista dentro de la élite musical latina y anticipa un cierre de año cargado de fuerza, ritmo y nuevas conquistas globales.

Beso ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarlo, compartirlo y añadirlo a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Venesti, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

La artista española Masadi abre una nueva etapa creativa con el lanzamiento de SOMA, el primer single del ambicioso proyecto conceptual EL CICLO, un álbum previsto para 2026 que se construye como una obra en tres actos: Muerte, Transformación y Renacer. Este estreno inaugura el Acto I, una etapa marcada por la crudeza emocional y por una exploración íntima de la adicción afectiva. En SOMA, Masadi retrata una relación tóxica que la consumía como si la otra persona fuera su propia droga, evocando el famoso “soma” de Un mundo feliz para profundizar en la idea de dependencia, evasión y caída interior.

La canción fusiona un pop atmosférico con una voz dulce, frágil y a la vez poderosa, creando una energía hipnótica que baila entre lo vulnerable y lo adictivo. SOMA es un tema bailable con un trasfondo emocional evidente, donde cada frase funciona como un espejo de ese amor dañino, intenso y difícil de soltar. Masadi utiliza su sensibilidad cinematográfica para construir un relato musical que no solo se escucha, sino que se siente como un viaje sensorial al interior de la herida.

El lanzamiento llega acompañado de un visual y un videoclip que continúan la estética teatral, simbólica y cuidadosamente diseñada que caracteriza el universo de Masadi. Espacios circulares, luz contenida, movimientos lentos y un lenguaje visual sobrio componen una narrativa que refleja el colapso interno y la búsqueda de salida. La propuesta reafirma el enfoque multidisciplinar de la artista, que a lo largo de su trayectoria ha combinado música, performance y artes visuales para construir una identidad estética profundamente personal.

Masadi es una cantante, compositora y artista multidisciplinar que destaca por su capacidad para transformar experiencias íntimas en relatos sonoros cargados de emoción. Su estilo, basado en un pop moderno y atmosférico, se une a una narrativa poética que explora temas como el amor, la pérdida, el renacer y los ciclos del corazón humano. Con EL CICLO, la artista plantea una trilogía conceptual donde cada acto despliega un mundo simbólico propio, acompañado de una paleta sonora que evoluciona junto a las emociones que lo inspiran. El Acto I, donde se sitúa SOMA, introduce un viaje hacia el derrumbe emocional y la adicción afectiva, tratado con honestidad y una intensidad casi teatral.

Paralelamente, Masadi desarrolla HERENCIA: El eco de su voz, un EP íntimo inspirado en poemas escritos por su bisabuelo Luis. Este proyecto acústico, creado junto al productor Theo Monteillet en Sol de Sants Studio (Barcelona), entrelaza memoria familiar y experimentación contemporánea, consolidando una faceta aún más vulnerable y cercana de la artista.

SOMA marca el punto de partida de un recorrido artístico profundamente emocional donde el dolor se convierte en arte y donde cada acto promete revelar una nueva capa de significado. Es el comienzo de un universo que Masadi despliega con sensibilidad, fuerza simbólica y una identidad sonora imposible de ignorar.

SOMA ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Masadi, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Edurne, una de las voces más queridas y reconocibles del panorama musical y televisivo español, celebra la llegada de la temporada festiva con el lanzamiento de Santa Claus llegó a la ciudad, su nueva reinterpretación del clásico navideño universal Santa Claus Is Comin’ to Town. La artista madrileña, conocida por su versatilidad escénica y su capacidad para reinventarse, presenta esta versión como parte de su primer álbum íntegramente navideño, Navidad junto a ti, publicado el 21 de noviembre de 2025.

Desde que cautivó al público en 2005 como concursante de la cuarta edición de Operación Triunfo, Edurne ha construido una carrera sólida y multifacética. Su trayectoria musical, iniciada formalmente en 2006 con su álbum debut homónimo, abarca desde el pop melódico hasta sonidos más cercanos al dance y al rock, demostrando una evolución constante y una identidad artística en expansión. Además de su faceta musical, Edurne se ha convertido en una figura indispensable de la televisión española, destacando por su victoria en Tu cara me suena, su rol como jurado en Got Talent España y su presencia en distintos formatos de gran audiencia. A ello se suma su participación en Eurovisión 2015 representando a España con el tema Amanecer, actuación que consolidó aún más su proyección internacional.

En Santa Claus llegó a la ciudad, Edurne aporta frescura, energía y carisma a un himno festivo que forma parte del imaginario musical navideño desde hace casi un siglo. Su versión abraza la esencia alegre del original, manteniendo su espíritu clásico mientras lo reviste con una producción pop moderna y un enfoque vocal que resalta su potencia y calidez interpretativa. El resultado es un tema vibrante, luminoso y perfectamente adaptado a las celebraciones contemporáneas, ideal para acompañar los momentos especiales de estas fechas.

Navidad junto a ti, el proyecto del que forma parte este single, reúne una cuidadosa selección de clásicos reversionados y composiciones nuevas creadas para envolver la Navidad en un ambiente sonoro íntimo, elegante y festivo. Con este disco, Edurne reafirma su capacidad para conectar con múltiples generaciones, regalando un repertorio pensado para emocionar, alegrar y unir.

Thalía, una de las figuras más queridas e influyentes del pop latino, vuelve a sorprender con el lanzamiento de SANTA (Tengo Un Crush Contigo), un single navideño que aporta frescura, encanto y un toque de romanticismo a la música de temporada. La artista mexicana, cuyo nombre completo es Ariadna Thalía Sodi Miranda, retoma el espíritu festivo con una propuesta contemporánea que fusiona emoción, picardía y una producción moderna, reforzando su sello internacional con versiones en español y en inglés.

Tras iniciar su carrera en los años 80 como integrante del grupo infantil Din-Din y más tarde como parte de Timbiriche, Thalía emprendió en 1989 un camino como solista que la consolidó como la reina del pop latino y también como la reina de las telenovelas, gracias a éxitos televisivos como la Trilogía de las Marías y Rosalinda. Su trayectoria artística se ha expandido hacia la actuación, la conducción televisiva, la locución, la producción musical, la escritura y el diseño de modas, convirtiéndola en un icono polifacético reconocido en diversos continentes.

En SANTA (Tengo Un Crush Contigo), lanzado el 7 de noviembre de 2025, Thalía vuelve a conectar con sus seguidores desde un lugar íntimo, alegre y lleno de luz. La canción, que también cuenta con la versión en inglés Crush On You, explora la Navidad desde una mirada romántica y divertida, donde la ilusión de las fiestas se mezcla con el deseo de encontrar un amor verdadero. Con líneas como Yo tengo un crush contigo, seamos más que amigos. Te quiero abrazar y no soltarte más. Y es que tú eres el regalo para mí..., la artista transforma la emoción navideña en una confesión dulce y directa que resuena con el espíritu cálido de la época.

Thalía ha compartido que este tema nace de los recuerdos felices de su infancia y de la magia que siempre asoció a la Navidad, describiendo la canción como un regalo de mi corazón para el suyo. SANTA (Tengo Un Crush Contigo) forma parte de su álbum Navidad melancólica, un proyecto que celebra la nostalgia, el amor y la esencia emocional de estas fechas.

Con su energía característica, su carisma inagotable y su habilidad para reinventarse sin perder autenticidad, Thalía entrega un single que invita a celebrar, sonreír y enamorarse bajo las luces del árbol.

Tras sorprender a su público y despertar una fuerte expectación con el anuncio de su álbum conjunto, la superestrella puertorriqueña Ozuna y la revelación colombiana Beéle presentan hoy Enemigos, una colaboración en la que también participa el reconocido productor Ovy on the Drums. El sencillo forma parte de STENDHAL, el disco que verá la luz el próximo 5 de diciembre y que ya puede reservarse en todas las plataformas digitales.

El tema, que combina ritmos urbanos con influencias afrocaribeñas y una interpretación emocionalmente intensa por parte de ambos artistas, adelanta la vibra fresca del proyecto, donde Ozuna y Beéle vuelven a poner en valor el afrobeats dentro de la escena urbana latina. Enemigos fusiona melodías hipnóticas, una cadencia rítmica moderna y una narrativa cargada de tensión romántica.

La canción desarrolla una historia de deseo prohibido y se adentra en el conflicto entre lo que se debe hacer y lo que verdaderamente se desea. Sus protagonistas, atrapados en relaciones que ya no sienten como propias, encuentran en este amor imposible una fuerza que no pueden ignorar. La letra se sostiene sobre líneas cargadas de emoción, contradicción y vulnerabilidad.

La energía interpretativa de Ozuna y la distintiva sensibilidad vocal de Beéle crean una química potente, reforzada por una producción en la que convergen texturas afrocaribeñas, atmósferas contemporáneas y una base sonora capaz de conectar de inmediato con el oyente.

Enemigos incorpora además una interpolación del clásico de bachata Los Infieles, compuesto e interpretado por Anthony “Romeo” Santos junto al grupo Aventura, publicado originalmente en 2006. Esta referencia rescata elementos de una de las obras más influyentes del sonido latino moderno, integrándolos ahora en una propuesta renovada y adaptada a la búsqueda de nuevos horizontes musicales.

Ozuna, uno de los artistas latinos más escuchados del panorama internacional, señaló que Enemigos nace de una emoción profunda. Queríamos contar una historia que llegara al corazón, y trabajar con Beéle y Ovy hizo que todo fluyera de manera natural.

Por su parte, Beéle destacó que Este es un tema que siente el alma. Conseguimos una mezcla de melodía y sentimiento que conecta desde la primera línea.

A su vez, Ovy on the Drums añadió que La idea fue crear algo fresco, con raíces, pero con un sonido global. Cuando los tres nos unimos, la vibra apareció de inmediato.

Enemigos establece así el tono inicial de STENDHAL, un proyecto que promete redefinir la fusión progresiva entre la música urbana, la sensibilidad melódica del afrobeats y los ritmos caribeños.

La cantautora puertorriqueña Kany García, una de las voces más sólidas y sensibles de la música en español, revela un nuevo capítulo en su trayectoria con el lanzamiento de Tierra Mía, el primer adelanto de su próximo álbum. Conocida por su profundidad lírica, su fuerza interpretativa y una carrera que la ha consagrado como una de las figuras más influyentes del pop latino, la artista vuelve a conectar con su raíz más íntima en un tema cargado de nostalgia, reflexión y amor por su país.

Kany, nacida en Toa Baja en 1982 y formada inicialmente en música clásica, violonchelo y teoría musical en el Conservatorio de Música de Puerto Rico, dio sus primeros pasos de reconocimiento público tras su participación en Objetivo Fama en 2004. A pesar del grave accidente automovilístico que sufrió la noche del estreno del programa, firmó rápidamente con Sony BMG y debutó en 2007 con Cualquier Día, un álbum que la lanzó definitivamente a la fama y la posicionó como una de las voces más auténticas de la escena latina. Desde entonces, ha acumulado cinco Latin Grammy Awards, entre ellos Mejor Artista Nuevo en 2008 y Mejor Álbum Cantautor en 2020, además de consolidarse como una compositora versátil para figuras como Chayanne, Ha*Ash y Jennifer López.

En Tierra Mía, Kany retoma el pulso emocional que ha definido su obra para explorar el vínculo inseparable con su tierra. La canción se desarrolla como una mirada honesta y sensible hacia Puerto Rico, entrelazando recuerdos, identidad y esperanza en un relato musical que invita a la introspección colectiva. La frase central del tema, Hay que seguir… pa' cuidarle la raíz a la tierra mía, se convierte en un eco poderoso que acompaña la narrativa completa, recordando la importancia de proteger aquello que sostiene la vida, la cultura y la memoria del pueblo. La melodía se funde con un tono nostálgico que se intensifica en su videoclip, donde la vegetación tropical, los colores del paisaje boricua y la presencia simbólica de la bandera dialogan con la interpretación de la artista.

Tierra Mía aparece así como un llamado emocional y consciente, un abrazo a lo que permanece y una invitación a velar por el futuro común. Con su voz cálida y su pluma precisa, Kany García reafirma una vez más por qué su música sigue resonando con tantas personas alrededor del mundo.

Tierra Mía ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Kany García, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

El nuevo lanzamiento de Alberto Toral y Sheila Jiménez, titulado Dueña De Tu Vida, llega como un golpe directo al corazón y una llamada urgente a la fortaleza personal. Ambos artistas, conocidos en el sur de España por su habilidad para mezclar pop melódico con matices flamencos, unen sus voces en un single que se mueve entre la emoción, la verdad y la necesidad de romper cadenas para comenzar un nuevo rumbo.

Alberto Toral, cantautor con una trayectoria que ha crecido entre proyectos propios y múltiples colaboraciones, aporta aquí su sensibilidad interpretativa y su sello pop-flamenco inconfundible. Sheila Jiménez, cantante de voz versátil y acostumbrada a desafiarse en concursos y proyectos musicales regionales, suma su fuerza expresiva a un tema del que, además, es compositora original. Juntos demuestran, una vez más, por qué funcionan tan bien en duetos intensos, pasionales y cargados de mensaje.

Dueña De Tu Vida se presenta como una declaración rotunda de empoderamiento. En su letra, directa y valiente, los artistas dibujan la historia de alguien atrapado en una relación dañina que necesita dar el paso definitivo hacia la libertad emocional. Desde líneas iniciales que confrontan el maltrato y la manipulación hasta un estribillo que reclama el derecho a recomenzar, la canción avanza con un pulso firme y honesto: Y dile que tú eres libre, dueña de tu vida… Aunque a ti te duela, comienza otra vida. El tema no solo abraza la idea de soltar lo que hiere, sino también la esperanza de lo que espera al otro lado: una vida sin miedo, sin cadenas y sin heridas que se repiten.

Con estrofas que retratan la lucha interna, la culpa, el chantaje emocional y ese ciclo tóxico que tantas personas reconocen, Dueña De Tu Vida funciona como un himno íntimo y, a la vez, colectivo. La producción abraza la esencia pop-melódica de ambos artistas, mientras su interpretación remarca la urgencia emocional del mensaje. El resultado es un dueto potente, sincero y profundamente humano.

Compuesta originalmente por Sheila Jiménez y coescrita junto a Alberto Toral, esta colaboración consolida la química creativa entre ambos y abre un nuevo capítulo prometedor en sus carreras.

Dueña De Tu Vida ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Alberto Toral y Sheila Jiménez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.