La artista gaditana María Carrasco, una de las voces más auténticas y queridas de Andalucía, presenta “La Fiesta De La Vida”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, que da nombre a su nuevo disco, representa un punto de inflexión total en su trayectoria, celebrando la resiliencia con una filosofía de viajar sin mapa, de aceptar las caídas y de valorar lo que el dinero no compra, recordando que, a pesar de las dificultades y el ruido del mundo, siempre hay motivos para brindar por el tiempo que nos queda y por la gente que improvisa y vive con coraje.

“La Fiesta De La Vida” nace desde ese territorio donde el optimismo se convierte en un acto de resistencia. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un consejo vacío ni una lección moral, sino una celebración de los sueños de ese niño que hacen que valga la pena seguir adelante. No es una canción de fingir que todo está bien, sino de aceptar que a veces hay que llorar si hace falta, pero también de recordar que la vida merece ser festejada. El estribillo, pegadizo y lleno de esa luz característica, funciona como un brindis colectivo, una declaración de que los mejores motivos para celebrar son los que no se pueden comprar.

María Carrasco nació en 1995 en Torrecera, una pequeña localidad de Cádiz, y saltó a la fama muy joven. Su primer gran éxito fue el tema “Abuelo”, que se convirtió en un himno y le valió un Disco de Oro con apenas once años. Aunque sus raíces están profundamente ligadas al flamenco, con el paso de los años ha evolucionado hacia un pop de autor muy personal, destacando su faceta como compositora y músico, tocando la guitarra y el piano. Es una artista valiente que incluso fundó su propio sello discográfico, WaxTower, para tener control total sobre su arte.

A diferencia de sus temas más melancólicos, “La Fiesta De La Vida” tiene un aire optimista y vital, un pop orgánico con arreglos cuidados que invitan a celebrar el presente y los sueños de ese niño que hacen que valga la pena. Producido por David Parejo, el tema logra un sonido moderno que respeta la identidad vocal gaditana de María pero la sitúa en el pop actual más fresco. “La Fiesta De La Vida” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de celebración y esperanza que María Carrasco ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la vida, con sus altibajos, siempre es una fiesta si decides verla así. Un himno para los que necesitan reconciliarse con la vida, para todos aquellos que saben que los mejores motivos para brindar son los que no tienen precio.

El fenómeno global latino Farruko, el reconocido DJ internacional Steve Aoki y la estrella colombiana de pop Greeicy presentan “Yapaque”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema fue presentado en vivo por primera vez en el Ultra Music Festival, donde conectó de inmediato con audiencias a nivel global. La canción, una propuesta vibrante que fusiona la producción electrónica con ritmos latinos, se ha consolidado desde ya como el himno del verano.

“Yapaque” habla en su esencia del desamor y de cómo una relación que terminó mal puede darte fuerza para seguir adelante. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un lamento desgarrado ni una súplica por volver. Es una afirmación de que lo que no te mata te hace más fuerte, de ese momento en que la misma relación que te hundió se convierte en el motor para salir adelante.

No es una canción de resignación, sino de empoderamiento. Es ese instante en que decides que quien te hizo daño te ha dado, sin saberlo, la mejor de las motivaciones. El estribillo, pegadizo y lleno de energía veraniega, funciona como un himno de superación. Es una declaración de que el desamor también puede ser el principio de algo nuevo.

Farruko incorporó por primera vez la música electrónica a su catálogo con el éxito global de 2021 “Pepas”. Aquel tema redefinió su sonido al fusionar el reggaetón con el EDM y se convirtió en un fenómeno mundial. Con “Yapaque”, continúa evolucionando esa propuesta, consolidándose aún más como una de las principales figuras detrás de los éxitos latinos de alto ritmo con alcance global.

El artista puertorriqueño cuenta con más de 44 millones de oyentes mensuales en Spotify. Acumula más de 15 mil millones de reproducciones en su carrera. Se posiciona como una de las figuras clave en la expansión global del reggaetón, con un historial de colaboraciones junto a Daddy Yankee, Bad Bunny, Don Omar, Yandel, Arcángel, J Balvin y Marshmello.

Steve Aoki, productor dos veces nominado al Grammy y fundador de Dim Mak, se une a esta colaboración con su característico sello electrónico. En 2026, su influyente sello disquero celebra su trigésimo aniversario. Aoki ha colaborado con artistas como BTS, Maluma, Snoop Dogg, Linkin Park, blink-182 y Machine Gun Kelly, entre muchos otros.

Greeicy, por su parte, es una cantante, actriz y compositora colombiana nominada al Latin Grammy. Se ha consolidado como una de las figuras más influyentes de la música latina contemporánea. Acumula más de 5.400 millones de reproducciones globales y 6,7 millones de oyentes mensuales en Spotify. Artistas como Juanes, Alejandro Sanz, Tini y Jay Wheeler han colaborado con ella.

El sencillo también marca la continua expansión de Farruko en espacios mainstream a nivel internacional. Conecta la música latina con la cultura global de la música electrónica. El trío mantiene su identidad característica mientras exploran nuevos territorios sonoros.

“Yapaque” ya está disponible en plataformas digitales. La canción invita a sumergirse en esa atmósfera de superación y ritmo que Farruko, Steve Aoki y Greeicy han sabido capturar con honestidad. Es un himno para los que han salido fortalecidos de una mala relación. Para todos aquellos que saben que el desamor también puede ser el mejor combustible.

La cantante Mar Solís, hija del legendario cantautor mexicano Marco Antonio Solís “El Buki”, y una de las voces con más herencia y proyección internacional del momento, presenta “Fuiste Tú”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza clave en su repertorio actual donde demuestra su capacidad para reinterpretar sentimientos universales con un sonido contemporáneo, es un viaje emocional sobre el desamor y la superación que habla de ese momento de lucidez en el que una persona reconoce quién fue el responsable del fin de una relación, pero lo hace desde una posición de empoderamiento, no de derrota.

“Fuiste Tú” nace desde ese territorio donde la claridad se impone a la confusión. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un reproche amargo ni una súplica desesperada, sino una constatación serena de que el amor se acabó y de quién tuvo la culpa, de ese momento en que entiendes que no fue tu culpa, sino suya. No es una canción de venganza, sino de liberación, de ese instante en que el reconocimiento de la verdad se convierte en el primer paso para seguir adelante. El estribillo, contenido pero lleno de esa fuerza tranquila, funciona como una sentencia, una declaración de que ya no hay dudas.

Mar Solís ha decidido no limitarse al género regional mexicano o a la balada clásica, sino que su música es una mezcla de pop melódico, elementos urbanos y toques de R&B, cuidando mucho la estética visual. Canta tanto en español como en inglés, lo que le ha permitido conectar con audiencias en todo el continente americano. Es conocida por su presencia escénica y por haber acompañado a su padre en giras mundiales antes de lanzarse como solista, y se caracteriza por una imagen muy vanguardista, colorida y mística, que la posiciona como una pop star moderna que respeta sus raíces pero mira hacia el futuro.

La producción de “Fuiste Tú” muestra una evolución desde sus primeros hits como “Quédate”, con una limpieza que le da todo el protagonismo a la textura aterciopelada de su voz, que tiene esos matices heredados de su padre pero con una entrega mucho más pop y juvenil. Los arreglos mezclan instrumentos orgánicos con sintetizadores suaves, creando una atmósfera elegante. Mar ha mencionado en varias ocasiones que busca que su música sea una terapia para quienes la escuchan, y “Fuiste Tú” encaja perfectamente en esa misión, ayudando a sus seguidores a cerrar ciclos emocionales a través del ritmo. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de empoderamiento y superación que Mar Solís ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces señalar al responsable es el primer paso para curarse. Un himno para los que han salido de una relación tóxica, para todos aquellos que saben que reconocer la verdad es el principio de la liberación.

El artista NEWKILI, uno de los nombres que está empezando a sonar con fuerza en la escena urbana y pop alternativa este 2026, presenta “Conjuro”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 7 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, que hace honor a su nombre, tiene una base hipnótica con ritmos lentos pero marcados al estilo del downtempo o R&B alternativo que parecen atrapar al oyente, explorando la obsesión, la atracción fatal y esa conexión con alguien que parece casi sobrenatural o inevitable, alejándose del pop convencional para adentrarse en sonidos más maduros y experimentales.

“Conjuro” nace desde ese territorio donde el deseo se vuelve casi mágico. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una declaración romántica al uso ni una súplica enamorada, sino la confesión de una atracción que escapa a la razón, de esa persona que te atrapa como si hubiera lanzado un hechizo sobre ti. No es una canción de amor convencional, sino de fascinación, de ese momento en que la conexión con alguien es tan intensa que parece inexplicable, casi sobrenatural. El estribillo, contenido pero lleno de esa energía hipnótica, funciona como un mantra de rendición, una declaración de que hay personas que te hechizan sin que puedas hacer nada para evitarlo.

NEWKILI es un artista que cuida mucho la atmósfera de sus canciones. Su música no es solo para bailar, sino para sentir, utilizando efectos de voz y sintetizadores que crean una experiencia bastante inmersiva. Al igual que otros artistas de su generación, da muchísima importancia a la imagen, y sus lanzamientos suelen ir acompañados de una estética muy cuidada, casi cinematográfica, que ayuda a entender el universo de sus canciones. La producción de “Conjuro” busca ese efecto de hechizo o trance, con una base que envuelve al oyente y no lo suelta.

El lanzamiento ha generado curiosidad en redes por su título, coincidiendo en el tiempo con los anuncios de la nueva película de la franquicia de terror “El Conjuro”, lo que ha ayudado a que el nombre del single se vuelva viral rápidamente. “Conjuro” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera oscura y magnética que NEWKILI ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces el amor también puede parecerse a un hechizo del que no quieres despertar. Un himno para los que han sentido una atracción inexplicable, para todos aquellos que saben que hay personas que te atrapan sin que sepas muy bien cómo.

El proyecto musical independiente Hypermax7, liderado por Kevin Perkins, presenta “¿Adónde vas?”, su nuevo sencillo lanzado oficialmente el pasado 1 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, que forma parte de su ambicioso proyecto “Mentes eXtremas III | DIAMANTES”, juega constantemente con la idea del misterio, con una letra que es casi un mantra o un interrogatorio interno que invita al oyente a cuestionar el rumbo o el destino, manteniendo siempre una barrera de privacidad que refuerza esa sensación de intriga que recorre toda la canción.

“¿Adónde vas?” nace desde ese territorio donde las preguntas se convierten en un eco sin respuesta. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una narración ni un desahogo, sino una repetición hipnótica que no busca respuestas, sino instalar la duda, de ese momento en que te preguntas hacia dónde te diriges sin saber muy bien por qué. No es una canción de certezas, sino de incertidumbre, de ese instante en que el destino es un secreto que ni tú mismo conoces. El estribillo, repetitivo y envolvente, funciona como un mantra de desconcierto, una declaración de que a veces lo único que sabemos es que no sabemos adónde vamos.

Hypermax7 utiliza plataformas de distribución como DistroKid y su propio sello, Mega Media 7, para hacer llegar su música, una libertad creativa total que se nota en sus composiciones que suelen romper con las estructuras pop tradicionales. Su estilo combina elementos de la electrónica experimental, el synth-pop y el pop alternativo, sin miedo a usar efectos vocales marcados y estructuras repetitivas para crear una atmósfera específica. La voz de Kevin Perkins se presenta a veces de forma hipnótica, con una base rítmica electrónica que sostiene toda la pieza en un sonido muy lo-fi y directo, sin demasiados adornos innecesarios, lo que le da un toque de honestidad digital.

Mientras que otros artistas buscan la perfección vocal de estudio, Hypermax7 busca la expresividad y el enigma. “¿Adónde vas?” es una canción que funciona bien si buscas algo que se salga de lo común y te haga entrar en un estado de introspección un poco inquietante pero fascinante. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de misterio e incertidumbre que Hypermax7 ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces la pregunta más importante es la que no tiene respuesta. Un himno para los que se han preguntado adónde van sin saber qué responder, para todos aquellos que saben que el destino a veces es un secreto que ni uno mismo conoce.

El proyecto de cantautor cubano Sindo Bruma, enraizado en la nueva trova, el punto guajiro y el bolero filin, presenta “Quien se marcha no regresa”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, incluido en el álbum “Amores Tercos” que verá la luz en dos días, no consuela, sino que desmitifica: el que regresa no es el que se fue, y el lugar tampoco es el mismo, explorando la imposibilidad del retorno no como nostalgia, sino como un ajuste de cuentas filosófico con la identidad y el tiempo, donde un hombre regresa a su hogar de infancia solo para descubrir que la vida que dejó atrás ya no existe.

“Quien se marcha no regresa” nace desde ese territorio donde la mentira del retorno se revela. La letra, escrita por Rogelio Alsina, un autor con profundas raíces en la literatura cubana, no es un consuelo para quien vuelve ni un reproche para quien se fue, sino una constatación de que el tiempo, ese brujo diestro, transforma todo lo que toca. No es una canción de nostalgia complaciente, sino de aceptación, de ese momento en que entiendes que el lugar que dejaste no te ha estado esperando porque el lugar también ha cambiado, y tú también. El estribillo, contenido pero lleno de esa verdad incómoda, funciona como una sentencia, una declaración de que los regresos desde la nostalgia son imposibles.

La canción explora el lado reflexivo de la tradición guajira cubana, con una interpretación vocal generada mediante la última tecnología de inteligencia artificial musical. Sindo Bruma utiliza las letras de Rogelio Alsina para construir un universo donde la tradición literaria cubana y la innovación tecnológica se encuentran, creando un sonido que es a la vez profundamente arraigado en las raíces culturales de la isla y radicalmente contemporáneo en su producción.

“Quien se marcha no regresa” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de aceptación y transformación que Sindo Bruma ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la nostalgia es una brújula que a veces falla. Un himno para los que han vuelto y se han encontrado con extraños, para todos aquellos que saben que el tiempo no preserva, sino que transforma, y que aceptarlo es el único regreso posible.

La banda Avenida Corrientes, una de las propuestas más frescas y elegantes que han surgido recientemente en la escena de la fusión latina, presenta “El último tango”, su nuevo sencillo lanzado en la primera mitad de mayo de 2026 y ya disponible en plataformas digitales. El tema, que toma su nombre de la mítica calle de Buenos Aires, el corazón cultural de Argentina, narra el final de una relación intensa utilizando la metáfora del baile, ese momento en el que ambos saben que la historia ha terminado, pero deciden concederse una última danza antes de que se enciendan las luces y cada uno siga su camino.

“El último tango” nace desde ese territorio donde la despedida se convierte en una coreografía compartida. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un reproche ni un lamento desgarrado, sino una aceptación elegante de que los finales también pueden celebrarse con un baile, de ese instante en que dos personas deciden que, aunque el amor se acabe, merecen un último gesto de complicidad. No es una canción de rendición, sino de despedida digna, de ese momento en que la música acompaña el adiós. El estribillo, contenido pero lleno de esa melancolía que no se convierte en drama, funciona como un vals de despedida, una declaración de que incluso los finales pueden ser hermosos.

Avenida Corrientes moderniza el tango y el folclore mezclándolos con elementos del pop alternativo y el jazz. No son una orquesta de tango tradicional, sino una banda que utiliza el bandoneón pero lo rodea de guitarras eléctricas, sintetizadores sutiles y una batería con un groove muy actual. Su objetivo es acercar la melancolía del Río de la Plata a la generación que escucha a artistas como C. Tangana o Fito Páez. La canción empieza con una introducción de bandoneón muy clásica que de repente rompe en un ritmo de pop-rock contemporáneo, y la voz del solista tiene ese toque arrastrado y dramático típico de los tangueros, pero con una nitidez muy moderna.

El resultado es una canción que suena nocturna, ideal para escuchar mientras caminas por la ciudad de noche, y ha sido muy bien recibida por la crítica por su capacidad de sonar nostálgica sin parecer antigua. Han logrado que el drama del tango se sienta relevante en el año 2026. El videoclip destaca por su estética cinematográfica en blanco y negro con toques de color neón, reforzando esa unión entre lo clásico y lo vanguardista. “El último tango” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de noche y despedida que Avenida Corrientes ha sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que los finales también pueden ser elegantes. Un himno para los que saben que a veces lo más hermoso es concederse una última danza antes de que se enciendan las luces.

El Festival Boreal 2026 continúa configurando el cartel de su próxima edición, que se celebrará los días 18 y 19 de septiembre en el municipio de Los Silos, en el noroeste de Tenerife. Este encuentro cultural, considerado uno de los festivales musicales de referencia en España, volverá a convertir durante un fin de semana a la isla en un escaparate global de primer orden. En esta decimonovena edición, participarán cerca de una veintena de proyectos musicales procedentes de distintos puntos del mundo.

Tras un primer avance en el que se confirmaron Aterciopelados (Colombia), Daddy G de Massive Attack (Reino Unido) en formato DJ set, BCUC (Sudáfrica), Aïta Mon Amour (Marruecos-Túnez), Renata Flores (Perú), Josyara (Brasil) y Hempress Sativa feat. Paolo Baldini DubFiles (Jamaica-Italia), el festival anuncia ahora nuevas incorporaciones internacionales y locales. Se suman al cartel la banda estadounidense The Neighborhood Kids, el proyecto chileno Rubio, y las artistas canarias Pleito y Xerach.

The Neighborhood Kids se presenta como una de las propuestas emergentes más destacadas del hip hop consciente. Desde San Diego, el grupo amplía los márgenes del género incorporando influencias del punk, el metal y el sonido alternativo. Construyen un directo dinámico y de alto impacto que conecta con públicos diversos a través de un mensaje centrado en la autenticidad, la sanación y el cambio social. Su presencia en el Boreal refuerza el compromiso del festival con la diversidad y la palabra como herramienta de transformación.

Rubio, proyecto liderado por la artista, compositora y productora chilena Fran Straube, se consolida como una de las voces más singulares del pop alternativo latinoamericano. Su propuesta, elogiada por medios como Rolling Stone, Pitchfork o Billboard, fusiona avant-pop con electrónica, trip-hop y raíces andinas, integrando también elementos contemporáneos como el reggaetón o el trap. Tras el reciente lanzamiento de su nuevo álbum “Espero podamos ver un ovni juntxs”, Rubio destaca por un directo magnético en el que despliega una gran versatilidad escénica. Su música ha formado parte de reconocidas producciones audiovisuales y su carrera internacional la ha llevado a escenarios como Lollapalooza o Primavera Sound.

El talento canario también tendrá un papel destacado en esta edición. Pleito es el proyecto en solitario de Alba Gil Aceytuno, saxofonista y compositora que fusiona folktrónica, jazz contemporáneo, música experimental y canción de autor. Su propuesta reinterpreta la tradición musical canaria desde una mirada contemporánea, construyendo un universo sonoro propio donde conviven la introspección y la experimentación. Su directo, hipnótico, combina voz, saxofón, loops y percusión.

Xerach es una artista multidisciplinar que desarrolla su trabajo entre la música, la escena y la performance. Formada en el Berklee College of Music y en la ESMUC, ha trabajado con artistas de reconocido prestigio y ha desarrollado una sólida trayectoria como compositora y productora. Su propuesta artística integra música, danza y narrativa escénica, abordando temáticas contemporáneas desde una perspectiva emocional y generacional. En 2026 presenta su segundo álbum, “¿Tú me quieres? Yo te adoro”, un trabajo de pop electrónico que refuerza su identidad artística y su potente puesta en escena.

En este ecosistema de diversidad, donde lo local dialoga de tú a tú con lo global, el Festival Boreal se reivindica como el rincón donde el mundo se mira a la cara a través del sonido. Las entradas ya están disponibles a través de Tickety y de la web oficial del festival, donde se puede acceder a la oferta de lanzamiento. El 18 y 19 de septiembre, Tenerife dejará de ser una isla para convertirse en un puente entre continentes, bajo el sello de un festival que es puro compromiso y vanguardia.

Los artistas Abraham Mateo y Luck Ra presentan “Último Baile”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 8 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una pieza de ingeniería pop diseñada para las pistas de baile, es principalmente una bachata pop, pero Abraham aporta la estructura melódica y romántica mientras que Luck Ra le inyecta matices de cumbia argentina, creando un híbrido que suena fresco tanto en una discoteca de Madrid como en un asado en Buenos Aires, uniendo el pop sofisticado de España con el carisma de la nueva ola argentina.

“Último Baile” nace desde ese territorio donde la noche se convierte en un campo de batalla de pasiones contenidas. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una declaración eterna ni una promesa vacía, sino una rendición al momento, a esa última oportunidad de entregarse al ritmo antes de que la noche termine. No es una canción de futuro, sino de presente inmediato, de ese instante en que las miradas se cruzan y el resto del mundo desaparece. El estribillo, pegadizo y lleno de esa energía que mezcla la urgencia y la diversión, funciona como una invitación al baile, una declaración de que aunque sea el último, hay que darlo todo.

Abraham Mateo está en su era dorada. Con veintisiete años y más de dos décadas de carrera, ha pasado de ser un niño prodigio a un productor y compositor de élite, produciendo muchos de sus temas. Viene de romper récords con “Quiero Decirte” y “Clavaíto”, consolidándose como el rey de las fusiones latinas en España. Luck Ra es el hombre del momento en Argentina. Desde Córdoba, ha revitalizado la cumbia y el cuarteto para la Generación Z con hits masivos como “La Morocha” y “Hola Perdida”, conocido por su energía contagiosa y por convertir cada canción en un himno de fiesta.

La producción fue realizada por el propio Abraham Mateo junto a Garabatto, un nombre que ha trabajado con Quevedo y Mora, lo que explica por qué el sonido es tan pulido y tiene ese toque urbano internacional. El videoclip mezcla el estilo dandi de Abraham con la vibra urbana y relajada de Luck Ra, y la química entre ambos es evidente. Con este tema, Abraham Mateo sigue demostrando que es un camaleón musical después de dominar la bachata con Chanel en “Clavaíto”, atreviéndose ahora a maridarla con la cumbia de la mano de un referente como Luck Ra para conquistar el mercado sudamericano. “Último Baile” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de fusión y pasión que Abraham Mateo y Luck Ra han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que los bailes más intensos son los que saben que pueden ser los últimos. Un himno para los que se entregan sin pensar en el mañana, para todos aquellos que saben que la noche también puede ser un territorio de conquista.

La artista polifacética Lucía de la Puerta, uno de los fenómenos más potentes del panorama urbano y digital en España, presenta “Aquí de bajón”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 8 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, que marca una etapa más introspectiva tras su EP “Vitamina”, se aleja de los ritmos festivos de sus remixes de techno para adentrarse en un terreno más crudo, hablando de esos momentos de soledad y tristeza que todos intentamos ocultar en redes sociales, reforzando su mensaje de que está bien no estar bien.

“Aquí de bajón” nace desde ese territorio donde las máscaras se caen. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un lamento artificioso ni un grito de ayuda impostado, sino una confesión sin adornos de que a veces, simplemente, se está de bajón. No es una canción de soluciones mágicas ni de consejos vacíos, sino de compañía, de ese momento en que alguien dice lo que muchos sienten y pocos se atreven a nombrar. El estribillo, contenido pero lleno de esa verdad que no necesita estridencias, funciona como un espejo donde mirarse sin culpa, una declaración de que la tristeza también es parte de la vida.

Lucía de la Puerta es el ejemplo perfecto de la “artista total” de la Generación Z. No es solo cantante y una de las influencers más seguidas en TikTok; también es médica de formación, actriz y deportista. Ha sabido romper el estigma de que “quien mucho abarca poco aprieta”, integrando su faceta profesional con la artística. Se ha convertido en un referente de visibilidad y amor libre, y su autenticidad al compartir su vida personal y sus procesos emocionales ha creado una conexión muy profunda con su audiencia, a la que llama cariñosamente su “familia”. Tras el éxito de temas como “Si No Te Cuida” y su álbum “A lo callao” (2025), ha consolidado un sonido que mezcla el pop urbano, el reggaetón suave y toques electrónicos, siempre con letras muy directas.

El lanzamiento ha ido acompañado de una fuerte campaña en redes donde Lucía invita a sus seguidores a normalizar el “estar de bajón”, alejándose de la dictadura de la felicidad constante de Instagram. Este single llega en un momento de gran madurez para ella, después de haber trabajado intensamente en su salud mental, algo de lo que habla abiertamente en sus entrevistas y podcasts, lo que le da a la letra una honestidad que sus fans han recibido con mucha empatía. “Aquí de bajón” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de vulnerabilidad y verdad que Lucía de la Puerta ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que estar de bajón no es un fracaso, sino parte de ser humano. Un himno para los que están cansados de aparentar, para todos aquellos que saben que la mejor forma de estar bien es permitirse estar mal.

La joven artista estadounidense Bruklin, nacida en Nueva Jersey en 2008 y de raíces albanesas, presenta “Let's See”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, descrito por la propia artista como su primer registro propiamente hip-hop, marca un capítulo nuevo en su carrera inspirado por artistas como Nicki Minaj y Ariana Grande, buscando demostrar que puede dominar las rimas y el flow sin perder su esencia pop, en una declaración de intenciones sobre la confianza en una misma y el desafío de demostrar de lo que es capaz en una industria competitiva: “veamos qué pasa ahora que estoy aquí”.

“Let's See” nace desde ese territorio donde la vulnerabilidad se encuentra con la ferocidad. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una súplica ingenua ni una declaración vacía, sino una afirmación de que está lista para dar el siguiente paso, con la conciencia de que ambos son inmaduros y que la ignorancia es una bendición, pero también con las ganas de descubrir si lo que sienten es real. No es una canción de promesas grandilocuentes, sino de posibilidades, de ese momento en que no puedes prometer demasiado, pero puedes decir “veamos”. El estribillo, pegadizo y lleno de esa energía que oscila entre la incertidumbre y la emoción, funciona como una invitación a descubrir juntos.

A pesar de su corta edad, Bruklin ha trabajado con productores de primer nivel como Oak Felder, quien ha trabajado con Demi Lovato y Rihanna, y Tommy Brown, productor clave de Ariana Grande. Comenzó con un pop muy melódico y emocional en sencillos como “Stay Friends” y “Good Cry”, pero está transicionando hacia un sonido más maduro que mezcla el pop con influencias del hip-hop y el R&B. La producción de “Let's See” es más rítmica, con bajos marcados y una entrega vocal más directa y audaz, alejándose de las baladas anteriores.

Bruklin cita el álbum “Ctrl” de SZA como una de sus mayores influencias para aprender a ser vulnerable y feroz al mismo tiempo, algo que intenta plasmar en este nuevo single. “Let's See” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de confianza y descubrimiento que Bruklin ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces no se pueden prometer demasiadas cosas, pero siempre se puede decir “veamos qué pasa”. Un himno para los que están en ese momento de incertidumbre emocionante, para todos aquellos que saben que la mejor forma de empezar algo es sin promesas, solo con la curiosidad de ver qué sucede.

La artista onubense Pilar Bogado, una de las voces consolidadas del pop-flamenco actual, presenta “La vida es un ratito”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 8 de mayo y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una de sus apuestas más vitalistas hasta la fecha, es un recordatorio sobre la brevedad de la vida y la importancia de disfrutar el presente, los afectos y las cosas pequeñas, con un mensaje cargado de optimismo y una filosofía de “carpe diem” muy necesaria en tiempos de incertidumbre.

“La vida es un ratito” nace desde ese territorio donde la conciencia de la finitud se convierte en impulso para vivir. La letra, directa y cargada de honestidad, no es una lección moral ni un sermón vacío, sino una invitación a abrazar lo que realmente importa antes de que sea tarde. No es una canción de grandes gestos, sino de pequeños momentos, de ese instante en que decides que el tiempo es demasiado valioso para desperdiciarlo en lo que no suma. El estribillo, pegadizo y lleno de esa luz característica, funciona como un mantra de gratitud, una declaración de que la vida es corta y hay que vivirla como se merece.

Pilar Bogado nació en Moguer, Huelva, en el año 2000. Se dio a conocer siendo muy pequeña en el programa “Menuda Noche” de Canal Sur, donde la apodaron “La niña de los caracolillos” por su desparpajo cantando fandangos y saetas. Su carrera profesional dio un salto importante gracias a su participación en La Voz Kids, donde fue finalista en 2014, y años más tarde en la edición de adultos de La Voz (2020), demostrando una madurez vocal impresionante. Aunque domina los palos del flamenco más puro, como los fandangos y las sevillanas, su carrera se ha orientado hacia un flamenco-pop moderno, fusionando quejíos tradicionales con producciones actuales y ritmos urbanos.

En este tema, Pilar mantiene su sello onubense con una interpretación llena de sentimiento, pero envuelta en un sonido pop fresco que invita a ser escuchado en bucle. El lanzamiento llega en un momento de gran actividad para la artista, quien sigue reivindicando sus orígenes mientras busca llegar a un público más amplio y joven a través de plataformas digitales. “La vida es un ratito” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de vitalidad y gratitud que Pilar Bogado ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la vida es un ratito y hay que vivirla con conciencia. Un himno para los que necesitan recordar lo que realmente importa, para todos aquellos que saben que el tiempo no espera.

La cantante y compositora madrileña Lorena Guzmán, un alma libre que siempre ha sido la diferente del grupo interesada e influida desde pequeña por la música americana pop-soul, presenta “Vuelos a Japón”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, un pop-dance electrónico que nace de una relación basada en promesas grandes y silencios inquietantes, parte de una contradicción habitual: la misma persona que te enseña a amar también te enseña a perder, buscando conectar desde la nostalgia sin caer en el drama, con una letra íntima pero con ritmos pop y electro dance.

“Vuelos a Japón” nace desde ese territorio donde las promesas se vuelven un peso. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un lamento desgarrado ni una acusación feroz, sino una constatación de que hay relaciones que se rompen sin que sepas cómo pasó, de esos silencios que inquietan más que las palabras, de las discusiones que desgastan hasta que no queda nada. No es una canción de rencor, sino de reconocimiento, de ese momento en que entiendes que quien te enseñó a amar fue también quien te enseñó a perder. El estribillo, contenido pero lleno de esa mezcla de nostalgia y ritmo bailable, funciona como un espejo donde mirarse sin mentiras.

Lorena Guzmán realiza un viaje fusionando su estilo americano pop-soul con su cada vez más reforzada influencia latina y nativa, tratando de expresar su visión más personal y musical a través de sus canciones. “Vuelos a Japón” está escrito para que quien lo escuche pueda sentirse identificado en los mensajes sin respuesta, en las promesas bonitas, en las discusiones que desgastan y en ese momento exacto en el que una relación se rompe sin saber cómo pasó. La canción busca conectar desde la intimidad, pero con un ritmo que invita al movimiento, creando ese contraste entre lo que se siente y lo que se baila.

“Vuelos a Japón” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de nostalgia bailable que Lorena Guzmán ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces los vuelos a Japón son excusas para no decir lo que duele. Un himno para los que han vivido promesas sin cumplir, para todos aquellos que saben que las distancias también se miden en silencios.

La artista mallorquina Blanca Vergara presenta hoy el lanzamiento de su primer álbum, ya disponible en todas las plataformas digitales. El proyecto, que marca el inicio de una nueva etapa artística y consolida su identidad dentro del pop contemporáneo, es una propuesta emocional, brillante y envolvente donde la artista construye una narrativa íntima que conecta directamente con el oyente, combinando sensibilidad y fuerza en cada canción, moviéndose entre la vulnerabilidad y la ironía para retratar la experiencia de ser una chica joven intentando entender el amor, las relaciones y a sí misma.

El álbum reúne cuatro temas que Blanca ha ido adelantando en los últimos meses, logrando una respuesta positiva y creciente por parte del público, a los que se suman ahora seis canciones inéditas que amplían el universo del proyecto y refuerzan su carácter personal y sonoro. Inspirado en sonidos internacionales, el disco destaca por su producción cuidada y melodías adictivas, llevando el pop hacia un terreno moderno y elegante. Además, incluye dos canciones en inglés, una apuesta que confirma la intención de Blanca de proyectar su música hacia una audiencia global y posicionarse como una de las voces emergentes más prometedoras del panorama actual.

Este lanzamiento llega en un momento clave para la artista, que ha sido destacada en más de una ocasión al entrar en la playlist Fantasía, consolidando su crecimiento y confirmando su proyección dentro del panorama pop en Spotify. Además, Blanca Vergara viene de participar recientemente en una colaboración para el proyecto de Nacho Nacif, cantante argentino afincado en Madrid, ampliando así su presencia artística y reforzando su conexión con una escena internacional en constante movimiento.

Blanca Vergara escribe como quien habla con una amiga a las tres de la mañana: sin filtros, sin respuestas claras, pero con una sensibilidad que conecta al instante. Sus canciones exploran vínculos que se repiten, emociones contradictorias y esa sensación constante de estar sintiendo demasiado en un mundo que a veces parece superficial. No busca idealizar el amor ni dramatizarlo: lo observa desde dentro, con todas sus contradicciones. Con este álbum debut, Blanca Vergara no solo presenta un trabajo sólido y coherente, sino también una declaración de intenciones: un pop emocional, internacional y lleno de luz, pensado para quedarse. El álbum ya está disponible en todas las plataformas digitales.

La cantautora y multiinstrumentista británica Alexa Jobling, de trece años, presenta “Freedom”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una salida de las texturas de dance relajado de sus trabajos anteriores, es un himno pop-rock de alta octanaje construido sobre guitarras eléctricas rugosas y un piano contundente, capturando la fricción cruda del drama escolar y la euforia que acompaña a defenderse a uno mismo, combinando una energía de “personaje principal” con un ingenio distintivamente británico.

“Freedom” nace desde ese territorio donde el ruido de las expectativas de los demás finalmente se detiene. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un lamento adolescente ni una queja sin fundamento, sino una celebración de ese momento en que decides que no necesitas encajar para ser feliz. No es una canción de venganza, sino de liberación, de ese instante en que la voz propia se vuelve más fuerte que los murmullos ajenos. El estribillo, pegadizo y lleno de esa energía desafiante, funciona como un himno de confianza, una declaración de que la mejor forma de responder a quienes te juzgan es brillar.

Escrita durante la edición de 2026 del concurso Young Songwriter, “Freedom” explora el tema universal de la liberación personal, diseñada para listas de reproducción de “subidón de confianza” y bandas sonoras de alta energía. Alexa Jobling, una multiinstrumentista involucrada en cada etapa creativa de su producción, continúa evitando el molde tradicional del “pop adolescente” para apostar por algo más auténtico y guiado por las guitarras. El tema la establece como una joven talento formidable en la línea de Paramore, Olivia Rodrigo y Lily Allen, con un lirismo sofisticado y una energía himno infecciosa que contradicen su edad.

“Freedom” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de liberación y confianza que Alexa Jobling ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la verdadera libertad empieza cuando dejas de intentar encajar. Un himno para los que han encontrado la fuerza para alejarse de dinámicas tóxicas, para todos aquellos que saben que abrazar la propia voz es el primer paso para ser el personaje principal de tu propia historia.

La artista latina Bonf1r3 presenta “I Know You Want To”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, un infeccioso merengue electrónico producido por Jerry “Tambora” Garcia, combina el ritmo tradicional caribeño con la energía electrónica moderna, capturando ese momento eléctrico en el que la atracción se encuentra con la vacilación y te atreves a moverte de todos modos, con una producción de pulsaciones potentes, sintetizadores brillantes y el swing inconfundible del merengue.

“I Know You Want To” nace desde ese territorio donde la timidez se convierte en un reto. La letra, directa y cargada de honestidad, cuenta una historia reconocible: divisar a alguien al otro lado de la sala que claramente quiere bailar pero se contiene. En lugar de esperar, Bonf1r3 cambia el guion y los llama con confianza y picardía, transformando el momento en una invitación que no admite excusas. No es una canción de espera pasiva, sino de iniciativa, de ese instante en que alguien tiene que dar el primer paso y decides que serás tú. El estribillo, pegadizo y lleno de esa energía juguetona, funciona como un guiño cómplice, una declaración de que la mejor forma de invitar es saber que ya quieren.

Bonf1r3 continúa abriéndose camino como una artista que tiende puentes entre culturas y sonidos, llevando la música latina a nuevos espacios mientras mantiene vivo su espíritu. Su voz se desliza entre lo provocador y lo imperativo, invitando a los oyentes a bajar la guardia y adentrarse en el ritmo. El resultado es un tema que se siente a la vez coqueto y empoderador, diseñado para pistas de baile abarrotadas, noches largas y ese momento en que todo cambia.

“I Know You Want To” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de ritmo y confianza que Bonf1r3 ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces el baile empieza cuando alguien se atreve a decir lo que el otro ya siente. Un himno para los que esperan la señal, para todos aquellos que saben que la música también puede ser una forma de seducción.

El ciclo de conciertos, que marcará un hito al convertirse en el primer gran evento musical de verano celebrado en el Port de Barcelona, avanza parte de la programación de su escenario emergente.

El ciclo de conciertos Blaumarí Port Vell ha presentado este jueves un primer avance de la programación de su escenario emergente, Moll Blaumarí, desvelando algunos de los artistas que formarán parte de esta propuesta. El anuncio ha tenido lugar en el marco de la presentación oficial del festival en el Port de Barcelona, donde también se ha aprovechado para recordar algunos de los nombres más destacados del escenario principal, ya anunciados previamente, como The Cardigans, UB40, Xoel López, Joss Stone y Alan Parsons, entre otros.

El escenario emergente Moll Blaumarí nace como uno de los espacios con más personalidad del festival: un punto de encuentro abierto, cercano y pensado para descubrir talento en un entorno privilegiado frente al mar, en el muelle de Barcelona del Port Vell. A lo largo del festival pasarán por este espacio, situado junto a las aguas del Port de Barcelona, artistas como Leitón, Antón Jarl Trio, Raquel Lúa, Belén Natalí, M Train, Son del Aire, Estela i Els Miralls, Cristina La Mar, La Compañía Eléctrica Panamericana —con varias fechas consecutivas—, Andrea Santiago, Sara Blasco, Lecocq y Jan Nieto, entre otros.

Los artistas de este escenario emergente actuarán como apertura de cada jornada, ofreciendo una propuesta musical previa a los conciertos del escenario principal. Esta programación está pensada para acompañar el inicio de la experiencia en el recinto del Port de Barcelona, creando un ambiente progresivo que comienza con las actuaciones de este escenario y culmina con los directos de grandes nombres del cartel principal como Rosana, Rufus Wainwright, Kamasi Washington, Gipsy Kings, Carlos Núñez o SAU, entre otros.

Una nueva referencia cultural para el Port Vell de Barcelona

Blaumarí Music supone, además, un hito para la ciudad: será la primera vez que se celebre un ciclo de conciertos de verano en el Port Vell, un enclave icónico de Barcelona que se transforma así en un nuevo epicentro cultural y musical.

Gastronomía y música en una experiencia compartida

La experiencia del ciclo de conciertos irá más allá de la música. BNGRUP será la empresa encargada de la gestión del food & beverage del festival, con una propuesta gastronómica pensada para convertir el Moll Blaumarí del festival en un punto de encuentro con personalidad propia y gran capacidad experiencial.

La propuesta incluirá una selección de los best sellers de sus 14 restaurantes en Barcelona: una combinación ecléctica que reunirá las pizzas del galardonado Trafalgar Pizza Club con ostras, tacos y una selección de tapas y platillos pensados para todos los públicos.

Además, la oferta de bebidas combinará coctelería clásica, propuestas tradicionales y la creación del Cóctel Blaumarí: un homenaje líquido al festival, a su identidad mediterránea y a la promoción artística de la ciudad.

Con esta primera presentación, Blaumarí Music empieza a dibujar una experiencia que va más allá de la música en directo, integrando cultura, gastronomía y entorno en una propuesta única en Barcelona.

Artículo de Eva Ladevesa (twitter.com/miviajemusical) para ElFiesta.es

La artista argentina Cazzu, conocida como “La Jefa”, presenta “Perdón si no te llamé”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una nueva pieza que reafirma su capacidad para construir relatos donde la música y lo visual se integran en una misma experiencia, se inscribe dentro del universo “Latinaje”, una etapa donde la artista profundiza en una búsqueda conceptual que combina raíces, sensualidad y oscuridad, girando en torno a una figura de “viuda negra” que seduce, manipula y traiciona, desplegando una trama atravesada por el deseo, el poder y la venganza.

“Perdón si no te llamé” nace desde ese territorio donde el engaño se convierte en un arte. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un mea culpa sincero ni una disculpa arrepentida, sino una declaración de poder, de ese momento en que quien juega con los sentimientos de los demás ya no se molesta en ocultarlo. No es una canción de súplica, sino de afirmación, de ese instante en que la seductora sabe que su poder reside en la indiferencia. El estribillo, contenido pero lleno de esa mezcla de desdén y magnetismo, funciona como una advertencia, una declaración de que hay reglas que solo una puede romper.

En “Perdón si no te llamé”, Cazzu vuelve a explorar la instrumentación de sierreño moderno, con docerolas, charchetas, tololoche y trombón, desde una mirada propia, combinando la tradición del género con su impronta urbana. El lanzamiento llega acompañado de un videoclip con tratamiento cinematográfico que continúa y expande esta identidad visual, mostrando un relato donde lo cotidiano se transforma en un escenario cargado de simbolismo, reforzando la construcción de un multiverso que incluye los videos de “Jujuy estrellado” y “Otro como tú”.

El lanzamiento llega en medio de su gira internacional con shows sold out por Estados Unidos y México, y en la previa a un hito clave en su carrera: su primera presentación en un estadio, que tendrá lugar el 12 de septiembre en el Estadio 23 de Agosto de su natal Jujuy. El estreno también coincide con cuatro nominaciones a los Premios Gardel, los premios más importantes de la música argentina, entre ellas “Latinaje” como Álbum del Año y Mejor Álbum de Música Global, y “Con Otra” como Canción del Año y Mejor Canción Tropical o Cumbia. “Perdón si no te llamé” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de seducción y poder que Cazzu ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces el mayor poder es no llamar. Un himno para las viudas negras que juegan con sus propias reglas, para todos aquellos que saben que el deseo también puede ser un campo de batalla.

El cantante gaditano Gonzalo Hermida, que atraviesa uno de los momentos más dulces de su carrera musical con su canción “Que No Se Acabe La Noche” encabezando las listas de éxitos de las emisoras del país, presenta “La Pecera”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales, en colaboración con la artista mexicana Isa. La canción nace de los recientes viajes de Gonzalo a Ciudad de México, donde ha ofrecido varios conciertos para su público mexicano y ha tenido la oportunidad de componer nueva música junto a artistas locales.

“La Pecera” nace desde ese territorio donde la razón y el deseo se enfrentan sin vencedor claro. La letra, directa y cargada de honestidad, habla de una ruptura amorosa en la que le estás rezando a la vida para que esa persona no vuelva, porque sabes que si vuelve a llamar a tu puerta, volverás a intentar estar con ella. No es una canción de rencor, sino de miedo, de ese momento en que la conciencia de tu propia debilidad se convierte en la peor de las condenas. La hipérbole del incendio en la pecera, algo físicamente imposible, refleja esa lucha absurda pero real de intentar algo que sabes que no puede ser, pero que no puedes dejar de intentar. El estribillo, “Lo intentaré aunque no se pueda, como un incendio en la pecera, tú y yo éramos uno y míranos”, funciona como un grito de impotencia y lucidez a la vez.

Las voces de Gonzalo y la mexicana Isa se funden para contar esta historia de amor, superación y, sobre todo, de despedida. La producción, cuidada y emotiva, envuelve el dueto en una atmósfera que oscila entre la intimidad de la confesión y la expansividad del estribillo, creando un espacio sonoro donde la vulnerabilidad y la fuerza conviven sin estridencias.

El lanzamiento llega en un momento clave para Gonzalo Hermida, que se prepara para una gira de conciertos que recorrerá varias ciudades españolas. Las primeras fechas confirmadas incluyen Badajoz, La Palma, Sanlúcar de Barrameda, Zaragoza, Salamanca, Málaga, Bilbao, Sevilla, Valladolid, Albacete, Valencia, Córdoba, Granada y Barcelona. Además, el 13 de noviembre, Gonzalo Hermida vuelve a Ciudad de México con un concierto muy especial en el Multiforo Urbano Bajo Circuito, consolidando su conexión con el público mexicano. “La Pecera” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de lucha interna y despedida que Gonzalo Hermida e Isa han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que a veces lo más difícil no es decir adiós, sino rezar para que no vuelvan. Un himno para los que saben que volverían a caer, para todos aquellos que entienden que el incendio en la pecera es imposible, pero aún así lo intentan. Las entradas para los conciertos ya están disponibles en gonzalohermidaoficial.com.

El artista flamenco Josué Rarujo, uno de los referentes actuales de la comunidad flamenca gitana, presenta “Ya no somos niños”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, el primer single dentro de su nueva alianza con Virgin Spain, gira en torno a la madurez emocional: el protagonista reconoce que ya no están en una etapa infantil donde todo se puede dejar pasar, y advierte que seguir en esa dinámica solo llevará al final de la relación, con una mezcla de frustración y cansancio pero también una cierta claridad: prefiere alejarse antes de que la situación empeore, mostrando una evolución personal frente al conflicto.

“Ya no somos niños” nace desde ese territorio donde el crecimiento duele porque implica dejar atrás excusas. La letra, directa y cargada de honestidad, no es un reproche vacío ni una amenaza sin fundamento, sino una constatación de que las dinámicas infantiles no sostienen un amor adulto, de ese momento en que te das cuenta de que seguir jugando al mismo juego solo lleva al desgaste. No es una canción de ruptura consumada, sino de advertencia, de ese instante en que el que avisa no es traidor, sino el único que sigue viendo con claridad. El estribillo, contenido pero lleno de esa mezcla de cansancio y determinación, funciona como un límite, una declaración de que el amor no es un juego de niños.

El videoclip, con alto valor de producción y la participación especial del bailaor flamenco “El Yiyo”, ya cuenta con 1,6 millones de visualizaciones en YouTube. Josué Rarujo se introdujo en el mundo de la música de forma inesperada cuando le pidieron que creara una canción dedicada a alguien. Tras compartirla en YouTube, la gente empezó a solicitarle más temas. En una de esas peticiones, le pidieron que la música fuera de Obed Hernández, hijo de Moisés Hernández de los Yakis, lo que marcó el inicio de una dupla que dura hasta el día de hoy. Su catálogo cuenta con más de 300 temas entre dedicados, singles y colaboraciones con artistas como Moncho Chavea y Los Yakis.

“Miedo al Amor” le consolidó como intérprete y compositor, con más de 14 millones de reproducciones en plataformas digitales, formando parte de la banda sonora vital de miles de personas. Debido al éxito de dicho tema, Josué y Obed se han embarcado en una extensa gira que lleva por nombre “Miedo al Amor 2.0” y los ha llevado a recorrer las principales salas de concierto del territorio nacional, desde Razzmatazz y Apolo en Barcelona hasta Paris 15 en Málaga y Copera en Granada, hasta aterrizar el próximo 21 de mayo en la emblemática Sala La Riviera de Madrid, habiendo colgado el cartel de sold out casi un mes antes del concierto. “Ya no somos niños” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de madurez y límites que Josué Rarujo ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que crecer también es saber cuándo irse. Un himno para los que han dejado de ser niños, para todos aquellos que saben que el amor no se juega.