Sweet Aroha continúa consolidando su identidad artística con el lanzamiento de “Ley de Atracción”, un nuevo sencillo que se mueve con naturalidad entre el dancehall, el pop latino y el universo urbano. La canción captura ese instante inexplicable en el que dos miradas se cruzan y algo se enciende sin previo aviso, hablando del amor a primera vista y de la atracción inmediata que no necesita razones para existir.

Musicalmente, “Ley de Atracción” se apoya en un ritmo contagioso y envolvente, con una producción que equilibra energía urbana y sensibilidad melódica. El estribillo en falsete, pegadizo y elegante, se convierte en uno de los grandes ganchos del tema, mientras que las partes rapeadas aparecen de forma sutil, aportando dinamismo sin romper la atmósfera romántica que envuelve toda la canción. El resultado es una pieza fresca, emocional y muy versátil, pensada tanto para la pista como para playlists de pop latino, dancehall, urbano y moods románticos.

Este nuevo lanzamiento refleja con claridad el universo creativo de Sweet Aroha, una artista emergente que combina dancehall, pop latino, melodías románticas y trapsoul desde una voz personal y reconocible. Su música explora las emociones y las relaciones contemporáneas, alternando entre canciones directas y pegadizas y otras más introspectivas, siempre con una identidad honesta, melódica y en constante evolución.

Más allá del sonido, Sweet Aroha se presenta como el alma de una voz que fusiona fuerza, dulzura y verdad. Cantante, compositora y creadora audiovisual, Aroha transforma vivencias profundas en canciones que no solo se escuchan, sino que se sienten. Sus letras hablan de luchas internas, amor propio, heridas que enseñan y de la belleza que existe en volver a empezar, conectando desde lo humano y lo vulnerable.

Con una sensibilidad única y una presencia magnética, Aroha no se limita a interpretar canciones: se expone, conecta y construye universos emocionales donde la vulnerabilidad se convierte en poder. Cada proyecto que lanza, desde la composición hasta el videoclip, nace desde el corazón y con una intención clara: dejar huella en quien la escuche y generar un espacio de identificación y emoción real.

“Ley de Atracción” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Sweet Aroha, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Cameron Dallas vuelve a sorprender con “Sinking”, una canción que rompe deliberadamente con cualquier expectativa previa dentro de su actual etapa creativa. Lejos de ser el tema más bailable de su repertorio reciente, esta canción se posiciona como la más delicada, introspectiva y, paradójicamente, la más exitosa hasta ahora. “Sinking” funciona como una especie de rompecabezas lírico: sofisticado, abstracto por momentos, pero al mismo tiempo accesible y profundamente hermoso. Esa dualidad ha conectado de forma orgánica con el público, convirtiéndola en su track con mejor rendimiento y abriendo un nuevo horizonte para su proyección artística.

Este lanzamiento se enmarca dentro del ambicioso universo sonoro que Cameron Dallas ha bautizado como Intergalactic Heritage Music, o IHM, una propuesta que va mucho más allá de un álbum convencional. Tras una década bajo las restricciones de grandes sellos y siete años de inmersión total en la independencia creativa, Cam emerge con una identidad renovada, transmitiendo, como él mismo sugiere, “desde el futuro”. IHM se plantea como una cápsula del tiempo, una especie de música clásica del año 2326, pensada para ser escuchada por pilotos que atraviesan el espacio a toda velocidad mientras observan, con nostalgia y asombro, los primeros años caóticos de la era digital alrededor de 2008.

El sonido de Cameron Dallas en esta nueva etapa es un choque frontal de referencias, emociones y épocas. Su propuesta es maximalista, intensa y sin miedo al exceso. Recupera la energía cruda y desbordada de la era RuneScape PK, combinándola con la ironía pop-punk de 3OH!3, los quiebres frenéticos de Chiodos y una producción expansiva que remite a la psicodelia de estadio de artistas como Tame Impala y Florence + The Machine. Todo convive en un mismo plano, sin jerarquías ni concesiones, creando una experiencia sonora que resulta tan caótica como cuidadosamente construida.

Dentro de ese contexto, “Sinking” destaca precisamente por ir a contracorriente. Es menos ruidosa, menos explosiva, pero emocionalmente más profunda. Su belleza radica en el espacio que deja respirar, en la forma en que invita a la escucha atenta dentro de un proyecto que suele ser vertiginoso. Esa decisión creativa refuerza la idea de que Cameron Dallas ya no está persiguiendo fórmulas ni tendencias, sino explorando su archivo personal, emocional y cultural, pieza por pieza.

El espíritu de CATCH!, el proyecto que encapsula esta etapa, está impregnado de lo que el propio artista define como “high-art brain rot” contemporáneo, mezclado con una sensibilidad callejera influenciada por figuras como Chief Keef. El resultado es una música rápida, densa, estridente y sin disculpas. Desde el impacto inicial de “Why Haven’t I Met You”, que sacudió la industria, hasta este renacimiento creativo más libre y conceptual, Cameron Dallas ha dejado claro que su objetivo ya no es escalar listas, sino construir legado.

“Sinking” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Cameron Dallas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, exploraciones sonoras, colaboraciones o nuevos capítulos de su archivo intergaláctico, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

DnK, solista afincado en Barcelona y con una sólida raíz cubana, regresa con fuerza y verdad emocional en su nuevo sencillo “Me enamoré de la vida”, una canción que funciona como testimonio personal de transformación, renacimiento y gratitud. A través de una fusión orgánica entre música latina, flamenco y reggaetón, el artista propone un viaje sonoro y emocional que conecta con quienes han atravesado momentos de ansiedad, depresión o vacío interior, y que hoy buscan reencontrarse con la luz en las pequeñas cosas.

Detrás de DnK se encuentra Yunier DnK, cantante y compositor cubano-español originario del municipio 10 de Octubre, en La Habana. Su vínculo con el arte comenzó desde muy joven, cuando dio sus primeros pasos en el grupo de danza Ritmo Latino, una etapa que marcó profundamente su sensibilidad artística y su forma de entender el escenario. Como autor, debutó discográficamente con el álbum “Con los pies en la tierra”, un trabajo que fue muy bien recibido por el público joven en Cuba y que le permitió posicionarse en medios gracias a canciones como “Me enamoré”, “Una Noche” y “Vuelve”, estas últimas compuestas junto al poeta Gustavo Sánchez Galarraga y con una amplia rotación en radio y televisión.

“Me enamoré de la vida” nace desde un lugar íntimo y honesto. En sus versos, DnK relata un proceso de caída y reconstrucción personal, un momento en el que el alma se sentía vacía y el corazón perdido, hasta que una chispa de esperanza comenzó a brillar. La canción pone palabras y melodía a ese instante en el que, incluso en la oscuridad, algo nos recuerda que no estamos solos. El artista se enamora de lo cotidiano como símbolo de sanación: el sonido de la lluvia, el sol en cada atardecer, la brisa que entra por la ventana. Elementos sencillos que se convierten en anclas de vida y en recordatorios de que siempre es posible volver a empezar.

Musicalmente, el tema combina palmas y colores flamencos con ritmos urbanos actuales, logrando un equilibrio entre tradición y modernidad que refuerza su mensaje emocional. El gancho melódico, directo y contagioso, acompaña una letra que no esquiva el dolor, pero que insiste en la superación, la fe y la fortaleza interior. DnK no solo canta su historia, sino que extiende la mano a quienes se reconocen en ella, dejando claro que la lucha es compartida y que siempre hay una luz al final del túnel.

El lanzamiento viene acompañado de un videoclip concebido como un acto de gratitud, un “gracias Dios” sincero por la guía y la claridad encontradas tras el vacío. Más que una simple pieza audiovisual, el video se presenta como un testimonio y una motivación, invitando al espectador a abrir los ojos, levantarse y volver a creer en la vida, incluso cuando todo parece perdido.

A lo largo de su carrera, Yunier DnK ha demostrado una notable versatilidad artística. Ha formado parte de agrupaciones como Coral Latino, Grupo Gitano y Dimensión X, y ha compartido escenario con artistas reconocidos como Arnaldo y su Talismán, Bony y Kelly, y Pedrito Calvo de Los Van Van. Su crecimiento lo llevó a integrarse en la compañía TURARTE como cantante profesional, participando en espectáculos como Habana Mía y Caribe Habana, además de presentarse en emblemáticos espacios como el Hotel Habana Libre y el Salón Rojo del Capri.

Actualmente residente en España, DnK continúa consolidando su proyecto artístico. Su segundo álbum, “Sonríele a la vida”, ha tenido un impacto notable en plataformas digitales, superando los 10 millones de visualizaciones en YouTube y acumulando miles de reproducciones en Spotify. Reconocido por su capacidad para moverse entre géneros como pop, merengue, reggaetón tropical, balada romántica, bachata y música urbana, el artista se encuentra trabajando en un nuevo álbum previsto para 2025, en el que seguirá explorando su identidad musical y emocional.

“Me enamoré de la vida” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de DnK, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

Los Hitmen han trabajado con las mayores estrellas del reggaetón y la música latina, desde Wisin & Yandel y Don Omar hasta Jay Wheeler, Myke Towers, Arcángel y Nicky Jam, consolidándose como productores de impacto global.

Los Hitmen, el dúo de productores formado por Emanuel Infante, conocido como “Jazzy”, y Kristian Ginorio, conocido como “Lelo”, inician una nueva etapa en su carrera tras ser oficialmente firmados por MP Records, sello liderado por el empresario y visionario Miguel Petit. Con casi veinte años de trayectoria conjunta, el dúo se ha consolidado como una de las fuerzas creativas más consistentes e influyentes de la música urbana latina, responsables de algunos de los éxitos más importantes del reggaetón moderno.

Desde sus inicios, la conexión musical de ambos productores evolucionó rápidamente hacia una hermandad creativa que ha perdurado por dos décadas. Jazzy, de ascendencia ecuatoriana, y Lelo, de raíces puertorriqueñas, fusionaron sus influencias culturales y su instinto musical para desarrollar un sonido distintivo caracterizado por baterías poderosas, sensibilidad melódica y una identidad urbana inconfundible. Esa química en el estudio ha sido clave para su longevidad y para la construcción de un catálogo que ha marcado a varias generaciones.

A lo largo de su carrera, Los Hitmen han desempeñado un papel fundamental en la evolución del reggaetón y el pop latino, colaborando con algunos de los artistas más influyentes del género. Entre sus créditos más destacados se encuentran éxitos globales como “La Curiosidad” de Jay Wheeler y Myke Towers, “Sube la Music” de De La Ghetto y Nicky Jam, “Tussi” de Arcángel, De La Ghetto, Justin Quiles y Eladio Carrión, “Perder” de Dalex y Jay Wheeler, “Loco Por Verte” de Justin Quiles y Lenny Tavárez, “Selfie” de De La Ghetto, “Si Se Tiran” de Jowell & Randy junto a Don Omar y “EAZT” de Jay Wheeler. 

Su impacto se remonta a los inicios de su carrera, cuando ya eran responsables de himnos que definieron el género, como “Perreame” de Wisin & Yandel con Jowell & Randy, “Un Booty Nuevo” de Jowell & Randy con Yaviah, “Su Mamá No Sabe Na” de Plan B con Jowell & Randy, “Hasta Que Salga el Sol” de Jowell & Randy con Tito El Bambino y “Un Poquito Na Más” de Jowell & Randy con Tego Calderón. En su etapa más reciente, continúan entregando éxitos como “Si Si Si Si”, “Incorregible” y “Black Jackie Chan”, reafirmando su vigencia y su capacidad para conectar con nuevas audiencias.

Su trabajo ha sido reconocido con múltiples premios y certificaciones, incluyendo BMI Awards, ASCAP Awards, numerosos discos de Oro y Platino y una certificación Doble Diamante de la RIAA por “La Curiosidad”, uno de los temas latinos más exitosos de la década. Más allá de los logros, Los Hitmen se distinguen por su disciplina, humildad y compromiso con la evolución del género, manteniendo siempre una conexión emocional y auténtica en cada producción.

La firma con MP Records representa un paso decisivo en su carrera. Para Miguel Petit, CEO del sello, la incorporación de Los Hitmen responde a la visión clara de apostar por creadores capaces de transformar la industria desde adentro. Petit reconoce en ellos no solo un historial impecable, sino una capacidad excepcional para innovar, desarrollar talento, liderar proyectos creativos y construir éxitos que trascienden generaciones. Su respaldo marca el inicio de una alianza estratégica que potenciará la expansión internacional del dúo y su presencia en nuevos mercados.

Este nuevo capítulo coincide con un momento crucial para Los Hitmen: el lanzamiento de su primer álbum oficial de estudio como productores, LOS HITMEN: Season 1. El proyecto resume dos décadas de experiencia, visión y madurez artística, y consolida su posición como hitmakers de clase mundial y arquitectos del sonido urbano latino. Con el apoyo de MP Records, el dúo se prepara para una etapa de mayor alcance, mayor visibilidad y un impacto aún más profundo en la música global.

Loreen es, sin duda, una de las figuras más místicas, magnéticas y poderosas del pop contemporáneo, y con su nuevo single “Feels Like Heaven”, lanzado el pasado 23 de enero de 2026, vuelve a demostrar por qué su nombre sigue ocupando un lugar privilegiado dentro de la música internacional. La artista sueca de origen bereber inicia así una etapa muy esperada por su público, reafirmando su identidad artística y su capacidad para transformar el pop en una experiencia casi espiritual.

Convertida en una auténtica leyenda viva de Eurovisión, Loreen ha marcado un hito histórico al ser la única mujer que ha ganado el certamen en dos ocasiones, primero en 2012 con el icónico “Euphoria” y después en 2023 con “Tattoo”, consolidando una carrera que va mucho más allá del concurso. Su propuesta artística siempre ha destacado por fusionar pop cinematográfico, electrónica y una fuerte carga emocional y simbólica, acompañada de puestas en escena hipnóticas y visualmente impactantes que elevan cada actuación a un nivel casi ritual.

“Feels Like Heaven” funciona como carta de presentación de esta nueva fase creativa y llega con un valor añadido muy especial: la canción ha sido coescrita junto a Sia, una de las compositoras más influyentes del pop moderno. La huella de la artista australiana se percibe especialmente en las melodías del estribillo, intensas, emotivas y diseñadas para quedarse grabadas desde la primera escucha. A nivel conceptual, Loreen ha explicado que el tema no habla de un cielo religioso, sino de un estado mental de rendición, una idea que atraviesa toda la canción. Para la artista, rendirse no implica debilidad, sino un acto de valentía que abre la puerta a la verdadera libertad y al amor sin condiciones.

En lo sonoro, “Feels Like Heaven” se presenta como un medio tiempo emocional que equilibra el dramatismo vocal con una producción electrónica densa y envolvente. Loreen vuelve a brillar por su capacidad interpretativa, una fuerza vocal que recientemente dejó clara en presentaciones en directo como la realizada en Star Academy en Francia, donde demostró que su voz sigue siendo uno de los grandes pilares de su propuesta artística.

Este lanzamiento es también el adelanto principal de su próximo álbum “Wildfire”, que verá la luz el 27 de marzo de 2026. El disco tiene un valor especial, ya que será su primer trabajo de estudio completo en nueve años, desde el lanzamiento de “Ride” en 2017. En “Wildfire”, Loreen reunirá algunos de sus mayores éxitos recientes como “Tattoo” e “Is It Love”, además de incluir nuevas canciones y una colaboración destacada con el artista estadounidense 6LACK en el tema “Lose That Light”, ampliando aún más su universo sonoro y emocional.

Con “Feels Like Heaven”, Loreen no solo inaugura una nueva etapa musical, sino que reafirma su lugar como una artista única, capaz de convertir cada canción en un viaje introspectivo y cada lanzamiento en un acontecimiento.

“Feels Like Heaven” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Loreen, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Ya está disponible en todas las plataformas digitales y YouTube “ILÚMINA”, el nuevo single y videoclip de SORAYA. Se trata del último avance del disco que saldrá una semana más tarde y que lleva por título el mismo que la canción que se presenta hoy.

“Ilúmina“, compuesta por la propia artista junto a Eyla y producida por FECTRO, nos habla de las conexiones con las cosas mágicas que nos esperan en la meta a la que llegamos cuando estamos orgullosos de lo que hacemos. Mirar atrás, abrazar lo vivido y cargarnos de adrenalina para seguir. Un mensaje que coincide con el momento vital y artístico de Soraya que con este avance cierra un círculo de dos años de trabajo que culminará el 13 de febrero con la salida su nuevo disco.

Al igual que el resto de temas publicados, este nuevo single viene acompañado por un potente videoclip en el que veremos a Soraya convertida en un personaje de videojuegos al más puro estilo Final Fantasy. Otra muestra de la fuerte apuesta audiovisual que marca el camino de “Ilúmina”.

El 13 de febrero será la fecha de lanzamiento de “Ilúmina”, el disco más especial y más importante en la carrera de Soraya. Un trabajo minucioso que lleva cociéndose desde hace dos años y que la artista ha querido ir desgranando single a single para que ninguno pasara desapercibido ya que esto es más que un disco, es una historia, es la historia de Soraya.

Este trabajo será lanzado en formato físico en CD y en vinilo con una espectacular edición limitada que ya se puede encargar en la web de la artista.

La música argentina vuelve a demostrar su capacidad de reinventarse y dialogar entre generaciones con “TIC TAC”, la nueva colaboración entre Manu Dal Santo y El Villano, un lanzamiento que llegó literalmente recién salido del horno el pasado 3 de febrero de 2026. El single propone un cruce fresco y bailable entre el pop electrónico moderno y un toque urbano con guiños cumbieros, logrando una combinación que conecta tanto con las playlists actuales como con la pista de baile.

“TIC TAC” juega conceptualmente con la idea del tiempo, la urgencia y el deseo de no dejar pasar el momento. Desde su ritmo marcado y pegadizo hasta su letra directa y cotidiana, la canción transmite esa sensación de querer ahora, de no postergar lo que se siente. El título no es casual: el tic tac del reloj acompaña una historia que avanza entre miradas, stories de redes sociales y un flechazo inmediato que invita a escapar de la rutina y dejarse llevar.

Para Manu Dal Santo, este junte representa un paso clave hacia un público más masivo dentro de Argentina. La artista rosarina viene atravesando un ascenso meteórico dentro del pop nacional, con un perfil poco habitual que combina formación técnica y sensibilidad artística. Ingeniera industrial de carrera, decidió dejarlo todo para dedicarse de lleno a la música, construyendo un proyecto sólido donde conviven el pop, la electrónica y el EDM. En el último año lanzó su álbum Buenos Aires, giró por España y consolidó una identidad estética muy cuidada y de sonido internacional, respaldada por el sello CLUB29. Canciones como “Gravedad” y “Tsunami” la posicionaron como una de las nuevas caras más interesantes del pop argentino actual.

Del otro lado está El Villano, nombre artístico de Jonathan Müller, una figura histórica de la música tropical argentina que ha sabido evolucionar con el paso del tiempo. Su historia de vida, marcada por la superación y el esfuerzo desde muy chico, lo llevó a convertirse en un referente popular desde su irrupción en 2012 con hits como “Te pintaron pajaritos” y “Bombea”. Fue uno de los primeros en mezclar cumbia con reggaetón y trap en el país, abriendo un camino que hoy es parte del sonido urbano argentino. En los últimos tiempos, además, fue noticia por la valentía con la que compartió públicamente temas personales de salud, recibiendo un fuerte respaldo de colegas y de la industria.

En “TIC TAC”, El Villano aporta ese flow de barrio, carisma y experiencia que lo convirtieron en un clásico, mientras Manu suma sofisticación pop, frescura y una mirada contemporánea que dialoga con las nuevas audiencias. El resultado es una canción que suena actual, accesible y honesta, reflejando el momento en el que el pop argentino se fusiona sin prejuicios con distintos géneros y generaciones.

La letra refuerza esta idea de inmediatez y deseo, con imágenes reconocibles de la vida cotidiana, el coqueteo digital y las ganas de conectar sin vueltas. Entre beats bailables y melodías pegadizas, “TIC TAC” se posiciona como un tema pensado para sonar fuerte en este verano y seguir ampliando el alcance de ambos artistas.

“TIC TAC” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Manu Dal Santo y El Villano, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

ATK Epop une fuerzas con la cantante Mara Vélez en “Por naita’ der mundo”, un nuevo sencillo que se presenta como una declaración de principios cargada de emoción, raíz y carácter. La canción nace desde lo más profundo de la identidad andaluza, no solo por su lenguaje y expresiones populares, sino por la forma en la que convierte lo cotidiano, lo íntimo y lo vulnerable en un acto de resistencia vital. Con una producción cuidada y envolvente, el tema se apoya en arreglos de cuerdas orquestales que elevan la narrativa emocional hasta un terreno casi cinematográfico, dotando a la canción de una épica contenida que acompaña cada palabra.

“Por naita’ der mundo” habla de no rendirse, de no ceder ante la opresión, la traición ni la monotonía que asfixia. La letra es directa, honesta y valiente, y construye un diálogo interno entre dos fuerzas que conviven en quien la canta: una parte rebelde que no tolera la injusticia y está dispuesta a romper con todo, y otra llena de vida, ternura y amor incondicional, capaz de seguir creyendo incluso después de la herida. Esa dualidad se convierte en el corazón del tema y conecta con una emoción universal: el cansancio de luchar y, al mismo tiempo, la necesidad de seguir defendiendo la alegría y la dignidad personal.

La voz de Mara Vélez es el eje que sostiene ese grito vital. Su interpretación se mueve con naturalidad entre la rabia y la luz, entre la fragilidad y la firmeza, transmitiendo verdad en cada verso. Lejos de imposturas, su manera de cantar refuerza el mensaje de la canción y convierte el estribillo en un mantra poderoso: “No, por naita’ der mundo pierdo yo la alegría”. Esa frase se repite como un acto de resistencia emocional, una afirmación de vida frente a la traición, el desgaste y la pérdida.

ATK Epop acompaña esta intensidad con una producción que sabe cuándo contener y cuándo expandirse. Las cuerdas orquestales aportan dramatismo y profundidad, envolviendo la voz sin restarle protagonismo y creando una atmósfera que amplifica el mensaje del tema. Con este lanzamiento, el productor continúa explorando la fusión entre lo popular y lo contemporáneo, apostando por canciones que no solo se escuchan, sino que se sienten y se viven.

“Por naita’ der mundo” no es solo una canción, es una postura ante la vida. Una defensa de la alegría, del corazón y de la dignidad personal frente a todo aquello que intenta arrebatarlas. Al mismo tiempo, supone un paso firme en la consolidación artística de Mara Vélez, que reafirma una voz propia, honesta y profundamente arraigada en la emoción y la identidad.

“Por naita’ der mundo” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de ATK Epop y Mara Vélez, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Si Penélope Robin encarna el nuevo pop que mira al futuro, Selena Leo es historia viva del pop comercial en España, una figura clave de los años 2000 que en este 2026 protagoniza uno de los regresos más intensos, mediáticos y comentados del panorama musical. Su nombre vuelve a ocupar titulares no solo por nostalgia, sino por un presente marcado por la polémica, la exposición emocional y una necesidad clara de cerrar heridas a través de la música.

Nacida en Castellón, Selena Leo es una artista multidisciplinar que ha desarrollado su carrera como cantante, bailarina y coreógrafa, y que en los últimos años ha ampliado su perfil formándose como coach vibracional y médium, integrando una visión más espiritual y emocional a su discurso artístico. Sin embargo, para el gran público, su nombre quedó grabado en la memoria colectiva a principios de los 2000 gracias a un fenómeno televisivo y musical imposible de ignorar.

En 2001, junto a Sonia Madoc, formó el dúo Sonia y Selena, responsables de uno de los mayores éxitos veraniegos de la historia del pop español. “Yo quiero bailar” no solo dominó listas y pistas de baile, sino que superó el millón y medio de copias vendidas, convirtiendo al dúo en un icono generacional. Tras la primera separación en 2002, Selena continuó su camino en solitario con temas como “Baila mi son” y consolidó su presencia mediática poniendo voz a las sintonías de las primeras ediciones de Gran Hermano, reforzando su popularidad en una etapa dorada de la televisión musical.

El pasado reciente, sin embargo, ha sido igual de intenso que su época de mayor éxito. En 2025, Sonia y Selena anunciaron su regreso para participar en el Benidorm Fest con la canción “Reinas”. Aunque partían como favoritas del público, no lograron la victoria y, poco después, la relación entre ambas se rompió de manera definitiva y especialmente amarga. Lo que comenzó como un reencuentro cargado de expectativas terminó convirtiéndose en un conflicto público que ahora encuentra su eco musical.

En febrero de 2026, Selena Leo lanza “Adiós”, un single que va mucho más allá de una simple canción. Se trata de su respuesta directa, pública y musical a la ruptura con su excompañera. Publicado apenas unos días atrás, y coincidiendo con la participación de Sonia en un reality show, el tema ha sido descrito por muchos como el “Shakirazo” español, por su tono frontal y su carga emocional sin filtros.

La letra no esquiva el conflicto y apunta directamente a la falta de empatía y a una ruptura gestionada desde el silencio. Frases como “Me he quedado sorprendida de tu falta de empatía, de tus brotes de malicia sin sentido ni razón” han generado un fuerte impacto entre oyentes y medios. Selena ha explicado que la canción está dedicada a todas las personas que han sufrido ghosting, asegurando que ella misma se enteró de la disolución definitiva del dúo a través de la prensa y un burofax, una experiencia que marcó profundamente este nuevo capítulo de su vida.

Lejos de quedarse en el reproche, Selena Leo defiende “Adiós” como una herramienta de sanación, tanto personal como colectiva. Para ella, el tema simboliza el cierre definitivo de una etapa que ya no tiene vuelta atrás. Su mensaje ha sido claro y contundente: no habrá más reencuentros, y el capítulo de Sonia y Selena queda clausurado para siempre.

Con este lanzamiento, Selena Leo no solo reactiva su carrera musical, sino que redefine su narrativa pública, convirtiendo la experiencia del conflicto y la decepción en una declaración de independencia emocional. Su renacimiento en 2026 no se apoya en la nostalgia, sino en la voluntad de contar su versión, tomar el control de su historia y avanzar sin mirar atrás.

“Adiós” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Selena Leo, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, apariciones mediáticas o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Medias Pintas continúa dando forma a su próximo EP Dos Tazas con el lanzamiento de “Gato Negro”, segundo adelanto de un trabajo que verá la luz a lo largo de este año. Tras la presentación de “Bonita Casualidad”, la banda madrileña reafirma su identidad sonora y emocional, construyendo un universo donde la intensidad convive con el detalle, y donde cada canción funciona como una pequeña historia que se despliega poco a poco.

“Gato Negro” se plantea como un recorrido en constante evolución. La canción arranca desde un espacio íntimo y contenido, sostenido por sintetizadores que envuelven al oyente en una atmósfera casi hipnótica, cargada de misterio y expectación. En ese inicio, el silencio y el pulso emocional tienen tanto peso como las notas, preparando el terreno para un crecimiento progresivo que se va revelando con naturalidad.

A medida que avanza el tema, las armonías se abren, las capas se superponen y la tensión va en aumento hasta desembocar en una explosión de banda completa. Guitarras, bajo y batería entran en escena con fuerza, empujando juntas hacia un punto de máxima intensidad que libera toda la energía acumulada. Este desarrollo musical no es casual, sino que acompaña y refuerza el mensaje central de la canción.

En lo lírico, “Gato Negro” habla de la aparición de alguien que lo cambia todo. Una figura que actúa como punto de inflexión, como faro en mitad del ruido, como refugio silencioso capaz de marcar un antes y un después. Es el retrato de esas presencias que, sin necesidad de grandes gestos, se quedan grabadas en los rincones más profundos y secretos, convirtiéndose en salvación, recuerdo y libertad al mismo tiempo.

Sonoramente, Medias Pintas se mueve dentro de los márgenes del indie rock, pero sin renunciar a enriquecer su propuesta con texturas electrónicas y juegos de armonías que amplían el paisaje emocional del tema. La banda demuestra una vez más su capacidad para equilibrar contención y explosión, dejando respirar a la canción cuando lo necesita y rompiendo cuando el mensaje lo exige.

La mezcla vuelve a estar en manos de Santi Capote, desde The Punch Mastering & Mix, quien ha sabido reforzar el peso de los graves y dotar a “Gato Negro” de una base más profunda y envolvente, sin sacrificar claridad ni pegada. El resultado es un sonido sólido y expansivo que acompaña el crecimiento natural del tema y potencia su impacto final.

Con este nuevo adelanto, Medias Pintas sigue desvelando las piezas de Dos Tazas, un EP que promete consolidar su propuesta y confirmar su sensibilidad para convertir emociones complejas en canciones directas, intensas y memorables.

“Gato Negro” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Medias Pintas, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlos muy de cerca a través de sus redes sociales.

Blockparty ya tiene nombres para su edición de 2026 y vuelve a hacerlo fiel a una filosofía que lo ha convertido en una rara avis dentro del calendario musical madrileño. El festival regresará el próximo 6 de junio de 2026 a la Explanada Negra Multiusos de Madrid Río, manteniendo su formato diurno, al aire libre y de un solo escenario, una apuesta poco habitual que, con el paso de los años, se ha consolidado como una de sus mayores señas de identidad.

El cartel de este año reúne a cinco bandas con una marcada presencia internacional y una manera directa y honesta de entender el directo. Punk, rock y garage se dan la mano en una programación que rehúye artificios y pone el foco en la urgencia, la identidad y la conexión real con el público. Blockparty vuelve a demostrar que no necesita competir por el mayor nombre ni por el presupuesto más alto, sino por una experiencia musical coherente y cuidada de principio a fin.

En un contexto donde muchos festivales apuestan por la acumulación y los solapes, Blockparty mantiene su fórmula sencilla y eficaz: una jornada completa, un único escenario y bandas que entienden el escenario como un espacio de intercambio y energía compartida. En 2026, esa idea se traduce en un cartel que combina algunas de las propuestas más interesantes del punk y el garage internacional con nombres sólidos del rock estatal, reforzando su compromiso con la música en directo como eje absoluto.

Uno de los grandes reclamos de esta edición será Die Spitz, cuarteto de Austin, Texas, que se ha convertido en una de las apuestas más potentes del año. En muy poco tiempo, la banda ha logrado construir un lenguaje propio, visceral y contundente, donde el punk convive con la agresividad del metal alternativo. Su primer álbum, Something to Consume, publicado en 2025 a través de Third Man Records, ha sido ampliamente destacado por la crítica gracias a su combinación de fuerza, melodía y letras con carga política y emocional. Su paso por España promete ser uno de los más comentados de la temporada, especialmente por un directo impredecible y exigente que no deja indiferente.

Mujeres llegan a Blockparty en un momento especialmente dulce de su trayectoria. La banda barcelonesa publicará nuevo disco en los próximos meses y lo hará, una vez más, con canciones que funcionan como un auténtico termómetro generacional. Guitarras claras, letras dichas casi en voz baja y una habilidad única para transformar la duda cotidiana en celebración compartida definen una propuesta que encaja a la perfección con el espíritu del festival. En los últimos tiempos, preguntas como “¿Estamos bien?” han atravesado su imaginario, no como gesto grandilocuente, sino como una forma honesta de mirar alrededor y seguir adelante junto a su público.

Desde Estados Unidos también llegarán Uni Boys, una de las propuestas internacionales con mayor peso en esta edición. Su repertorio se mueve con soltura entre la energía punk y la melodía pop, siempre desde una lógica de canciones directas, eficaces y sin adornos innecesarios. Su directo conecta especialmente bien con el formato Blockparty, donde la inmediatez y la claridad de ideas se convierten en virtud.

A ellos se suman Fast Kids, proyecto liderado por Mike Brandon, nombre bien conocido dentro del universo Blockparty por su trayectoria al frente de The Mystery Lights, junto a Noah Kohll, miembro de Color Green. En esta nueva aventura, ambos se mueven en un terreno más melódico, con un claro espíritu power pop, pero sin perder tensión ni urgencia. Lejos de ser una desviación, Fast Kids se presenta como una evolución natural de músicos que entienden perfectamente cómo construir un concierto sólido y efectivo.

Completa el cartel Sandré, una banda que ha ido ganando presencia dentro de la escena estatal gracias a un directo conciso y contundente. Su propuesta se apoya en el punk más esencial, con canciones breves, letras directas y una forma de pisar el escenario que no necesita demasiadas explicaciones. Sandré aportan ese punto de fricción necesario para arrancar la jornada con intensidad real y marcar el tono que atravesará todo el día.

Entre concierto y concierto, el ambiente seguirá vivo gracias a las sesiones de DJ de Head & Banger y Blanca db, que se encargarán de mantener el pulso alto con selecciones pensadas para no romper el espíritu del festival y asegurar que la energía no decaiga en ningún momento.

Blockparty 2026 mantiene intactas otras de sus señas de identidad: formato diurno sin solapes, zonas de descanso repartidas por la explanada y un mercadillo con proyectos y tiendas independientes. Ya están confirmados nombres como Globo Records, Metallic’ko, Pam Crearte, Gabba Gabba Shop, Club del Disco Hortaleza y Club del Disco de Vallekas, reforzando ese vínculo con la cultura musical y creativa local. A ello se suma la entrada gratuita para menores de 16 años y una política tan poco convencional como celebrada por su público: poder traer comida de casa sin restricciones.

Tras el anuncio del cartel, los abonos pasan a costar 45 euros, gastos de gestión incluidos, y ya están disponibles a través de Ingresse.com. Un precio que vuelve a reflejar la voluntad del festival de mantener la accesibilidad sin renunciar a una programación potente y coherente.

Blockparty 2026 no promete grandes artificios ni discursos grandilocuentes. Promete música en directo, sin interferencias, en un entorno abierto y compartido. Y en 2026, para muchos, eso sigue siendo más que suficiente.

Después del impacto conseguido con “Dins del cotxe” y “Vina’m a buscar”, canciones que siguen sonando con fuerza en algunas de las radios más queridas de Catalunya, Laura West regresa con un nuevo lanzamiento que refuerza su identidad artística y abre un nuevo capítulo en su evolución musical. El próximo 6 de febrero verá la luz “LOKA”, su nuevo single en catalán, publicado con el apoyo de Música Global y distribuido por Virgin Music.

“LOKA” es una canción que parte de una historia muy concreta y fácilmente reconocible: ese momento tan intenso como frustrante en el que alguien te gusta de verdad y descubres que ya está en una relación. A partir de esa emoción, Laura construye un tema directo, enérgico y profundamente bailable, que conecta desde la primera escucha gracias a su honestidad y su fuerza rítmica.

En lo musical, el single se mueve en un terreno híbrido donde el pop se mezcla con la bachata y el funk. La producción corre a cargo de Franklin Dam, quien logra fusionar la calidez característica de la bachata con la energía del funk brasileño, incorporando además sutiles pinceladas electrónicas que aportan modernidad y dinamismo al conjunto. El resultado es un sonido fresco, actual y pensado para el directo, que invita al movimiento sin perder profundidad emocional.

Con este lanzamiento, Laura West, también conocida como Westie, inicia una nueva etapa sonora mientras continúa trabajando en su segundo álbum, “Sagrada”. Este nuevo proyecto promete mostrar una evolución clara en su propuesta artística, apostando por una sonoridad más contemporánea sin renunciar a la experimentación que siempre ha caracterizado su música.

Nacida en Girona, Laura West es cantante, compositora, productora musical, DJ y ghostwriter, y su carrera se ha desarrollado dentro del ámbito del pop con una clara vocación experimental. A lo largo de los últimos años ha sabido construir un universo propio, tanto en estudio como sobre el escenario, donde ofrece un espectáculo potente y cuidado, acompañada de sus bailarinas, las Westies. Con ellas ha girado por distintas ciudades de España y ha participado en festivales destacados como el Negrita Music Festival o el Festival Holika.

Su trayectoria también incluye hitos importantes como haber sido telonera de artistas de referencia en la escena urbana como Bad Gyal, RVFV, RELS B o Yung Beef. Además, ha recibido el reconocimiento de la industria musical catalana con nominaciones a los Premis Can 40 como artista revelación de música urbana y a los Premis Enderrock por su EP “Qui soc quan ningú em mira”, así como su participación en el disco de La Marató en el año 2023.

“LOKA” se presenta así como una declaración de intenciones dentro de esta nueva fase creativa, reafirmando a Laura West como una de las voces más inquietas y versátiles del pop actual en catalán. “LOKA” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Laura West, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

La cantante barcelonesa Paula Relan estrena “Give Me A Reason”, su nuevo y esperado single, ya disponible en todas las plataformas de streaming. Se trata de una canción directa, intensa y cargada de energía que aborda el empoderamiento personal, el desamor y la necesidad de romper con dinámicas tóxicas para avanzar con fuerza y determinación.

Originaria de las vibrantes calles de Barcelona, Paula Relan se ha consolidado en poco tiempo como una de las voces más reconocibles dentro de la escena electrónica y pop gracias a una propuesta que combina ritmos contagiosos, emoción auténtica y una presencia escénica magnética. Tras temas como “Why (Just Tell Me Why)”, “Dancing With The Aliens”, “You And Me” y su reciente álbum Supernova, “Give Me A Reason” llega como su declaración artística más audaz hasta la fecha: un auténtico bombazo pop diseñado para las pistas de baile y para acompañar procesos de liberación personal.

El tema ha sido compuesto por Strangers Anonymous, el dúo germano-español de synthpop que ha trabajado estrechamente en el desarrollo sonoro de Paula, con Jan Lenard como colaborador clave en su universo musical. La producción vuelve a estar en manos de FMD, el trío productor habitual que ha dado forma al característico sonido high-energy que define los últimos lanzamientos de la artista, combinando pulido electrónico, fuerza melódica y un enfoque claramente internacional.

A nivel lírico, “Give Me A Reason” destaca por su honestidad sin filtros. La canción captura ese instante decisivo en el que todo se vuelve claro dentro de una relación que se apaga: el momento en el que se deja de esperar, se rompe el silencio y se elige a una misma. Con coros elevados, sintetizadores potentes y un drop masivo en el hook final, el tema está pensado para cantarlo a pleno pulmón en el coche, bailarlo en la pista o convertirlo en banda sonora de ese paso del desamor al glow up personal.

“Give Me A Reason es para cualquiera que haya esperado demasiado tiempo a que alguien demuestre que merece la pena”, explica Paula Relan. “Es enfadada, es liberadora, es empoderadora… y es el tipo de canción que te hace subir el volumen y dejar el pasado atrás”. Esa actitud se refleja tanto en la energía del tema como en su mensaje, que conecta de forma directa con oyentes que buscan canciones que acompañen procesos de cierre y renacimiento emocional.

Con este lanzamiento, Paula Relan reafirma su lugar dentro del pop electrónico contemporáneo y demuestra una vez más su capacidad para transformar experiencias personales en himnos universales, pensados tanto para la pista de baile como para la catarsis individual.

“Give Me A Reason” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Paula Relan, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Laura West se convierte en la nueva artista de portada de elfiesta.es en un punto clave de su carrera, consolidando su proyección dentro del panorama pop actual en catalán y reafirmando una identidad artística cada vez más sólida, fresca y personal. La cantante, compositora, productora musical, DJ y ghostwriter nacida en Girona vive un momento especialmente significativo tras el recorrido de sus últimos éxitos “Dins del cotxe” y “Vina’m a buscar”, canciones que continúan sonando con fuerza en algunas de las emisoras de radio más queridas de Catalunya.

Esta presencia destacada en la portada de elfiesta.es llega coincidiendo con el lanzamiento de su nuevo single “LOKA”, que verá la luz el próximo 6 de febrero con el apoyo de Música Global y la distribución de Virgin Music. El tema supone una nueva declaración de intenciones dentro de su universo sonoro y marca el inicio de una etapa más actual y atrevida, tanto a nivel musical como estético.

“LOKA” narra una historia muy concreta y universal al mismo tiempo: ese instante tan intenso como frustrante en el que descubres que la persona que te gusta ya está en una relación. Laura West transforma esa emoción en una canción directa, enérgica y profundamente bailable, conectando con el oyente desde la honestidad y la inmediatez. Musicalmente, el single se mueve entre el pop, la bachata y el funk, con una producción firmada por Franklin Dam que fusiona la calidez de la bachata con la energía del funk brasileño y sutiles pinceladas electrónicas que aportan frescura y dinamismo.

La elección de Laura West como artista de portada de elfiesta.es pone en valor una trayectoria marcada por la versatilidad y la constante búsqueda creativa. Su proyecto se enmarca dentro del pop, pero siempre desde una mirada experimental que la ha llevado a construir un sonido propio, reconocible y en evolución permanente. Esta inquietud artística es precisamente uno de los pilares sobre los que se sostiene su próximo trabajo discográfico, “Sagrada”, su segundo álbum, actualmente en fase de creación.

“Sagrada” promete mostrar una evolución significativa en su sonido, mezclando el catalán con melodías y elementos del flamenco experimental, ampliando aún más los límites de su propuesta. En directo, Laura West ofrece un espectáculo potente y cuidado, acompañada de sus bailarinas, las Westies, con quienes ha girado por distintas ciudades de España y ha participado en festivales destacados como el Negrita Music Festival o el Festival Holika.

A lo largo de su carrera, Laura también ha tenido la oportunidad de ser telonera de artistas de gran peso dentro de la escena urbana y pop, como Bad Gyal, RVFV, RELS B o Yung Beef. Su trabajo ha sido reconocido con nominaciones a premios relevantes en Cataluña, como los Premis Can 40 en la categoría de artista revelación de música urbana y los Premis Enderrock por su EP “Qui soc quan ningú em mira”. Además, en 2023 participó en el disco solidario de La Marató, reforzando su compromiso artístico y social.

La presencia de Laura West en la portada de elfiesta.es no solo celebra el lanzamiento de “LOKA”, sino que confirma el momento de crecimiento y consolidación que atraviesa la artista, posicionándola como una de las voces más interesantes y en expansión del pop actual en catalán. “LOKA” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas.

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Con el corazón en la mano y una emoción que se siente al escucharlo, la cantante Ámbar García presenta oficialmente “¿Qué me hiciste tú?”, su nuevo sencillo que nace desde lo más profundo y está cargado de sentimientos, recuerdos y emociones que muchos han vivido alguna vez. El tema, estrenado el 28 de enero de 2026, marca el kilómetro cero de su carrera profesional y representa el inicio de una nueva etapa artística para esta prometedora voz del vallenato.

Aunque de origen valenciano, Ámbar ha desarrollado gran parte de su carrera desde Maracaibo, Venezuela, ciudad que se ha convertido en la base de su crecimiento musical. “¿Qué me hiciste tú?” es una bachata romántica y emocional, destinada especialmente a quienes aman intensamente, extrañan y encuentran en la música una forma de sanar. La artista ha declarado que la canción fue grabada pensando en cada persona que siente con intensidad y ve en la música un refugio para el alma, una invitación a sentir y compartir esas emociones universales que solo un buen vallenato puede transmitir.

Este lanzamiento cobra aún mayor relevancia porque contó con el apoyo y la producción del reconocido cantautor Felipe Peláez, ganador del Grammy Latino y figura emblemática del vallenato. Peláez no solo produjo el tema, sino que también fue quien escribió la canción y decidió cederla a Ámbar tras conocerla en un encuentro fortuito en Maracaibo, confiando en su capacidad interpretativa y sensibilidad artística.

La producción de “¿Qué me hiciste tú?” se realizó en estudios de alta calidad, y la canción fue grabada con el objetivo de transmitir ese dolor, añoranza y fuerza emocional que surge después de una ruptura o una decepción amorosa. El sencillo viene acompañado de un videoclip oficial que ya está disponible en plataformas como YouTube, y que ha sido bien recibido por el público, mostrando imágenes que refuerzan el sentimiento visceral de la letra y la interpretación de Ámbar.

Aunque este es su primer sencillo inédito como solista, Ámbar no es una recién llegada al mundo de la música: detrás de este debut hay años de disciplina, formación musical y experiencia sobre los escenarios. Su estilo se enfoca en el vallenato romántico, con una propuesta fresca que busca posicionarse tanto en el mercado regional como nacional. Con este primer lanzamiento oficial, la artista da un paso firme para consolidar su presencia dentro del género y conectar con una audiencia que valora las historias de amor, pasión y reflexión que caracterizan al vallenato.

En declaraciones recientes, Ámbar ha expresado su agradecimiento por el apoyo recibido y ha anunciado que “¿Qué me hiciste tú?” es solo el comienzo de su proyecto musical. Entre sus planes futuros mencionó la preparación de nuevas producciones y presentaciones en vivo, así como colaboraciones con talentos locales de Maracaibo que enriquecerán su propuesta artística.

“¿Qué me hiciste tú?” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Ámbar García, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Dennis Fernando comienza el 2026 con paso firme y una carga emocional profunda. El artista colombiano, natural de Villavicencio y conocido como el “llanero que conquistó Times Square”, acaba de lanzar su nuevo single “ÁNGEL”, estrenado el pasado 30 de enero, una canción que no solo abre su año musical, sino que también define el tono de la etapa artística que está atravesando.

“ÁNGEL” es una pieza construida desde la gratitud y la redención. Lejos de ser un lanzamiento más dentro de su catálogo, el tema se presenta como una confesión sincera dedicada a esa persona que aparece en los momentos más oscuros para cambiar el rumbo de una vida. Dennis transforma esa figura en un símbolo de salvación emocional, de apoyo y de luz, dando forma a una canción que conecta desde la honestidad y el sentimiento, con una narrativa que roza lo cinematográfico.

El single ha sido lanzado bajo el sello Gaira Música Local, la casa discográfica liderada por Carlos Vives, un respaldo que subraya la búsqueda de identidad y calidad sonora en esta nueva etapa del artista. Aunque Dennis Fernando es ampliamente reconocido por su pop urbano y por su incursión en la bachata, en “ÁNGEL” muestra una faceta más madura y reflexiva, donde la música se convierte en vehículo para contar una historia con peso emocional y profundidad narrativa.

Dennis Fernando es un artista polifacético: cantante, compositor y productor, cuya voz se hizo masivamente conocida gracias a la televisión. Su nombre está estrechamente ligado al éxito internacional de la serie “Sin senos sí hay paraíso”, para la que interpretó canciones que se convirtieron en hits globales como “Chica Mala” y “Estar Contigo”. Ese vínculo con las bandas sonoras le valió el reconocimiento del público y de la industria, consolidándolo como uno de los artistas más versátiles de su generación.

Entre sus logros más destacados se encuentra el haber sido el primer artista llanero en aparecer en las pantallas de Times Square en Nueva York, además de haber recibido premios como el TVyNovelas. A lo largo de su carrera, Dennis ha transitado con naturalidad por géneros como el rock, el pop y el reggaetón, sumando recientemente la bachata a su repertorio. Él mismo se define como un “rockstar” por su actitud sobre el escenario, aunque sus letras revelan un costado profundamente romántico y sensible.

En estas primeras semanas de 2026, Dennis Fernando también ha demostrado estar atento a las nuevas dinámicas digitales. Además del lanzamiento de “ÁNGEL”, ha estado publicando versiones Speed Up de algunos de sus temas más conocidos, como “Loca”, buscando conectar con las tendencias actuales de redes sociales y acercarse a nuevas audiencias sin perder su esencia artística.

Con “ÁNGEL”, Dennis Fernando no solo inicia un nuevo año, sino que reafirma su capacidad para reinventarse, emocionar y contar historias que conectan desde lo humano. Un lanzamiento que deja claro que su recorrido musical sigue evolucionando, con identidad propia y una sensibilidad cada vez más marcada.

“ÁNGEL” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Dennis Fernando, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.

The Roulettes emergen desde El Paso, Texas, como una de las propuestas más sólidas y explosivas de la nueva ola de rock latino en Estados Unidos. Formada por Juan Flores (voz y guitarra), José “Junior Sabbath” Ibave (guitarra líder), Luis Marquez (bajo) y Sergio “Sheko” Becerra (batería), la banda nació hace ocho años, primero tocando covers en la escena local hasta que encontró su verdadera identidad: crear música propia con la misma potencia emocional que los vio nacer como fans del género.

Su sonido —diverso, dinámico y nostálgico— es el resultado de años de escenario, raíces mexicanas profundas y una madurez creativa que los impulsó a escribir un debut que ya está resonando más allá de su ciudad natal. “Un día, nuestro guitarrista (Junior) nos enseñó una melodía de guitarra en la que había estado trabajando. Todos coincidimos en que era especial y transmitía nuestra energía. Con el tiempo, esa melodía se convirtió en nuestro primer sencillo, ‘Scavenger’”, recuerda Juan Flores.

Las canciones de la banda surgen de una mezcla entre vivencias personales y el deseo de contar historias o compartir un mensaje, siempre con la intención de mantener un significado ambiguo: directo, pero abierto a la interpretación y sin dirigirse a alguien en específico. En el proceso creativo, cada integrante aporta algo distinto; sin embargo, la composición principal de letras y voces recae en el vocalista, mientras que él y Junior desarrollan la parte melódica y las guitarras. Aunque cada miembro tiene gustos musicales muy diferentes, logran que todo encaje al momento de componer, apoyándose en influencias compartidas que van desde Black Sabbath y Audioslave hasta Queens of the Stone Age, Metallica, Nirvana y Royal Blood.

La banda dio un giro inesperado el sencillo “Take (A Little More)” tras colaborar con el productor ganador del Grammy, Roger Argenis, quien les propuso aventurarse en un territorio distinto al de sus grabaciones previas: crear una balada. El proceso tomó casi un año y marcó un momento clave para The Roulettes. Su vocalista explica que el tema aborda la importancia de permitirse cuidado, atención y amor propio cuando una situación te desconecta de lo que eres en esencia; no como acto egoísta, sino como un regreso a uno mismo. Aunque su discografía suele estar compuesta y producida colectivamente por los cuatro integrantes, este sencillo destaca por seguir una línea creativa guiada por Argenis, que les ayudó a descubrir nuevos caminos para su música.

Es importante señalar que la esencia de The Roulettes se sostiene en la energía que proyectan en vivo, un sello que se ha convertido en parte fundamental de su identidad. La banda explica que, para ellos, el show es un intercambio real: “Siempre buscamos que el público sienta que no solo está escuchando rock, sino que se divierte con nuestra energía en el escenario. Los saludamos, les agradecemos con humildad e incluso contamos algunos chistes para mostrar nuestro lado más desenfadado”.

Esa cercanía con la audiencia también impulsa su deseo de que la música viaje más allá de El Paso. Con raíces mexicanas compartidas, los cuatro integrantes coinciden en que es especial ver cómo su propuesta empieza a resonar en otros lugares: “Es una gran satisfacción saber que nuestra música está teniendo repercusión… esperamos que trascienda fronteras y que personas de todo el mundo apoyen nuestro proyecto”.

Para ellos, el camino es claro: la música existe para la gente que los ha apoyado desde el inicio. Y, aun con los retos que implica abrirse paso en la escena —con artistas que cada día comparten su música y géneros emergentes que se apoderan de las listas—, son conscientes de que está llena de obstáculos incluso para algunos de sus seguidores, quienes desde diferentes ámbitos buscan abrirse paso. Para ellos tienen un consejo: “Nunca dejes de intentar alcanzar tu meta… que el fracaso sea una lección, no un obstáculo”.

Para The Roulettes, este momento marca apenas el comienzo de lo que quieren construir como banda de música original. Aunque han consolidado una base sólida en El Paso, su mirada está puesta mucho más lejos. “Somos ambiciosos y deseamos girar por todo el mundo y en cualquier momento”, comparten. Mientras tanto, se encuentran afinando los detalles del nuevo material que formará parte de su próximo álbum y fortaleciendo la conexión con sus fans mediante contenido constante en redes.

Ese impulso que los lleva a explorar nuevos caminos y conquistar otros terrenos también se refleja en la forma en que entienden su debut: “Este disco es la puerta de entrada al resto de nuestras vidas. No sabemos qué nos depara el futuro, pero sabemos que ya no está cerrada con llave y la cruzamos con confianza y grandes esperanzas”.

La cantante y compositora venezolana confirma su regreso a España con una significativa parada en el marco de su gira "Alma Tour" por el país. La fecha seleccionada por la artista ha sido el 7 de abril de 2026, con la sala La Riviera como punto de encuentro; un show especial que marca el inicio de una nueva etapa para Elena Rose donde prima la conexión con el público español.

El anuncio llega tras un 2025 decisivo, con una gira por Europa y Estados Unidos que colgó múltiples carteles de "entradas agotadas" y consolidó su crecimiento como una de las voces más relevantes del pop latino actual. Madrid es la primera fecha de "Alma Tour", una ambiciosa gira donde Rose firmará su puesta en escena más íntima y emocional hasta la fecha.

Esta gira acompaña la presentación en directo de su álbum debut "Bendito Verano", lanzado en 2025 y ampliamente reconocido a nivel internacional. El proyecto fue destacado en listas de 'Mejores Álbumes del Año' por la revista Rolling Stone en Estados Unidos y España, Billboard o Hypebeast Latam, superando las 100 millones de reproducciones globales.

Paralelamente, Elena Rose atraviesa uno de los momentos más sólidos de su carrera como compositora e intérprete. Recientemente fue nominada al 'Premio Lo Nuestro' en seis categorías, sumando además cuatro nominaciones en la última edición de los Latin GRAMMY® incluyendo 'Canción del Año' por "Palmeras en el jardín", compuesta junto a Alejandro Sanz. Un reconocimiento que refuerza su peso creativo y su influencia dentro del pop latino contemporáneo.

Con una trayectoria que incluye composiciones para artistas como Becky G, Rauw Alejandro, Karol G, Shakira o Sebastián Yatra, Elena Rose ha construido una identidad propia como solista. Su propuesta ha conectado con una nueva generación de oyentes, consolidando su lugar dentro del pop latino actual.

La artista española Clauw continúa dando forma a su universo sonoro con el lanzamiento de su nuevo single “MOOD”, una propuesta urbana que se mueve con naturalidad entre el afrohouse y una vibra sensual y melancólica. La canción se construye desde una atmósfera envolvente que invita tanto al baile como a la introspección, y pone el foco en una conexión intensa, marcada por el deseo y por recuerdos que siguen latiendo en el presente. A través de sus lyrics, Clauw retrata una relación adictiva, de esas que dejan huella y que, incluso después de terminar, siguen definiendo el estado emocional desde el que se mira y se siente el mundo.

En “MOOD”, la artista juega con el contraste entre lo físico y lo emocional, entre la atracción corporal y la carga sentimental que permanece cuando el vínculo ya no existe como antes. Esa dualidad se refleja tanto en la letra como en el sonido, donde los ritmos afrohouse aportan una cadencia hipnótica mientras la interpretación vocal mantiene un tono íntimo y sugerente. El resultado es un tema que conecta con quienes han vivido relaciones difíciles de olvidar y que encuentran en la música un espacio para revivir, entender o simplemente aceptar esas emociones.

Clauw, nacida en Barcelona en 2001, es cantante y compositora y forma parte de una nueva generación de artistas que exploran el género urbano sin miedo a mezclar influencias. En 2023 se trasladó a Madrid para trabajar de manera más cercana en su proyecto junto a su productor Dímelo Milo, una decisión clave para el desarrollo de su sonido y su identidad artística. Sus referentes la llevan a moverse entre el reggaeton y el afrobeat, aunque su propuesta no se encasilla y sigue evolucionando dentro del amplio espectro urbano.

En 2024 lanzó su primer EP, “HATARI”, un trabajo que tuvo un gran recibimiento y que confirmó el potencial de Clauw como una voz a tener muy en cuenta. Desde entonces, la artista se encuentra totalmente enfocada en su proyecto, construyendo una narrativa propia donde la emoción, la sensualidad y la honestidad juegan un papel central. Con “MOOD”, Clauw reafirma esa línea artística y da un nuevo paso en una trayectoria que sigue creciendo con personalidad y coherencia.

“MOOD” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Clauw, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Nicky Jam, una de las figuras más influyentes y respetadas de la música urbana a nivel global, inicia el 2026 con un proyecto que marca un punto de inflexión en su trayectoria. El artista presenta “Olvídala”, el focus track de su nuevo álbum “Bohemio”, publicado oficialmente el 30 de enero, una obra que se aleja del brillo superficial de la fama para sumergirse en un territorio mucho más íntimo, humano y vulnerable.

“Bohemio” nace desde la honestidad emocional y funciona como un reflejo de cómo Nicky Jam asegura haberse sentido a lo largo de toda su vida. En este disco, el artista revisita sus raíces mientras se permite explorar nuevos sonidos, combinando el reggaetón que lo llevó a la cima con ritmos más orgánicos y tradicionales. El resultado es un trabajo versátil, maduro y coherente, que reafirma su capacidad para reinventarse sin perder la esencia que lo convirtió en leyenda.

Dentro de este universo, “Olvídala” destaca por su propuesta sonora y su fuerte carga sentimental. Lejos de los códigos puramente urbanos, la canción se construye sobre una cumbia nostálgica que remite a la melancolía latinoamericana, demostrando una vez más la amplitud artística de Nicky Jam. Esta elección no es casual: el ritmo acompaña y potencia una letra que se sumerge en el conflicto emocional posterior a una ruptura.

La canción narra la lucha interna entre la razón y el corazón. Por un lado, esa voz interna que insiste en que ella ya tiene a otra persona y que lo correcto es olvidarla; por otro, la soledad, el alcohol y el impulso inevitable de volver a llamar. El estribillo resume esa derrota emocional con una crudeza directa: “Algo me dice: Olvídala / Que ya tiene otro, y aunque duela, nunca volverá”. No hay épica ni victoria, solo aceptación dolorosa y una sinceridad que conecta de inmediato con quien ha vivido una historia similar.

La producción de “Olvídala” se presenta como una pieza íntima, donde la interpretación vocal de Nicky Jam cobra un papel central. Su voz transmite arrepentimiento, celos y vulnerabilidad, alejándose del personaje invencible para mostrar a un narrador herido, consciente de sus errores y de su incapacidad para soltar. Esa cercanía emocional es uno de los grandes aciertos del tema y una de las claves de su impacto.

Con este lanzamiento, Nicky Jam no solo presenta una nueva canción, sino que consolida su faceta como contador de historias dentro del género urbano. “Olvídala” y el álbum “Bohemio” confirman a un artista que, tras años de éxitos, caídas y resurrecciones, sigue encontrando nuevas formas de decir lo que siente, conectando con el público desde la verdad emocional y no desde la fórmula.

“Olvídala” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Nicky Jam, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips, colaboraciones o proyectos creativos, no dudes en seguirlo muy de cerca a través de sus redes sociales.