En un panorama musical a menudo dominado por la producción masiva y el auto-tune, surge una voz que apuesta por la desnudez emocional y la pureza acústica. Gerardo Flores, un talentoso cantautor cuya única herramienta es la verdad, presenta su nuevo sencillo, “Duele”, una conmovedora balada que narra las cicatrices de un amor imposible.

Flores no es un artista convencional. Trabajando desde la intimidad de su hogar, sin estudios profesionales ni grandes presupuestos, ha decidido que su música hable por sí misma. Su filosofía es clara: “Mi estilo musical es hecho en casa: solo mi guitarra y mi voz, lo que me permite transmitir emociones reales sin artificios”. Este enfoque orgánico no es una limitación, sino su mayor fortaleza, permitiéndole conectar de manera directa y visceral con el oyente.

“Duele” no es solo una canción; es una confesión. Nacida de una experiencia personal profundamente marcadora, la canción explora la dolorosa paradoja de entregarse por completo a una relación a pesar de saber que está destinada al fracaso. “Surge de una experiencia personal marcada por el amor y la imposibilidad”, confiesa Flores. “Yo entregué el corazón por completo, y el proceso de sanar esa herida tomó mucho tiempo”.

El resultado es una pieza musical que es a la vez un grito de dolor y un susurro de nostalgia. La melodía, tejida cuidadosamente con las cuerdas de su guitarra, crea un ambiente íntimo que sirve de marco perfecto para su voz, cargada de una vulnerabilidad casi tangible. “Con ‘Duele’, busco transmitir esa mezcla de dolor, nostalgia y sinceridad que muchos han sentido en alguna etapa de su vida”, añade el artista.

Más allá de la tristeza, “Duele” es un testimonio de la resiliencia del corazón humano y de la belleza que puede encontrarse en la honestidad emocional. Gerardo Flores se erige como un firme defensor de la música con sentimiento, demostrando que el género romántico sigue muy vivo, pero no en las grandes arenas, sino en los rincones honestos donde un artista ofrece su corazón sin filtros.

“Creo firmemente en la dedicación y la constancia como herramientas para alcanzar mis sueños”, afirma con determinación. “Espero poder conectar con las personas que aprecian la música que nace desde el alma”.

“Duele” ya está disponible para que el público la descubra, la sienta y se identifique con ella en todas las plataformas digitales de streaming.

Mau y Ricky presentan hoy “La Llave”, su nuevo EP, a través de Warner Music Latina. Este proyecto funciona como el broche de oro perfecto a la etapa creativa que iniciaron con su aclamado álbum “Hotel Caracas” —nominado a tres Latin GRAMMYs— y, al mismo tiempo, reafirma el profundo vínculo con Venezuela, la nación a la que regresaron tras 20 años con el corazón renovado.

Si “Hotel Caracas” marcó un antes y un después como un regreso a sus raíces y un renacer tanto musical como espiritual, “La Llave” cierra ese ciclo en lo sonoro. Sin embargo, la conexión del dúo con su tierra, su gente y su cultura se mantiene más viva que nunca. Mau y Ricky llevan su bandera con orgullo y prometen seguir representando a Venezuela con pasión y propósito en cada escenario.

El EP, compuesto por ocho canciones, fue revelado gradualmente a través de un ingenioso juego interactivo en su web, sorprendiendo a sus seguidores no solo con colaboraciones previas como Danny Ocean y Yorghaki en “Samaná” o Boza en “Voltaje”, sino también con nuevas y destacadas participaciones. Entre ellas destacan “Claro q no” con ROBI, que aporta un aire fresco y divertido a la propuesta sonora del dúo, y “Agua” con Elena Rose, una unión esperada y natural entre dos artistas venezolanos profundamente conectados con su cultura.

“Este EP es como ese punto final perfecto después de Hotel Caracas”, comentan Mau y Ricky. “No solo cierra un ciclo, sino que lo hace con toda la honestidad y creatividad que queríamos hacer llegar a nuestra gente. Renovamos nuestra conexión con nuestros paisanos Yorghaki, Elena Rose o Danny y nos abrimos de nuevo a trabajar con otros artistas, a diferencia de Hotel Caracas, que fue un álbum más introspectivo y de encuentro con nosotros mismos”.

Además de su propuesta musical, “La Llave” viene acompañado de un universo visual cuidadosamente trabajado bajo la dirección de Stillz y su productora WEOWNTHECITY. El multipremiado director imprime un sello cinematográfico y narrativo que potencia la estética del EP, fusionando modernidad y raíces con imágenes que elevan el concepto artístico del proyecto.

El lanzamiento llega en un momento cumbre para la carrera del dúo. Recientemente, Mau y Ricky han sido nominados en los Premios Juventud 2025 como Grupo o Dúo Favorito del Año, mientras que su álbum ‘Hotel Caracas’ compite en la categoría de Mejor Álbum Pop y ‘Samaná’, con Danny Ocean y Yorghaki, como Mejor Canción Pop. Además, el dúo participará como ponentes en la nueva edición del BIME 2025 como parte de su programación oficial, consolidando aún más su posicionamiento y relevancia en el panorama musical global.

“La Llave” ya está disponible en todas las plataformas digitales.

 Con una fuerza arrolladora y una autenticidad que resuena, Caro Abadía se presenta ante el mundo como el nuevo referente del pop urbano latino. La artista panameña acaba de lanzar su nuevo single, “Un Ratito”, una canción que sirve como una declaración de principios: fresca, empoderadora y diseñada para conectar con las emociones más profundas de su audiencia.

“Un Ratito” es la materialización sonora de la propuesta artística de Abadía. La track fusiona ritmos urbanos contemporáneos con sonidos frescos y melodías irresistibles que invitan a bailar desde el alma. Sin embargo, más allá de su potencial en la pista de baile, la canción se destaca por su mensaje. Con letras que empoderan y abogan por la reconexión con una misma, Caro Abadía utiliza su música como un vehículo para hablar de autoaceptación y recuperar el poder del amor propio, temas que se han convertido en el sello distintivo de su incipiente pero potente carrera.

Originaria de Panamá, Caro Abadía representa esa nueva ola de artistas latinoamericanas que no temen ser vulnerables y fuertes al mismo tiempo. Su música no solo entretiene; inspira y acompaña. “Un Ratito” promete ser ese himno para quienes buscan un momento de claridad, fortaleza y celebración de quiénes son, consolidando a Caro como una voz necesaria y con un futuro extremadamente prometedor en la industria.

“Escúchala y descubre una artista que llegó para quedarse” es la promesa que acompaña su presentación, y “Un Ratito” es la prueba irrefutable de ello. Con este lanzamiento, Caro Abadía no solo busca un lugar en las playlist, sino también en el corazón de quienes encuentran en la música un refugio y una fuente de fuerza.

“Un Ratito” ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para seguir de cerca el ascenso de esta brillante artista y estar al tanto de todos sus futuros proyectos, puedes seguirla en sus redes sociales.

Carín León y Kacey Musgraves se unen para presentar su dueto que trasciende géneros “Lost in Translation”.

La canción narra una historia de deseo y conexión entre dos personas que navegan una barrera idiomática. “Se nos ocurrió esta idea tan linda de dos personas que se conocen y no pueden hablar el mismo idioma, pero el lenguaje del amor y el corporal son universales y realmente sobran las palabras”, dice Musgraves.

Musgraves descubrió por primera vez a León a través de su presentación en NPR Tiny Desk y quedó impresionada de inmediato. Nacida y criada en Texas, siempre ha tenido una profunda curiosidad y respeto por la música y la cultura mexicana. “Al crecer cantando música country y western tradicional”, señala Musgraves, “siempre me ha encantado explorar las fronteras del country y donde se mezcla con otros estilos como el norteño y algunos sonidos de música regional mexicana que escuché mucho en Texas”.

León, ampliamente conocido por fusionar la música regional mexicana tradicional con narrativas modernas, estaba explorando formas de hacer que su sonido resonara con los fans del country estadounidense. Después de escuchar un poco de la música de Musgraves, su habilidad para fluir entre géneros resonó profundamente con él. “Relaciono mi carrera con la suya en la forma en que ella aborda otros géneros”, dice León.

Habiendo admirado el trabajo del otro desde la distancia, los dos se conocieron por primera vez en Nashville. Musgraves llegó acompañada de sus colegas compositores Amy Allen y Shane McAnally, con quien lleva años colaborando. Para calentar motores, León y Musgraves sangaron el famoso dueto de Juan Gabriel y Rocío Dúrcal “Fue un placer conocerte”. “Fue una gran sorpresa para mí que fuera una de mis canciones favoritas... y ella se sabía toda la letra”, dice León. “La aprendí hace años y desde entonces se me ha quedado grabada en la mente”, añade Musgraves. “Me encanta. Es icónica”.

Esa experiencia compartida inspiró la creación de su propio dueto. Producido por Julián Bunetta, “Lost in Translation” presenta una sección de metales potentes y acompañamiento rítmico de la banda de León, combinado con las voces de León y Musgraves que se complementan entre sí. El resultado es una canción nostálgica que fusiona géneros y rinde homenaje a los duetos mexicanos clásicos mientras ofrece algo completamente nuevo.

“Aunque hablemos diferentes idiomas, todos somos iguales, ¿sabes?”, dice Musgraves. León añade: “Me siento muy bendecido de trabajar con Kacey. Van a salir cosas buenas de esto”.

Tras la sensibilidad de “Cómo te va?”, Roi lanza estrena hoy “Dime si vas a venir”, un nuevo capítulo dentro de su universo artístico R01. La canción surge de esa incertidumbre luminosa en la que una amistad empieza a transformarse en algo más, con la duda inevitable de si la otra persona siente lo mismo.

Musicalmente, “Dime si vas a venir”, que puedes ESCUCHAR AQUÍ, combina sintetizadores etéreos con guitarras eléctricas, bajo y batería, creando un groove elegante que acompaña a la vulnerabilidad del mensaje. Su atmósfera es emocional y sincera, con un movimiento sutil que refleja tanto la esperanza como la duda.

“Es una pregunta contenida, sin exigencias ni promesas, solo el deseo sincero de saber si esa conexión va a alguna parte”, explica Roi.

La letra, marcada por versos como “Se me da mal disimular, seguir y hacer como si nada” o “Dime si vas a venir, perdón por no saber si me esperabas”, expone con claridad la tensión de ese punto de no retorno: cuando ya no se trata de ocultar los sentimientos, sino de atreverse a preguntarlos.

“Estoy muy orgulloso de esta canción por cómo muestra la evolución de R01, que sigue marcando una dirección cada vez más honesta, emocional y cuidada”, afirma Roi.

Cada lanzamiento dentro de esta etapa supone una nueva versión de R01, el muñeco-alter ego que encarna los distintos estados emocionales del artista. “Dime si vas a venir” representa un momento de apertura, vulnerabilidad y búsqueda, ampliando el imaginario de este universo en el que cada canción es una edición única con su propia estética y personalidad.

Roi acaba de cerrar con éxito su House Tour, una gira íntima en la que presentó estas nuevas canciones en casas de fans. Tras sus paradas a lo largo de las principales ciudades del país, el formato dejó una huella muy positiva tanto en el público como en los medios, consolidando la cercanía del artista con sus seguidores. La experiencia puso en valor la personalidad y carisma de Roi, que logró generar un ambiente único de conexión emocional y autenticidad en cada encuentro.

Roi es uno de los artistas más versátiles y carismáticos de su generación. Desde su irrupción en 2017, ha construido una carrera sólida que incluye un disco debut (Mi Lógico Desorden, 2019), un Disco de Oro por Por Una Vez Más, dos giras nacionales, y colaboraciones con artistas como Cepeda, Veintiuno, Andrés Suárez o Ainhoa Buitrago.

En 2022, comenzó un proceso de reinvención artística que cristalizó en R01, su nuevo proyecto musical y conceptual, donde fusiona pop contemporáneo con referencias retro y explora nuevas formas de contar emociones. Su tema La Función superó los 2 millones de reproducciones en plataformas y se viralizó en TikTok España.

Con R01, Roi ha creado un universo emocional propio, donde cada canción es también una edición del muñeco-alter ego, reflejo de un estado emocional distinto. Esta nueva etapa culminará en un trabajo discográfico previsto para la primera mitad de 2026, que incluirá los temas previos “Perfecto Desastre” y “Cómo te va?”.

En un lanzamiento que promete ser la banda sonora del verano para los amantes del disco con profundidad, el aclamado compositor y productor alemán Stefan Schulzki acaba de unveilar su nuevo single, “On The Edge Tonight”. La canción es una magistral inmersión en los sonidos nu-disco, una explosión de groove, funk y sintetizadores lush que encapsula perfectamente la dualidad emocional de nuestra era: el deseo de evasión chocando contra un trasfondo de incertidumbre fatalista.

Desde los primeros compases, “On The Edge Tonight” establece su territorio sonoro. Una línea de bajo funk, precisa y contagiosa, se entrelaza con riffs de guitarra que rinden homenaje al legendario Nile Rodgers, creando una base irresistible para la danza. Sobre este lecho rítmico, capas de sintetizadores tejen una atmósfera a la vez nostálgica y completamente contemporánea. La pieza está coronada por las potentes y soulíferas voces principales de Caro Stechl, cuya interpretación aporta una carga emocional cruda y auténtica.

Pero lo que eleva el tema a una categoría distinta es el inconfundible toque cinematográfico de Schulzki. En un movimiento audaz, el track incorpora delicadas cuerdas en vivo ejecutadas por miembros de la Orquesta Filarmónica de Augsburgo, añadiendo una dimensión épica y profundamente conmovedora que fusiona el mundo del club nocturno con la grandiosidad de una sala de conciertos.

“On The Edge Tonight” es una canción que baila justo en el abismo, entre la euforia y el colapso. Nace del estado de ánimo colectivo de hoy, una mezcla de despertar y fatalismo. Quería crear algo que fuera tanto una escape como un reflejo de esa tensión”, comenta Schulzki sobre la esencia de su nueva obra.

La producción de alto brillo es el resultado de una meticulosa selección de músicos de estudio y de la visión de Schulzki, quien no solo compuso y arregló el tema, sino que también se encargó de la producción y hasta del arte de portada. El track ha sido mezclado por René Jesser y masterizado por Ludwig Maier, asegurando una calidad sonora impecable.

Este single no es un proyecto aislado, sino la materialización de un deseo largamente acariciado por Schulzki. Tras una juventud alimentada por influencias tan diversas como The Beatles, ABBA, Prince, Beethoven y Chopin, y después de una exitosa carrera dedicada a la composición de bandas sonoras y música experimental, el artista alemán ha decidido volver a sus raíces más pop.

Desde 2021, Schulzki ha estado trabajando en secreto en un proyecto que funde todas sus pasiones: el pop, el R&B, la música clásica y la vibración única de los 70s. “On The Edge Tonight” es el adelanto más claro de este nuevo rumbo, un estilo personal que él denomina como “cinematic pop con influencias R&B” y que culminará con el lanzamiento de un esperado álbum en la primavera de 2026.

“Siempre tuve el deseo secreto de fusionar todas mis tendencias musicales en un estilo personal distintivo, inspirado por la música que amaba de joven. Estas nuevas canciones son la culminación de ese sueño”, confiesa el artista.

“On The Edge Tonight” ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para seguir de cerca el viaje de Stefan Schulzki y estar al tanto de todos sus futuros proyectos, puedes seguirlo en sus redes sociales.

Con una madurez artística que desmiente su edad, Alessiah, la nueva estrella pop rumana de apenas 18 años, está causando revuelo en la industria musical internacional con el lanzamiento de su esperado álbum debut, 'Obscentra', y su single de avanzada, el audaz y contagioso "boy toy". Este proyecto no es solo una colección de canciones; es una declaración de principios: un universo sonoro propio que fusiona electropop, R&B y paisajes cinematográficos para explorar sin tapujos temas de deseo, empoderamiento, corazón roto y transformación.

"boy toy" se erige como el himno perfecto para presentar este nuevo capítulo. La canción es una explosión de beats hipnóticos, melodías adictivas y una lírica afilada que juega con los roles de la tentación y el dominio emocional. Versos como "He said ‘it smells like danger’ and to that I’m no stranger / My bite makes you feel drunk… easy prey then, boy there’s no escapin’" ("Él dijo 'huele a peligro' y para eso no soy una extraña / Mi mordida te hace sentir borracho... presa fácil entonces, chico, no hay escape") muestran a una Alessiah segura, provocativa y empoderada, que toma el control de la narrativa.

Producido junto al aclamado creador de éxitos Vanotek y un colectivo de productores europeos de primer nivel, el tema encapsula a la perfección la evolución artística de la joven. "boy toy" es una pieza de pop arriesgado que posiciona a Alessiah como una voz fearless en el panorama global, desafiando estereotipos y expresando emociones crudas con una potencia sonora innegable.

El single es la puerta de entrada a 'Obscentra', un álbum que la propia artista describe como su universo personal. "Obscentra es mi universo", explica Alessiah. "Trata sobre abrazar las emociones que a menudo ocultamos, rendirse a la pasión y permitirnos ser vulnerables. Cada canción es un fragmento de mi mundo".

A pesar de su juventud, Alessiah no es una recién llegada. Ya había construido una base de fans leales con sencillos anteriores como “made you cry”, “addicted” y “hot like this”, que han acumulado millones de streams en todas las plataformas. Sin embargo, 'Obscentra' marca un punto de inflexión, evolucionando de una prometedora newcomer a uno de los artistas emergentes más emocionantes del Este de Europa. Su estética, sonido y narrativa la distinguen de sus contemporáneos, drawing comparaciones con innovadores del pop internacional mientras mantiene una identidad profundamente personal.

"boy toy" ya está disponible en todas las plataformas digitales, sirviendo como el aperitivo perfecto para el álbum 'Obscentra'. Para seguir la meteórica trayectoria de esta joven sensación y estar al tanto de todos sus futuros proyectos, puedes seguirla en sus redes sociales.

Con la llegada de la estación de las hojas secas y los días cortos, la artista BETS presenta el tema perfecto para la transición: “Autumn Again”. Más que una canción, se trata de una experiencia sensorial que encapsula la melancolía, la introspección y la búsqueda de la paz personal tras el final de una relación. El single, acompañado de un videoclip dirigido por la talentosa Valerie Suter, llega para confirmar el lugar de BETS en el panorama del indie pop con una propuesta auditiva y visualmente cohesiva.

La canción se construye sobre una atmósfera dream-pop etérea, donde capas de sintetizadores y una línea vocal serena pero cargada de emotividad crean un paisaje sonoro tan íntimo como vasto. La letra, minimalista pero profundamente evocadora, repite como un mantra la conclusión de un vínculo: "But I know you're not my friend" ("Pero sé que no eres mi amigo"). Esta frase se convierte en el eje central de una narrativa sobre la aceptación y la necesidad de soledad saludable, expresada en la línea "need solitude from you, feel lavender not blue" ("necesito soledad de ti, me siento lavanda, no azul"), sugiriendo un estado de calma melancólica en lugar de una tristeza profunda.

El puente ofrece un destello de nostalgia y cariño residual, admitiendo "You’re still my favorite sound" ("Sigues siendo mi sonido favorito"), antes de sumergirse de nuevo en el coro que acepta la naturaleza inflexible de los finales: "when the dream ends it ends, the seasons don't bend" ("cuando el sueño termina, termina, las estaciones no se doblan").

La directora Valerie Suter es la encargada de traducir esta potente carga emocional a imágenes. Su visión cinematográfica complementa perfectamente la atmósfera de la canción, creando una narrativa visual que probablemente explore los mismos temas de memoria, pérdida y belleza otoñal con un estilo tan poético como la propia música.

La prensa especializada ya ha elogiado anteriormente el trabajo de BETS; la conocida publicación Noisey llegó a definir su propuesta con la contundente frase: "Lust in the streets, music to our ears" ("Deseo en las calles, música para nuestros oídos"). "Autumn Again" promete consolidar esa reputación, ofreciendo una canción que es a la vez personal y universal, perfecta para escuchar en un día gris de octubre mientras se reflexiona sobre los ciclos que se cierran y los nuevos que están por comenzar.

“Autumn Again” ya está disponible en todas las plataformas digitales. 

El universo del flamenco chill tiene un nuevo himno de desamor. El productor ATK Epop se alía una vez más con la voz cristalina y llena de matices de la cantante malagueña Mara Vélez para presentar "¿Quién es?", un single que captura con sublime delicadeza el instante preciso en el que el amor comienza a escaparse.

La canción es una obra maestra de la emocionalidad contenida. Lejos de buscar el drama explícito, se sumerge en el susurro íntimo que deja una huella más profunda. Sobre una producción minimalista y orgánica de ATK Epop, se teje la cálida y envolvente guitarra de Davi Sanz, creando una textura sonora que acuna la vulnerabilidad del mensaje.

Es la voz de Mara Vélez, no obstante, la que se erige en el corazón mismo del tema. Con una interpretación que oscila entre la dulzura y el desgarro, plantea la pregunta que da título a la canción: "¿Quién es esa otra persona / Que te vuelve loco / Por la que te asomas / Y dejas mis labios rotos?". Una interrogante cargada de dolorosa lucidez que cualquiera que haya sentido la sombra de un rival imaginario podrá comprender.

La letra profundiza en esa contradicción del corazón que, aun sabiendo el dolor "temporal", lo siente "igual". Es un grito silencioso por recuperar lo perdido: "Porque quiero que me mires / Y me abraces y me pidas / Que me quede un poco más / Que no me vaya jamás". El puente, con su suplicio "No me mires a los ojos / No me rompas de a poco", culmina en una sensación de despedida inevitable, encapsulando la esencia de una relación que se desvanece.

Con ecos del nuevo flamenco y una atmósfera que se desliza entre lo acústico y lo contemporáneo, "¿Quién es?" es una canción que atrapa no por su grandilocuencia, sino por su honestidad y su belleza desnuda. Es la soundrack perfecta para un momento de introspección, una pieza que confirma la química artística entre ATK Epop y Mara Vélez y su talento para narrar las heridas del corazón con una sensibilidad extraordinaria.

El single "¿Quién es?" de ATK Epop junto a Mara Vélez ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para más información sobre ATK Epop y Mara Vélez, así como de sus futuros proyectos, síguelos en sus redes sociales.

Pablo Alborán, uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional, continúa sorprendiendo a sus millones de seguidores con el lanzamiento de "Vámonos de aquí", el tercer single de su próximo álbum de estudio que verá la luz a finales de 2025. Tras el éxito de "Clickbait" y "KM0", el cantante malagueño regresa a sus raíces con una conmovedora canción que habla sobre el final de una relación, marcando el inicio de una nueva era musical trabajada junto al productor puertorriqueño Albert Hype.

Con una trayectoria avalada por cinco álbumes de estudio exitosos, dos en vivo, tres nominaciones a los GRAMMY Awards y veinte a los Latin GRAMMY, Alborán demuestra una vez más su innegable talento como compositor e intérprete. "Vámonos de aquí" emerge como una pieza clave en este nuevo ciclo creativo, mostrando unas composiciones y producciones más atrevidas con las que está construyendo un repertorio más emocionante y profundo.

La canción, que mantiene el estilo característico de Alborán con sonidos pop y letras emotivas, destaca por la participación especial de la brasileña Indiara Sfair, experta en armónica, cuyo instrumento añade una capa de profundidad y melancolía a la narrativa musical. El lanzamiento ha sido recibido con entusiasmo por los fans del artista, quienes celebran el regreso del Alborán más auténtico.

La letra de "Vámonos de aquí" explora con honestidad cruda el colapso de una relación amorosa: "Querernos ha sido una emboscada, no tuvimos excusa ni coartada/Lo hemos hecho fatal". El tema desarrolla la metáfora de una casa que nunca gustó como símbolo de una relación destinada al fracaso desde el principio, con versos que reflejan la lucidez del desamor: "Nunca nos gustó esta casa, ahora entiendo qué pasaba/Los demás lo veían venir de lejos".

El estribillo, contundente y memorable, encapsula la esencia del mensaje: "Se acabó el amor, vámonos de aquí/Fuimos dos idiotas intentando ser feliz". La canción representa una evolución en el sonido de Alborán mientras mantiene la calidad lírica y vocal que le ha convertido en el artista más vendido de España durante siete años no consecutivos.

Este lanzamiento acompaña el anuncio de una gira mundial que llevará a Alborán por diferentes países durante 2026 y 2027, consolidando su posición como uno de los artistas latinos más influyentes de la actualidad.

"Vámonos de aquí" ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, síguelo en sus redes sociales.

En un momento en el que la inmediatez y lo efímero marcan el pulso de la música, Tigre y Diamante vuelven a demostrar que todavía se pueden crear canciones con alma y profundidad. Junto a Srta. Trueno Negro, el grupo asturiano presenta "Amanecer en la playa", un tema que respira frescura veraniega, nostalgia contenida y una energía envolvente que conecta de inmediato con el oyente.

Lejos de ser un simple ejercicio de estilo, el nuevo single es una experiencia sensorial que combina indie pop, texturas lo-fi y una producción que suena cercana y sofisticada al mismo tiempo. Todo fluye con naturalidad: las guitarras suaves, los arreglos atmosféricos y las voces que se entrelazan como si fueran olas rompiendo en la orilla. El resultado es un sonido hipnótico que invita a perderse en él, como quien contempla el horizonte al amanecer.

"Amanecer en la playa" captura con precisión esa doble sensación de libertad y melancolía que solo los finales de verano saben provocar. Es una canción que habla sin palabras: transmite calma, emoción y recuerdos, pero también deja un poso de inquietud que la hace aún más poderosa. El oyente encuentra en ella un refugio sonoro donde conviven la belleza, la fragilidad y la intensidad emocional.

La colaboración con Srta. Trueno Negro añade una capa de frescura y autenticidad. Su voz, íntima y expresiva, dialoga con la fuerza de Tigre y Diamante para crear un equilibrio perfecto. El tema se convierte así en un punto de encuentro entre generaciones y sensibilidades distintas, pero unidas por la misma necesidad de hacer música con verdad.

Con este lanzamiento, Tigre y Diamante reafirman su lugar como una de las bandas más originales de la escena independiente española: capaces de incomodar con su ironía, pero también de emocionar con piezas de una belleza inesperada. "Amanecer en la playa" es la prueba de que su creatividad sigue expandiéndose, explorando nuevas sonoridades sin perder la esencia que los ha hecho inconfundibles.

El single y videoclip están disponibles en todas las plataformas digitales, listo para convertirse en la banda sonora de quienes buscan algo más que canciones pasajeras: un tema que se queda, que acompaña, que emociona.

Desde la humedad eléctrica de Gijón, Tigre y Diamante irrumpió en 2016 como el secreto peor guardado del garage-punk ibérico. Lo que empezó siendo el dúo de Jon Álvarez (guitarra, voz) y Coke Makaha (batería, voz) pronto ganó músculo con la llegada de Jaime Marcos (guitarra), Marce Carballo (guitarra), Alejandro Carantoña (bajo) e Iker González (sintetizadores), convirtiéndose en un sexteto que dispara fuzz, costumbrismo y mala baba a partes iguales.

Tras su debut Buena Gente (2019) y la colección de himnos tabernarios Qué asco más rico (2022), el grupo dio un salto adelante con Actitud ganadora (2023), producido por Pablo Martínez (Desakato) en los estudios OVNI, donde afilaron riffs y estribillos sin perder la urgencia de Velvet, Stooges y el rock noventero que ya es marca de la casa.

Sobre el escenario, donde ya han pasado por festivales como Sonorama Ribera, O Son do Camiño, Granada Sound, Interestelar, Metropoli Gijón y la ruta Girando Por Salas (GPS15), convierten cada concierto en un derbi sin prórroga: sudor, coros colectivos y la certeza de que, mientras suenen, el rock sigue vivo.

Alex Ponce y Zulia presentaron “La Noche”, el segundo sencillo de su próximo EP colaborativo “Cultura POPular”, una fusión de reguetón y pop creada de forma natural durante su primera sesión de estudio. El nuevo tema ya está disponible en todas las plataformas digitales.

Alex llegó con los acordes y la melodía, y la canción fluyó espontáneamente. Ese mismo día, los artistas compusieron tres canciones, sentando las bases para la creación de un EP colaborativo.

Aunque ninguno de los dos se dedica habitualmente al reguetón, “La Noche” demuestra su versatilidad y capacidad para reinventar géneros. El sencillo combina ritmos suaves de reguetón con emotivas melodías pop. Ofrecen de este modo una perspectiva fresca y honesta que resalta su habilidad para hacer suyo cualquier sonido, sin perder su esencia distintiva.

Para la estrella ecuatoriana Alex Ponce, “Cultura POPular” es un EP que “desafía las convenciones del género, reimaginando el pop latino con sonidos nostálgicos y giros inesperados”.

“La Noche” es un claro ejemplo de la dirección innovadora que ambos artistas exploran en el proyecto.

Recientemente, Alex Ponce resultó nominado a los Premios Juventud 2025 en la categoría Nueva Generación Masculina, cuya gala se celebrará el 25 de septiembre en Ciudad de Panamá.

Con más de 1,3 millones de oyentes mensuales en Spotify y más de 300 millones de reproducciones totales, Alex ha construido una audiencia global leal que sigue creciendo de manera orgánica. Su tema más exitoso, “Plan”, ha superado los 130 millones de streams, mientras que canciones como “Ve y Diles” y “La Sin Sentimientos” también han alcanzado cifras millonarias.

En YouTube, sus videos han acumulado más de 736 millones de visualizaciones, y su catálogo sigue expandiéndose en plataformas como Amazon Music y Apple Music.

La música tiene el poder de narrar historias universales, pero también de dar voz a aquellas realidades que merecen ser celebradas con autenticidad. Con este espíritu, la cantante, compositora y productora Roxanne Kloihofer presenta su nuevo single, “Quédate En Mí”, una canción que es mucho más que una declaración de amor: es un acto de visibilidad y un viaje espiritual hacia el alma de otra persona.

La canción nace de esa magia inexplicable del amor a primera vista, de la certeza de encontrar a la persona con la que se quiere compartir la vida. “Habla de la certeza de haber encontrado a la persona que podría ser el amor de tu vida, la pareja con la que quieres compartirlo todo”, explica Kloihofer. Sin embargo, la letra va más allá del flechazo inicial; profundiza en la realidad de una relación verdadera, reconociendo que las personas llegan con un pasado y con cicatrices, y que amar es también aprender a acompañar, a sanar y a superar juntos los obstáculos de la vida.

Desde un lugar espiritual y profundamente sentido, “Quédate En Mí” retrata el amor como la unión de dos almas en un encuentro destinado. Además, la artista es clara al señalar que se trata de una declaración de visibilidad: “Como mujer lesbiana, escribí y compuse esta canción para otra mujer, y el lenguaje femenino que la recorre lo deja claro. ‘Quédate en mí’ es una canción auténtica que representa el amor entre mujeres con honestidad y sensibilidad”.

Para Roxanne Kloihofer, este single marca el comienzo de un nuevo capítulo artístico: un viaje sincero hacia la música en español. La canción combina vibraciones alternativas y dream-pop con una profundidad emocional cruda, creando paisajes sonoros cinemáticos que recuerdan a sus influencias, como Lana Del Rey, Nina Simone y Enigma.

Artista independiente que supervisa todo el proceso creativo, desde la escritura hasta el mastering, Kloihofer ve en “Quédate En Mí” el primer paso para conectar con el público iberoamericano a través de historias que vienen directamente del alma. Actualmente, se prepara para el lanzamiento de su álbum debut físico, In-Sane, un trabajo que promete explorar la identidad, la resiliencia y la sanación con su característica honestidad raw.

El objetivo principal de esta campaña es generar una mayor visibilidad para “Quédate En Mí” y para su proyecto artístico en general. Kloihofer busca conectar con profesionales de la industria musical—desde curadores y productores hasta medios y potenciales colaboradores—que se sientan atraídos por su trabajo y quieran ser parte del crecimiento de este proyecto. No se trata solo de llegar a más oyentes, sino de abrir puertas a colaboraciones y consolidar su talento como artista completa.

“Quédate En Mí” ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para más información sobre la artista y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

En la intersección entre la conciencia y el sonido, donde la realidad se difumina en el sueño, emerge Hallucinophonics con su más audaz incursión en las tinieblas sonoras. "White Eyes", su nuevo single, representa un viaje hipnótico hacia encuentros sobrenaturales y espacios liminales, marcando una evolución significativa en el sonido de la banda hacia el doom psicodélico y el rock oculto.

Inspirados por las exploraciones cósmicas de Pink Floyd, la sofisticación atmosférica de Porcupine Tree y la innovación psicodélica de Tame Impala, Hallucinophonics ha creado una experiencia sonora transformadora que funciona tanto como declaración artística como viaje sensorial. Su misión: articular con precisión experiencias alucinógenas a través del sonido.

"White Eyes" teje una narrativa inmersiva de horror gótico ambientada en mansiones ancestrales, donde guitarras cargadas de reverberación, texturas de Mellotron vintage y sintetizadores antiguos crean una atmósfera fantasmal y etérea. La progresión lenta y deliberada de la canción construye una tensión cinematográfica que transporta al oyente a un mundo entre dimensiones.

El excerpto lírico revela la esencia phantom de la composición: "Caminando por el pasillo esta noche/Atravesando la luz de las velas/Se mueve entre mundos invisibles/Un fantasma atrapado en el medio/Flotando por el pasillo esta noche/Nada queda excepto la pálida luz de la luna/Busca lo que ha perdido/Un alma forever cruzada".

"White Eyes", programado para su lanzamiento en agosto de 2025, estará disponible en múltiples formatos: streaming digital, vinilo, CD y Dolby Atmos, demostrando el compromiso de la banda con una experiencia auditiva inmersiva y de alta calidad. El lanzamiento se complementará con un videoclip en Vevo que promete visualizar la inquietante narrativa de la canción.

Este single sirve como adelanto del tan esperado álbum "Portraits", que promete consolidar a Hallucinophonics como un capítulo valiente en la evolución de la música psicodélica contemporánea. La banda ocupa ese territorio sagrado donde lo cerebral se encuentra con lo celestial, invitando a percibir la realidad through diferentes frecuencias.

Los temas explorados -encuentros sobrenaturales, espacios liminales, misterios ancestrales y existencia phantom- se entrelazan con elementos musicales que incluyen voces haunting, sintetizadores vintage, orquestación de Mellotron y producción analógica, creando un estado de ánimo oscuro, atmosférico y cinematográfico.

"White Eyes" ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para más información sobre la banda y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

En un panorama musical donde la repetición de estructuras y fórmulas predecibles parece dominar, Apartamentos Acapulco se consolida como un faro de autenticidad. La banda acaba de lanzar "Quien tiene pena no entiende", un bolero sencillo y directo que demuestra que la profundidad no depende de la duración ni la complejidad, sino de la honestidad del mensaje.

Con una duración de apenas un minuto y medio, el tema es una apuesta valiente por el minimalismo y la pureza. La instrumentación, deliberadamente contenida, sirve de marco para que brille la verdadera protagonista: una letra cálida y emocionante que aborda cómo la pena afecta nuestra visión de la existencia. Es una canción que despierta emociones en el oyente "con tan solo las palabras, sin entender de fórmulas", tal como describe la banda.

La letra, compuesta por Angelina Herrera e Ismael Cámara, ofrece un mensaje claro e íntimo que funciona como un recordatorio sapiencial: "Quien tiene pena no entiende / que lo que importa es el tiempo, / y yo no gasto ni un segundo / que no hay más pena que no verte". Versos como estos reflexionan sobre la ceguera que provoca el dolor emocional y abogan por abrazar la vida con menos pena y más gloria, recordando que "vida no hay más que una".

"Quien tiene pena no entiende" es el segundo adelanto del próximo álbum de Apartamentos Acapulco, que también incluirá su anterior lanzamiento, "Brigitte", una versión del icónico tema de Los Planetas. Este nuevo trabajo reafirma la filosofía del grupo: esforzarse por hacer lo contrario a lo establecido, rechazando ser una copia de algo anterior.

La producción del tema mantiene una estética lo-fi y íntima que complementa perfectamente su mensaje. Fue grabado y mezclado por Michael Jordan en The Hottest Room in MiKasa y masterizado por Mario G. Alberni en Kadifornia, resultando en una pieza que suena tan cercana y personal como si fuera compartida en una habitación a media luz.

Con este lanzamiento, Apartamentos Acapulco no solo ofrece una canción, sino una filosofía de vida en forma de bolero; una invitación a quitarse la pena de encima y entender que, aunque a veces no lo veamos, "el sol sale todos los días".

"Quien tiene pena no entiende" ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para más información sobre la banda y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

Gon Abril, una de las jóvenes promesas más auténticas del pop español, cierra la temporada estival con un tema que es mucho más que una canción: un manifiesto. "Da Igual" es el título de su nuevo single, una poderosa y reflexiva pieza que sirve como aguda crítica social a la era de las apariencias y la desconexión emocional.

La canción nace de una profunda introspección del artista vallisoletano, quien aúta su faceta de médico con su imparable vocación musical. Gon Abril explica la esencia del tema: "Escribí esta canción para criticar un mundo de apariencias, donde a menudo fingimos vidas que no nos gustan solo por parecer 'guays'. Nace de la necesidad de reivindicar lo que de verdad importa: nosotros mismos, por el simple hecho de existir, sin adornos". Y remata con un mensaje claro y contundente: "El mensaje es claro: todo lo externo da igual; lo importante es ser uno mismo y ser fiel a lo que uno cree".

Con esta premisa, "Da Igual" se erige como un himno de autenticidad en un mundo hiperconectado pero often superficial. El tema promete conectar con el oyente en un nivel esencial, invitándole a despojarse de las capas sociales y abrazar su verdadero yo.

La carrera de Gon Abril, nombre artístico de Gonzalo Abril Garrido, es un testimonio de vivir según las propias convicciones. Tras licenciarse en Medicina, su pasión por la música lo impulsó a dar sus primeros pasos en redes sociales, donde una versión de "Give me love" de Ed Sheeran le granjeó su primera oleada de seguidores.

Desde aquellos inicios, su trayectoria ha sido imparable. Evolucionó de publicar versiones a componer temas propios con un sello personal, como "Has sido tú" (2019), y consolidó su lugar en la escena nacional con su EP 'Cotidiano' (2024) y el emotivo homenaje a su ciudad, Valladolid. Este 2025 continúa su exploración sonora y lyrical con lanzamientos como "La Tormenta" y ahora este contundente "Da Igual", que afianza su genuino y personal estilo.

Prueba de su creciente popularidad es su próxima actuación: el 10 de septiembre subirá al escenario durante las Fiestas de Valladolid para presentar en directo este nuevo single y otros temas de su repertorio, en un concierto de lujo donde compartirá cartel con el internacionalmente aclamado James Blunt.

"Da Igual" ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para más información sobre el artista y sus futuros proyectos, síguelo en sus redes sociales.

Jade LeMac, la voz independiente que está redefiniendo los géneros desde Vancouver, regresa con un emotivo nuevo single, "Running Home". La cantante, compositora y multiinstrumentista de 20 años, conocida por su cruda honestidad y su conexión con una comunidad global de seguidores, presenta una balada poderosa que profundiza en el tema del amor incondicional y la devoción inquebrantable.

La canción, que forma parte de su aclamado segundo EP "Confessions", sirve como un faro de vulnerabilidad sonora. Con letras que prometen "You could take a piece of my heart, You could rip it up... And I’d never leave" ("Puedes tomar un pedazo de mi corazón, puedes destrozarlo... Y yo nunca me iré"), LeMac construye un santuario sonoro donde la lealtad y la entrega absoluta son la moneda corriente. El estribillo, con su declaración "I’m running on home to you" ("Estoy corriendo a casa hacia ti"), se eleva como un himno que resonará con cualquiera que haya prometido regresar, pase lo que pase.

Jade LeMac existe naturalmente fuera de cualquier caja. Orgullosa de su herencia asiática y su conexión con la comunidad 2SLGBTQ+, estas identidades han influido enormemente en su capacidad para doblar y romper las barreras entre los géneros. Creció en una familia multicultural muy unida en la isla de Vancouver, donde su amor por la música se encendió cantando karaoke con sus primos. Para cuando llegó a la secundaria, ya escribía sus propias canciones.

Su trajectoria es un testimonio del poder de las plataformas digitales. Después de prestar su voz a varios singles de dance para el influyente sello Monstercat, construyó una audiencia masiva en TikTok, que ahora supera los 1.2 millones de seguidores. Su debut independiente, "Constellations", se convirtió en un fenómeno con más de 46 millones de streams, un éxito que se multiplicó cuando una versión alternativa de la canción apareció en la exitosa serie de Netflix "My Life with The Walter Boys", sumando otros 34 millones de streams.

El 2024 está siendo un año de reconocimiento crítico para LeMac. Su impacto y visibilidad le valieron una nominación a los premios GLAAD como Artista Revelación Sobresaliente, consolidando su lugar como una voz importante e inclusiva en la música pop contemporánea.

"Running Home" no es solo una canción; es una confesión musical que confirma el lugar de Jade LeMac como una artista que canta con la autenticidad de quien ha vivido cada palabra y la compone con la destreza de una narradora nata.

El single "Running Home" de Jade LeMac ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para más información sobre la artista y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

El panorama de la música urbana latina recibe una inyección de autenticidad y fuerza con el lanzamiento del nuevo single, "Cállate", una colaboración explosiva entre la misteriosa y renacida artista Natalia Natalia y el versátil dúo colombiano El Rap Bang Club.

Tras presentarse con una declaración de intenciones —"Soy Natalia Natalia. Tal vez me conocen de antes, teniendo otros apellidos"—, la artista se revela con una misión clara: compartir sus historias más personales y hablar por todos aquellos que han encontrado en la música el desahogo perfecto para un corazón destrozado. "Cállate" es la materialización de ese propósito, un grito de independencia emocional y agotamiento.

La canción es un relato crudo y empoderado del momento final de una relación tóxica. La letra, potente y directa, no deja espacio para la reconciliación. Natalia Natalia canta con determinación: "Ya me cansé. Pero esta vez no habrá un 'te perdone'. Te convertiste en esa gota que cayó y rebosó el mar". La narrativa describe la frustración de sentirse ignorado —"me escuches y nunca reacciones"— y el dolor de la traición, culminando en un estribillo que es una orden liberadora: "Cállate, porque no habrá ni una palabra que me haga cambiar de parecer. Cierra la boca, que no hay forma de que te quiera volver a querer".

El Rap Bang Club, conformado por Karin Livingston (Karin B) y Daniel Acosta (Pezcatore), imprime su sello característico en la producción. Desde su origen en 2016, el dúo ha sido conocido por su habilidad para fusionar géneros como el jazz, funk, reggae, trap y dancehall, creando una propuesta urbana única y sofisticada. En "Cállate", esta versatilidad brilla, proporcionando un paisaje sonoro que va desde ritmos contundentes hasta atmósferas más melancólicas que complementan perfectamente la journey emocional de la letra.

La agrupación, que ha fomentado la cultura musical latino urbana en Colombia y ha colaborado con grandes nombres del género como Nanpa Básico e Irepelusa, encuentra en Natalia Natalia una voz poderosa para expandir su universo musical. La diversidad cultural inherente al grupo —con Karin nacida en San Andrés y Pezcatore con ascendencia de la región cafetera— añade una profundidad única al proyecto.

Este single se convierte en un adelanto prometedor de lo que será el primer álbum de El Rap Bang Club, "Perro Romántico", previsto para el 2022, un trabajo que, sin duda, pondrá a vibrar a toda la escena.

"Cállate" es más que una canción de despecho; es un manifiesto de auto-respeto y cierre definitivo. Natalia Natalia, con su nueva identidad, demuestra que viene con la fuerza de quien ha vivido una historia y está lista para contarla sin filtros.

El single "Cállate" de Natalia Natalia junto a El Rap Bang Club ya está disponible en todas las plataformas digitales. Para más información sobre la artista y sus futuros proyectos, síguela en sus redes sociales.

El panorama musical español acaba de recibir a una nueva voz cargada de autenticidad y una trayectoria artística poco convencional. Ana Pizarro, una joven cuya vida ha estado intrínsecamente ligada al arte desde la cuna, presenta su single debut, "Amor No Correspondido", una composición propia que narra con raw honesty una historia de desamor y auto-descubrimiento.

La historia de Ana Pizarro no es la de una artista que surge de la noche a la mañana. Es la crónica de una dedicación inquebrantable. Con apenas tres años, ya bailaba, y a los cinco, las teclas de un piano se convirtieron en su primer lenguaje musical. Esta base se solidificó en 2017 cuando ingresó en el conservatorio profesional de danza, donde no solo aprendió, sino que se graduó como profesional en la exigente carrera de baile flamenco.

Sin embargo, el destino aún guardaba otra carta para ella. Tras su graduación, descubrió una pasión paralela: la composición y el canto. "Descubrí que me encantaba también cantar y no solo eso, sino componer yo misma la letra y la música de mis canciones", confiesa la artista. Con la determinación que caracteriza a quienes persiguen sus sueños, con 18 años empacó sus maletas y su talento para mudarse a Madrid.

En la capital, su vida se divide en una enriquecedora multitarea: por un lado, trabaja en varias compañías profesionales de danza, manteniendo viva su esencia flamenca. Por otro, compagina esa vocación con los estudios de psicología en la Universidad Complutense, una formación que, sin duda, aporta profundidad a sus letras. Y, como hilo conductor de todo, la composición de su música.

El fruto de este viaje es "Amor No Correspondido". El tema es una balada cargada de emotividad que bucea en las aguas turbulentas de un amor no reciproco. La canción captura a la perfección la esencia de esa lucha interna donde "cada parte de nosotros lucha por alguien que no piensa ni un segundo en nosotros", como describe Ana.

La narrativa de la canción explora la dinámica de una relación desigual: ella invierte todo su esfuerzo y sentimiento en estar con él, mientras que él solo ofrece amistad, un lugar que, aunque bienintencionado, resulta dolorosamente insuficiente. Pero "Amor No Correspondido" va más allá del lamento. El verdadero mensaje, y donde reside su poder, es en el viaje hacia la autoaceptación. "Todo cambia cuando entiendes que tú vales mucho más que todo eso", afirma con convicción la cantante, señalando el momento de liberación y empoderamiento personal.

"Estoy muy feliz de que mi primera composición haya salido a la luz y que todos puedan escucharla", expresa una ilusionada Ana Pizarro. Su debut no es solo el lanzamiento de una canción, sino la presentación de una artista completa que escribe, compone y canta sus propias vivencias, filtrándolas a través de su sensibilidad única y su bagaje artístico.

Con "Amor No Correspondido", Ana Pizarro no solo comparte una canción, sino que extiende una mano a todos aquellos que han pasado por una situación similar, ofreciendo no solo un consuelo, sino un himno de fortaleza. Los interesados en seguir los pasos de esta prometedora artista y estar al tanto de sus futuros proyectos, pueden encontrarla en sus redes sociales.

El dúo sueco detrás de Project Earthbridge, formado por Jimmy Granström y Thomas Karlsson, ha presentado su nuevo single "Alicia", una colaboración con el talentoso vocalista y guitarrista Leyton Green que evoca la serenidad y misterio del océano. La canción está disponible en todas las plataformas digitales.

"Alicia" se presenta como una melodía relajante y atmosférica diseñada para transportar al oyente directamente a esos días serenos junto al mar. La canción construye un paisaje sonoro etéreo, utilizando la metáfora del océano para narrar una historia de fascinación y misterio.

En la letra, compuesta por Granström, Alicia personifica la naturaleza salvaje y libre del mar. Es una fuerza poderosa, bella e incontrolable. Frente a ella, su admirador se ofrece como un puerto seguro, un refugio ante la inmensidad. Sin embargo, la esencia elusiva de Alicia—como la niebla de la mañana o la marea cambiante—deja a su pretendiente en un estado de confusión maravillada. Este sentimiento queda perfectamente capturado en los versos: "Like the break of down, like a misty fog, you engulf the beach, and its mighty rocks, you can lift me up, to that higher ground, where the ocean sings with a sweeter sound".

La producción de Thomas Karlsson logra un equilibrio perfecto entre la calma y la potencia, reflejando la dualidad del mar mismo. La voz de Leyton Green actúa como el hilo conductor, guiando al escucha a través de este viaje emocional costero.

Project Earthbridge se ha consolidado como un fascinante proyecto musical que opera bajo una fórmula de colaboración flexible. El núcleo lo forman los suecos Jimmy Granström (música y/o letras) y Thomas Karlsson (música y producción), quienes para cada tema invitan a artistas diferentes.

Este enfoque colaborativo ha dado frutos notables: el remix de "Made Of Stars" fue interpretado por el sueco de 17 años Elias Lunde, alias Eli Tronic, quien también arregló y produjo "United We Stand As One". "Sommarn 2011 (Verano de 2011)" cuenta con la voz de Pontus Thörne Gruvell (P. Thorne), quien también grabó la voz en "Moments", mientras que "Bleed For My Creed" cuenta con la voz de Jaxon Storm. Peter Mörlin, actor profesional que protagonizó la adaptación de Fredrik Backman de "Beartown" y "Ur mörkret (Fuera de la oscuridad)", grabó la voz para "Back to Life" y el sencillo más reciente, "Allt jag ville säga (Todo lo que quería decir)".

El éxito del proyecto traspasa fronteras: sus canciones suenan en emisoras de Suecia, Italia, Francia, Inglaterra, Australia, México, Perú, Uganda, Namibia, Costa Rica y varios estados de EE.UU. En su tierra natal, tanto "Alicia" como "Made Of Stars" fueron seleccionados para rotación en P4 Sörmland, una de las emisoras más importantes del país.

Con "Alicia", Project Earthbridge no solo ofrece la canción perfecta para la temporada estival, sino que reafirma su compromiso con una creación musical sin fronteras, tanto geográficas como creativas.