El artista almeriense Alberto Collado lanza “Tú No”, su nuevo sencillo que ya está disponible en plataformas digitales. El tema, un pop latino orquestal de producción cinematográfica, explora el proceso de renacer tras una traición profunda, centrándose en esa herida particular que deja la ruptura de una amistad. “Quería capturar ese momento en el que descubres que la traición de un amigo duele más que cualquier traición amorosa”, explica el propio artista sobre el origen de la canción.

“Tú No” relata con honestidad y sensibilidad el proceso emocional que sigue al descubrimiento de una traición por parte de quien menos se espera: el mejor amigo. La canción no se queda en el dolor, sino que avanza hacia la aceptación, la sanación y, finalmente, el resurgir. Es un viaje en primera persona por las etapas del duelo, desde la incredulidad inicial hasta la certeza de que, aunque la herida quede, uno puede volver a brillar con más fuerza.

La letra, cargada de imágenes poderosas y una honestidad que desarma, conecta con cualquiera que haya experimentado esa forma de pérdida tan particular. Porque cuando es un amigo quien falla, el golpe no es solo emocional, sino también existencial: se tambalea la confianza en el mundo, en la capacidad de juzgar a las personas, en la idea misma de lealtad.

Compuesta y producida íntegramente por Alberto Collado, la canción fue grabada en HCTS Studios de Barcelona y cuenta con una colaboración de lujo: músicos de la sección de cuerdas de la orquesta del musical “El Fantasma de la Ópera”, proyecto en el que el artista trabaja actualmente. Esta aportación eleva el tema a cotas cinematográficas, creando una atmósfera envolvente que subraya la emoción de cada verso sin caer en el efectismo fácil.

La combinación de la sensibilidad pop contemporánea con la riqueza de unas cuerdas reales interpretadas por músicos de primer nivel sitúa “Tú No” en un territorio único. La producción, cuidada al detalle, permite que cada elemento respire y que la voz de Alberto ocupe el centro de la escena, transmitiendo con matices ese viaje del dolor a la liberación.

Alberto Collado, natural de Almería, demuestra con este lanzamiento su capacidad para abordar temáticas profundas desde una perspectiva pop sin perder la hondura emocional. Su trabajo en el mundo del teatro musical —actualmente forma parte del elenco de “El Fantasma de la Ópera” en Barcelona— se refleja en su forma de entender la música como un vehículo narrativo, donde cada canción cuenta una historia con principio, desarrollo y final.

“Tú No” es la prueba de que la música puede ser un espacio de catarsis, un lugar donde las heridas más profundas encuentran su cauce y se transforman en arte. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de traición y renacer que Alberto Collado ha sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes han perdido un amigo, para quienes han tenido que aprender a confiar de nuevo, para quienes saben que, a veces, lo más valiente es resurgir desde la herida.

Lejos de los focos de los grandes puertos y las fotografías de lujo que suelen asociarse a la ciudad, en el corazón de las calles blancas y las plazas con aroma a azahar ha surgido una voz que devuelve a Marbella su esencia más auténtica. Er Loko Andalú presenta “No ni ná”, su nuevo sencillo, una rumba frenética que sabe a tarde de sol y a cerveza bien fría entre las paredes encaladas del casco histórico.

“No ni ná” es una rumba que fusiona el ritmo de las fiestas locales con el ingenio que se respira en las callejuelas del Casco Antiguo marbellí. La canción funciona como una radiografía sonora del día a día: la pausa necesaria bajo la sombra, el calor que se combate con alegría y esa capacidad única de responder a cualquier situación con tres palabras que lo dicen todo. La voz de Er Loko llega para recordar que el verdadero lujo de Marbella no está en sus yates ni en sus hoteles de cinco estrellas, sino en el compás de su gente, en ese saber estar que solo se aprende con los años y las vivencias compartidas.

La producción del tema lo resume a la perfección: “Si no lo dice un andalú, no tiene ná de ná. Da igual en qué callejuela te encuentres, el ‘No ni ná’ es nuestro sello de identidad”. Una declaración que sitúa la canción en el territorio de lo reconocible, de lo que todos hemos escuchado alguna vez en boca de un vecino, un amigo o un desconocido con quien compartimos un momento de complicidad.

Er Loko Andalú se ha convertido en una personificación de la alegría y el espíritu de la calle. Este proyecto, que nace desde lo más profundo de la tradición popular, se alza como el portavoz de esos momentos donde una caña bien tirada y una buena charla en cualquier rincón con encanto valen más que cualquier tesoro. Su música no busca grandes escenarios ni producciones sofisticadas; encuentra su razón de ser en la cercanía, en el reconocimiento mutuo, en esa forma de entender la vida que caracteriza a los pueblos andaluces.

El lanzamiento de “No ni ná” destaca por su propuesta visual: un bucle infinito de energía donde el protagonista canta y brinda bajo el sol marbellí, demostrando que la elegancia reside en saber disfrutar de los pequeños placeres con arte y sin artificios. Las imágenes, rodadas en escenarios emblemáticos del Casco Antiguo, refuerzan ese mensaje de autenticidad y conectan la canción con el lugar que la vio nacer.

“No ni ná” se mueve dentro del género de la rumba-humor, con claras influencias del flamenco urbano. Es una canción pensada para ser coreada, para ser bailada, para ser compartida. Su estribillo, pegadizo y fácil de recordar, se instala en la memoria desde la primera escucha y funciona como un himno colectivo, de esos que la gente hace suyos y convierte en banda sonora de sus reuniones y celebraciones.

Con este lanzamiento, Er Loko Andalú se posiciona como una de las voces más auténticas del panorama musical andaluz, demostrando que la música popular sigue teniendo mucho que decir cuando nace desde la verdad y el arraigo. “No ni ná” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de sol, cal y tradición que solo un artista con su sensibilidad puede crear.

La artista onubense María Isabel lanza “Hora Mágica”, su nuevo álbum de estudio que ve la luz ehoy viernes, once años después de su último trabajo “Yo Decido” (2015) . El disco, compuesto íntegramente por la propia artista, supone un punto de inflexión en su trayectoria y representa su versión más honesta y madura hasta la fecha .

“Hora Mágica” es un proyecto conceptual construido alrededor de una idea tan sugerente como espiritual: la numerología y el significado simbólico de las llamadas “horas espejo” . El álbum toma como referencia esas coincidencias horarias —especialmente las 11:11, una señal que la cantante asegura haber visto repetidamente a lo largo de su vida— para crear un universo musical cargado de emoción, intuición y significado personal .

Cada una de las trece canciones que componen el disco representa una hora espejo y funciona como un pequeño capítulo autobiográfico que recorre momentos, recuerdos y vínculos que han marcado la vida de la artista . El resultado es un retrato íntimo donde aparecen personas que ya no están, otras que permanecen y, en el centro de todo, su hija Daliana, a quien dedica una canción dentro de este universo espiritual y emocional .

El primer single del proyecto, que comparte título con el álbum, “Hora Mágica - 11:11”, actúa como la puerta de entrada a este nuevo imaginario sonoro . La canción introduce al oyente en un viaje donde la espiritualidad, la nostalgia y la celebración de la vida conviven en equilibrio, con un sonido pensado tanto para sentir como para bailar en directo .

El álbum incluye además otros temas que ya habían sido adelantados en los últimos meses, como “PA TI SOY LA MALA - 13:13”, “LAS ESTRELLAS - 12:12”, “ADICTA A TI - 15:15” junto a Roman, y “VENUS - 14:14”, todos ellos recibidos con gran entusiasmo por sus seguidores .

María Isabel, la única artista española que ha ganado Eurovisión Junior —con el icónico “Antes muerta que sencilla” en 2004—, regresa al primer plano de la actualidad musical con un trabajo que supone una evolución natural en su carrera . La propuesta mira hacia su pasado con cariño pero sin quedarse atrapada en él, dando paso a una nueva visión artística que abraza lo vivido para construir una identidad musical renovada .

En este sentido, “Hora Mágica” se presenta como un ejercicio de libertad creativa, donde la intuición y la conexión emocional guían cada decisión artística . El disco está disponible en todas las plataformas digitales bajo el sello Maria Isabel Oficial con licencia exclusiva para ONErpm, y también puede adquirirse en formato físico CD y vinilo en los principales establecimientos .

Paralelamente, María Isabel se encuentra inmersa en la preparación de la gira con la que recorrerá varias ciudades y festivales en los próximos meses, prometiendo un espectáculo espectacular . Todo apunta a que este nuevo show será uno de los momentos más especiales de esta etapa, ya que la artista llevará al escenario toda la energía y la carga emocional de un proyecto concebido para sentirse, bailarse y vivirse en directo .

Con “Hora Mágica”, María Isabel demuestra que el tiempo también puede ser una forma de inspiración. Once años después, la artista regresa con un álbum que mezcla espiritualidad, autobiografía y música pop para recordarnos que, a veces, las señales más pequeñas —como una hora que se repite en el reloj— pueden convertirse en el inicio de una nueva historia .

La artista emergente Ann Seeza presenta “Likes Or Die”, su nuevo sencillo ya disponible en todas las plataformas digitales. El tema, escrito, compuesto y producido por FMD (Fuchs, Marquesa y Delgado), el equipo de producción estrechamente vinculado al sonido de la artista, se despliega como una pieza de synth-pop oscuro que explora la presión de la visibilidad online y el miedo a desvanecerse en la irrelevancia.

“Likes Or Die” aborda con crudeza una de las grandes cuestiones de nuestro tiempo: la necesidad constante de validación a través de las redes sociales. La letra plantea preguntas incómodas pero necesarias: ¿existimos realmente si no tenemos una audiencia que nos mire? ¿El silencio digital equivale a la desaparición? A través de una estructura electrónica pulsante y letras directas, Ann Seeza captura esa ansiedad que acompaña a quienes viven pendientes de los likes, los comentarios y la aprobación ajena.

La canción no juzga, sino que retrata una realidad que muchos viven en silencio. Esa dependencia de la validación externa, ese miedo a quedar obsoleto, a no ser visto, a no ser recordado. La producción de FMD, con sus capas limpias y su profundidad emocional, crea el marco perfecto para que estas reflexiones encuentren su cauce, equilibrando la energía del synth-pop con la introspección que la letra requiere.

“Likes Or Die” se suma a un catálogo reciente de Ann Seeza que incluye temas emotivos y atmosféricos como “Ghosts in the Mirror”, “Touch My Shadow” y colaboraciones como “Alone In The Desert” junto a David Adavi. Una discografía que demuestra su capacidad para abordar temáticas complejas desde una perspectiva pop sin perder profundidad, consolidando su estilo dentro de la música electrónica y pop contemporánea.

La colaboración continua con FMD ha sido fundamental en la construcción de su sonido. El trío de producción aporta esa mezcla de capas electrónicas, profundidad emocional y un equilibrio entre la energía del dance y la narrativa introspectiva que define la propuesta de Ann Seeza. Cada lanzamiento es una nueva exploración de las posibilidades del género, una búsqueda constante de nuevas formas de conectar con el oyente.

Ann Seeza se ha convertido en una de las voces emergentes más interesantes del panorama pop y electrónico actual. Su capacidad para abordar temáticas relevantes de nuestro tiempo —la identidad digital, la soledad en la era de la hiperconexión, la búsqueda de autenticidad— a través de letras sinceras y producciones cuidadas la sitúa como una artista a seguir de cerca.

“Likes Or Die” ya está disponible en Spotify, Apple Music y todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de ansiedad y reflexión que Ann Seeza ha sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes se preguntan si su existencia digital es real, para quienes necesitan recordar que valen más allá de los likes.

La artista peruana Flavia Laos presenta “Ay Pequeña”, el focus track de su esperado EP debut “La Rubia Enamorada”, lanzado el pasado 6 de marzo de 2026 bajo el sello Sin Silencio Records, parte de HYBE America, la división estadounidense del conglomerado surcoreano responsable del éxito global de BTS . El tema, una canción de empoderamiento y cierre de ciclos, supone la consolidación de una carrera que ha pasado de la actuación y la influencia digital a convertirse en una apuesta seria dentro del pop latino internacional.

“Ay Pequeña” se despliega como una declaración directa y sin ambages. La letra, cargada de seguridad, va dirigida a la expareja de su actual novio, marcando territorio con la confianza de quien sabe que está en su mejor momento. Lejos de ser un tema de confrontación gratuita, la canción aborda el cierre de ciclos desde el empoderamiento, dejando claro que el pasado quedó atrás y que el presente es lo único que importa. Es una Flavia que canta con la certeza de quien ha evolucionado y no teme mostrarlo.

Musicalmente, el tema se aleja del reggaetón más pesado para abrazar un pop urbano muy pulido, con melodías pegajosas que resaltan su evolución vocal. La producción, a cargo de Jay Gomez y Salvador Moratillo, logra ese sonido internacional que la artista busca tras su firma con HYBE, combinando bases rítmicas contemporáneas con arreglos que permiten que su voz luzca en todo su esplendor. El resultado es una canción que suena fresca, moderna y con la calidad suficiente para competir en el mercado global.

“Ay Pequeña” es el focus track de “La Rubia Enamorada”, un EP que Flavia ha descrito como “un proyecto hecho con todo mi corazón” . El trabajo discográfico, que supone su primer lanzamiento bajo el paraguas de HYBE America, explora su faceta más romántica y realiza un viaje introspectivo por su historial sentimental . La propia artista ha explicado que este EP forma parte de una etapa de crecimiento y evolución, donde se ha permitido experimentar con electro, reggaetón y pop, dando como resultado el capítulo más auténtico y emocionante de su carrera musical hasta la fecha .

Además de “Ay Pequeña”, el EP incluye temas como “K-town”, donde Flavia experimenta con vibras más cosmopolitas, mostrando su versatilidad y su capacidad para transitar por distintos registros sin perder la coherencia. Este proyecto se complementa con un futuro álbum titulado “La Rubia Peligrosa”, que ya está en proceso de grabación en las oficinas de HYBE y promete profundizar en esta nueva dirección artística .

El lanzamiento de “La Rubia Enamorada” llega en un momento de auténtica ebullición profesional para Flavia Laos. La firma con Sin Silencio Records, sello vinculado a HYBE America, ha sido descrita por ella misma como “uno de los momentos más especiales” de su carrera, agradeciendo el respaldo que ha recibido desde sus inicios en la música . Este contrato no implica una colaboración directa con BTS, pero sí la posiciona bajo el respaldo de una organización con amplia proyección internacional, permitiendo que su música pueda distribuirse en mercados fuera de Perú y consolidando su presencia en la escena musical global .

Además de este hito, Flavia ha acumulado logros significativos en los últimos meses. Fue telonera de Nicky Jam en su gira por Guatemala el pasado 31 de enero , y se prepara para abrir el concierto del cantante colombiano Kapo el próximo 27 de marzo en Costa 21, San Miguel . “Estoy supercontenta porque estoy logrando cosas que nunca me imaginé. Kapo es un artista internacional y a mí me encantan sus canciones. Están supervirales en TikTok”, expresó durante la conferencia de prensa en el recinto.

La expectación en torno a Flavia Laos también ha generado rumores sobre una posible participación como telonera de BTS en su esperado concierto en Lima este año. Aunque la agrupación surcoreana tradicionalmente no utiliza teloneros en sus giras, la propia artista ha revelado que su “jefe” le comentó que, dado que la banda tendrá presentaciones en Perú, podría considerarse esa posibilidad . “Sería increíble, sería ¡wow!”, confesó con emoción, dejando la puerta abierta a lo que sería la colaboración más importante de su trayectoria .

Por ahora, Flavia mantiene el foco en sus proyectos inmediatos y en su crecimiento como artista internacional. En declaraciones recientes, descartó colaboraciones con artistas peruanos en el corto plazo, explicando que su prioridad son los proyectos con artistas de otros países . Una decisión estratégica que refleja su ambición y su compromiso con una carrera que, como ella misma dice, “recién comienza” .

El compositor español CARRØ.m lanza “Seremos mejor que nada”, su nuevo sencillo que ya está disponible en plataformas digitales. El tema, un latin pop contemporáneo con una atmósfera romántica y nostálgica, combina emoción melódica con una producción moderna y cuidada, demostrando una vez más la capacidad del artista para crear canciones que conectan desde la primera escucha.

“Seremos mejor que nada” se despliega sobre un tempo medio de aproximadamente 105 pulsaciones por minuto, construido sobre una tonalidad menor que refuerza su carácter emocional y le otorga esa melancolía contenida que atraviesa toda la pieza. El arreglo se apoya en una guitarra acústica rítmica con patrones sincopados que marcan el pulso, acompañada por una guitarra eléctrica limpia que aporta pequeños detalles melódicos con efectos sutiles de chorus y reverb, creando texturas que envuelven sin estridencias.

La base rítmica incorpora influencias del dembow del reggaeton, con una caja definida y un bombo profundo que aportan energía sin perder la elegancia que caracteriza al tema. Un bajo melódico crea una base cálida que sostiene el conjunto, mientras pads atmosféricos y acentos ocasionales de piano amplían el espacio sonoro, dotando a la canción de una profundidad que invita a sumergirse en ella.

La interpretación vocal corre a cargo de una voz femenina de tesitura tenor, suave y emotiva, con un timbre ligeramente aireado y un vibrato natural que aporta calidez y cercanía. En el estribillo aparecen armonías vocales superpuestas que refuerzan el carácter melódico y memorable del tema, creando esos momentos de intensidad que se quedan grabados en la memoria después de una sola escucha.

La producción, pulida y espaciosa, consigue que cada instrumento tenga su lugar y que la mezcla enfatice la emoción de la voz y la conexión con el oyente. Es un trabajo de equilibrio, donde los elementos electrónicos y orgánicos conviven sin estorbarse, creando un paisaje sonoro que resulta a la vez íntimo y expansivo.

La letra de “Seremos mejor que nada” habla de esa esperanza contenida, de la posibilidad de construir algo nuevo desde las cenizas de lo que fue. El título es ya una declaración de intenciones: no se trata de promesas grandiosas, sino de la certeza de que, incluso en la adversidad, lo que pueda surgir será mejor que la nada. Una filosofía de vida que invita a seguir adelante, a no rendirse, a creer que siempre hay algo valioso esperando al otro lado.

Con este lanzamiento, CARRØ.m continúa construyendo un catálogo basado en la emoción como único criterio. Su música, que explora distintos géneros sin anclarse a ninguno, encuentra en “Seremos mejor que nada” una nueva expresión de esa filosofía: melodías que buscan tocar algo en quien las escucha, independientemente de la etiqueta que se les quiera poner.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de nostalgia y esperanza que CARRØ.m ha sabido crear con sensibilidad y oficio. Una canción para creer que, pase lo que pase, siempre podemos ser mejor que nada.

La artista colombiana Drejah, una de las voces emergentes que está revolucionando la escena urbana y alternativa del país, presenta “Nadie Como Tú”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 6 de marzo de 2026. El tema, una colaboración con Ray Bryan, apuesta por el romanticismo dentro del género urbano con una producción pulida que busca resaltar la química entre ambas voces, consolidando a Drejah como una de las propuestas más interesantes del panorama actual.

“Nadie Como Tú” se despliega como una declaración de exclusividad en toda regla. La letra gira en torno a esa conexión única que no se encuentra en nadie más, explorando la certeza de haber encontrado a alguien especial en un mundo de opciones infinitas. Drejah imprime a sus versos esa sensibilidad característica que la diferencia de la típica artista urbana de fórmula, mezclando romanticismo con una actitud empoderada que conecta con las complejidades de las relaciones modernas.

El tema combina versos melódicos con un ritmo ideal para la radio y las playlists de vibe relajado, creando una atmósfera que invita tanto al movimiento como a la introspección. La producción, cuidada y actual, permite que cada matiz vocal respire y que la letra ocupe el centro de la escena sin perder la energía bailable que el género requiere.

La colaboración con Ray Bryan aporta un contraste interesante al tema. La voz de Drejah, con su versatilidad y su capacidad para transmitir emociones sutiles, se entrelaza con la energía más directa de Bryan, creando un diálogo que enriquece la canción y la dota de una dimensión adicional. Esta unión resulta especialmente acertada en un mercado donde las colaboraciones suelen ser el trampolín perfecto para impulsar carreras emergentes.

Drejah se caracteriza por fusionar ritmos pegajosos con una estética moderna, moviéndose con naturalidad entre el reggaetón, el R&B y el pop urbano. Su versatilidad vocal le permite explorar distintos registros sin perder la coherencia, construyendo una identidad artística que trasciende las etiquetas y apuesta por la autenticidad.

Aunque todavía está construyendo su camino hacia el mainstream, Drejah ha logrado captar la atención de un público que valora su capacidad para imprimir sensibilidad a sus letras. Lejos de limitarse a repetir fórmulas comerciales, la artista aborda temas de empoderamiento, deseo y relaciones modernas con un toque personal que la distingue. Esa honestidad, esa forma de cantar desde la experiencia sin perder la frescura, es precisamente lo que está construyendo a su alrededor una base de seguidores cada vez más fiel.

El lanzamiento de “Nadie Como Tú” supone un movimiento inteligente en la carrera de Drejah. La colaboración con Ray Bryan le permite ampliar su alcance y presentarse ante nuevas audiencias, mientras que la elección de una temática romántica y accesible facilita su entrada en playlists y radios de todo el país. En la industria colombiana actual, donde las colaboraciones están demostrando ser el vehículo perfecto para el despegue de nuevos talentos, este sencillo llega en el momento justo.

La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de complicidad y exclusividad que Drejah y Ray Bryan han sabido crear con sensibilidad y oficio. Una declaración de amor para quienes han encontrado a alguien único, para quienes saben que hay conexiones que no se repiten.

El artista Daniel. lanza “PROMETO”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, una emotiva pieza que transmite un mensaje profundo de amor, lealtad y promesas que nacen del corazón, combina sonidos actuales con una letra sincera que habla de mantener la fe en el amor incluso en los momentos más difíciles.

“PROMETO” nace desde la convicción de que las promesas verdaderas son aquellas que se hacen con el corazón, sin esperar nada a cambio. La letra, cargada de honestidad, reflexiona sobre ese compromiso que va más allá de las palabras, esa decisión de estar presente pase lo que pase, de sostener al otro cuando todo parece tambalearse. Es una canción sobre la lealtad, sobre la importancia de cumplir lo que se dice, sobre la fuerza que se necesita para mantener la fe en el amor cuando las circunstancias empujan en dirección contraria.

Con una atmósfera moderna y una producción envolvente, el tema logra un equilibrio perfecto entre la energía contemporánea y la profundidad emocional. Cada elemento sonoro está al servicio del mensaje, creando un espacio donde la voz de Daniel. puede desplegarse con naturalidad y transmitir toda la emoción que la letra requiere.

La producción de “PROMETO” apuesta por una sonoridad actual pero sin perder la calidez necesaria para que la emoción respire. Los arreglos, cuidados y precisos, construyen una atmósfera que envuelve al oyente desde los primeros compases, acompañando la evolución de la letra sin eclipsar nunca la interpretación vocal. El resultado es una canción que suena a la vez moderna y atemporal, pensada para conectar con un público amplio que busca en la música algo más que entretenimiento.

El lanzamiento viene acompañado de una propuesta visual que refuerza el mensaje de la canción y busca crear una experiencia emocional completa para el público. Las imágenes, cuidadosamente concebidas, amplían el universo de “PROMETO” y ofrecen una nueva dimensión desde la que habitar la canción.

“PROMETO” refleja la esencia artística de Daniel., un proyecto musical que apuesta por melodías intensas, emociones auténticas y un estilo que fusiona sensibilidad y energía contemporánea. Con este nuevo sencillo, el artista continúa consolidando su identidad musical y su conexión con oyentes que buscan canciones con significado y sentimiento, alejadas de lo superficial y cercanas a la experiencia humana más genuina.

En un panorama musical a menudo saturado de propuestas vacías, la apuesta de Daniel. por la honestidad y la profundidad se convierte en un valor diferencial. “PROMETO” es una invitación a creer en el amor, a mantener la fe en las promesas y a recordar que, a veces, lo más valioso que podemos ofrecer es nuestra palabra.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de compromiso y emoción que Daniel. ha sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes entienden que las promesas, cuando nacen del corazón, son capaces de sostener el mundo.

El cantante gaditano Gonzalo Hermida vuelve a subirse a los escenarios con un espectáculo renovado. Bajo el título “Bandera Libertad”, el artista ha anunciado las primeras fechas de su nueva gira, un recorrido que lo llevará por quince ciudades españolas en los próximos meses y que promete contagiar al público de energía positiva a través de sus grandes éxitos y las canciones de su último trabajo discográfico .

“Bandera Libertad” es el tercer álbum de estudio de Gonzalo Hermida, lanzado oficialmente el 26 de septiembre de 2025 . El disco, que da nombre a esta gira, representa una etapa de madurez para el cantautor gaditano, fusionando un sonido pop fresco con sus raíces andaluzas y toques flamencos. Según el propio artista, el álbum es una oda a la libertad, el amor y la valentía, resultado de un profundo proceso de introspección que busca conectar con el público desde la emoción más auténtica .

Entre las canciones que forman parte de este trabajo se encuentran temas como “Mamá Te Prometí”, una emotiva colaboración junto a Andrés Koi que habla de libertad y valentía; “Que No Se Acabe La Noche”, un himno festivo que invita a disfrutar del presente; “La Bandera”, que da título al disco; y “Nadie Se Muere De Amor”, una reflexión sobre la superación de las despedidas .

El álbum ha sido descrito como “una pintada canalla al amor, a la libertad y a la pasión en forma de música y diseño”, un trabajo para disfrutar de Gonzalo Hermida en su estado más libre y valiente, donde abraza un pop fresco sin desprenderse de la esencia flamenca que es marca de la casa .

Las ciudades confirmadas en este primer anuncio son A Coruña, Cádiz, Badajoz, La Palma, Sanlúcar de Barrameda, Zaragoza, Salamanca, Málaga, Bilbao, Sevilla, Valladolid, Albacete, Valencia, Córdoba y Granada. Una gira que llevará al artista por gran parte de la geografía española y que supone, según sus propias palabras, la presentación en directo más importante de su carrera hasta la fecha.

Entre las fechas ya confirmadas, destaca el concierto del próximo 23 de abril en el Gran Teatro Falla de Cádiz, su ciudad natal, donde las entradas ya están disponibles a través de Bacantix con precios que oscilan entre los 15 y los 60 euros, incluyendo opciones de Meet & Greet para los fans más fieles . El 27 de noviembre, Hermida recalará en la Sala Clandestino de Albacete, un concierto para el que las entradas ya pueden adquirirse a través de gonzalohermidaoficial.com. El 14 de noviembre, el artista se presentará en Granada, en un escenario aún por confirmar .

Las entradas para todos los conciertos ya están disponibles en la web oficial del artista, gonzalohermidaoficial.com, así como en los puntos de venta habituales de cada ciudad.

Los conciertos de la gira “Bandera Libertad” combinarán las canciones del nuevo álbum con algunos de los grandes éxitos que han marcado la trayectoria de Gonzalo Hermida. Temas como “La Ciudad Intermitente”, nominada a mejor canción pop en los premios de la Academia de la Música de España; “La Promesa”, cabecera de la serie número 1 en España de TVE; “La Vida Es Hoy”; o “Quien lo diría”, la canción con la que participó en el Benidorm Fest en su primera edición, formarán parte de un repertorio diseñado para que el público cante a pleno pulmón .

Tampoco faltarán en el setlist otros temas muy queridos por sus seguidores, como “Donde Digan Las Estrellas” o las canciones que grabó junto al argentino Coti durante su participación en el programa “Dúos Increíbles” de TVE, donde ambos conquistaron el primer puesto .

Gonzalo Hermida nació en Cádiz el 26 de junio de 1995 y empezó su carrera musical componiendo para algunos de los artistas más importantes del panorama nacional e internacional. Canciones como “Cenizas” de Malú, “El lado bueno de las cosas” de Antonio José o “Gris” de India Martínez llevan su firma, además de temas para artistas como Pastora Soler, Sergio Dalma o Prince Royce, entre muchos otros .

Años más tarde, Hermida se lanzó al mundo como intérprete de sus propias canciones, publicando los álbumes “Ignífugo” y “La Ciudad Intermitente”. Este último contenía “La Promesa”, que se convirtió en la cabecera de la serie homónima de TVE, y el tema que le llevó al Benidorm Fest en 2022. Su carrera en solitario le ha valido reconocimientos como el Premio Cadena Dial a Nuevo Artista, consolidando su posición como una de las voces más sólidas del panorama musical español .

Con esta nueva gira, Gonzalo Hermida demuestra que su momento es ahora. Un espectáculo donde la libertad es la protagonista y donde el público está invitado a cantar, emocionarse y crear un recuerdo imborrable al compás de unas canciones que hablan de amor, de vida y de esperanza.

El cantante mexicano Carlos Rivera presenta “Donde Estés, Donde Estoy”, el focus track de su nuevo álbum “¡Vida México!”, lanzado este mismo marzo de 2026. El tema, una balada de mariachi con una carga emocional desgarradora, cuenta con la colaboración de Marisela, “La Dama de Hierro”, creando un contraste perfecto entre la voz impecable del “Rey del Pop Mexicano” actual y el estilo pasional y veterano de una de las grandes voces de la música romántica. La producción, a cargo de Edén Muñoz, garantiza ese sonido impecable que mezcla lo tradicional del regional con la limpieza del pop moderno.

“Donde Estés, Donde Estoy” aborda el luto amoroso y la dificultad de dejar ir. La letra, cargada de imágenes poderosas, habla de esa espera imposible, de la certeza de que quien se fue no volverá y aun así la espera no cesa. Frases como “Yo sé que jamás vas a volver y aun así te espero” o “desde entonces no ha dejado de llover aquí en mis ojos” resumen esa mezcla de conciencia y negación, de saber que no hay vuelta atrás pero no poder evitar anhelarla.

La colaboración entre Carlos y Marisela aporta una dimensión especial al tema. Sus voces se entrelazan en un diálogo que parece una conversación entre el dolor presente y la experiencia de quien ya ha pasado por eso, creando una atmósfera de complicidad generacional que enriquece cada verso. Carlos ha mencionado que esta colaboración es un honor absoluto, ya que considera a Marisela un referente histórico de la música romántica, y esa admiración se nota en cada nota compartida.

“Donde Estés, Donde Estoy” forma parte del disco “¡Vida México!”, un proyecto de quince canciones donde el mariachi es el gran protagonista. Este álbum supone un homenaje total a las raíces de Carlos Rivera y a la memoria de su padre, una declaración de amor a la tierra que lo vio nacer y a la música que ha acompañado su vida desde siempre.

Además de Marisela, el disco incluye colaboraciones de lujo que lo convierten en un acontecimiento único dentro de la música mexicana. Alejandro Fernández participa en “Sin Despedida”, Pepe Aguilar en “Conversaciones Con Mi Almohada”, Ana Bárbara en “Cuento de Nunca Acabar”, y Natalia Lafourcade en una nueva versión de “Recuérdame” como bonus track. Un elenco de artistas que habla del respeto y el cariño que Carlos se ha ganado a lo largo de su carrera.

La producción de Edén Muñoz, uno de los nombres más respetados del regional mexicano actual, aporta una calidad sonora que equilibra la tradición del mariachi con la claridad del pop contemporáneo. Cada instrumento, cada arreglo, cada respiración está en su sitio, creando un trabajo que suena a la vez clásico y actual.

El lanzamiento del disco coincidió con la develación de un mural de Carlos Rivera en el famoso Salón Tenampa de la Ciudad de México, el lugar más sagrado para el mariachi. Un reconocimiento que sitúa al artista en el centro de la tradición musical mexicana y que refuerza su vínculo con las raíces que celebra en este álbum.

El próximo hito en su carrera será el 9 de mayo de 2026, cuando se presente por primera vez en la emblemática Plaza de Toros La México. Un concierto que promete ser histórico y donde seguramente Marisela aparecerá como invitada especial para interpretar este single en vivo, en lo que sería uno de los momentos más emotivos de la noche.

Con “Donde Estés, Donde Estoy” y “¡Vida México!”, Carlos Rivera demuestra que su lugar en la música mexicana está más que consolidado. Un artista que, desde su Tlaxcala natal, ha conquistado escenarios de todo el mundo sin perder nunca la esencia que lo define. La canción ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de desamor y tradición que solo un artista con su sensibilidad puede crear.

El artista sevillano Álvaro de Luna lanza “Dime dónde estás”, el primer adelanto de su tercer álbum de estudio, un tema que marca el inicio de una “nueva era” musical para el cantante. La canción, ya disponible en plataformas digitales, supone un giro en su sonido hacia el pop-rock con influencias anglo, dejando atrás el pop más comercial que lo había caracterizado en sus trabajos anteriores para abrazar una propuesta más directa, con guitarras contundentes y una producción muy sólida a cargo de Paco Salazar.

A simple vista, “Dime dónde estás” podría interpretarse como la clásica canción de búsqueda de un amor perdido. La letra, con su estribillo directo y su declaración de “iré a buscarte”, parece apuntar a esa dirección. Sin embargo, el propio Álvaro ha confesado en entrevistas recientes que, en realidad, el tema trata sobre algo mucho más profundo: echarse de menos a uno mismo. Es un ejercicio de introspección sobre reencontrarse después de una etapa de cambios, sobre la necesidad de volver a conectar con esa parte de uno mismo que se ha perdido en el camino.

Esta lectura transforma por completo la experiencia de escuchar la canción. Versos como “Tú que fuiste mi barrio como un perro sin dueño” adquieren una dimensión nueva cuando se entienden como una metáfora de la propia identidad, de esa parte de nosotros que ha vagado sin rumbo y necesita ser encontrada. La búsqueda deja de ser externa para convertirse en un viaje interior, y el tema gana en profundidad y matices.

El videoclip, con una carga visual muy potente, termina de redondear el mensaje. En él, Álvaro aparece literalmente “pasado por agua”, una imagen que simboliza una especie de purificación o renacimiento artístico. Como si el agua pudiera limpiar lo viejo para dar paso a lo nuevo, como si ese bautismo fuera necesario para empezar esta nueva etapa.

“Dime dónde estás” es la carta de presentación de “Azulejos”, el próximo disco de Álvaro de Luna cuyo lanzamiento está previsto para después del verano de 2026. El título, evocador y profundamente español, apunta ya a una búsqueda de raíces, de identidad, de esa mezcla de tradición y modernidad que define al artista.

En este nuevo proyecto, Álvaro busca una identidad más honesta y vulnerable. Tras el éxito masivo de temas como “Todo Contigo”, que lo catapultaron a la fama, el sevillano quiere explorar emociones más reales y menos artificiosas, construyendo un cancionero que conecte desde la verdad y no desde la fórmula. La producción de Paco Salazar, sólida y cuidada, aporta el marco perfecto para que esas emociones encuentren su cauce.

El éxito no se ha hecho esperar. A solo unos días de su estreno, la canción ya ha entrado con fuerza en las listas de éxitos, debutando directamente en puestos altos de radios como Canal Fiesta. Una muestra de que el público está listo para acompañar a Álvaro en esta nueva etapa.

Natural de Sevilla, Álvaro de Luna comenzó a componer canciones con su guitarra desde muy joven. Aunque estudió Derecho y Administración de Empresas, su pasión por la música pudo más y decidió probar suerte en el programa “La Voz” en 2017, donde llegó a la final. Aquella experiencia le sirvió para darse a conocer, pero su verdadero despegue llegó con el lanzamiento de “Todo Contigo”, que lo consolidó como una de las nuevas voces del pop español.

El 2025 fue un año de transición en el que lanzó varios sencillos como “Nuestra Canción” o “en tu costado”, pero este 2026 se perfila como su año de consolidación definitiva. Con una gira de festivales programada para la primavera y el verano, Álvaro presentará este nuevo sonido en los principales escenarios del país, preparando el terreno para lo que vendrá después.

Para cuando salga el álbum “Azulejos”, el artista tiene confirmado que prepara un espectáculo totalmente diferente, con una banda reforzada para potenciar ese sonido rockero que ahora explora. Un show que promete estar a la altura de una nueva era que apenas comienza.

La banda madrileña Malos Trapos presenta “Quema”, su nuevo sencillo que cuenta con la colaboración de Diego Cabello, cantante de Zisne Blanco. El tema, ya disponible en plataformas digitales, es un puro ejercicio de rock que desprende energía desde el primer riff y que invita a bailar y a escapar de la ciudad y sus problemas, convirtiéndose en un himno de liberación y catarsis colectiva.

La unión de Malos Trapos con Diego Cabello resulta explosiva. La voz del cantante de Zisne Blanco se integra a la perfección con la energía de la banda madrileña, creando un diálogo que potencia el mensaje de la canción. “Quema” habla de esa necesidad de huir, de dejar atrás lo que nos asfixia, de buscar espacios donde poder ser uno mismo sin las presiones de la vida urbana. Es una invitación a la fuga, pero también a la celebración, a convertir el escape en una fiesta compartida.

La letra, directa y sin rodeos, conecta con esa sensación de ahogo que a veces provoca la ciudad, con esas ganas de saltarse las normas y dejarse llevar por el instinto. El estribillo, pegadizo y coreable, funciona como un grito de guerra para quienes necesitan quemarlo todo y empezar de nuevo.

La producción de “Quema” ha corrido a cargo de Víctor Saiz, uno de los nombres más interesantes de la nueva escena independiente, conocido por su trabajo con bandas como Noviembre o Cives. Su sello se nota en la solidez del sonido, en la claridad de cada instrumento y en la capacidad para capturar la energía del rock sin perder la calidez de lo analógico. Las guitarras suenan afiladas, la base rítmica empuja con fuerza y la voz se sitúa en el centro, transmitiendo toda la emoción que la letra requiere.

El videoclip, realizado por Visuala Studio —responsables de trabajos para bandas como Marlon, Playa Cuberris o Sidecars—, apuesta por una estética sencilla pero impactante. Las imágenes refuerzan ese mensaje de huida y liberación, creando una atmósfera visual que complementa a la perfección la potencia de la canción. Sin grandes alardes, pero con una dirección clara, el vídeo consigue transmitir la esencia del tema.

“Quema” es el último single del grupo madrileño antes del lanzamiento de su disco “De Cabeza Y Corazón”, que verá la luz esta primavera. Un título que ya adelanta la dualidad que recorre el álbum: la lucha entre la razón y el sentimiento, entre lo que se piensa y lo que se siente, entre la cabeza y el corazón. Las canciones prometen explorar ese territorio fronterizo donde las decisiones se toman a partes iguales con la mente y con las tripas.

Malos Trapos se consolida así como una de las bandas más interesantes del rock nacional actual, con una propuesta que bebe de las raíces del género pero que suena fresca y contemporánea. Su capacidad para crear himnos coreables sin perder la contundencia del rock los sitúa en un lugar privilegiado dentro de la escena independiente.

“Quema” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de escape y liberación que Malos Trapos y Diego Cabello han sabido crear con oficio y sensibilidad. Una canción para quemarlo todo y renacer de las cenizas.

La banda danesa Vinyl Floor presenta “Balancing Act”, su sexto lanzamiento de larga duración, ya disponible desde el 27 de febrero de 2026 en CD, vinilo, descarga y plataformas de streaming. El álbum, publicado a través de su propio sello Karmanian Records (Kar Rec) con distribución de The Orchard y Gateway Music, encuentra al dúo formado por los hermanos Daniel Pedersen y Thomas Charlie Pedersen explorando nuevas dimensiones de su sonido de rock melódico, en una progresión natural de su anterior trabajo “Funhouse Mirror”.

“Balancing Act” presenta todos los sonidos característicos de Vinyl Floor: una base sólida de batería, bajo y guitarras, coloreada con una variedad de trompas, cuerdas, elementos electrónicos y esas armonías vocales distintivas que se han convertido en su sello de identidad. La banda ha optado por un sonido vintage cálido y orgánico, con una producción clara y matizada que pone un fuerte énfasis en la melodía, los ganchos y las letras.

Las trece canciones que componen el álbum fueron grabadas en un proceso meticuloso que combinó la energía del directo con la precisión del estudio. Las pistas básicas se registraron en vivo durante el otoño de 2024 en Studio Möllan, en Malmö (Suecia), junto al renombrado productor e ingeniero sueco Emil Isaksson. Posteriormente, los hermanos realizaron todas las sobregrabaciones y voces en su propio estudio en Copenhague durante la primera mitad de 2025. La mezcla y masterización corrieron a cargo de Søren Vestergaard en The Shelter, garantizando un acabado sonoro de primer nivel.

“Balancing Act” es mucho más que una colección de canciones. Se trata de un álbum conceptual que aborda la difícil tarea de equilibrar la vida y la búsqueda de belleza y significado en un mundo lleno de caos, traición, inseguridad y falsas promesas. Un mundo que, en sí mismo, parece estar fuera de equilibrio. Las letras, escritas íntegramente por los hermanos Pedersen, reflexionan sobre esa lucha constante por mantener el equilibrio en medio de la tormenta, por encontrar un punto de apoyo cuando todo parece tambalearse.

Las canciones transitan por distintos estados emocionales, desde la introspección más profunda hasta la energía más desbordante, siempre con ese hilo conductor que da coherencia al conjunto. La variedad de texturas sonoras —con cuerdas, trompas y elementos electrónicos— contribuye a crear un paisaje musical rico y matizado que invita a múltiples escuchas.

Aunque los hermanos Pedersen se encargaron de la mayoría de los instrumentos ellos mismos, para este álbum contaron con la participación de músicos invitados de primer nivel que aportan una dimensión extra al sonido de la banda. El multiinstrumentista sueco Bebe Risenfors, conocido por su trabajo con Tom Waits en los álbumes “Alice”, “Blood Money” y “Orphans”, contribuyó con una selección de trompas y contrabajo en cuatro canciones. Christian Ellegaard, músico clásico y miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional Danesa, se encargó de las cuerdas en cinco temas. Y el guitarrista Daniel Hecht (Franklin Zoo, The Breakers) aportó guitarras adicionales en dos pistas.

La portada del álbum es una pintura de la artista sueca Kristina Jellstam, mientras que el diseño artístico corre a cargo de Kristian Kokholm, completando un cuidado trabajo de presentación que está a la altura de la calidad musical.

Vinyl Floor se formó en 2007 en Copenhague, Dinamarca, y desde entonces ha construido una sólida carrera basada en la honestidad artística y la calidad compositiva. A lo largo de su trayectoria, la banda ha ofrecido más de doscientos conciertos y ha girado por Reino Unido, Alemania y Japón, consolidando una base de seguidores que valora su propuesta. Han disfrutado de difusión en radio nacional en Dinamarca y a nivel internacional, incluyendo emisoras como Amazing Radio y iHeart Radio en Nueva York.

Su música, inspirada principalmente por el rock y pop británico de los años sesenta y setenta, se enriquece con elementos clásicos y modernos que le otorgan una personalidad única. Con “Balancing Act”, Vinyl Floor demuestra que su capacidad para evolucionar sin perder la esencia sigue intacta, ofreciendo un trabajo que confirma por qué son una de las bandas más respetadas del rock melódico danés.

El álbum ya está disponible en plataformas digitales y en formato físico, invitando a sumergirse en ese viaje de equilibrio y belleza que los hermanos Pedersen han sabido crear con sensibilidad y oficio. Una obra para escuchar con atención, para dejarse llevar por sus matices y para encontrar, quizá, algún eco de nuestras propias luchas por mantener el equilibrio.

La promotora Dn7 Music, junto con Boomstage Music, presenta “Leyendas del Reggaetón”, un gran evento musical que reunirá en Madrid a algunos de los nombres más destacados del género urbano. El concierto tendrá lugar el 30 de julio en el Movistar Arena, y promete convertirse en una de las citas imprescindibles del verano para los amantes del reggaetón.
Las entradas ya están a la venta para este espectáculo que reunirá a artistas históricos y referentes de la escena urbana.

Entre los primeros artistas confirmados del cartel se encuentran Omega, Ángel López, DJ Nelson, Alberto Stylee, DJ Candy Boy, Juanfran, Carlos Heredia, Alda y DJ Valdi, quienes llevarán al escenario algunos de los temas que han marcado la historia del reggaetón. La organización ha anunciado además que próximamente se confirmarán nuevos artistas, ampliando un cartel que promete ser uno de los más completos del género en España.

El evento contará también con invitados especiales del mundo de la televisión y la música de Colombia. Entre ellos destaca Alisson Joan, actriz y cantante que interpreta a “Sky” en La Reina del Flow 3 y cuyos temas se han posicionado en listas como Spotify Viral 50 y TikTok Viral 50. La artista también ha participado en producciones como Romina Poderosa, Arelys Henao o Pedro el escamoso: más escamoso que nunca.

A ella se sumarán Kiño, actor, productor y cantante conocido por su participación en series como Rosario Tijeras, Lady, la vendedora de rosas y La Reina del Flow 1, 2 y 3, donde interpreta al personaje “AXL”; y Carlos Fernández, actor y cantante que ha participado en producciones como Loquito por ti y La Reina del Flow 2 y 3, donde interpreta a “Ángel Botero”.

La gala estará presentada por dos reconocidos actores colombianos: Lucho Velasco, actor, productor y director con una amplia trayectoria en series como La Reina del Sur, La Piloto o Sin senos sí hay paraíso, recordado especialmente por su papel de “Manín” en la exitosa serie de Netflix La Reina del Flow; y Pedro Pablo Ochoa, conocido por interpretar a “El Búho” en La Reina del Flow 1, 2 y 3 y por sus apariciones en series como El Cartel de los Sapos, Arelys Henao o Rosario Tijeras.

Con un espectáculo que combinará música, invitados especiales y grandes momentos para los fans del género urbano, “Leyendas del Reggaetón” se perfila como uno de los eventos más destacados del año en Madrid. La organización ha adelantado que en los próximos días se anunciarán nuevos artistas y sorpresas que completarán el cartel de esta gran celebración del reggaetón.

Con este anuncio, “Leyendas del Reggaetón” se posiciona como uno de los eventos urbanos más destacados del verano en Madrid, apostando por un formato que combina actuaciones en directo, invitados del universo televisivo latino y la reunión de varias figuras ligadas a la historia del género.

Puedes comprar tus entradas en Baila FM

La artista Xerach presenta el videoclip de “Pobre diabla”, una versión personal e intensa del clásico de Don Omar que transforma el tema original en una pieza queer, nocturna y bailable. La producción, dirigida y editada por Camila Cortondo, une música y danza en un mismo gesto físico y juega con distintas velocidades como metáfora del diálogo entre pasado y presente, creando una experiencia audiovisual que va más allá de la simple reinterpretación.

“Pobre diabla”, el éxito de Don Omar que marcó a toda una generación, encuentra en Xerach una mirada nueva, una lectura que actualiza su significado y lo sitúa en un contexto contemporáneo. La canción, que originalmente hablaba de esa contradicción de querer a alguien que sufre por quien no la merece, se convierte aquí en un tema intenso y bailable que transita del pop electrónico al reggaetón, con sintetizadores brillantes, bajos envolventes y una tensión ascendente que no da tregua.

La propuesta de Xerach se sitúa en la línea de artistas como Bad Gyal y Belén Aguilera, combinando la energía de la pista de baile con una profundidad emocional que rasca donde duele y, aun así, obliga a bailar. Es una canción queer y nocturna, pensada para esos momentos en que la música no solo entretiene, sino que también acompaña y da voz a experiencias que a menudo quedan fuera del relato mainstream.

El videoclip, producido por Parásito Films bajo la producción de La Mare, cuenta con la dirección coreográfica de Rocío Barriga y la danza de Claudia Bosch y la propia Barriga. La dirección de fotografía y color corre a cargo de Macarena Castro, mientras que la foto fija es de María Claudia Quiroz y el maquillaje y peluquería de Sarai Núñez. Un equipo técnico y artístico de primer nivel que ha logrado plasmar visualmente esa tensión entre pasado y presente, entre el deseo y el dolor, que atraviesa la canción.

Las distintas velocidades a las que juega el vídeo funcionan como metáfora de ese diálogo temporal, de esa conversación entre la Xerach de ahora y la música que la acompañó en otros momentos de su vida. La danza, protagonista absoluta, aporta una dimensión física que refuerza la idea de que esta canción no es solo para escucharla, sino para sentirla en el cuerpo.

Xerach, formada y becada en la prestigiosa Berklee College of Music, consolida con este lanzamiento un proyecto artístico que combina riesgo creativo, solidez musical y una identidad propia cada vez más definida sobre el escenario. Su capacidad para revisitar un hit histórico como “Pobre diabla” y convertirlo en un himno queer —una canción para quienes han amado a alguien que no puede o no sabe salir de donde le duele— demuestra su talento para encontrar nuevas lecturas en materiales conocidos y actualizarlos sin perder su esencia.

Esta versión no es solo un homenaje, sino una apropiación, una forma de decir que estas canciones también nos pertenecen, que también pueden contar nuestras historias. Y lo hace con una calidad musical y una producción impecables que no tienen nada que envidiar a las grandes producciones internacionales.

Xerach se encuentra inmersa en una intensa actividad de directos, con fechas confirmadas en los próximos meses. El 21 de marzo estará en Almacen Femme (Lanzarote), el 27 de marzo en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria dentro del ciclo Autoras, y el 29 de marzo en TEA Agaete (Gran Canaria). El 10 de abril compartirá escenario con Alice Wonder en Murcia, y el 18 de abril con Camela en Jerez.

El 19 de abril presentará su segundo disco, “Tú me quieres? Yo te adoro”, en la Sala Villanos de Madrid, una cita imprescindible para sus seguidores. En mayo y junio continuará compartiendo cartel con Camela en Guadalajara (15 de mayo), Salamanca (16 de mayo), Vitoria (23 de mayo), Logroño (30 de mayo) y Santiago de Compostela (13 de junio), para cerrar el 4 de julio en Tarragona, también junto al icónico dúo.

Con esta versión de “Pobre diabla”, Xerach demuestra que la música puede ser un espacio de reinvención constante, donde los clásicos encuentran nuevas vidas y las historias de siempre pueden ser contadas desde otras miradas. 

La cantante, nominada al Latin Grammy y dueña de una de las voces más poderosas del panorama urbano, debutará en las Islas Canarias el próximo 17 de julio con un espectáculo visual de primer nivel.

El Puerto de Santa Cruz de Tenerife se prepara para recibir a una de las artistas más influyentes de la nueva ola latina. Greeicy, la estrella multiplatino colombiana, ha sido confirmada como uno de los platos fuertes del Tenerife Cook Music Fest, que celebrará su tercera edición los días 16, 17 y 18 de julio de 2026.

La cita, que tendrá lugar en el recinto portuario de la capital tinerfeña, marcará un hito en la carrera de la intérprete de "Los Besos", ya que supone su debut absoluto en el archipiélago canario. Greeicy llega a la isla para demostrar por qué es considerada un fenómeno generacional, combinando su indiscutible talento vocal con una propuesta escénica que promete ser una de las más ambiciosas del festival.

El concierto de Greeicy, programado para la jornada del viernes 17, no será una actuación convencional. Según han avanzado los organizadores, la colombiana desembarcará en Tenerife con un despliegue coreográfico de primer nivel internacional y una producción visual de vanguardia. El espectáculo ha sido diseñado como una experiencia inmersiva en la que la fusión del pop con ritmos urbanos —su sello personal— envolverá al público asistente.

Con una carrera que acumula cientos de millones de reproducciones en plataformas digitales gracias a éxitos como "Más fuerte", "Destino" o "Amantes", Greeicy llega avalada por múltiples nominaciones a los Latin Grammy, consolidándose como una de las máximas representantes del nuevo sonido latino. Su magnetismo sobre las tablas y su capacidad para conectar con la audiencia la han convertido en una artista imprescindible en los principales festivales internacionales.

La inclusión de Greeicy en el cartel refuerza la apuesta del Tenerife Cook Music Fest por traer a la isla a los grandes nombres de la música actual. La artista colombiana compartirá escenario con pesos pesados del género como Don Omar, Chayanne, Myke Towers, Lola Índigo o Farruko, configurando una de las alineaciones más potentes del verano en Europa.

El festival no solo ofrecerá música en directo, sino que se presenta como una experiencia integral que marida los grandes conciertos con la gastronomía de kilómetro cero, aprovechando el incomparable entorno del puerto tinerfeño.

Las entradas para el Tenerife Cook Music Fest ya están disponibles a través de la página web oficial del evento, cookmusicfest.es. Dada la magnitud del cartel y la exclusividad de contar con artistas de la talla de Greeicy en su primera visita a Canarias, se espera una alta demanda para todas las jornadas del festival, que cuenta además con el respaldo institucional del Gobierno de Canarias, Turismo Islas Canarias, el Cabildo de Tenerife y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, entre otras entidades.

La cita del 17 de julio se perfila ya como una noche histórica para los seguidores de la música latina en el archipiélago, que podrán disfrutar por primera vez en directo de la fuerza y el carisma de Greeicy.

La artista italiana Laura Pausini lanza hoy su versión de “¿Por qué te vas?”, el icónico tema de 1974 interpretado originalmente por Jeanette y compuesto por el legendario José Luis Perales. Este sencillo se convierte en el último adelanto de su esperadísimo disco “Yo Canto 2”, la versión en español de “Io Canto 2”, que verá la luz este viernes 13 de marzo de 2026. Una reinterpretación que llega cargada de significado personal y que promete presentar el clásico a una nueva generación de oyentes.

La historia detrás de esta elección musical tiene un componente profundamente personal. Laura ha confesado que se enamoró de la canción hace poco tiempo, tras la recomendación de un amigo en Madrid. Lo que terminó de convencerla para grabarla fue un descubrimiento sorprendente: el tema original se lanzó en 1974, el mismo año en que ella nació. Esta coincidencia le otorgó un significado emocional inmediato, como si el destino hubiera querido unir su historia con la de esta canción que ha atravesado generaciones.

Además, la artista ha mencionado que su hija de doce años no conocía la versión original, y ese fue otro de los motivos que la impulsaron a incluirla en el álbum. Su deseo de que las nuevas generaciones descubrieran este clásico a través de su voz se convierte así en un puente entre épocas, en una forma de mantener viva una canción que forma parte del imaginario colectivo.

A diferencia de la suavidad melancólica que Jeanette imprimió a la versión original, Laura Pausini aporta su potencia vocal característica, pero sin perder ese aire vintage y setentero que hace reconocible el tema. La producción, moderna pero respetuosa con la esencia de “himno generacional” que tiene la canción, logra un equilibrio perfecto entre la calidez de la época y la claridad del sonido contemporáneo. El resultado es una versión que suena a la vez familiar y nueva, que respeta la memoria del original pero se atreve a imprimirle el sello inconfundible de una de las voces más poderosas del panorama internacional.

El videoclip, estrenado hoy mismo, apuesta por una estética puramente setentera, con colores saturados y un estilo visual que rinde homenaje a esa década. Las imágenes transportan al espectador a una época marcada por la libertad creativa y la experimentación visual, creando un marco perfecto para una canción que, aunque nacida en aquellos años, sigue emocionando hoy con la misma fuerza.

Este single es el último adelanto de “Yo Canto 2”, un proyecto que continúa el legado del álbum homónimo que Laura publicó en 2006 . Aquel disco, con el que rindió homenaje a los grandes clásicos italianos y los proyectó al mundo, marcó un punto de inflexión en su carrera que la llevó, en 2007, a convertirse en la primera mujer en conquistar el estadio San Siro ante 70.000 personas . Ahora, casi dos décadas después, retoma esa misma filosofía pero ampliando el foco: “Yo Canto 2” incluirá versiones de canciones fundamentales de la cultura hispana e italiana, aquellas que han marcado su vida o que considera imprescindibles.

Entre el repertorio confirmado para este viernes se encuentran éxitos de artistas como Mecano con “Hijo de la Luna” y Gloria Estefan con “Oye mi canto”, además de otras sorpresas que completan un trabajo que la propia artista ha definido como “el resumen de mi profesión: rendir homenaje a canciones del pasado de mis ídolos, más que compañeros y amigos, como una de las mayores formas de respeto” .

El lanzamiento de este single y del álbum es el pistoletazo de salida para el “Yo Canto World Tour 2026/2027”, la undécima gira mundial de la artista, que comenzará el próximo 27 de marzo en Pamplona (Navarra Arena) . Por primera vez en su carrera, el inicio no será en Italia sino en España, un país que la italiana ha reconocido sentir como propio y que forma parte de su historia desde sus inicios .

Tras su paso por España, con conciertos en Tenerife (29 de marzo), Barcelona (2 de abril), Valencia (4 de abril) y Madrid (6 de abril) , la gira continuará por Latinoamérica, con fechas en Uruguay, Argentina, Chile, Perú, Colombia, Ecuador, Costa Rica, México, República Dominicana y Puerto Rico. Posteriormente, llegará a Estados Unidos con conciertos en Miami, Orlando, Dallas, Los Ángeles, Chicago, Toronto y Nueva York. En otoño será el turno de Italia y las principales ciudades de Europa, para concluir en 2027 tras más de cincuenta conciertos .

“Para mí, los conciertos en vivo son quizás la parte más importante de cualquier proyecto. El verdadero objetivo de cada lanzamiento es el público”, ha explicado Laura en el anuncio de la gira . “Este año intentaré visitar el mayor número posible de ciudades y presentar un espectáculo que me represente al cien por cien. Estoy trabajando intensamente para definir el escenario, el repertorio y la producción adecuada para reflejar este nuevo capítulo de mi música”.

Con más de 75 millones de discos vendidos en todo el mundo, más de 6.000 millones de reproducciones y una carrera que supera las tres décadas, Laura Pausini demuestra una vez más que su música sigue tan viva como siempre . Su versión de “¿Por qué te vas?” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera setentera que la artista ha sabido recrear con sensibilidad y respeto. Una canción para recordar, para emocionarse y para descubrir que los clásicos, cuando están bien interpretados, nunca pasan de moda.

La cantante gaditana María Parrado, una de las voces más sólidas del pop melódico nacional, presenta “La Última”, una de las canciones centrales de su álbum “La niña que fui”, lanzado a finales de 2025. El tema, que ya está disponible en plataformas digitales, cuenta con un videoclip de estética cuidada que refuerza ese mensaje de madurez y reinvención que la artista quiere transmitir en esta nueva etapa de su carrera .

“La Última” es una canción de “cierre” en el sentido más profundo. Trata sobre ese momento en el que decides que una relación o una etapa ya no da para más y decides que esa será “la última” vez que permites que algo te afecte. Es un tema sobre el empoderamiento que surge después del dolor, sobre la fuerza que se necesita para poner límites y sobre la liberación que viene cuando finalmente se dice “basta”.

Musicalmente, la canción se despliega como una balada potente que comienza de forma muy íntima, con solo voz y piano o guitarra, para ir creciendo progresivamente hasta explotar en un estribillo con mucha fuerza vocal. En ese crescendo, María demuestra el control absoluto que tiene sobre su instrumento, esa capacidad para transmitir emoción contenida en los versos y desatarla sin perder el equilibrio en los momentos más intensos. La producción, moderna pero respetuosa con la esencia de la balada, envuelve su voz sin eclipsarla, permitiendo que cada matiz llegue con claridad.

El videoclip, estrenado en marzo de 2026, juega con la nostalgia y el paso del tiempo, reforzando ese mensaje de madurez que ella quiere transmitir ahora. Con una estética cuidada y elegante, la pieza visual complementa a la perfección la hondura de la canción, creando una experiencia completa que va más allá de lo puramente auditivo .

María Dolores Parrado Ávila, nacida en Chiclana de la Frontera, Cádiz, el 28 de abril de 2001, es mucho más que aquella niña que ganó la primera edición de La Voz Kids en 2014 con Malú como coach . Con solo doce años, cautivó a millones de espectadores con su versión de “Lucía” de Joan Manuel Serrat, un tema que tiempo después tendría la oportunidad de cantar junto al propio artista . Su victoria le valió una beca de 10.000 euros y la oportunidad de grabar un disco con Universal Music, que se convertiría en su álbum debut homónimo, alcanzando el número 2 en las listas españolas y permaneciendo 46 semanas consecutivas en ellas .

Desde entonces, su carrera no ha hecho más que crecer. Ha publicado los álbumes “Abril” (2015), “Alas” (2018) y “Conmigo” (2022), además del EP “Vinilo” (2024) . Su voz ha sido la elegida para dar vida a la princesa Vaiana en las versiones españolas de las películas de Disney, incluyendo el éxito “Qué hay más allá”, y también puso voz a la BSO de “Annie” . A lo largo de su trayectoria, ha colaborado con artistas como Antonio José, Cepeda, Gonzalo Hermida, Andrés Ceballos de Dvicio y Blas Cantó, demostrando su versatilidad y su capacidad para conectar con otros talentos .

“La Última” forma parte de su proyecto más personal hasta la fecha, el álbum “La niña que fui”, publicado en 2025 . Este disco, que incluye colaboraciones con Blas Cantó, Laura Stangl, Lucas Curotto y David Parejo, conecta con sus raíces y refleja su crecimiento tanto artístico como vital . En él, María se reencuentra con la niña que soñaba con cantar, mezclando vulnerabilidad, madurez y una sensibilidad que la consolidan como una de las voces más auténticas de su generación .

El título del álbum es toda una declaración de intenciones: no se trata de olvidar el pasado, sino de integrarlo, de entender que la niña que fuimos sigue viva en la persona en que nos hemos convertido. Esa mirada compasiva hacia uno mismo, esa aceptación de las propias etapas, recorre cada una de las canciones del disco y encuentra en “La Última” uno de sus momentos más álgidos.

María Parrado ha dejado atrás la etiqueta de “niña prodigio” para convertirse en una artista con identidad propia. Su paso por programas como “Tu Cara Me Suena” (en 2020, 2023 y 2026), donde ha imitado a artistas como Azahara y Olivia Rodrigo, demuestra su versatilidad y su capacidad para enfrentarse a nuevos retos . Su voz, una soprano con un registro privilegiado, se ha ido moldeando con los años hasta encontrar ese tono cálido y expresivo que la caracteriza .

En su web oficial, María se define como alguien que “continúa cantando desde el corazón, fiel a su esencia y a esa niña que nunca dejó de soñar” . “La Última” es la prueba de que ese sueño sigue más vivo que nunca, y de que su música tiene mucho que ofrecer a quienes buscan emociones verdaderas envueltas en melodías cuidadas.

“La Última” invita a sumergirse en esa atmósfera de cierre y transformación que María Parrado ha sabido capturar con sensibilidad y oficio. Una canción para quienes necesitan poner fin a algo, para quienes buscan la fuerza para decir “basta” y para recordar que, a veces, lo más valiente es soltar.

El cantante y compositor madrileño Andrés Koi presenta “Mesita de Noche”, el último adelanto de su esperado nuevo trabajo discográfico antes de la salida de su álbum “Sol de Invierno”, prevista para el próximo 21 de marzo. La canción, que nace sin planificación previa bajo el influjo de una noche mexicana, se convierte en una radiografía del deseo y la fantasía, una pieza rápida y directa que captura esa electricidad de las cosas que no se planean.

Hay canciones que se piensan y otras que simplemente suceden. “Mesita de Noche” pertenece a las segundas. Escrita de manera espontánea, el tema surge durante una noche en México y se presenta como un retrato directo de la atracción y el anhelo, sin filtros ni mediaciones. “Sin pensarlo dos veces, el charango se convirtió en el protagonista, aportando un brillo terrenal a una base rítmica imparable”, explica el artista sobre el proceso creativo. “Junto con Pablo Cebrián terminamos la producción quedando una canción rápida, directa y con esa electricidad de las cosas que no se planean. Si buscas una canción que capture la adrenalina de un viernes por la noche, es esta”.

La presencia del charango, ese instrumento de origen andino, aporta una textura inesperada que enriquece la base rítmica y le otorga una personalidad única. La producción, cuidada pero sin perder la frescura de lo espontáneo, permite que cada elemento respire y que la energía del momento original se mantenga intacta.

Con este lanzamiento, Andrés Koi continúa explorando las diferentes facetas de su proyecto musical, un camino que inició hace varios años y que ahora atraviesa uno de sus momentos más creativos. Su música actual se apoya especialmente en la guitarra y el piano, con una producción cuidada que prioriza la emoción y la honestidad narrativa. En esta nueva etapa, el artista combina la experiencia acumulada a lo largo de su trayectoria con una mirada más íntima y reflexiva, construyendo un repertorio que conecta con un público que busca propuestas emocionales y contemporáneas dentro del pop en español.

“Mesita de Noche” se suma a los anteriores adelantos del álbum, como “Europa” y “Mal o bien”, que ya han ido desvelando las distintas direcciones sonoras de “Sol de Invierno”. Un trabajo que promete ser el más personal de su carrera, donde la honestidad y la emoción ocupan el centro de cada composición.

Andrés Koi se dio a conocer como integrante de la banda Dvicio, uno de los grupos de pop en español con mayor proyección internacional de la última década. Con Dvicio publicó varios álbumes de estudio y acumuló más de 600 millones de reproducciones en plataformas digitales, además de múltiples certificaciones de oro y platino por sus ventas. Durante esa etapa, la banda recibió importantes reconocimientos de la industria musical y actuó en algunos de los principales escenarios y festivales de España y Latinoamérica, consolidando una base de seguidores muy amplia en ambos lados del Atlántico.

Tras iniciar su carrera en solitario, Andrés Koi ha desarrollado un proyecto propio centrado en la búsqueda de una identidad artística más personal. Con “Sol de Invierno” en el horizonte y un nuevo capítulo sonoro a punto de estrenarse, el artista se prepara para compartir el trabajo más íntimo de su carrera hasta la fecha.

La estrella emergente cubanoamericana Indy Fontaine da la bienvenida a 2026 con un sueño cumplido: el lanzamiento de “Tú Tienes Algo”, su primera colaboración musical con el reconocido salsero Charlie Cruz. El sencillo, ya disponible en todas las plataformas digitales, fusiona la salsa tradicional con letras confesionales diseñadas para declarar el amor a través de la palabra y el movimiento, invitando a los amantes de todo el mundo a entregarse con la misma intensidad con la que se entregan en la pista de baile.

“Esta colaboración con Charlie es un sueño hecho realidad”, confiesa Fontaine. “Fue un honor inmenso compartir estudio y crear música con un artista al que admiro profundamente. Para mí, Charlie es un icono de la salsa que ha mantenido viva la tradición de una forma muy auténtica”. Sus palabras reflejan la emoción de quien ve cumplido un anhelo largamente acariciado, y esa emoción se traslada a cada nota de una canción que respira complicidad y respeto mutuo.

Charlie Cruz, nacido en Las Tunas, Cuba, es uno de los nombres más respetados de la salsa contemporánea. Con una carrera que abarca más de dos décadas, ha llevado su música a los escenarios más importantes del mundo, convirtiéndose en un embajador del género allí donde actúa. Su participación en “Tú Tienes Algo” aporta una dosis de autenticidad y experiencia que eleva la canción a otro nivel, demostrando que la salsa sigue siendo un género vivo y en constante evolución.

Compuesta por Andrés Castro y Guianko Gómez, quienes también se encargaron de la producción, “Tú Tienes Algo” es una declaración de rendición amorosa absoluta. Construida sobre versos apasionados y metáforas sensoriales, la letra captura el vértigo de quien se encuentra al borde de un precipicio emocional, dividido entre la cautela y la necesidad de ceder ante una atracción inexplicable.

“Tú Tienes Algo habla de esa atracción irresistible y misteriosa —y digo misteriosa porque no puedes explicar qué tiene esa persona, pero sabes que cuando estás con ella, te sacude el mundo”, explica Fontaine. “En la canción, esta persona le pide a la otra que se deje amar porque hay resistencia a entregarse por completo, quizás por miedo. Por eso están pidiendo que se rindan totalmente al amor”.

La letra, cargada de imágenes poderosas y una honestidad que desarma, conecta con cualquiera que haya sentido esa mezcla de miedo y deseo que acompaña a los grandes amores. La producción de Castro y Gómez envuelve la voz de ambos artistas en una atmósfera cálida y rítmica que invita tanto al baile como a la entrega emocional.

“Tú Tienes Algo” llega después de un exitoso 2025 para Indy Fontaine, durante el cual lanzó los sencillos “Esta Navidad”, “Vacaciones”, “Mariposas En La Lluvia”, “Mejor Sin Ti”, “Que Te Vaya Bien” y “Después De La Caída”. Una trayectoria ascendente que demuestra su capacidad para mantener un ritmo de trabajo constante sin renunciar a la calidad.

Con esta colaboración, Indy Fontaine da un paso adelante en su carrera, consolidándose como una de las voces más prometedoras de la salsa actual. Su capacidad para emocionar, su respeto por la tradición y su mirada hacia el futuro la convierten en una artista a seguir de cerca.

El sencillo ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de pasión y entrega que Indy Fontaine y Charlie Cruz han sabido crear con sensibilidad y oficio. Una canción para declarar el amor, para rendirse sin miedo y para recordar que, a veces, lo más valiente es dejarse llevar.