Los artistas Manu Dal Santo y Uri presentan “Dile al amor”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, una colaboración vibrante que mezcla el sentimiento del desamor con un ritmo contagioso de cumbia y sonidos urbanos, es una declaración de intenciones contra el romanticismo tras haber sufrido varias decepciones, donde los artistas le piden a Cupido que no vuelva a llamar a su puerta porque están “de vacaciones” de los sentimientos, dejándoles solo la “fortuna del desamor”.

“Dile al amor” nace desde ese territorio donde el despecho se convierte en celebración. La letra utiliza metáforas muy visuales, como el jardín sin flores debido a las decepciones, para hablar de esa etapa en la que se decide cerrar la puerta al amor porque las experiencias negativas han pesado más que las positivas. El estribillo, pegadizo y lleno de energía, funciona como un grito de guerra para quienes han decidido tomarse un descanso de los sentimientos, no para siempre, pero al menos hasta que la suerte cambie.

Manu Dal Santo lidera la dirección artística del canal con un estilo que se consolida como uno de los más interesantes de la nueva escena que mezcla lo melódico con lo bailable. Uri aporta la energía y el contrapunto perfecto a la voz de Manu, reforzando ese mensaje de despedida definitiva al amor que no acierta ni una sola flecha. La producción destaca por ese grito de guerra que marca la fusión entre el pop español y los ritmos tropicales: “Mándale cumbia, Manu, lo nuevo suena”.

El videoclip oficial ya está rozando las 325.000 visualizaciones en apenas unas semanas y cuenta con más de 4.000 “likes”, demostrando que la conexión entre estos dos artistas ha calado hondo en el público que busca himnos de despecho con buen ritmo. “Dile al amor” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de desamor y cumbia que Manu Dal Santo y Uri han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que a veces la mejor manera de olvidar es bailar. Una canción para los que están de vacaciones del amor, para todos aquellos que saben que el despecho también puede tener ritmo.

El dúo Fangoria, formado por Alaska y Nacho Canut, presenta “La verdad o la imaginación”, su nuevo álbum de larga duración publicado oficialmente el pasado 24 de abril de 2026. El trabajo, su primer disco con canciones completamente inéditas desde 2016, ha sido producido por el holandés Matt Pop junto al propio dúo, alejándose del pop más genérico para adentrarse en un techno melódico, bailable y conceptual, con letras que exploran las relaciones desde ángulos muy distintos: el paso del tiempo en “Todo existe a la vez”, la decepción en “El síndrome de París” o el aburrimiento en “Tigres de escayola”.

La canción que da título al álbum es la que abre el disco y plantea ese dilema tan propio del grupo sobre qué parte de nuestra vida es real y cuánto es una construcción de nuestra fantasía. El estribillo, pegadizo y lleno de pulsaciones electrónicas, funciona como una invitación a cuestionarse la propia existencia, a no dar por sentado lo que parece evidente. No es una canción para bailar sin pensar, sino para moverse mientras se reflexiona, para perderse en el ritmo sin olvidar que la música también puede ser una pregunta.

Uno de los puntos más comentados de este lanzamiento es su alianza con el artista Rojuu. Fangoria ha incluido un CD exclusivo, solo disponible con la edición especial en vinilo, que contiene cuatro canciones grabadas junto a él y producidas por Jon Klein, entre las que destaca una versión del clásico “Heroes” de David Bowie. El arte visual de este CD extra ha sido diseñado íntegramente por el propio Rojuu, añadiendo una capa de frescura y contemporaneidad a un proyecto que, sin embargo, mantiene la esencia que ha hecho grande al dúo.

La edición física del álbum es una joya visual dirigida por Javier Biosca. El vinilo de edición limitada incluye láminas en 3D y gafas personalizadas para ver el arte del disco de una forma inmersiva, convirtiendo la experiencia de escucha en algo que va más allá de lo puramente sonoro. Fangoria entiende el álbum como un objeto total, donde la música y la imagen dialogan en igualdad de condiciones.

Alaska y Nacho ya están preparando la presentación en directo. Tienen fechas confirmadas para mayo de 2026 en Barcelona, en la Sala Paral·lel 62 el 9 de mayo, y en Madrid, en The Music Station el 14 de mayo, además de festivales como el Low Festival y el Granada Sound este verano. “La verdad o la imaginación” ya está disponible en plataformas digitales y en formato físico, invitando a sumergirse en esa atmósfera de techno melódico y reflexión que Fangoria ha sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que la música también puede ser una pregunta sin respuesta. Un álbum para quienes se cuestionan la realidad, para todos aquellos que saben que la verdad y la imaginación a veces son la misma cosa.

La artista fuengiroleña Palomy López, una de las voces más queridas del nuevo flamenco y el pop andaluz, presenta “No Tiene Sentido”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, uno de sus lanzamientos más potentes de este año, explora la contradicción de una relación que se ha roto pero que sigue presente en la mente, ese momento en el que intentar seguir adelante no tiene sentido porque los recuerdos y el sentimiento siguen ganando la batalla, haciendo que cualquier persona que haya pasado por una ruptura se sienta identificada con esa sensación de vacío.

“No Tiene Sentido” nace desde ese territorio donde la lógica se enfrenta a la emoción y pierde. La letra, directa y cargada de honestidad, habla de esa etapa en la que se sabe que la relación ha terminado, pero el corazón se niega a aceptarlo. No es una canción de reproche, sino de constatación, de ese momento en que uno se da cuenta de que olvidar no es una decisión, sino un proceso que no siempre se puede controlar. El estribillo, contenido pero lleno de fuerza, funciona como un mantra de resistencia, una declaración de que el amor no entiende de lógicas.

Palomy López trabaja mano a mano con Sound Blaster Records, la misma familia artística de Paula Díez y Manu Dal Santo. Su voz tiene ese quejío flamenco auténtico pero adaptado perfectamente a ritmos urbanos y pop, con una capacidad para transmitir mucha sensibilidad y, a la vez, muchísima fuerza. Empezó ganando popularidad en redes sociales y hoy ya cuenta con éxitos que suman millones de reproducciones como “Maldita Soledad” o “Te Fuiste”. “No Tiene Sentido” sigue la línea de la bachata flamenca o el pop rítmico, con una guitarra española muy presente que le da ese toque orgánico que tanto gusta a sus fans.

El videoclip, al igual que sus compañeros de sello, cuida mucho la estética. En este vídeo se apuesta por una imagen muy cuidada donde el sentimiento de la interpretación de Palomy es el protagonista absoluto, sin distracciones innecesarias. “No Tiene Sentido” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de contradicción y vacío que Palomy López ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo que no tiene sentido es lo que más duele. Una canción para quienes han intentado seguir adelante sin conseguirlo, para todos aquellos que saben que los recuerdos no entienden de lógica.

La artista y productora venezolana Briella presenta “Devuelve a tu marido”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 24 de abril y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una explosión de energía y humor directo, es una advertencia o más bien un consejo con mucha ironía a una amiga: que devuelva a su marido porque es un hombre que no merece la pena, un himno al “amiga date cuenta” que narra cómo él intenta flirtear con otras mujeres, incluyendo a la vecina de veintidós años, dejando claro que si nadie lo mira, ella no va a pararlo.

“Devuelve a tu marido” nace desde ese territorio donde el humor se convierte en herramienta de empoderamiento femenino. La letra, afilada y llena de frases pegadizas, no se anda con rodeos: el hombre en cuestión no sirve, es mejor buscar uno mejor. No es una canción de venganza ni de rencor, sino de consejo entre amigas, de esa complicidad que permite decir las cosas claras sin necesidad de dramas. El estribillo, diseñado para quedarse en la memoria, funciona como un mantra de liberación para todas las mujeres que han tenido que aguantar a un marido que no las merece.

Briella se ha ganado el respeto de la industria por su capacidad para escribir hits virales y su oído para las melodías pop-urbanas. Su nombre dio la vuelta al mundo tras la polémica con el sample de Shakira en su BZRP Session, pero desde entonces ha consolidado una carrera basada en un estilo que se mueve entre el pop, el reggaetón y el funk, siempre con un toque muy femenino y fresco. En este 2026 ha lanzado también versiones de “Bolibombom” y sigue arrasando con colaboraciones como el remix de “Coquette” junto a La Joaqui y Yami Safdie.

El videoclip, que ya ha empezado a generar challenges en TikTok e Instagram gracias a sus frases pegadizas, refuerza ese mensaje de complicidad femenina y humor directo. “Devuelve a tu marido” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de ironía y empoderamiento que Briella ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces la mejor forma de ayudar a una amiga es decirle la verdad con una sonrisa. Un himno para las que han tenido que aguantar maridos que no merecen la pena, para todas aquellas que saben que hay hombres que es mejor devolver.

La artista Camila Matarazzo, una de las voces emergentes del circuito indie-pop y urbano, presenta “Veinticinco”, su nuevo sencillo lanzado en abril de 2026 y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una radiografía emocional de lo que significa entrar en la mitad de los veinte, funciona como una confesión íntima sobre la crisis de identidad y el vértigo del paso del tiempo, ese sentimiento de ser un adulto pero, a la vez, no tener ni idea de qué se está haciendo con la vida, esa presión de que a los veinticinco se supone que debería saberse todo, pero la realidad es que se sigue igual de perdido.

“Veinticinco” nace desde ese territorio donde la edad se convierte en espejo. La letra, directa y cargada de honestidad, no busca respuestas, sino nombrar la confusión. Habla de la presión social y personal que conlleva cumplir años sin haber alcanzado los hitos que se supone que deberían estar ya cumplidos. No es una canción de queja, sino de reconocimiento, de ese momento en que uno se mira al espejo y se pregunta qué ha hecho con su vida mientras el reloj sigue avanzando.

Camila Matarazzo destaca por una estética muy cuidada y un sonido que bebe del pop alternativo con pinceladas de R&B, apostando por letras introspectivas y una voz con texturas muy suaves, casi susurrada en ocasiones, lo que le da un aire muy íntimo. No es la típica artista de urbano genérico; centra su propuesta en la calidad de la composición, ganándose a un público joven que busca algo más que autotune agresivo.

El sonido de “Veinticinco” tiene una base rítmica muy pegadiza pero con sintetizadores atmosféricos, un tema que se puede escuchar tanto en un momento de relax como en un club de noche con un ambiente más chill. La canción ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de vértigo y reconocimiento que Camila Matarazzo ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que cumplir veinticinco no es solo una cifra, sino un espejo. Un himno para los que se sienten perdidos en la mitad de los veinte, para todos aquellos que saben que la presión de tenerlo todo resuelto es solo otra forma de no estar preparado.

La artista bilbaína Lucía de la Puerta, una de las figuras más polifacéticas con mayor proyección en la escena actual española, presenta “KELOKE”, su nuevo sencillo incluido en el EP “Vitamina”, lanzado en marzo de 2026. El tema, que utiliza la expresión coloquial “¿qué lo qué?” para preguntar “qué pasa” o “cómo va todo”, mantiene el tono de confianza y autenticidad que la caracteriza, reforzando su identidad como una artista que no tiene miedo a experimentar con diferentes ritmos y consolidando un sonido pop con influencias urbanas más directo y desenfadado.

“KELOKE” nace desde ese territorio donde la naturalidad se convierte en actitud. La canción no busca grandes reflexiones ni dramatismos, sino conectar con ese momento en que uno se acerca a alguien y le pregunta, sin más, qué es lo que pasa. No hay pretensiones ni adornos innecesarios, hay la frescura de quien sabe que a veces la mejor forma de comunicar es ser directo. El estribillo, pegadizo y lleno de energía, funciona como un gancho que se instala en la memoria sin esfuerzo, diseñado para ser coreado en los conciertos y compartido en redes sociales.

Lucía de la Puerta se define a sí misma como “mecatriz”, un término que inventó para combinar sus tres facetas como médica, cantante y actriz. Nacida en Bilbao en 1999 y actualmente residente en Madrid, terminó su carrera de Medicina en 2024, pero ha decidido aparcar el estetoscopio por un tiempo para centrarse al cien por cien en su carrera artística. El EP “Vitamina”, que incluye además temas como “Amiga Vitamina” y “Algo me falta”, muestra una etapa mucho más madura y producida de su carrera musical, donde las letras exploran el amor, el desamor y la libertad personal, conectando con el público joven y el colectivo LGTBIQ+.

La artista ha sido nominada a premios internacionales como los Premios Heat en categorías de “Promesa Musical”, demostrando que su fenómeno ha traspasado las fronteras de España. Su naturalidad al hablar de salud mental y su visibilidad la han convertido en una figura muy influyente, creando un vínculo muy fuerte con su fandom. “KELOKE” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de confianza y autenticidad que Lucía de la Puerta ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces lo único que hace falta es preguntar qué es lo que pasa. Una canción para los momentos de energía compartida, para todos aquellos que buscan en la música un reflejo de su propia forma de estar en el mundo.

La artista antequerana Paula Díez, una de las voces emergentes con más proyección dentro del flamenco-pop actual, presenta “Tu Nombre”, su nuevo sencillo que ya disponible en plataformas digitales. La canción, una pieza que explora el desamor y la vulnerabilidad con una fuerza interpretativa notable, habla de esa fase de negación tras una ruptura, del intento fallido de buscar a una persona en otros besos y de la dificultad de borrar una historia que ha dejado una marca profunda, con una frase clave que resume su esencia: “La que dijo que no se enamora, rompió su armadura y ahora te busca y piensa a todas horas”.

“Tu Nombre” nace desde ese territorio donde el orgullo herido se enfrenta a la evidencia de los sentimientos. La letra, directa y sin concesiones, no busca consuelo fácil, sino nombrar esa contradicción de quien quería no enamorarse y se enamoró, de quien intenta olvidar y no puede. No es una canción de venganza ni de súplica, es una canción de constatación, de ese momento en que la armadura se rompe y los sentimientos se desbordan sin que uno pueda hacer nada para detenerlos.

Paula Díez se define por una mezcla muy cuidada de raíces flamencas con sonidos populares y urbanos contemporáneos. Trabaja bajo el sello Sound Blaster Records, enfocándose en un sonido que describe como “flamenco-pop con identidad propia”. En poco tiempo ha logrado hits como “A los 4 vientos” o “Lo más bello”, acumulando millones de reproducciones. Su estilo mantiene una base de flamenco moderno con una producción limpia que resalta su voz quebrada y pasional, ese deje que la hace reconocible desde los primeros acordes.

El videoclip oficial, estrenado el pasado 28 de abril, es el seguimiento perfecto a otros lanzamientos que ha tenido este año como “Vete” y “Nada Más Bonito”. Las imágenes, cuidadas y emocionalmente coherentes con la letra, refuerzan ese mensaje de orgullo herido y aceptación forzada. “Tu Nombre” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de vulnerabilidad y fuerza que Paula Díez ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces el primer paso para superar una ruptura es admitir que no se ha superado. Una canción para quienes han intentado olvidar sin conseguirlo, para todos aquellos que saben que algunos nombres no se borran con otros besos.

El artista mallorquín Dollar Selmouni presenta “Jardín”, el cuarto adelanto de “Pa$o a Paso”, su tercer álbum de estudio que publicará tras más de cinco años sin lanzar un LP, ya disponible en plataformas digitales. Desde sus primeras notas, la canción atrapa con un característico punteo de guitarra eléctrica que marca el tono del tema, fresco y desenfadado, antes de evolucionar hacia una mezcla electrónica envolvente que invita a desconectar de las preocupaciones del día a día y dejarse llevar, destacando por su carácter motivador y optimista.

Producida por KVINZ, quien ha estado también a los mandos de algunos de sus temas más conocidos como “Amantes de la Noche” o “Bandolero”, “Jardín” está hecha para disfrutar de los momentos simples, para transformar la rutina en una experiencia más ligera y recordar que no todo importa. El videoclip, fiel a la estética de los anteriores lanzamientos, presenta una pieza visual a pantalla partida donde se muestran dos escenarios: en un lado, el artista disfrutando y bailando; en el otro, una imagen boscosa de un jardín de plantas de marihuana que nos lleva visualmente a ese “jardín misterioso” que encuentra Dollar en su canción.

Dollar Selmouni nació en Madrid en 1996 pero se estableció en Palma de Mallorca desde su niñez. Allí participó en batallas de Full Rap Mallorca y comenzó a compartir su música en YouTube en 2017. Su rápido reconocimiento en los círculos urbanos despertó el interés de Warner, con quien arrancó su carrera musical de forma profesional. Su carisma y talento, junto a unas letras alejadas de temáticas contemporáneas y más cercanas a lo romántico de antaño, le han hecho sumar millones de reproducciones. Destaca por mantenerse alejado de procesadores de voz y defender su capacidad vocal incluso a capela.

El lanzamiento de “Jardín” no llega solo, sino en un momento clave para el mallorquín. Durante los últimos días, Dollar ha estado generando expectación en sus redes sociales con una serie de vídeos en los que avisaba a sus seguidores de que “se estaba cocinando algo”. El pasado martes se desveló el misterio: un vídeo en el que se le veía cocinando una peculiar paella acompañada de horchata anunciaba el pistoletazo de salida de la gira de salas de presentación de “Pa$o a Paso” en 2027. Las primeras ciudades confirmadas son Valencia (15 de enero) y Alicante (20 de marzo), con entradas ya a la venta en la web oficial de hookmanagement.net

Con esta gira, Dollar Selmouni vuelve al formato sala para ofrecer un directo más cercano con su público, donde su voz sin artificios y su capacidad interpretativa toman el protagonismo. Un show pensado para vivir el disco desde dentro, donde convivirán los nuevos sonidos del álbum con la esencia de los temas que han definido su trayectoria. Paralelamente, en verano, el artista llevará su directo a algunos de los festivales más destacados del circuito nacional, con actuaciones en Viña Rock, Rocanrola, Extremúsika, Big Sound Valencia, Bombastic Asturias y Sonorama Ribera.

“Jardín” es el cuarto adelanto de “Pa$o a Paso”, un trabajo producido por Lucas Otero —ganador de varios Grammy Latinos— que verá la luz el próximo mes y que marcará una nueva etapa en su carrera, donde el artista explora distintos territorios musicales sin perder su identidad. El álbum no marca un final, sino el inicio de una época de crecimiento creativo y una de las más dulces artísticamente para el artista. “Jardín” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de desconexión y optimismo que Dollar Selmouni ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que no todo importa tanto como parece. Una canción para los momentos simples, para la carretera, para todos aquellos que necesitan recordar que la rutina también puede ser un jardín.

El artista estadounidense afincado en España Henry Semler publica “LOVERBOY”, su esperado álbum debut, un proyecto que fusiona la música de raíz americana con la mirada contemporánea de un joven artista que ha encontrado en Madrid el escenario para lanzar su carrera en solitario. A través de letras de amor, relatos personales y un sonido que transita entre pasado y presente, el disco propone un viaje emocional por distintas estaciones amorosas, desde el amor romántico hasta el desamor, pasando por el amor propio, en un recorrido íntimo y honesto que define su identidad artística.

Con influencias que van del folk, el soul, el blues y el country al R&B, “LOVERBOY” se construye sobre una producción actual que da cohesión a una narrativa clara: explorar hasta dónde puede llegar un corazón. De este trabajo, ya se conocían los adelantos “Dímelo”, “Ganador”, “Perdedor”, la colaboración con Yoli Saa en “Quererte Aquí”, “Tus amigas”, “Reciprocidad” y “Para mi amor”, una de las canciones más personales y emotivas del proyecto. Cada uno de estos temas ha ido desvelando una faceta distinta de un artista que no teme mostrarse vulnerable.

El focus single del disco, “Todo/Nada”, destaca como la propuesta más ambiciosa de “LOVERBOY” tanto en producción como en fusión de géneros. La canción combina indie pop, country, R&B y funk, incorporando guitarras distorsionadas y un cuarteto de cuerdas que acompaña la despedida del tema. En ella, Henry se enfrenta al final de una relación compleja, donde la tensión se construye entre el groove de la instrumental y la carga emocional de la interpretación vocal, creando un contraste que refleja la lucha interna entre lo que se siente y lo que se sabe.

Henry Semler comenzó a explorar su pasión por la música desde los catorce años, inspirado por figuras como James Taylor y John Mayer. En Barcelona se especializó en danza contemporánea y clásica en el Conservatori de Dansa de Barcelona, y aprovechó la vibrante escena musical de la ciudad condal para perfeccionar su presencia en vivo actuando en bares y clubes, además de expandir sus habilidades aprendiendo piano. En 2020 decidió mudarse a Madrid para lanzar su carrera como solista, un movimiento que marcó el inicio de una nueva etapa creativa.

Su participación en el Benidorm Fest 2025 como uno de los dieciséis seleccionados supuso un paso significativo en su trayectoria. Con su canción “No lo ves”, ofreció una propuesta escénica única diseñada para ser inmersiva y que buscaba conectar profundamente con el público. Tras su paso por el festival, lanzó “Ganador” y “Perdedor”, un doble single que retrata la montaña rusa emocional del amor: sentirse en la cima del mundo o tocar fondo, según el momento. Ahora, con “LOVERBOY”, completa ese viaje.

Para celebrar el lanzamiento, Henry Semler presentará “LOVERBOY” en directo el próximo 22 de mayo en La Realidad Club de Madrid, en un concierto que promete trasladar al escenario la intensidad y sensibilidad de este primer trabajo. “LOVERBOY” ya está disponible en todas las plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de amor y desamor sin filtros que Henry Semler ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el corazón no entiende de medias tintas. Un álbum para quienes han amado, han perdido y han aprendido a quererse a sí mismos.

La banda Hermanos Martínez presenta “Volvería a Elegirte (V.A.E.)”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, que trasciende lo musical para convertirse en una declaración vital, representa esa decisión que cambia el rumbo de una vida para siempre, una elección que, pese a todo, volverías a tomar sin dudarlo. Para la banda, este concepto es profundamente personal: cada uno de sus integrantes tiene su propio “volvería a elegirte”, pero el mensaje apela directamente al oyente, invitándolo a conectar con esas vivencias y transformando lo íntimo en universal a través de su música.

“Volvería a Elegirte” nace desde ese territorio donde la certeza se impone a la duda. La canción no habla de arrepentimiento, sino de reafirmación, de esa convicción que solo da el tiempo y la experiencia. No es una canción de amor al uso, sino un canto a la fidelidad a las propias decisiones, a la confianza en el camino elegido incluso cuando las circunstancias se complican. El estribillo, contenido pero lleno de fuerza, funciona como un mantra de seguridad, una declaración de que volveríamos a elegir lo mismo aunque supiéramos de antemano las consecuencias.

El videoclip, dirigido por David Hidalgo y Luis Álvarez, captura la esencia más pura del mensaje: la certeza de haber elegido correctamente. Sitúa a los tres intérpretes en un entorno íntimo y vibrante, donde la complicidad entre ellos se convierte en el hilo conductor de la narrativa. Las imágenes, cuidadosamente compuestas, refuerzan esa sensación de seguridad compartida, de que las mejores decisiones son aquellas que se toman con el corazón, aunque la cabeza no termine de entenderlas del todo.

El lanzamiento de “Volvería a Elegirte” coincide con un momento dulce sobre los escenarios. Los Hermanos Martínez se encuentran inmersos en una gira que arrancó en plena semana santa en el Festival Mar de Jávea, con fechas recientes en Sanxenxo y Ourense, y próxima cita destacada el 15 de mayo en el Jardín de las Delicias de Valencia. El momento cumbre será el 19 de junio en Madrid, en Ciudad Raqueta, donde presentarán el nuevo single en directo junto a su anterior lanzamiento “Contacto de Emergencia”, dentro de un show que promete convertir el festival en toda una celebración de la música. También actuarán el 7 de agosto en el Starlite Festival de Marbella.

“Volvería a Elegirte (V.A.E.)” ya está disponible en plataformas digitales bajo el sello Promotodo México S.A. de C.V. (OCESA Seitrack), invitando a sumergirse en esa atmósfera de certeza y reafirmación que los Hermanos Martínez han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que las mejores decisiones son las que, con el tiempo, seguiríamos eligiendo. Una canción para quienes tienen su propio volvería a elegirte, para todos aquellos que saben que la fidelidad a uno mismo es la única elección que nunca se negocia.

Los artistas Jonaskay, Bluejeen y NwaarJ, este último miembro del colectivo 4RMOOD, presentan “Faux Bail”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, un afropop a tres voces compuesto por el beatmaker French Tailor, cuenta con un estribillo inolvidable que atrapa desde los primeros segundos y envuelve al oyente, con tres voces singulares que pasan hábilmente de una topline pegadiza a una melodía agridulce, narrando una historia de doble juego y traición que, a pesar de su temática, dará ganas de bailar dejándose llevar en la noche.

“Faux Bail” nace desde ese territorio donde la desconfianza se encuentra con el ritmo. La canción habla de las trampas del amor, de las promesas falsas, de esas relaciones donde una de las partes juega con dos barajas mientras la otra sigue bailando sin saberlo. Pero lejos de caer en la queja, el tema transforma la amargura en energía, invitando a mover el cuerpo como respuesta a la decepción. El estribillo, pegadizo y lleno de matices, funciona como un espejo donde se refleja esa dualidad entre lo que se dice y lo que se hace.

Jonaskay, nacido en Congo y criado en Angola, es un artista afrofusión que no tiene miedo a mezclar las lenguas y los estilos. Cantante o rapero, a veces ambas cosas, ha estado inmerso en la música desde muy joven. Descubrió el kuduro en las calles de Luanda durante su infancia, y pasó del baile al canto y a la escritura. En portugués, en lingala o en francés, su música ha sido influenciada por su trayectoria humana antes que por cualquier otra cosa. Su estilo, difícil de clasificar, es un concentrado de energía, sinceridad y una pizca de locura.

El videoclip, dirigido por Samuel Roelandt y producido por MACSEN y el sello EYAYA, refuerza esa atmósfera nocturna y de complicidad entre los tres artistas. Las imágenes, cuidadas y llenas de dinamismo, acompañan a la perfección una canción que no entiende de fronteras ni de idiomas. “Faux Bail” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de ritmo y desconfianza que Jonaskay, Bluejeen y NwaarJ han sabido capturar con la honestidad de quienes entienden que a veces las mejores canciones de baile hablan de lo que duele. Un himno para las noches que se alargan, para todos aquellos que saben que el doble juego también puede ser una coreografía.

El cantautor mexicano Juan Cadena presenta “Tiempo Perdido”, su primer sencillo profesional ya disponible en plataformas digitales desde el pasado 25 de marzo. La canción, una propuesta de pop folk latino con esencia acústica, convierte una experiencia personal en un relato honesto sobre el amor, el desapego y el crecimiento, combinando guitarras, piano y percusiones en una producción que crece hasta un coro pensado para cantarse a todo pulmón, con influencias de Morat y Ed Sheeran y ritmos que recuerdan a Ela Taubert, Lasso, Beret y Taburete.

“Tiempo Perdido” nace de un momento decisivo en la vida del artista. Tras una ruptura, su expareja regresó pidiéndole retomar la relación e incluso renunciar a una beca universitaria en otra ciudad para quedarse con ella. Lejos de ceder, Juan encontró en ese “no” una forma de afirmarse y transformar esa mezcla de coraje, nostalgia y claridad emocional en música. La canción habla de entender que, aunque hubo amor real, también hay decisiones que no se pueden negociar. Es una canción para quienes han tenido que elegir entre una relación y su propio crecimiento.

Lejos de idealizar el amor, “Tiempo Perdido” se mueve entre la herida y la madurez emocional, conectando con quienes atraviesan el proceso de soltar una relación que ya no suma. No es una canción de rencor, sino de aceptación, de esa certeza de que a veces el tiempo invertido no fue tiempo perdido, sino aprendizaje. El tema acompaña tanto la frustración como la aceptación, y encuentra fuerza precisamente en ese equilibrio, en la capacidad de mirar atrás sin que duela tanto.

Juan Cadena, actualmente residente en Monterrey, construye su propuesta dentro del pop folk latino acústico con letras directas basadas en experiencias personales. Ha participado en escenarios en Ciudad de México, Monterrey y Saltillo, y obtuvo el segundo lugar en el concurso internacional en línea México Canta Vida. Con “Tiempo Perdido”, marca el inicio de una nueva etapa creativa, con lanzamientos periódicos previstos en los meses siguientes.

“Tiempo Perdido” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de aceptación y madurez que Juan Cadena ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que elegirse a uno mismo no es egoísmo, sino la única forma de no perderse. Una canción para quienes han tenido que decir no para poder seguir creciendo, para todos aquellos que saben que el tiempo invertido en amor nunca es tiempo perdido, aunque no funcione.

El artista asturiano Melendi presenta “Mentiras Arriesgadas”, el tercer adelanto de su próximo duodécimo álbum de estudio, “Pop Rock”, que verá la luz en mayo de 2026. El tema, lanzado el pasado 24 de abril y ya disponible en plataformas digitales, es una canción de desamor crudo que habla sobre la dificultad de olvidar a alguien mientras ves su vida a través de las historias que sube a las redes sociales, con metáforas muy al estilo Melendi clásico, como comparar una relación con un film o con la guerra de mundos de Orson Welles, y un sonido que recupera las guitarras eléctricas y los estribillos potentes diseñados para ser gritados en un estadio.

“Mentiras Arriesgadas” nace desde ese territorio donde el pasado se filtra por las pantallas. La letra, cargada de imágenes que apelan a la nostalgia y a la frustración, reflexiona sobre el precio de olvidar, sobre los besos que no se dieron, sobre las historias del ex que siguen apareciendo en el feed sin que uno pueda evitarlo. “Qué caro está olvidar los besos que no dimos… qué caro está olvidarte aunque ya esté sabido”, canta Melendi, y la frase resume la esencia de un tema que no es de reproche, sino de constatación: olvidar no es gratis, y a veces las redes sociales son el recibo más doloroso.

Musicalmente, el tema es pop-rock puro, dejando de lado los experimentos más acústicos o latinos de años anteriores para volver a la esencia que lo hizo grande. La producción, cuidada y contundente, envuelve la voz de Melendi en una atmósfera que invita al grito compartido, al estribillo coreado por miles de voces en un estadio. No es una canción para la introspección solitaria, sino para la catarsis colectiva, para ese momento en que el público alza la voz y se apropia de la letra como si fuera suya.

Este single es la pieza central de su duodécimo disco de estudio, titulado simplemente “Pop Rock”. Tras celebrar sus veinte años en la música con la gira “20 años sin noticias”, este disco busca reafirmar su identidad, no inventar nada nuevo sino perfeccionar el sonido que lo hizo grande. Además de “Mentiras Arriesgadas”, el disco incluirá temas con nombres muy curiosos como “Yo a Boston y tú a Tijuana”, “Se fue con el guitarrista” y “No me des la tabarra”, confirmando que el sentido del humor y la capacidad para titular canciones de forma original siguen intactos.

Melendi ya ha confirmado las fechas para su gira de otoño de 2026, el “Pop Rock Tour”, que recorrerá las principales ciudades de España como Madrid, Barcelona, Valencia y Sevilla. Las entradas están volando porque, tras el éxito masivo de su gira de aniversario, el público tiene hambre de sus nuevas canciones. “Mentiras Arriesgadas” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de desamor y rock que Melendi ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que olvidar es caro, pero que a veces las canciones ayudan a pagar la factura. Un himno para quienes han pasado horas mirando las historias de alguien que ya no está, para todos aquellos que saben que las mentiras arriesgadas también pueden ser una forma de verdad.

La artista Bely Basarte presenta “sálvese quien pueda”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 24 de abril y ya disponible en plataformas digitales. El tema, escrito para llorar en la pista de baile, para cuando necesitas romperte del todo y así reconstruirte con más calma, marca una continuación emocionante tras su etapa con el disco “Amor letal” (2025), explorando esa sensación de caos emocional y supervivencia sentimental cuando una situación se desborda, con un himno a la auto-preservación que consolida a Bely como una de las compositoras más sólidas del pop alternativo en España.

“sálvese quien pueda” nace desde ese territorio donde el desorden interior se convierte en materia prima para la creación. La canción, con un pop atmosférico de producción muy cuidada, contrasta la voz susurrada y dulce de Bely con letras de una carga emocional profunda. El estribillo, contenido pero lleno de tensión, funciona como un grito de supervivencia, una declaración de que cuando todo se desmorona, lo único que queda es intentar salvarse a uno mismo. No es una canción de resignación, sino de lucha desde la fragilidad, de esa fuerza que emerge cuando se reconoce que no se puede con todo.

Bely Basarte ha dejado atrás la etiqueta de “chica de los covers de YouTube” para consolidarse como una artista con una identidad propia. Tras años en grandes sellos, ha sabido gestionar su carrera de forma muy personal, cuidando la estética visual de sus vídeos y redes, y escondiendo mensajes ocultos en sus canciones que conectan con trabajos anteriores o anticipan lo que está por venir. Actualmente se encuentra en pleno tour de presentación de sus nuevos temas, con fechas confirmadas en Barcelona, Valencia, Sevilla y Valladolid, y hace muy poco presentó su tema “Amor letal”, que se convirtió en un pequeño fenómeno por su honestidad sobre las relaciones tóxicas.

“sálvese quien pueda” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de caos y reconstrucción que Bely Basarte ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que a veces la única forma de salvarse es dejar que todo se rompa. Una canción para quienes necesitan llorar en la pista de baile, para todos aquellos que saben que después del desorden siempre llega la calma. Si ves el videoclip o el arte de la canción, fíjate bien en los detalles, porque los easter eggs que Bely esconde suelen ser la mejor pista de lo que está por venir.

La artista gaditana Natalia, eterna Benjamina de Operación Triunfo 1, presenta “Saliva”, su nuevo sencillo lanzado el pasado 17 de abril y ya disponible en plataformas digitales. El tema, una declaración de intenciones total sobre dónde se encuentra la artista tras más de veinte años de carrera, deja atrás los sonidos puramente veraniegos o infantiles de sus inicios para abrazar un pop electrónico mucho más maduro y sugerente, diseñado para el club y la noche, con un ritmo pegadizo, una línea de bajo marcada y una atmósfera íntima que consolida el camino que ya empezó con singles anteriores como “Nadie más” (2024) o “Tu Diosa” (2025).

“Saliva” nace desde ese territorio donde el deseo se expresa sin rodeos. La letra, fiel al título, no se anda con metáforas complejas: habla de contacto físico, de tensión, de esa noche que no se olvida. “Qué rico te besé, sudando mi piel… bésame que ahora me toca… dame saliva”, canta Natalia, y la frase resume la esencia de un tema que muestra a una artista empoderada que toma el control de la narrativa sexual, alejándose definitivamente de la imagen de “niña buena” que la acompañó durante años. El estribillo, pegadizo y lleno de intención, funciona como una invitación directa a dejarse llevar.

Producido por Tatiana Delalvz, el tema tiene ese toque urbano-pop contemporáneo tan necesario para sonar en 2026. La producción, cuidada y actual, envuelve la voz de Natalia en una atmósfera que combina la calidez de la noche con la contundencia de la pista de baile, creando un sonido que es a la vez sensual y contundente. El video visualizer, que acompaña al lanzamiento, juega con las luces, las sombras y esa estética de mar y playa que siempre la ha acompañado, pero con un filtro mucho más nocturno y sofisticado, reflejando la evolución de una artista que ha sabido crecer con su público.

Natalia ha sido una de las artistas que mejor ha entendido que hoy en día no siempre hace falta un álbum de doce canciones para estar presente. Con “Saliva”, continúa su racha de lanzar hits directos que mantienen a sus fans, los “natalistas”, siempre con contenido nuevo y fresco. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de deseo y empoderamiento que Natalia ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la madurez también puede ser sensual. Un himno para las noches que no se olvidan, para quienes saben que la saliva también puede ser una forma de lenguaje.

La artista Aisha L.K., nacida en Venezuela de raíces británicas y marroquíes y radicada en Madrid, presenta “Princeso”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. El tema, con un tono fresco y cargado de humor inteligente, retrata al “princeso” moderno: hombres emocionalmente inmaduros que esperan ser tratados como reyes sin asumir responsabilidad afectiva, desmontando dinámicas tóxicas en las relaciones actuales a través del contraste entre lo romántico y lo absurdo.

La canción nace desde ese territorio donde la observación se convierte en sátira. Lejos de una postura victimista, Aisha se posiciona como una observadora empoderada que señala, se ríe y toma control de la narrativa. El mensaje es claro: ya no se romantiza el mínimo esfuerzo. La letra, afilada y directa, expone esas actitudes que muchas mujeres reconocen: el que pide sin dar, el que espera ser admirado sin hacer nada para merecerlo, el que confunde su mediocridad con un trono.

No es una canción de odio, sino de diagnóstico. Ese momento en que te das cuenta de que el príncipe azul resultó ser un princeso de manual. La ironía se convierte en herramienta de defensa, y la risa, en escudo. Aisha no se queja: señala, nombra y sigue adelante, con la seguridad de quien sabe que el problema no es suyo.

Musicalmente, “Princeso” apuesta por una producción fresca y actual, con la colaboración de Xavy Balla y Fernando Rojo en la producción y composición compartida con La Maravilla del Beat. La voz de Aisha, cargada de actitud y consciente ironía, se despliega sobre una base que combina ritmos urbanos con detalles que realzan su herencia multicultural.

El sonido es a la vez latino y global, fiel a una artista que se inspira tanto en la escena musical estadounidense como en influencias anglosajonas. La fusión no es forzada, sino natural, reflejo de una identidad que no se deja encasillar.

“Princeso” refuerza la identidad artística de Aisha L.K., basada en una feminidad fuerte, cercana y con comentario social. No solo es un nuevo single, es la apertura de un diálogo. Una pieza que entretiene pero que también pone sobre la mesa una realidad generacional con ironía, actitud y una identidad inconfundible.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales bajo el sello Top Stop Music. Aisha L.K. se inició como compositora en 2022 y hoy brilla como una artista con una identidad única y una visión global, construida sobre una feminidad que no pide permiso y un humor que desarma.

Un himno para quienes han tratado con un princeso. Para todos aquellos que saben que el amor no es un trono, sino un encuentro entre iguales. Para una generación que ya no se conforma con migajas y que ha decidido reírse de quienes creían que merecían un reino sin mover un dedo.

El artista Calzio anuncia el lanzamiento de “Discovery”, su nuevo álbum ya disponible en plataformas digitales, un trabajo que explora la fusión entre el rock y el pop combinando guitarras enérgicas, melodías pegadizas y una producción contemporánea que marca una evolución en el proyecto. El disco es un viaje emocional que atraviesa temas como el amor, la familia, la conexión humana y la reflexión social, consolidando la identidad artística de Calzio con un sonido accesible pero profundo, capaz de conectar con diferentes audiencias. No se trata de un intento de agradar a todos, sino de crear un espacio donde la energía del rock y la inmediatez del pop puedan dialogar sin que ninguna de las dos pierda su esencia, un equilibrio que Calzio logra con la naturalidad de quien conoce bien los códigos de ambos géneros.

Canciones como “Fuego en el Viento” y “Días Que Arden” capturan la intensidad de la vida cotidiana, esos momentos en los que la rutina se quiebra y la emoción toma el control, mientras que “Entrelazados” introduce una dimensión más cósmica y emocional, ampliando el espectro sonoro del álbum hacia territorios donde lo personal y lo universal se encuentran. “Corto Circuito en Mi Corazón” mezcla lo cotidiano con lo emocional, esa sensación de que algo falla en el interior cuando todo parece funcionar por fuera, y “Hormigas Bajo Tierra” simboliza la resiliencia colectiva, esa fuerza que emerge cuando las comunidades se unen frente a la adversidad sin hacer ruido, pero moviéndose con la constancia de lo que no se rinde.

Por otro lado, “No me sabe igual” aporta una mirada nostálgica sobre el paso del tiempo, esa conciencia de que nada volverá a ser como antes y de que aprender a convivir con la pérdida es también una forma de madurar, mientras que “No Más Bombas” transmite un mensaje directo en favor de la paz, cerrando el álbum con una declaración de principios que no necesita metáforas porque la urgencia del mensaje admite pocos rodeos. Cada canción aporta una pieza diferente al mosaico, y juntas construyen un relato que no sigue una línea recta, sino que zigzaguea entre la luz y la sombra, entre la energía desbordada y la reflexión contenida, sin que ninguna de esas facetas se sienta como una concesión.

“Discovery” no es un disco homogéneo, sino un mosaico de emociones y estilos que encuentran su unidad en la voz y la visión de Calzio. Las guitarras enérgicas conviven con melodías pegadizas, la producción contemporánea respeta la calidez de los instrumentos, y las letras, cargadas de imágenes que apelan a lo cotidiano y a lo trascendente, invitan a la reflexión sin perder la accesibilidad. El álbum ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de descubrimiento y conexión que Calzio ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la música también puede ser un viaje. Una obra para quienes buscan algo más que entretenimiento, para todos aquellos que saben que el rock y el pop pueden dialogar sin perder su esencia.

El artista DELHATRIBU presenta “Paraíso de Alquiler”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, construida sobre una base de rap melódico con influencias de R&B contemporáneo y matices del trap, logra algo poco habitual: elevar lo explícito a literatura sin perder su verdad, consiguiendo un equilibrio excepcional entre lo físico y lo poético, entre lo provocador y lo filosófico, con una voz rota y prácticamente sin filtros que refuerza esa sensación de crudeza y cercanía, como si lo que se escucha no fuera una canción, sino un recuerdo contado sin protección.

“Paraíso de Alquiler” nace desde ese territorio donde el deseo se encuentra con la reflexión existencial. La canción transita desde una primera parte dominada por la atracción y la intensidad erótica —tratada desde una perspectiva sensorial y visual— hacia una dimensión cada vez más emocional, donde lo que importa ya no es lo que ocurre, sino lo que permanece. El estribillo es el mejor ejemplo de esa dualidad: parte de una escena íntima, explícita y profundamente humana, y en cuestión de versos se eleva hacia una reflexión sobre la vida como callejón sin salida, donde el placer, la conexión y el sentido se entrelazan con la fugacidad de todo lo que existe.

Cada verso funciona como una escena. La canción no solo se escucha, se ve, se convierte casi en una película íntima construida a base de detalles, gestos y atmósferas que sitúan al oyente dentro de la historia. La capacidad de DELHATRIBU para generar imágenes es uno de los grandes aciertos de la obra, pero lo que termina de sostenerla es su verdad emocional: “Paraíso de Alquiler” habla de una conexión tan intensa que trasciende el tiempo vivido, dejando una huella permanente. Esa idea —resumida en la dualidad de “tú y yo nunca / tú y yo siempre”— encapsula el núcleo de la canción: hay vínculos que, aunque no perduren en la forma, lo hacen en la esencia.

El desenlace refuerza esta lectura con una imagen contundente: lo que parecía eterno no era posesión, sino préstamo. Un “paraíso de alquiler”, una idea simple pero cargada de significado que redefine todo lo anterior. Lo que parecía eterno era solo un espacio prestado, un paraíso que nunca fue propio. DELHATRIBU firma una pieza que desafía los códigos habituales del género, apostando por una propuesta que no se limita a impactar, sino que permanece y resuena, demostrando que lo explícito no está reñido con la profundidad, que el deseo puede ser poesía y que algunas historias, aunque no duren, no se van nunca. “Paraíso de Alquiler” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de intensidad y verdad que DELHATRIBU ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que el paraíso también puede ser un préstamo. Un himno para quienes han vivido conexiones que trascienden el tiempo, para todos aquellos que saben que lo que no dura no significa que no haya sido real.

El artista argentino SEKE, una de las voces emergentes de la nueva escena pop argentina, presenta “La Ficción”, su nuevo sencillo ya disponible en plataformas digitales. La canción, un pop urbano con influencias de música latina y detalles flamencos, habla del vacío que deja la ausencia de un vínculo y la nueva realidad que se construye cuando esa presencia ya no está, evocando la nostalgia de un domingo familiar, una larga sobremesa y una silla vacía que supo estar ocupada alguna vez.

“La Ficción” nace desde ese territorio donde la ausencia se vuelve tangible. La canción no habla del drama del abandono, sino de la cotidianidad después de la pérdida, de cómo los espacios se transforman cuando quien los habitaba ya no está. La silla vacía alrededor de la mesa, el silencio donde antes había conversación, el eco de las risas que ya no se escuchan. No es una canción de reproche, sino de constatación, de esa ficción que construimos para seguir adelante, de esa realidad paralela donde la persona sigue ahí aunque ya no esté.

SEKE construye su identidad a partir de la fusión entre lo cotidiano y lo emocional, con influencias del hip-hop y la balada, poniendo el foco en los vínculos, las conversaciones y las dinámicas entre personas. A menos de un año de su lanzamiento, ya ha presentado sus primeros singles y colaboraciones, definiendo una línea estética clara tanto en lo musical como en lo visual. Actualmente se encuentra presentando “Sobremesa - Live Session”, un proyecto que reinterpreta sus canciones en formato acústico y que comparte la misma filosofía de fondo: la música como excusa para el encuentro, para la conversación, para esos momentos en que el tiempo se detiene alrededor de una mesa.

“La Ficción” ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de nostalgia y ausencia que SEKE ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que las despedidas no siempre son un portazo, sino a veces una silla vacía en la sobremesa de un domingo cualquiera. Una canción para quienes han tenido que aprender a convivir con la ausencia, para todos aquellos que saben que la ficción también puede ser una forma de seguir adelante.

La artista María Gil, conocida por su capacidad para contar historias cotidianas con una sensibilidad fuera de lo común, presenta “Para ti, Mamá”, su nuevo sencillo lanzado estratégicamente a finales de abril, justo a las puertas del Día de la Madre. La canción, que se ha convertido en el fenómeno viral más emotivo de la temporada, es un homenaje sincero a esa mujer que siempre estuvo ahí: la que dio la vida, la que sostuvo en los momentos difíciles, la que enseñó a luchar y la que nunca soltó la mano, una carta abierta de agradecimiento llena de verdad, sentimiento y agradecimiento.

“Para ti, Mamá” nace desde ese territorio donde los recuerdos se convierten en canción. La letra hace un recorrido por todas las etapas de la vida donde la figura materna es el pilar: desde los miedos de la infancia hasta el apoyo incondicional en la edad adulta. Lo que la hace especial es que huye de los clichés cursis para centrarse en detalles reales: los consejos, los sacrificios silenciosos y ese amor que es el único lugar al que siempre puedes volver. No es una canción para adornar, sino para sentir, para reconocer, para decir gracias.

Musicalmente, el tema apuesta por una producción minimalista donde predomina el piano y una sección de cuerda muy sutil, creando un ambiente de calma y nostalgia positiva. La música está al servicio de la letra, y María Gil canta con una emoción contenida que se rompe suavemente en los momentos finales del tema, logrando que sea imposible no emocionarse al escucharla. Su estilo, que bebe de la canción de autor y el pop acústico, no necesita grandes artificios ni producciones sobrecargadas; su mayor herramienta es su verdad y una voz limpia que transmite muchísima cercanía.

María Gil se ha ganado un lugar en la industria por ser la artista que “pone palabras a lo que sentimos”, convirtiéndose en la banda sonora de los momentos más familiares y personales de su audiencia. Desde su salida, “Para ti, Mamá” se ha convertido en el audio oficial de miles de vídeos en redes sociales donde los usuarios comparten fotos y momentos especiales con sus madres, siendo sin duda la canción que más se va a dedicar y compartir en las próximas semanas. El sencillo ya está disponible en plataformas digitales, invitando a sumergirse en esa atmósfera de gratitud y ternura que María Gil ha sabido capturar con la honestidad de quien entiende que la música también puede ser un abrazo. Un himno para quienes han tenido la suerte de tener una madre presente, para quienes saben que el amor materno es el único lugar al que siempre se puede volver.