Mika vuelve a demostrar por qué es una de las figuras más singulares y queridas del pop internacional con “Immortal Love”, una canción que encapsula a la perfección la esencia de su universo artístico: melodías vibrantes, emoción desbordante y una mirada luminosa sobre la vida incluso en medio de la adversidad. El tema se presenta como una reflexión profunda sobre el amor que trasciende el tiempo, las identidades y las experiencias, un sentimiento que permanece intacto a través de las múltiples vidas que habitamos.

En “Immortal Love”, Mika canta desde la experiencia de haber sido joven y viejo mil veces, de haber caído y renacido una y otra vez. La letra funciona como un manifiesto existencial que conecta lo invisible —las emociones, la energía, el vínculo humano— con lo eterno. El amor, en esta canción, no es efímero ni circunstancial, sino una fuerza inmortal que viaja, resiste y vuelve siempre a encontrar su camino. La repetición del saludo “hello” actúa como un puente entre lo que fuimos, lo que somos y lo que seremos.

Musicalmente, el tema mantiene el característico realismo mágico de Mika, combinando un pop expansivo y emotivo con una interpretación vocal cargada de matices. Su voz, entrenada desde la infancia en el ámbito clásico y operístico, vuelve a desplegarse con naturalidad, sosteniendo una canción que habla tanto al corazón de los inadaptados como a un público global que ha encontrado refugio en su música durante años.

La trayectoria de Mika es, en sí misma, una historia de transformación y supervivencia. Nacido en Beirut y criado entre París y Londres, su infancia estuvo marcada por constantes mudanzas, episodios traumáticos y el acoso escolar, experiencias que lo llevaron incluso a dejar de hablar durante un tiempo. Fue entonces cuando la música se convirtió en su salvavidas. Desde sus primeras composiciones a los siete años hasta su formación en el Royal College of Music, Mika encontró en las canciones un lenguaje propio para expresar lo que no podía decir de otra forma.

Su irrupción mundial llegó en 2007 con “Grace Kelly”, un número uno en Reino Unido que abrió el camino a Life in Cartoon Motion, un debut arrollador que convirtió su pop colorido y teatral en un espacio seguro para quienes se sentían fuera de lugar. A lo largo de los años, discos como The Boy Who Knew Too Much, The Origin of Love o No Place in Heaven ampliaron su paleta sonora y emocional, mientras que trabajos más recientes como My Name Is Michael Holbrook y Que ta tête fleurisse toujours mostraron una faceta más madura, íntima y reflexiva, sin perder nunca la chispa fantasiosa que lo define.

Además de su carrera discográfica, Mika ha consolidado una fuerte presencia mediática y cultural como jurado en programas como The X Factor Italia, The Voice France y The Piano, así como coanfitrión de Eurovisión 2022. Su compromiso social también ha sido constante, participando en conciertos benéficos y recibiendo reconocimientos oficiales por su labor humanitaria, especialmente vinculada al Líbano.

Con “Immortal Love”, Mika vuelve a tender la mano a su público desde un lugar honesto y universal. La canción no solo celebra el amor romántico, sino también la conexión humana, la memoria emocional y la certeza de que hay sentimientos que sobreviven a cualquier cambio. En un mundo marcado por la incertidumbre, Mika apuesta de nuevo por la fantasía como herramienta de empoderamiento, recordándonos que, aunque no siempre podamos ver lo esencial, el amor inmortal sigue ahí, sosteniéndolo todo.

Aitor Castells lanza II, su nuevo y deslumbrante trabajo de estudio, un álbum que se erige como un viaje emocional y estilístico a través de once canciones y que consolida al artista como una de las voces más singulares, profundas y honestas de la música independiente española. Publicado por el sello Big Den Records, este nuevo disco confirma a Castells como un creador total que compone, escribe, canta y habita cada una de sus canciones desde un lirismo poderoso y una estética inconfundible.

Con más de doce años de trayectoria a sus espaldas, marcada por discos esenciales, trabajos para bandas sonoras y colaboraciones de gran peso, Aitor Castells continúa ampliando un universo musical propio que transita con naturalidad entre lo melódico, lo introspectivo y lo visceral. II no es una ruptura, sino una reafirmación: un paso firme hacia adelante en el que el artista profundiza en su lenguaje sin renunciar a la emoción cruda ni a la exploración sonora.

El disco se presenta como una colección de canciones minuciosamente construidas y grabadas con una entrega palpable, donde conviven la evocación íntima y la intensidad eléctrica. Desde su apertura con Needles, una declaración rotunda que marca el tono del álbum, II se despliega como una sucesión de paisajes emocionales que funcionan a veces como caricias y otras como auténticas bofetadas sentimentales. Temas como Lake Maracaibo, Out to Sea, Blood on Everybody’s Hands o The Bird revelan un trabajo inquieto y diverso, en el que dialogan influencias de la americana, la electrónica, el pop elegante y el rock más abrasivo, todo cohesionado por la voz profundamente personal de Castells.

La producción corre a cargo del propio Aitor Castells junto a Kike Fuentes, cuya aportación resulta clave al impregnar el álbum de guitarras luminosas y contundentes que refuerzan tanto la épica como la intimidad del conjunto. Lejos de cualquier artificio, II se sostiene sobre una autenticidad radical y una sensibilidad casi telúrica, demostrando que la honestidad artística puede ser, en sí misma, una poderosa declaración de intenciones.

II no busca agradar por complacencia ni adaptarse a tendencias pasajeras. Es un disco que se muestra tal y como es su autor: directo, complejo, emocional y profundamente humano. Aitor Castells es, simplemente, lo que se escucha. Y lo que hay en II es un trabajo sólido, valiente y lleno de matices que confirma que su voz sigue creciendo con cada nuevo paso.

El artista gaditano anunciaba ayer mismo que el próximo 23 de abril ofrecerá un concierto muy especial en el Gran Teatro Falla de Cádiz, su localidad natal. Después de recorrer grandes escenarios de todo el país, Gonzalo Hermida afronta con muchas ganas una de las fechas más emocionantes de su carrera musical como intérprete. Tal y como ha afirmado el artista, “tocar en el Teatro Falla es un sueño hecho realidad”.

Desde el lanzamiento de su nuevo disco 'Bandera Libertad', Gonzalo no ha parado de cosechar éxitos musicales. Con sus canciones sonando entre las más escuchadas en radios del país, el cantante se prepara ahora para un 2026 lleno de música en directo, para hacer vibrar al público con sus grandes éxitos y contagiarlo de la energía positiva más grande que existe.

Las entradas para esta primera fecha en Cádiz ya están disponibles en gonzalohermidaoficial.com, ¡no te quedes sin ellas porque están volando! Este 2026, vive la magia del directo de Gonzalo Hermida. 

Belinda presenta “Heterocromía”, uno de los temas más comentados y virales de su álbum Indómita, publicado en junio de 2025, y una canción que marca un punto clave en la evolución artística de la cantante. Con una propuesta lírica afilada y una identidad visual poderosa, el single se ha convertido en una declaración de intenciones dentro de una etapa definida por la libertad creativa, el empoderamiento y una comunicación mucho más directa con su público.

El título “Heterocromía” toma como punto de partida el término médico que describe la condición de tener ojos de diferente color, pero en la canción funciona como una metáfora de la dualidad, las apariencias y las contradicciones que habitan en ciertas personas y en determinados entornos sociales. Belinda utiliza esta idea para construir una sátira mordaz sobre la élite, el clasismo y los códigos de un mundo que se sostiene más en la imagen que en la autenticidad.

Musicalmente, la canción sorprende desde su introducción, inspirada en la melodía de la película de Disney Los Aristogatos, un guiño irónico que sirve de antesala a un relato cargado de crítica social. A partir de ahí, Belinda despliega una letra provocadora, inteligente y sin filtros, que no tarda en generar conversación y viralidad. Frases como “Y tu palacio me lo paso por el booty”, “¿Qué gatos son los que solo juegan golf?” o “Ese clasismo está más oxidado que una armadura del siglo XVI” se han convertido en consignas ampliamente compartidas, consolidando el impacto cultural del tema.

“Heterocromía” forma parte de Indómita, el álbum con el que Belinda regresó oficialmente el 5 de junio de 2025 bajo el sello Warner Music México. Este trabajo representa una reinvención sonora y conceptual, donde la artista explora géneros como el pop, el trap y los corridos tumbados, terreno en el que ha sido apodada como “Beli Bélica”. El disco incluye colaboraciones destacadas que amplían su espectro musical, como Jackpot junto a Kenia Os, 300 Noches con Natanael Cano, Mírame Feliz con Xavi y Never Not Love You junto a Thirty Seconds to Mars.

El lanzamiento del single se vio reforzado por el estreno de su videoclip oficial el 11 de diciembre de 2025. La pieza audiovisual apuesta por una estética setentera con claras referencias a Brigitte Bardot y desarrolla una narrativa que satiriza el llamado “mundo fresa”. Ambientado en una residencia antigua, el video retrata una fiesta de alta sociedad donde los gestos, las actitudes y los comportamientos se exageran hasta rozar lo absurdo, subrayando el mensaje crítico de la canción con humor y elegancia visual.

En el contexto de 2025, “Heterocromía” se inscribe en un año especialmente activo para Belinda. Además de su regreso musical con Indómita, la artista ha destacado también en su faceta actoral con su participación en Mentiras: La Serie, consolidando una etapa de madurez artística y versatilidad creativa. Esta nueva era se define por letras más personales, una narrativa de empoderamiento femenino y una voluntad clara de romper con expectativas y etiquetas.

“Heterocromía” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde continúa generando conversación y consolidándose como uno de los temas más representativos de esta nueva etapa de Belinda. Para seguir de cerca su recorrido artístico, sus próximos lanzamientos, proyectos musicales y audiovisuales, la artista invita a acompañarla a través de sus redes sociales.

Dani J da un nuevo paso en su trayectoria artística con la presentación de “Bailándote”, el single con el que se postula como candidato al Benidorm Fest 2026. En esta propuesta, el artista fusiona su inconfundible esencia bachatera con otros estilos musicales, ampliando su universo sonoro para conectar con públicos diversos y llevar al escenario del festival una descarga de energía, sensualidad y buenas vibras.

“Bailándote” es una canción que habla de deseo, conexión y entendimiento inmediato entre dos personas. Para Dani J, el baile funciona como un lenguaje universal capaz de unir a desconocidos en cuestión de segundos, sin necesidad de palabras. El tema no solo cuenta una historia, sino que refleja esa conexión profunda entre cuerpo y alma que nace a través del movimiento, convirtiendo la pista de baile en un espacio de comunicación emocional y libertad.

La composición del tema corre a cargo de Rafa Vergara, quien presentó una primera versión alejada del terreno bachatero. Fue entonces cuando Dani J incorporó su ADN artístico para transformar la propuesta y llevarla a su propio terreno, dotándola del sello personal que lo ha convertido en un referente internacional del género. A este proceso creativo se sumó Juan Francisco Parra, responsable de la producción y mezcla, aportando solidez y frescura a un sonido pensado para emocionar y hacer bailar a partes iguales.

El lanzamiento de “Bailándote” llega acompañado de un videoclip dirigido por Álvaro Paz, rodado en Madrid y concebido desde una estética íntima y sencilla. La pieza audiovisual pone el foco en el eje central de la canción: la química entre una pareja y la conexión que se genera a través del baile. El rodaje estuvo marcado por un imprevisto que acabó convirtiéndose en anécdota: el tacón de la bailarina se enganchó en una pulsera de Dani J y le provocó una herida en la nariz imposible de ocultar, lo que obligó al equipo a improvisar sobre la marcha con filtros rojos y juegos de luces para poder continuar la grabación sin perder la magia del momento.

Con “Bailándote”, Dani J llega a Benidorm dispuesto a contagiar al público de ritmo, sensualidad y la energía positiva que siempre ha caracterizado su propuesta artística, reafirmando su capacidad para evolucionar sin perder la esencia que lo define.

Reconocido como el bachatero más importante de Europa, Dani J lleva desde 2014 revolucionando la música latina con una fusión personal de bachata y géneros como el pop, el flamenco, el trap o el R&B. Su proyección internacional se consolidó en 2016 con “Quitémonos la ropa”, tema que lo situó entre los diez artistas más prometedores según Google Play Music. Desde entonces, ha ofrecido más de 380 conciertos en más de 30 países, llevando su música a los cinco continentes.

En 2022 fundó su propio sello discográfico, 13 PRO MUSIC, y desde entonces se ha mantenido en lo más alto de las listas con canciones como “7 pecados”, “Caprichito” y “Atemporal”. En 2025 ha vuelto a sorprender con nuevos lanzamientos como “Rosas” y “Entre la Espada y la Pared”, llamados a convertirse en nuevos himnos dentro de su repertorio. Con más de 350 millones de reproducciones acumuladas, Dani J se ha consolidado como una figura clave en la evolución de la bachata contemporánea, destacando no solo como cantante, sino también como bailarín, productor y compositor.

Cada año, Dani J emprende una ambiciosa gira mundial, sumando nuevos éxitos a su directo y reafirmando su papel como embajador internacional de la bachata made in Spain. Más que un artista, Dani J se ha convertido en una experiencia que combina evolución, pasión y una conexión auténtica con el público.

ATK Epop regresa con un nuevo lanzamiento en el que vuelve a demostrar su sensibilidad como productor y narrador emocional. Junto a Amaia Pop y Álvaro Sanz, presenta “Llegando al final”, una balada synth-pop luminosa que habla de crecimiento personal, autoconocimiento y de ese momento vital en el que, tras muchas vueltas, uno empieza a tener claro qué quiere y qué no.

El single combina electrónica suave y envolvente con guitarras acústicas cálidas, construyendo un paisaje sonoro delicado que acompaña una historia profundamente cotidiana. En esta colaboración, Amaia Pop aporta su característico sello vocal íntimo y cercano, mientras que Álvaro Sanz suma profundidad y contraste, dando forma a un diálogo honesto entre dos personas que comparten inquietudes, cargas y silencios. La letra recorre conversaciones aparentemente simples, desde relaciones pasadas hasta la hipoteca, la renta o la soledad compartida, retratando con naturalidad una etapa vital reconocible para toda una generación.

“Llegando al final” no habla de un cierre literal, sino de un punto de llegada emocional. Es ese instante en el que se deja atrás la indecisión constante para abrazar una verdad liberadora: las promesas más importantes no siempre se hacen a otros, sino a uno mismo. Frases como “todas las promesas que he cumplido, las he cumplido conmigo” se convierten en el eje emocional de una canción que pone en valor la autenticidad, la coherencia personal y la serenidad que llega con los años.

La producción de ATK Epop equilibra con acierto las texturas sintéticas del synth-pop con una instrumentación orgánica que aporta calidez y cercanía. El resultado es una balada melancólica pero luminosa, que no se recrea en la nostalgia, sino que mira hacia adelante con calma y aceptación. La canción captura la esencia de quienes han aprendido que no hay nada más valioso que saber lo que se quiere y permitirse ser feliz haciendo lo que está en sus manos.

Con “Llegando al final”, ATK Epop, Amaia Pop y Álvaro Sanz dan voz a una generación que ha dejado atrás la urgencia por llegar a algún sitio para empezar a disfrutar del camino. Una propuesta honesta, elegante y profundamente humana que conecta desde la sencillez y la verdad emocional.

ASHA da un paso decisivo al frente de su carrera artística con “Turista”, la canción con la que competirá en el Benidorm Fest 2026 y que marca un punto de inflexión en su trayectoria. Reconocida internacionalmente como la compositora detrás de éxitos multiplatino junto a artistas como Lola Índigo, Becky G, C. Tangana y Danna Paola, la creadora presenta ahora una propuesta profundamente personal que une emoción, memoria e identidad desde una mirada femenina y contemporánea.

“Turista” se construye como un viaje emocional que habla del amor, la distancia y la búsqueda de uno mismo. La canción narra la historia de un amor fugaz, de esos que solo ocurren una vez, bajo el sol del Mediterráneo, y que con el paso del tiempo se diluyen en los recuerdos. La protagonista recorre estaciones, playas y momentos compartidos mientras busca a alguien que ya no está, preguntándose si aquel vínculo fue real o simplemente parte del viaje. En ese tránsito, la nostalgia se mezcla con la duda y la aceptación de lo efímero.

Más allá de la historia íntima, “Turista” propone una lectura generacional. Es el retrato de quienes viven entre culturas, acentos y pasaportes, de una generación que no pertenece a un único lugar, sino a muchos a la vez. En este contexto, la figura del turista se transforma en una metáfora de la vida actual, marcada por el movimiento constante y por la idea de que el hogar no es un punto fijo en el mapa, sino las personas, los recuerdos y las experiencias que dejan huella.

A nivel sonoro y narrativo, la canción refleja esa identidad plural de forma orgánica, incorporando español, francés, inglés y árabe como parte natural del relato. Las guitarras envuelven la canción en una atmósfera de verano mediterráneo que parece no terminar nunca, mientras la voz de ASHA guía al oyente con suavidad hacia la melancolía, los recuerdos y ese pasado que nunca acaba de desaparecer del todo.

La propuesta llega respaldada por una trayectoria excepcional como compositora. Entre 2018 y 2019, con apenas 20 años, ASHA se consolidó como hitmaker internacional. Fue la única compositora, junto a la artista y el productor, de “Ya No Quiero Na” de Lola Índigo, un tema que alcanzó el triple platino, se viralizó en todo el país y llegó al puesto número 9 del Global Viral Top 50 de Spotify, convirtiéndose en un fenómeno cultural. Meses después, fue convocada por el equipo de Becky G para componer junto a C. Tangana en Madrid el tema “Booty”, que logró triple platino en Estados Unidos y doble platino en España. Ese mismo año, en Ciudad de México, compuso “Oye Pablo” para Danna Paola, alcanzando triple platino y doble diamante en México.

ASHA se graduó de la universidad en julio de 2019 acumulando ya tres grandes éxitos internacionales y certificaciones de platino en España, México y Estados Unidos, consolidando una carrera creativa marcada por la sensibilidad, la diversidad cultural y una conexión emocional genuina con el público.

Nacida en Marruecos y criada entre culturas, ASHA, cuyo nombre real es Hajar Sbihi, es una cantante y compositora multiplatino cuya trayectoria internacional la ha situado como una de las voces más singulares de su generación. Su primer contacto con la industria llegó de la mano de Quincy Jones y RedOne en el proyecto global Bokra, una experiencia que despertó en ella la conciencia del poder de la música para trascender fronteras. A los dieciocho años se trasladó a España, donde inició su carrera como compositora y comenzó a construir un catálogo de éxitos que hoy supera los 1.300 millones de reproducciones.

Tras firmar con Warner Music México, dio el salto como intérprete con varios singles que resonaron en España, Latinoamérica y Marruecos, llevando al frente una identidad multicultural que siempre había estado presente en su obra. Hoy, como artista independiente, ASHA presenta “Turista” como una declaración de intenciones, una canción en cuatro idiomas que funciona como puente entre culturas, lenguas y emociones.

Con esta propuesta íntima, honesta y profundamente contemporánea, ASHA llega al Benidorm Fest 2026 más preparada que nunca, uniendo su bagaje como compositora de grandes éxitos con una voz propia que aspira a representar a España en Eurovisión desde la autenticidad y la emoción.

Rubén Nasville da un paso firme en su trayectoria con el lanzamiento de “Oxígeno”, su álbum debut, una obra que se adentra sin concesiones en la lírica de la supervivencia para erigirse como un testimonio esencial de rock de autor. El artista zaragozano consolida así una propuesta honesta y valiente, nacida de una necesidad vital, que ya ha sido aclamada por su visceralidad y su intensidad sonora. El disco se encuentra disponible en formato vinilo a través de la web oficial del artista, invitando al público a acercarse a una obra concebida como un auténtico artefacto emocional.

“Oxígeno” no es un ejercicio discográfico al uso, sino una crónica de supervivencia construida desde la experiencia personal y el enfrentamiento directo con el miedo. Las canciones funcionan como cicatrices abiertas y, al mismo tiempo, como actos de valentía, dando forma a un relato en el que el artista se expone sin máscaras. En este debut, Nasville asume la esencia más exigente del rock, aquella que deja al músico temblando en el centro del escenario, y lo hace con un caudal de épica sonora que atraviesa todo el álbum.

La carga literaria es uno de los grandes pilares de “Oxígeno”. La lírica de Rubén Nasville convierte cada verso en una metáfora poderosa, sin esquivar la confrontación con la adversidad. Producido por David Santisteban y grabado con especial cuidado en Estudio Uno y Estudio Le Goliat, el disco traza un itinerario emocional que comienza en la duda y el desconcierto para desembocar en una calma recobrada, fruto de la aceptación y la resiliencia. Sonoramente, el álbum destaca por su robustez y profundidad, donde la épica de Dire Straits se encuentra con la hondura soul de Ray Charles y Nina Simone, todo ello filtrado por una energía contemporánea que dialoga, en el ámbito nacional, con la honestidad de Leiva y la fuerza de M Clan.

El eje de la superación atraviesa el disco de principio a fin y se hace especialmente visible en canciones como “Finisterre”, una alegoría de sanación en la que el rock más auténtico habla del regreso a lo esencial con versos cargados de significado, como ese “Atardece en el punto final” que resume el cierre de una etapa. Por su parte, el tema que da nombre al álbum, “Oxígeno”, se erige como un grito de renacimiento y libertad, una decisión inaplazable de soltar el peso acumulado y volver a respirar. Esta arquitectura emocional responde a una necesidad vital que el propio Nasville ha expresado con claridad: “Estas canciones me salvaron. Ahora quiero que insuflen vida con los demás”.

El corazón narrativo de “Oxígeno” late con especial intensidad en dos piezas clave. “Fotos a contraluz”, acompañada por un cuidado apoyo visual protagonizado por el actor Pepe Lorente, captura la reconstrucción de un amor que se reconoce en la sombra, el reencuentro entre dos almas que vuelven a sentirse vivas. El clímax emocional llega con “Huracán”, un estallido de vida compartida que cuenta con la participación vocal de Litus y que celebra ese vértigo dulce que devuelve el pulso a quien lo ha perdido, tal y como expresa el propio compositor al describir la sensación de flotar y dejarse llevar hasta el centro del huracán.

Con “Oxígeno”, Rubén Nasville firma una obra que demuestra que la música, como el aire, es un elemento vital. Un debut rotundo que transforma la adversidad en un caudal de rock honesto, sanador y profundamente humano, y que confirma al artista zaragozano como una voz con identidad propia dentro del panorama del rock de autor.

AQUIHAYAQUIHAY sorprenden a sus seguidores con el lanzamiento de “Lo Dejamos Pasar”, un nuevo sencillo que representa el retorno a la esencia R&B que convirtió al colectivo en uno de los proyectos más influyentes de la escena alternativa mexicana. Integrada por Jay Lee, Neqer, Phynx, Zizzy y Nehly, la banda originaria de Monterrey vuelve a conectar con su sonido más íntimo y emocional, apostando por la sensibilidad y la nostalgia que siempre han definido su identidad.

Desde su surgimiento en 2018, AQUIHAYAQUIHAY se consolidó como un referente dentro de la música mexicana contemporánea, siendo pioneros de una revolución sonora que fusionó el R&B con elementos de la música urbana, el reggaetón y el trap. Esta propuesta no solo redefinió el panorama musical nacional, sino que también influyó de manera directa en el desarrollo de la escena alternativa en México y Latinoamérica, inspirando a una nueva generación de artistas.

A lo largo de su trayectoria, el grupo ha llevado su música a escenarios clave de la república mexicana y Centroamérica, destacando su participación en festivales de gran formato como Tecate Pal Norte en 2024. Tras un descanso de año y medio, la agrupación regresó recientemente a los escenarios, provocando una respuesta cargada de euforia y nostalgia entre su público. El reencuentro se dio de manera sorpresiva durante el concierto de Zizzy en el foro Rubens 6, el pasado jueves 4 de diciembre, un momento que rápidamente se convirtió en un acontecimiento especial para sus seguidores.

Durante esa noche, además de interpretar algunas de sus canciones más representativas, AQUIHAYAQUIHAY presentó por primera vez “Lo Dejamos Pasar”, un tema concebido como un regalo para quienes han acompañado su camino desde los inicios. La canción abre una nueva etapa para la agrupación, manteniendo intactos los elementos que los han convertido en un referente: autenticidad, sensibilidad, una fuerte base de R&B y una conexión honesta con su audiencia.

Con este lanzamiento, AQUIHAYAQUIHAY no solo mira hacia atrás para reconectar con su esencia, sino que también deja entrever el inicio de un nuevo capítulo creativo. ¿Estamos ante el sencillo que marcará el rumbo del proyecto durante el próximo año? ¿Qué sorpresas prepara la banda para quienes han sido parte de su historia desde el principio? La conversación apenas comienza.

Hay festivales que se limitan a ocupar un espacio y otros que logran crear un universo propio. Bajo el cielo de Fuengirola, la edición de 2026 se prepara para ser mucho más que una sucesión de directos; es un manifiesto de resistencia cultural y excelencia sonora. Con la confirmación de la neerlandesa Jennifer Cooke, la primera dama de Hexagon, el festival abraza una dimensión cosmopolita donde el vocal DJ deja de ser una etiqueta para convertirse en una experiencia inmersiva. En Cooke convergen el vigor de los grandes estadios y una militancia política necesaria que la sitúa como el rostro global del empoderamiento femenino. En la jornada central del sábado 30 de mayo, su propuesta se alineará con el pop operístico de Violeta, la maestría arquitectónica de Fangoria y la energía arrolladora de Chanel para demostrar que, cuando la música se empuña con inteligencia, el baile es la herramienta de visibilidad más poderosa de nuestro tiempo.

El Fulanita Fest trasciende su condición de cita musical para consolidarse como un ecosistema de vanguardia, identidad y compromiso en el corazón de Fuengirola. En su edición de 2026, que se celebrará del 25 al 31 de mayo, el certamen refuerza su proyección internacional con la incorporación de la artista neerlandesa Jennifer Cooke. La intérprete, reconocida como la primera dama de Hexagon por el prestigioso Don Diablo, protagonizará la jornada central del sábado 30 de mayo en el escenario de Marenostrum. Cooke, cuya trayectoria incluye hitos en templos de la electrónica como Tomorrowland y Ultra, aterriza con su innovador formato de vocal DJ, una propuesta de inmersión sensorial donde su poderosa voz en directo se entrelaza con una arquitectura sonora de alta energía. La presencia de Jennifer Cooke dota al festival de una dimensión que va más allá de lo sonoro. Como protagonista de una de las producciones originales de Netflix con mayor alcance mundial, Cooke se ha erigido en un icono del empoderamiento femenino y la visibilidad. Su activismo en favor de la inclusión y su participación en campañas como RITA en Ámsterdam resuenan con los valores de un festival que es, por derecho propio, un bastión de la visibilidad lésbica en Europa. Su actuación se sumará a un cartel de excepción que ya cuenta con la sofisticación de Violeta, una artista que simboliza el triunfo de la perseverancia con su álbum inspirado en La Traviata, y la maestría escénica de figuras de la talla de Fangoria y Chanel.

El festival no se agota en los escenarios, pues la denominada Fulanita Experience convierte a Fuengirola en un epicentro de convivencia. Esta filosofía se refleja en el minucioso trabajo de Bosska en el look & feel, dotando a la cita de una identidad visual única y reconocible. La agenda cultural incluye un ciclo de cine LBT, jornadas deportivas de fútbol, vóley y baloncesto femenino, y el espacio Fulanita Fest en Familia, diseñado para la resiliencia de las familias diversas. La programación musical arrancará el jueves 28 de mayo con la Muestra de Artistas Andaluzas en el Puerto Deportivo, un evento gratuito donde tres finalistas competirán por actuar en el Orgullo de Madrid y abrir la edición de 2027. El viernes 29 de mayo, el Castillo Sohail acogerá la Fiesta de Bienvenida con los directos de Aiko y la jerezana Laura Gallego, quien revoluciona la copla con su set electrónico, junto a las sesiones de Lunnas DJ, Cori Matius, Mery Martín y Adame. Tras el clímax del sábado en Marenostrum frente al mar, el broche de oro llegará el domingo 31 de mayo con la Fiesta Brunch de Clausura. En este escenario se celebrará la icónica Gran Paella Bollera, con opciones sin gluten y el ritmo de Maruja Limón, Sofía Cristo, Claudia León y los cierres de Bailaferias y Flashback Dls. El compromiso del festival con su excelencia artística no se detiene aquí: el próximo lunes la organización desvelará un nuevo avance de cartel de enorme relevancia que promete redefinir el futuro del evento.

Fulanita Fest 2026 se celebrará en Fuengirola, Málaga, del 25 al 31 de mayo de 2026, con actividades culturales y de ocio durante toda la semana y programación musical principal del 28 al 31 de mayo. Entre las primeras confirmaciones figuran Jennifer Cooke, Fangoria, Chanel, Violeta, Maruja Limón, Sofía Cristo y Claudia León. El jueves 28 de mayo tendrá lugar la Muestra de Artistas Andaluzas a las 21:30 h en el Puerto Deportivo de Fuengirola, un evento gratuito en el que actuarán las tres finalistas del certamen para el empoderamiento del talento femenino andaluz, cuyo premio incluye abrir el escenario del Fulanita Fest 2027 y actuar en el Orgullo de Madrid. El viernes 29 de mayo se celebrará la Fiesta de Bienvenida en el Castillo Sohail, con los directos de Aiko, representante de Eurovisión 2024 por Chequia, y Laura Gallego, la jerezana que ha revolucionado la copla con su DJ set electrónico, además de sesiones de Lunnas DJ, Cori Matius DJ, Mery Martín DJ y Adame DJ. El sábado 30 de mayo, desde las 17:30 h, tendrá lugar el Fulanita Fest Marenostrum en Marenostrum Fuengirola, la jornada principal del festival con las actuaciones de Jennifer Cooke, Violeta, Fangoria y Chanel, además de DJ, zona de food trucks y actividades frente al mar, convirtiéndose en punto de encuentro para miles de mujeres LBT de todo el mundo. El domingo 31 de mayo, de 13:00 h a 23:00 h, el Castillo Sohail acogerá la Fiesta Brunch de Clausura con la Gran Paella Bollera, food trucks con opciones gluten free y las actuaciones de Maruja Limón, Sofía Cristo y Claudia León, además de sesiones de Bailaferias, Mery Martín, Adame y Flashback Dls. De forma paralela, la Fulanita Experience ofrecerá una semana completa de actividades deportivas, culturales y de ocio, incluyendo un ciclo de cine LBT y jornadas de fútbol, vóley y baloncesto femenino. Asimismo, Fulanita Fest en Familia contará con un espacio seguro e inclusivo para las familias diversas, con actividades en la playa, zonas de juegos y entretenimiento para todas las edades, reafirmando el compromiso del festival con la resiliencia de las mujeres lesbianas cabezas de familia.

Clauw continúa consolidando su lugar dentro de la escena urbana y pop española con el lanzamiento de “D4LE”, un nuevo single que apuesta de lleno por la sensualidad, la actitud y la energía de fiesta. El tema, ya disponible en plataformas digitales, captura la química intensa entre dos personas que se desean mutuamente, envolviendo al oyente en una atmósfera atrevida donde el ritmo y el deseo se convierten en protagonistas desde el primer segundo.

“D4LE” se construye sobre una base de reggaetón que mira de frente al sonido oldschool, recuperando su esencia más clásica, pero incorporando matices innovadores que reflejan la identidad musical que Clauw está haciendo suya poco a poco. Con un hook pegadizo que se queda en la cabeza desde la primera escucha, la canción combina actitud, sensualidad y una vibra claramente orientada al club, confirmando la evolución de la artista hacia terrenos cada vez más bailables sin perder su sello personal.

Nacida en Barcelona en 2001 y afincada actualmente en Madrid para desarrollar su carrera, Clauw se ha convertido en una de las figuras emergentes más interesantes del panorama urbano actual. Cantante y compositora, su propuesta se mueve con naturalidad entre el pop contemporáneo, el reggaetón y el afrobeat, siempre con un enfoque emocional muy marcado y una voz suave, pero llena de carácter, que la hace reconocible desde las primeras notas.

Tras debutar en 2023 con canciones como “1000 Veces” y “Cerca del Cielo”, Clauw dio un paso decisivo a comienzos de 2024 con el lanzamiento de su primer EP, “HATARI”, un trabajo que la posicionó como una de las grandes promesas del género urbano. Desde entonces, ha mantenido una estrategia constante de lanzamientos single a single, con temas como “Labios”, “Celoso” u “Hora de 100pre”, construyendo una audiencia fiel especialmente en plataformas como Spotify y TikTok, donde sus estribillos suelen viralizarse por su frescura y cercanía.

En este contexto, “D4LE” representa un movimiento claro hacia un sonido más enérgico y orientado a la pista de baile, sin renunciar al toque sensual que define a la artista. Su alianza con el productor Dímelo Milo y el trabajo junto a la productora Cosmophonix España han elevado notablemente la calidad de su sonido, mientras que su cuidada estética visual, moderna y chic, refuerza una imagen coherente que conecta con el público joven.

“D4LE” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Si quieres seguir el recorrido artístico de Clauw, estar al tanto de sus próximos lanzamientos, videoclips y nuevos proyectos, no dudes en seguirla muy de cerca a través de sus redes sociales.

Sagittopia regresan con fuerza a la escena musical con el lanzamiento de “Risk Of Eclipse”, un potente y envolvente single electro-pop que cuenta con la colaboración del joven vocalista David Adavi. La canción ya se encuentra disponible para escuchar en plataformas digitales, marcando un nuevo capítulo en el universo sonoro del proyecto y reafirmando su apuesta por una electrónica emocional con clara vocación pop.

“Risk Of Eclipse” combina una producción electrónica moderna y vibrante con una composición cargada de sensibilidad, en la que se explora el frágil equilibrio entre la luz y la oscuridad dentro de una relación al borde del colapso. A través de la metáfora de un eclipse, la canción retrata ese momento crítico en el que dos personas luchan por no alejarse, cuando el amor parece a punto de apagarse pero aún conserva la posibilidad de volver a brillar. Lejos de quedarse en la melancolía, el tema transmite un mensaje esperanzador, recordando que la unión, la conexión y la voluntad compartida pueden hacer que la luz regrese incluso en los instantes más oscuros.

Sagittopia es el proyecto de dance-pop creado por el productor A-Slim, con base en Barcelona, y su nombre evoca paisajes galácticos y mundos utópicos que se reflejan claramente en su identidad musical. Inspirado por los sonidos vibrantes de los años 80, el proyecto propone un viaje sonoro a través del tiempo y el espacio, donde melodías contagiosas y ritmos enérgicos se combinan para ofrecer una experiencia nostálgica y, al mismo tiempo, actual, capaz de conectar con oyentes de distintas generaciones.

La colaboración con David Adavi aporta una nueva dimensión emocional a “Risk Of Eclipse”. Con tan solo 18 años, el cantante pop destaca por una propuesta fresca que fusiona melodías mediterráneas con beats modernos. Crecido entre dos culturas, David refleja en sus canciones un deseo universal de conexión y pertenencia, cualidades que se perciben claramente en su interpretación vocal, aportando cercanía y autenticidad al tema.

“Risk Of Eclipse” ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales, donde puedes disfrutarla, compartirla y añadirla a tus listas favoritas. Para más información sobre Sagittopia, David Adavi y sus futuros proyectos, no dudes en seguirlos a través de sus redes sociales.

Tigre y Diamante estrena "Estafa Piramidal" un disco que mezcla tensión con fragilidad, llevando el grupo a una nueva madurez creativa. En los textos, se mantiene su lenguaje crudo habitual, pero afilan su vena punk a base de poesía sucia, humor negro y un realismo descarnado que no se detiene ante las intimidades más inconfesables... Entretanto, en las músicas siguen presentes las guitarras secas, pero aparecen muchas más capas que construyen un muro sónico, donde aflora una nueva fragilidad pop ausente en entregas anteriores.

Los poliédricos once temas que componen el álbum presentan una interesante diversidad... En el tema "Palomas entre halcones" (Feat. Tania Pereira) plantean una escena casi cinematográfica, donde la calma aparente convive con la sensación constante de amenaza; por otro lado, en "Amanecer en la playa" (Feat. Srta. Trueno Negro), hacen un streap tease emocional para mostrar rutinas que se rompen y recuerdos que evocan tensiones antiguas...

Otra de las canciones, "Los asesinos de tus hijos", escenifica una imagen brutal para criticar la cultura popular a través de símbolos reconocibles, donde la normalización de lo violento recibe una crítica política, pero sin consignas. En "Albino busca sexo", se mueven entre la provocación y la ternura torcida, retratando personajes que siguen avanzando a pesar de parecer que están a punto de romperse.

"Minutos musicales" introduce una sensibilidad más introspectiva, mientras que "Soy adicto" (Feat. Nacho Vegas e Igor Paskual), una de las piezas más crudas del álbum, estalla para presentar la obsesión como un inventario de impulsos que ellos gritan, mientras el resto se resiste a admitirlos en voz alta. En "Quieres ser mi amigo", el grupo mezcla humor negro con un trasfondo emocional incómodo: relaciones que no encajan, afectos que se estiran hasta convertirse en lo contrario...

"Represalias químicas" es el momento más atmosférico del disco, perturbadora porque el paisaje bucólico del fondo no solamente no es un refugio, sino que se convierte en un espejo que devuelve imágenes más duras de lo esperado. "Ámame de viernes (Tic-Tac)" juega con la memoria y el paso del tiempo, poniendo el foco en pequeños gestos que hacen que incluso el cuerpo recuerde lo que uno preferiría olvidar. En "Los lunes no te quiere nadie", retratan el desgaste sentimental y una resignación que a veces duele más que la ruptura. El momento más pop del disco llega en "Contigo" (Feat. Milana Bonita), donde la nueva sensibilidad del grupo se hace más patente de lo habitual gracias a la colaboración del grupo invitado.

En "Estafa Piramidal" Tigre y Diamante consolidan su lugar dentro del pop de guitarras actual, pero no por la defensa de fórmulas preestablecidas, sino por mantenerse fieles a un lenguaje propio que combina lo áspero y lo vulnerable. El álbum luce bajo el foco sucio que hace reconocible a la banda, con melodías luminosas que contrastan con las tinieblas de los textos y aportan una voz nihilista, que no resuelve ni cierra, pero intenta acompañar al oyente por un territorio incómodo y emotivo. 

No es fácil componer un disco que golpee y acaricie al mismo tiempo, pero no se puede esperar otra cosa de un grupo emocionalmente afrontativo, artísticamente honesto y tan aficionado al ruido guitarrero como son Tigre y Diamante.

Agus Padilla presenta “VIP”, su nuevo single junto al artista y productor panameño BK, una colaboración que refuerza su posición como una de las voces femeninas más sólidas del género urbano en el Cono Sur. Lanzado y distribuido bajo el sello Warner Music Chile, el tema llega para encender la pista con una propuesta directa, segura y cargada de actitud, donde la energía nocturna y la confianza personal se convierten en protagonistas.

Nacida el 10 de diciembre de 2001 en el barrio Brazo Oriental de Montevideo, Agus Padilla comenzó su camino artístico a una edad muy temprana, subiendo covers a Facebook y YouTube cuando apenas tenía 12 años. Ese primer impulso digital fue el punto de partida de una carrera que no tardó en despegar. En 2017, su single debut “Ni tu amiga ni tu amante” se convirtió en un éxito masivo que la catapultó a la escena urbana regional y le permitió abrir conciertos para artistas de la talla de Daddy Yankee y Bad Bunny.

Desde entonces, Agus Padilla ha construido una trayectoria marcada por la constancia y la versatilidad, consolidándose dentro del reguetón, el RKT y el pop urbano. En los últimos años ha lanzado colaboraciones con nombres destacados como Ecko, Lit Killah y Mesita, y en 2023 presentó su EP Modo Perreo, un proyecto que reafirmó su identidad artística y su conexión con el público. Paralelamente, su carisma la ha llevado también a la televisión, participando en programas como MasterChef Uruguay y ¿Quién es la máscara?, ampliando su alcance más allá de la música.

“VIP” representa un nuevo paso en esta evolución. La canción apuesta por un sonido urbano y de perreo, pensado para el disfrute nocturno y la vibra de la fiesta, haciendo honor a su título y a la idea de exclusividad que atraviesa toda la narrativa. La colaboración con BK, quien además se encarga de la producción, mezcla y masterización, aporta un sonido compacto y contundente, alineado con las tendencias actuales del género, pero con una identidad clara.

En lo lírico, el tema se apoya en frases que refuerzan una estética de empoderamiento y seguridad, con referencias al baile, la energía del club y la selección cuidadosa de quién merece estar cerca. Lejos de ser solo una canción festiva, “VIP” transmite una actitud de control y confianza, donde la protagonista se mueve con libertad y decisión en su propio espacio.

La unión entre Agus Padilla y BK funciona como un cruce natural entre dos artistas que entienden el pulso del urbano contemporáneo y que apuestan por un sonido pensado para conectar de inmediato con el público. “VIP” se suma así a una serie de lanzamientos que confirman a Agus como una figura clave dentro de la nueva generación de artistas femeninas del género.

“VIP” ya se encuentra disponible en streaming en plataformas digitales. Para más información sobre Agus Padilla y sus futuros proyectos, no dudes en seguirla a través de sus redes sociales.

La banda Frank Suz & The Crazzy 88’s presenta su nuevo single “Yakuza Lovers”, disponible a partir del 18 de diciembre, una canción que se perfila como una de las composiciones más representativas de su repertorio. Concebida casi como una pieza fetiche dentro de su universo creativo, el tema condensa a la perfección el imaginario sonoro y cinematográfico del grupo, reafirmando su identidad y su gusto por las atmósferas con carácter de culto.

“Yakuza Lovers” se mueve en un medio tiempo de espíritu surfero que fluye con naturalidad y sorprende al oyente con un inesperado puente chachachá, antes de desembocar en un estribillo luminoso y expansivo que evoca paisajes mediterráneos y transporta directamente a las costas de Grecia. Exotismo, músculo rítmico y una narrativa musical muy visual conviven en una canción que no entiende de límites estilísticos y que invita a dejarse llevar.

La pieza podría encajar sin esfuerzo en la banda sonora de una película de Guy Ritchie, formando parte de ese menú sonoro tan particular que la banda define como Callos de Wagyu, donde cada ingrediente está elegido con precisión. A este universo se suma la colaboración de Hendrik Röver, que aporta un solo de guitarra memorable, elegante y contundente, elevando aún más la intensidad del tema.

El Vox Continental cobra un papel protagonista desde los primeros compases, marcando la melodía principal con personalidad propia hasta terminar explotando en un solo desgarrador que pone el broche final a una canción que confirma a Frank Suz & The Crazzy 88’s en uno de sus momentos más inspirados y creativos.

El lanzamiento de “Yakuza Lovers” llega acompañado de una serie de conciertos que llevarán a la banda por distintas ciudades en los próximos meses, donde el público podrá disfrutar de este nuevo tema en directo junto al resto de su repertorio.

Próximos conciertos
Sábado 27 de diciembre – Wurlitzer, Madrid
Viernes 16 de enero – Ibi Ateneu
Viernes 23 de enero – Peter Rock, Valencia
Viernes 6 de febrero – La Solana, Ciudad Real
Sábado 7 de febrero – Sala Combo, Tomelloso